Após dez artigos resumindo a música jazz criada em 1960, voltamos nosso foco para outro gênero musical que teve muitos picos em 1960. Grandes trilhas sonoras de filmes foram escritas para filmes produzidos em ambos os lados do Atlântico naquele ano por alguns dos principais compositores de filmes. Devido à quantidade de trilhas sonoras maravilhosas naquele ano produtivo, precisamos de dois artigos para revisá-las todas. Começamos com filmes americanos, e que melhor maneira de começar do que dar uma olhada de perto nos vencedores do Oscar.
Em 1960, a categoria para o que é simplesmente intitulado hoje como “Melhor Trilha Sonora Original” foi chamada de “Melhor Trilha Sonora de um Filme Dramático ou Comédia”. Naquele ano, o vencedor e quatro indicados realmente representavam alguns dos melhores compositores de filmes da época, todos escrevendo trilhas sonoras para filmes atemporais. E o vencedor foi… Exodus – Ernest Gold.
Em 1958, a United Artists e o diretor Otto Preminger compraram os direitos do romance Exodus, de Leon Uris, alguns meses antes de sua publicação. O romance foi um sucesso imediato, permanecendo na lista de best-sellers por oitenta semanas. Ele contava de forma dramática a história da fundação do Estado de Israel após o Holocausto judeu.
Preminger estava bem ciente da importância de uma trilha sonora para o sucesso de um filme. Em 1959, ele dirigiu dois filmes que apresentavam jazz com destaque, Porgy and Bess e Anatomy of a Murder. Desta vez, ele convocou Ernest Gold, que colaborou muitas vezes com outro grande de Hollywood, Stanley Kramer.
Gold nasceu em Viena em uma família judia e frequentou a Viennese Akademie für Musik. Sua família migrou para os EUA após o Anschluss da Áustria. Ele passou dez anos compondo músicas para filmes B antes de ser convidado por Stanley Kramer para orquestrar o filme “Not as a Stranger” em 1955. Em 1959, ele criou uma trilha sonora maravilhosa para o drama de ficção científica pós-apocalíptico “On the Beach”.
Gold se juntou a Otto Preminger durante boa parte do processo de filmagem, filmado em vários locais em Israel. Ele começou a compor a música enquanto estava no local, incorporando muitos instrumentos étnicos do Oriente Médio à trilha. A maioria desses instrumentos foi descartada na gravação final, provavelmente devido à pressão do estúdio para atrair ouvidos ocidentais.
Gold escreveu uma hora de música que é tocada durante as três horas e meia do filme épico. O tema musical icônico do filme, que desde então foi tocado inúmeras vezes por uma ampla gama de artistas, foi usado em vários arranjos ao longo do filme. Gold conduziu a Sinfonia of London Orchestra durante a sessão de gravação.
No livro Scoring the Screen: The Secret Language of Film Music, Andy Hill escreve sobre a trilha sonora de Exodus: “Gold está tentando evocar não o Israel de 1948, mas um Israel eterno, tanto de mito bíblico quanto de história bíblica. Um que se mantém firme contra todos os inimigos e se curva apenas à vontade de Deus.”
Após aceitar o Oscar do casal recém-casado Sandra Dee e Bobby Darin, Ernest Gold fez este breve e humilde discurso, agradecendo a um amigo que trabalhava nos bastidores da indústria musical de Hollywood: “Senhoras e senhores, esta é uma grande honra, de fato, e é costume neste momento agradecer às muitas pessoas que contribuíram para tal conquista. Mas eu gostaria de agradecer a um homem que, paradoxalmente, não teve nada a ver com 'Exodus', mas teve muito a ver com minha presença aqui esta noite. Um homem que me animou, que restaurou minha confiança quando ela estava diminuindo e tem sido um grande amigo: nosso supervisor musical, Sr. Bobby Helfer.”
Ernest Gold também ganhou o GRAMMY de Canção do Ano e Melhor Trilha Sonora do Ano. É a única música instrumental a receber esse prêmio.
