Good Times - Chic

 

Tempos de Deus, Chique

     Em 1979, no auge da era disco e com a economia americana em colapso, o Chic lançou "Good Times",  uma canção que se tornou um hino de uma geração. Por trás de sua atmosfera festiva e contagiante, esconde-se uma crítica sutil ao contexto social da época.

Produzida por Nile Rodgers e Bernard Edwards , os gênios por trás do Chic , e lançada pela  Atlantic Records como parte do álbum Risqué , a canção é elegante; a linha de baixo de Edwards  (considerada uma das mais influentes de todos os tempos) cria um groove com uma precisão rítmica relaxada, porém vibrante, e Rodgers contribui com seu estilo característico de guitarra funk, com acordes nítidos e precisos que complementam a melodia sem sobrecarregá-la.  A produção é sofisticada, porém minimalista. Os arranjos de cordas são magníficos, adicionando um toque de glamour sem exageros, e a edição meticulosa garante que a música soe atual mesmo décadas após seu lançamento.

Liricamente, a canção é brilhante. A estrutura é simples: o refrão repetitivo "Good times / These are the good times" nos convence de que, apesar de tudo, há motivos para celebrar. No entanto, a letra inclui referências históricas que revelam um significado mais profundo, falando da recuperação após a Grande Depressão e criando um paralelo com a situação econômica do final da década de 1970, marcada por inflação, desemprego e incerteza. Apesar de tudo, a canção não sucumbe ao pessimismo e, embora celebre, não se deixa levar ingenuamente pelo esquecimento da realidade. É uma celebração consciente, uma festa de olhos abertos. Rodgers e Edwards entenderam que a disco music poderia ser mais do que apenas brilho e lantejoulas; poderia ser uma ferramenta para expor a realidade sem jamais perder o ritmo. Com "Good Times " ,  o Chic alcançou o que poucos artistas conseguiram: criar uma canção acessível, leve e atemporal, mas simultaneamente profunda e crítica.

Girls Got Rhythm - AC/DC

 

Girls Got Rhythm, AC/DC

     Antes do mundo ficar sério, antes dos roqueiros se preocuparem com causas sociais e letras introspectivas, já existia o AC/DC . E em 1979, esses australianos, com mais eletricidade do que uma tempestade no interior da Austrália, nos presentearam com Highway to Hell , que também foi o último grito de guerra de seu vocalista, Bon Scott, antes de ascender ao panteão dos grandes artistas.  Gravado entre março e abril de 1979 no Roundhouse Studios , em Londres , Highway to Hell foi o primeiro álbum da banda produzido por Robert John "Mutt" Lange , um cara que sabia como fazer riffs soarem como golpes de martelo e vocais que perfurariam seu crânio. Lange poliu o som sem remover a aspereza, e era exatamente disso que o AC/DC precisava : um pouco de ordem em meio ao caos.  Lançado em 27 de julho de 1979 pela Atlantic Records , o álbum foi um sucesso estrondoso. Vendeu milhões de cópias, tornou-se um clássico instantâneo e, claro, escandalizou mais de um pai preocupado com o bem-estar moral de seus filhos. Felizmente, muitos reconheceram que  Highway to Hell era um caminho direto para o paraíso do rock 'n' roll.

E entre os hinos deste álbum, uma música se destaca pelo seu ritmo: "Girls Got Rhythm",  a segunda faixa do álbum, lançada como single em 2 de novembro de 1979. Desde o primeiro segundo, você sabe que entrou no território do AC/DC : guitarras afiadas como navalhas, bateria pulsando como se Phil Rudd estivesse furioso com o mundo, e Bon Scott cuspindo versos como se estivesse relatando uma noite de excessos que provavelmente aconteceu, mas da qual ele não se lembra. E tudo executado com precisão cirúrgica.  A letra é uma homenagem descarada à mulher que, segundo Bon , tem mais ritmo que um trem desgovernado. Não há metáforas profundas ou duplos sentidos refinados; o AC/DC não precisa de sutileza porque eles não vieram para filosofar, vieram para te sacudir até o âmago.  Musicalmente, a canção é um exemplo perfeito do estilo da banda: riffs cativantes, refrões que grudam na cabeça como chiclete na sola do sapato e uma produção que, graças a Mutt Lange , adiciona camadas sem perder a essência crua.

"Girls Got Rhythm" foi uma das últimas músicas que Bon Scott escreveuantes de sua morte, em fevereiro de 1980. E certamente deixou sua marca. A letra é uma ode à satisfação carnal, mas com aquele toque de humor e malícia que só Bon conseguia transmitir sem soar vulgar — bem, sem soar vulgar demais. A música não teve um grande impacto nas paradas musicais, mas ressoou profundamente com os fãs e também nas rádios AOR (Adult Oriented Rock) nos Estados Unidos. Na Europa, foi lançada como single, mas não conseguiu alcançar posições altas nas paradas. Mas isso importava? Para o AC/DC, o que importava era que as pessoas a ouvissem, cantassem junto e se sentissem em uma festa sem fim, com cerveja, música e amplificadores no volume máximo.