Passamos de um filme épico para outro e chegamos a uma batalha heroica que ocorreu no Texas em 1836. John Wayne tinha o sonho de fazer um filme sobre a batalha do Álamo desde 1945. Dez anos depois, ele quase realizou esse sonho, mas conflitos sobre orçamento com a Republic Pictures resultaram no aborto do projeto. Ele então assinou com a United Artists, assumindo o controle total como produtor, diretor e co-estrela em uma produção monumental de um filme sobre essa batalha. E quem melhor para compor um filme épico cheio de temas americanos e ocidentais do que Dimitri Tiomkin?
Assim como Ernest Gold, Dimitri Tiomkin nasceu e foi educado na Europa Oriental. Depois de estudar no Conservatório de São Petersburgo, ele se mudou para Hollywood em 1929. Um momento perfeito com o início dos filmes sonoros que levaram a uma necessidade constante de trilhas sonoras dramáticas, como os grandes compositores clássicos. Tiomkin criou o modelo para trilhas sonoras orquestrais densas para acompanhar um faroeste. Filmes como High Noon, Red River, Duel in the Sun, Gunfight at OK Corral e Rio Bravo tinham seu estilo de composição sinfônica característico. Tiomkin encontrou paralelos entre o faroeste e seu país de origem: “Os problemas do cowboy e do cossaco são muito semelhantes. Eles compartilham o amor pela natureza e o amor pelos animais. Sua coragem e suas atitudes filosóficas são semelhantes, e as estepes da Rússia são muito parecidas com as pradarias da América.”
Tiomkin foi o primeiro compositor de Hollywood a escrever uma canção-título e uma trilha sonora completa para um filme. Em 1952, ele escreveu a canção “Do Not Forsake Me Oh My Darling” para o filme High Noon, pelo qual ganhou o Oscar pela trilha sonora e pela canção. Em 1957, ele seguiu com outra canção clássica, “Wild is the Wind”, a música tema do filme de mesmo nome. Ele continuou essa tendência em The Alamo, escrevendo a memorável melodia “The Green Leaves of Summer” cantada por The Brothers Four. A canção e a magnífica trilha sonora completa do filme foram ambas indicadas ao Oscar.
Chegamos a outro épico de Hollywood, este nos transferindo ainda mais para trás no tempo, para a Roma antiga. Em 1951, Howard Fast publicou o romance Spartacus sobre o líder de uma revolta de escravos contra o Império Romano. Kirk Douglass, que foi preterido para o papel principal em Be Hur em favor de Charlton Heston, achou que era um papel alternativo perfeito como um desafiante do grande império. Ele convocou o diretor Stanley Kubrick, que dirigiu quatro longas-metragens até então, com um elenco de mais de 10.000 e um orçamento de seis milhões de dólares. Na época, este foi o filme mais caro já feito na América.
Spartacus é uma história de personagens fortes, um ajuste perfeito para o compositor Alex North, que demonstrou sua habilidade de escrever música para personagens excepcionais em filmes como A Streetcar Named Desire (1951), Death of a Salesman (1951), Viva Zapata! (1952) e Les Misérables (1952). Observando esse aspecto do filme, North disse: “É uma história de tremendo escopo, mas, afinal, quando você tem personagens retratados por Kirk Douglas, Laurence Olivier, Charles Laughton, Peter Ustinov, Jean Simmons e Tony Curtis, o conflito pessoal deve ser predominante.”
North se juntou à produção do filme logo no início, fornecendo dicas musicais para várias cenas. Ele descreveu o processo: “A música temporária foi feita para uma trilha de clique. Tempo metronômico – para que quando fosse reescrita para o corte final, fosse matematicamente precisa.”
Os paralelos traçados no roteiro de Dalton Trumbo entre a Roma antiga e a atmosfera política do final dos anos 1950 na América não passaram despercebidos para Alex North. Trumbo foi notoriamente um dos Dez de Hollywood, na lista negra durante a era McCarthy. North: “A história em si faz um comentário. Ela tem algo a dizer sobre o mundo que existia naquela época e que ainda existe. Decidi evocar o sentimento da Roma pré-cristã em termos do meu próprio estilo contemporâneo e moderno – simplesmente porque o tema de Spartacus, a luta pela liberdade e dignidade humana, é tão relevante no mundo de hoje quanto era naquela época.”
A trilha sonora de North é um épico dentro do épico visual. Ela dura mais de duas horas, e cerca de metade dela é ouvida quando há muito pouco ou nenhum diálogo na tela. North comparou o esforço a escrever duas sinfonias completas. Foi a trilha mais exigente que ele já escreveu: "Mais suor e sangue foram investidos nessa trilha, e mais páginas foram jogadas fora, do que qualquer outra trilha que eu já fiz."
A trilha sonora inclui uma das peças musicais mais tocantes da história do cinema, o tema de amor de Spartacus. Foi gravado inúmeras vezes por artistas tão diversos quanto Bill Evans, Yusef Lateef, Mark Isham, Carlos Santana e muitos outros. Kirk Douglas resumiu bem: “A trilha sonora de Alex North é uma trilha sonora linda. É uma das trilhas sonoras mais brilhantes já escritas. O tema de amor é tão tocante. É uma linda peça musical e acho que Alex pensa nela como provavelmente a melhor coisa que já fez.”
Assim como os três filmes anteriores desta análise, o próximo também é uma adaptação de um romance, desta vez de um dos meus autores favoritos – Sinclair Lewis. Em 1927, Lewis publicou um livro controverso sobre religião e moral, ou mais precisamente, a falta de. Elmer Gantry contou a história de um evangelista cujas atividades de passatempo favoritas são bebida e mulheres. Nem preciso dizer que o livro causou alvoroço na América puritana e foi proibido em Boston e outras cidades. O diretor Richard Brooks teve que esperar vários anos depois de comprar a opção de adaptar o romance para a tela grande antes que um estúdio se sentisse confortável o suficiente com a ideia.
Como muitos outros compositores de Hollywood, André Previn nasceu na Alemanha e veio para os Estados Unidos quando sua família escapou do regime nazista. Ele começou a trabalhar em estúdios de cinema enquanto ainda estava no ensino médio e rapidamente subiu na hierarquia. Ele lembrou: "Felizmente ou infelizmente, tive muito sucesso. Claro, isso me ajudou a desenvolver uma técnica de ensaio muito rápida e me deu um conhecimento seguro de instrumentos." Na década de 1950, ele teve carreiras paralelas em trilhas sonoras para filmes e como pianista de gravações de jazz.
A trilha sonora de Previn para Elmer Gantry combina seus interesses pela música clássica e pelo jazz, usando arranjos orquestrais para temas religiosos e acrescentando Dixieland em sequências de bordel para criar uma atmosfera de pecado.
Uma das maiores conquistas da trilha sonora é a música de abertura, estabelecendo uma sensação de desconforto ao usar harmonia dissonante e técnica rápida de chamada e resposta entre instrumentos de sopro e cordas. A trilha sonora permaneceu como uma das favoritas de Previn entre os muitos filmes em que trabalhou, como ele declarou: “Eu estava associado a 50 filmes, escrevendo 35 trilhas sonoras originais e arranjando outras 15 ou mais. Suponho que as que me lembro com mais alegria são Elmer Gantry, Two for the See-saw, Irma La Douce e Bad Day at Black Rock”.
O indicado final para o Oscar de "Melhor Trilha Sonora de Filme Dramático ou Comédia" em 1960 foi talvez o que contribuiu com o tema de filme mais memorável. Poucos filmes rivalizam com a popularidade da música exuberante e energética que Elmer Bernstein escreveu para The Magnificent Seven. A adaptação americana de Seven Samurai, de Akira Kurosawa, transportou a ação para uma vila mexicana. Aterrorizados por Calvera e sua gangue, os moradores buscam ajuda de um grupo de sete párias que são muito habilidosos com armas de fogo. Dirigido por John Sturges, que anteriormente nos trouxe excelentes faroestes, incluindo Bad Day at Black Rock e Gunfight at the OK Corral, as estrelas do filme incluíam Yul Brynner, Eli Wallach, Steve McQueen, Charles Bronson e James Coburn.
Elmer Bernstein não era novato em filmes de ação ou épicos, tendo composto trilhas sonoras para The Man with the Golden Arm em 1955 e The Ten Commandments em 1956, mas ele aumentou um ou dois níveis em The Magnificent Seven. Mais tarde, ele lembrou que, "O filme foi filmado de uma forma meio vagarosa e eu queria dar um pouco mais de força. Se você assistir ao filme, notará que os andamentos são sempre mais rápidos do que o que realmente está acontecendo na tela."
Bernstein desenvolveu uma relação de trabalho fantástica com Sturges, que continuou em filmes posteriores como The Great Escape em 1963 e Hallelujah Trail em 1965. Ele disse sobre essa colaboração: “John nunca falava sobre música. Nós sentávamos em seu escritório e ele me contava a história do filme. Ele era um ótimo contador de histórias, e o efeito era realmente bastante hipnótico. Quando você terminava de falar com ele, sabia exatamente o que fazer.”
Resumindo sua paixão por escrever trilhas sonoras para filmes do Velho Oeste, Elmer Bernstein disse: “Eu realmente amava os faroestes. Eles eram divertidos de fazer, porque se dirigiam a um tipo particular de Americana que começou com Aaron Copland. Além disso, nos meus primeiros anos, passei muito tempo com música folk americana. Foi como descobrir um mundo mágico. Acho que muito disso ficou comigo; era parte da minha herança musical.”
Chegamos a uma trilha sonora que não foi indicada ao Oscar em 1960, mas é minha favorita de todas as trilhas fantásticas desta análise. Naquele ano, Alfred Hitchcock e Bernard Herrmann colaboraram em alguns dos melhores filmes do diretor, incluindo The Trouble with Harry, The Man Who Knew Too Much, The Wrong Man, Vertigo e North by Northwest. No entanto, por mais crítica que a trilha sonora tenha sido para cada um desses filmes, nenhum se beneficiou da música de Herrmann como Psycho. Diante de um orçamento apertado, Hermann optou por usar apenas cordas para esta trilha, mas a limitação produziu uma das trilhas mais inovadoras e reconhecidas de todo o cinema. Em uma entrevista de 1971, Herrmann disse que usou apenas cordas porque sentiu que poderia complementar a fotografia em preto e branco criando um som em preto e branco.
O clima do filme inteiro é definido logo no começo com os títulos de abertura. Em forte contraste com o uso comum de cordas principalmente para cenas românticas, o tom aqui é sombrio, taciturno e mantém você na ponta da cadeira durante todo o filme. A música do título, chamada “Prelude”, trabalha de mãos dadas com as linhas interligadas da sequência de abertura, criada pelo designer gráfico Saul Bass.
Herrmann disse sobre os títulos de abertura: “A função real de um título principal deve ser definir o pulso do que vai acontecer a seguir. Eu escrevi o título principal de Psicose antes de Saul Bass fazer a animação. Eles animaram conforme a música. O drama começa com os títulos. Depois dos títulos principais, você sabe que algo terrível vai acontecer.”
Observe a colocação significativa do nome de Bernard Herrmann na sequência de créditos, pouco antes de Alfred Hitchcock como diretor, um lugar raro para créditos de trilha sonora de filme.
O filme foi rodado antes da música ser composta e quase foi abandonado pelo diretor. Hermann lembra: “Hitchcock sentiu que não deu certo. Ele queria reduzi-lo para um programa de televisão de uma hora e se livrar dele. Eu tinha uma ideia do que se poderia fazer com o filme, então eu disse: 'Por que você não vai embora nas suas férias de Natal e, quando voltar, gravaremos a trilha sonora e veremos o que você acha.'”
As restrições impostas a Herrmann devido à sua escolha de um conjunto somente de cordas foram significativas, especialmente quando se trata desse gênero de filme. O compositor e musicólogo Fred Steiner: “A seleção de uma orquestra de cordas por Herrmann o privou de muitas fórmulas e efeitos musicais testados e comprovados que, até então, eram considerados essenciais para filmes de suspense e terror: rufar de címbalos, pulsar de tímpanos, picadas de trompa abafadas, clarinetes estridentes, trombones ameaçadores e dezenas de outros itens básicos na bolsa de truques musicais assustadores e arrepiantes de Hollywood.” De fato, ao longo do filme, as cordas tocam com um dispositivo de abafamento colocado na ponte, criando um efeito mais escuro e intenso. Todas as cenas, exceto uma. Você provavelmente adivinhou de qual cena estamos falando, pois é uma das cenas mais icônicas da história do cinema, e milhares de estudantes de trilhas sonoras a analisam como parte essencial de seus estudos.
Se tivesse sido deixado para as instruções iniciais de Hitchcok, aquela cena poderia ter sido esquecida há muito tempo. Quando Herrmann propôs escrever a música, Hitchcok respondeu: “'Bem, faça o que quiser, mas só uma coisa eu lhe peço: por favor, não escreva nada para o assassinato no chuveiro. Isso deve ser sem música.”
Hitchcock sabia que essa era uma cena-chave no filme. Ele preferiu mantê-la em silêncio, pensando que os gritos de Janet Leigh por si só criariam o efeito arrepiante que ele estava procurando. O trabalho de câmera e a edição naquela cena são fantásticos, usando montagem para evitar cruzar o código de nudez em Hollywood na época. O efeito de choque daquela cena foi incomparável, não apenas por causa da violência extremamente fria, mas porque Hitchcock eliminou o papel da protagonista em uma terceira parte do filme. E então há a música com os violinos batendo. Herrmann falou sobre aquela cena: "Muitas pessoas perguntaram como eu consegui os efeitos sonoros por trás da cena do assassinato. 'Os violinos fizeram isso! São apenas as cordas fazendo algo que todo violinista faz o dia todo quando ele afina. O efeito é tão comum quanto pedras."
De um filme de Hollywood de baixo orçamento ao mestre dos filmes de baixo orçamento. Durante o período de 4 anos entre 1955-1958, Roger Corman dirigiu e/ou produziu 28 filmes. Isso é uma média de 7 filmes por ano. Corman dominou a arte de produzir um filme muito rápido e muito barato, com orçamentos raramente ultrapassando US$ 50.000 por filme. Em 1960, ele lançou 5 filmes, 4 deles como diretor.
Um dos filmes começou com a ideia de canibalismo, que por razões óbvias foi rapidamente domesticado para uma planta devoradora de homens. Pegando emprestadas muitas ideias de um filme que ele produziu no ano anterior chamado "A Bucket of Blood", a história se passa em um único local. Por "empréstimo", quero dizer que ele realmente pegou emprestadas partes não utilizadas do set para cortar custos, prosseguindo para filmar o filme inteiro em poucos dias. Ele filmou com duas câmeras simultaneamente para obter mais cobertura em menos tempo e pagou ao ator principal US$ 400. O gasto total foi de US$ 30.000, resultando no clássico filme cult "The Little Shop of Horrors".
A trilha sonora foi escrita por Fred Katz, um dos primeiros músicos a focar no violoncelo como instrumento solo no jazz. Mais conhecido como membro do quinteto do baterista Chico Hamilton, um grupo que estava prosperando na cena de jazz de câmara da Costa Oeste dos anos 1950, ele começou a compor músicas para filmes no final dos anos 1950. Corman o chamou pela primeira vez para compor a trilha sonora de "A Bucket of Blood" e continuou a trabalhar com ele em "The Wasp Woman", "Ski Troop Attack" e "Battle of Blood Island" (adoro esses títulos). Katz falou sobre a música de The Little Shop of Horrors: "A música foi retirada de trilhas sonoras que eu havia escrito para Corman e montada por um editor musical, então, embora meu nome esteja nos créditos, eu não escrevi a música para aquele filme em particular - mas é minha música."
Esta é uma trilha sonora fantástica, incorporando jazz, música de câmara, arranjos de metais e vanguarda clássica. Para músicos inovadores, filmes de baixo orçamento forneceram oportunidades. Katz: “Em alguns dos chamados filmes de baixo orçamento, algumas das músicas mais experimentais e de vanguarda saíram deles porque eles pensaram, 'que diabos, você não tem nada a perder, vamos tentar algo diferente.'”
Um fato curioso na colaboração entre Corman e Katz é que o compositor não gostou do resultado final, como ele confessou: “Todo mundo parece gostar de The Little Shop of Horrors, mas eu odiei. Eu odiei todos os filmes que Corman fez, mas você tem que ser um profissional sobre isso. É nisso que você tem que trabalhar, e você faz isso da melhor forma que pode.” De fato.
Mais um filme de Roger Corman em 1960 deu início a uma grande série de filmes baseados nos escritos de Edgar Allan Poe. House of Usher é baseado no conto “The Fall of the House of Usher”, publicado pela primeira vez em 1839. Nesta série, Corman colaborou com o compositor Les Baxter, que fez a trilha sonora de vários filmes para a American International, a produtora com a qual Corman trabalhou. Baxter é mais conhecido pela infinidade de álbuns no gênero exótico que lançou na década de 1950, incluindo o clássico “Quiet Village” em 1951. Trabalhar para a American International fez de Baxter uma combinação perfeita para os projetos de baixo orçamento de Corman. Baxter: “Fizemos a gravação real de cada trilha sonora em 4 a 6 horas. Os grandes estúdios levavam semanas para gravar, alguns dos meus amigos levavam o dia todo para fazer um título principal, mas é claro que eu terminaria uma trilha sonora inteira em meio dia.”
Assim como Fred Katz, que compôs a trilha sonora de The Little Shop of Horrors, Baxter estava sozinho escrevendo a música, com muito pouca interação entre ele e o diretor: “Roger Corman nunca se interessou pela música, nunca compareceu a uma sessão de gravação. Acho que ele era mais um homem de negócios do que qualquer outra coisa. Roger e eu fomos contratados separadamente e trabalhamos separadamente.” Por mais rápido e intenso que fosse o processo de composição da trilha sonora, Baxter achou gratificante: “Eu compunha rapidamente enquanto ele passava para a próxima. Mesmo assim, gosto de sentir que tenho um interesse sério em cada trabalho que faço, mesmo que as fotos que fiz tenham sido fotos rápidas. Levo cada nota que escrevo muito a sério. Sinto que ela me representa e é uma composição original. Então, levei cada filme, não importa o quão pequeno, muito a sério e tentei escrever uma obra musical muito boa e original.”
Baxter escreveu cerca de 100 trilhas sonoras de filmes durante sua carreira produtiva e, quando perguntado sobre suas favoritas, ele mencionou algumas, incluindo este comentário: "Acho que House of Usher tem alguns sons certamente inovadores para uma trilha sonora de filme".
Encerramos esta análise com uma das minhas combinações favoritas de visuais e música, um clássico filme de assalto acompanhado por excelentes arranjos de jazz de big band. No final da década de 1950, o Rat Pack, liderado por Frank Sinatra, estava no auge de sua popularidade. Sua presença constante em Las Vegas fez do local um cenário perfeito para um filme sobre o roubo simultâneo de cinco cassinos. Era natural para Sinatra contratar Nelson Riddle para compor e arranjar a trilha sonora de Onze Homens e um Segredo. Riddle trabalhou em estreita colaboração com Ole 'Blue Eyes desde meados da década de 1950 e foi responsável pelos arranjos fantásticos em álbuns clássicos de Sinatra, incluindo "In the Wee Small Hours", "Songs for Swingin' Lovers!", "Close To You", "A Swingin' Affair!" e "Frank Sinatra Sings for Only the Lonely".
Como outros filmes analisados aqui, a sequência de abertura foi criada por Saul Bass, e Nelson Riddle criou a música perfeita para ela, começando com instrumentos de percussão e xilofone para acentuar os onze créditos dos personagens principais. Ao longo do filme, você pode ouvir seus excelentes arranjos de jazz de material original e músicas bem conhecidas, como Ee-O-Eleven e Auld Lang Syne (tocadas em uma tonalidade diferente para cada um dos cinco cassinos sendo roubados).
Nelson Riddle continuou a compor trilhas sonoras para filmes com Frank Sinatra e outros membros do Rat Pack no início dos anos 1960, nenhum deles tão memorável quanto Onze Homens e um Segredo. Ele será mais lembrado pelos álbuns clássicos que arranjou para cantores de jazz, incluindo Frank Sinatra, Ella Fitzgerald, Nat King Cole, Rosemary Clooney, Peggy Lee e outros.
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