Portobello Belle - Dire Straits

 

A história por trás da canção "Portobello Belle" é, de certa forma, a história de um famoso pub chamado "The Duke of Wellington", localizado no número 179 da Portobello Road, em Londres. O pub era famoso por ser frequentado por músicos como The Dubliners, Donovan e Jimi Hendrix , entre outros. Mark Knopfler escreveu a canção lá, inspirado pela bela filha do gerente do pub.

"Portobello Belle" fazia parte de "Communiqué" (1979) , o segundo álbum de estúdio do Dire Straits , e embora o single promocional escolhido tenha sido "Lady Writer" (outra canção inspirada em uma mulher), esta música sobre uma garota de Portobello tem um charme especial, pois não se limita a descrever a garota, mas a letra menciona vários personagens típicos do pitoresco local londrino, transitando com maestria entre o romantismo e a atmosfera boêmia do típico pub londrino.

Estamos falando de uma música injustamente subestimada, mas para os fãs de longa data do Dire Straits , "Portobello Belle" é uma das melhores canções de Mark Knopfler , uma faixa delicadamente bela que traz um sorriso ao rosto e poderia facilmente ser considerada uma das melhores músicas para tocar em um encontro romântico. Em resumo, uma música que só foi possível graças ao talento de Knopfler para compor músicas excelentes.  

Boys don't cry - The Cure

 

" Boys Don't Cry ", lançada originalmente em 1979, é uma daquelas canções que marcaram um ponto de virada tanto para o The Cure quanto para a música britânica do final dos anos setenta. Composta por Robert Smith, Michael Dempsey e Lol Tolhurst, essa faixa é um manifesto inicial do som que a banda desenvolveria posteriormente, uma mistura de sensibilidade pop e a melancolia característica do pós-punk. Apesar de sua aparente leveza musical, " Boys Don't Cry " esconde uma profundidade emocional que a torna uma das canções mais emblemáticas e universais do grupo.

Desde os acordes iniciais da guitarra, a música se desenrola com um ritmo rápido, direto e contagiante. Sua estrutura pop, com uma melodia cativante e um refrão fácil de lembrar, contrasta fortemente com a letra introspectiva e amarga. Smith canta sobre a dificuldade de expressar dor e vulnerabilidade masculina, sintetizada no verso que dá título à canção: “Eu tento rir disso, escondendo as lágrimas nos meus olhos, porque meninos não choram”. A voz jovem e um tanto distante do cantor transmite a contradição entre o desejo de demonstrar sentimentos e a pressão social para escondê-los.

Musicalmente, “ Boys Don’t Cry ” é um exemplo perfeito do estilo minimalista, porém energético, do início da carreira do The Cure . A guitarra rítmica de Smith e o baixo melódico de Dempsey criam uma atmosfera cintilante, enquanto a bateria de Tolhurst mantém um pulso constante e pulsante. É uma canção que pode soar alegre, mas essa alegria é apenas uma máscara: por baixo dela, escondem-se arrependimento, orgulho e uma sinceridade dolorosa.

A letra, simples, porém precisa, reflete um tema universal: a negação emocional como mecanismo de sobrevivência. O protagonista tenta manter a compostura após perder alguém importante, mas acaba reconhecendo sua impotência. Numa época em que as normas de masculinidade eram particularmente rígidas, o The Cure transmitiu, de forma sutil, uma mensagem à frente de seu tempo: os homens também sofrem, e esconder as lágrimas não os torna mais fortes.

Ao longo dos anos, " Boys Don't Cry " tornou-se um hino de uma geração e uma das canções mais queridas do The Cure . Sua mistura de vulnerabilidade e frescor permanece relevante mais de quatro décadas depois. É uma obra que encapsula o espírito da banda: a beleza que surge da dor, a melancolia disfarçada de pop e a honestidade emocional como forma de resistência. Em última análise, é uma canção que continua a nos lembrar que chorar, às vezes, também é uma forma de coragem.

Lady Writer - Dire Straits

 

" Lady Writer " é uma daquelas canções que, embora não tenha alcançado o status de clássico absoluto no repertório do Dire Straits , encapsula perfeitamente a essência do grupo em seus primeiros anos: elegância, sutileza narrativa e um som que combina virtuosismo técnico com uma naturalidade quase despreocupada. Lançada em 1979 como o segundo single do álbum Communiqué, a canção mostra uma banda já consolidada após o sucesso de seu álbum de estreia homônimo, mas ainda em busca de sua identidade perante o público e a crítica.

Desde os primeiros segundos, o estilo inconfundível de Mark Knopfler na guitarra fica evidente. Seu jeito limpo, preciso e melódico de tocar define o ritmo e a atmosfera, acompanhado pela sólida seção rítmica de John Illsley no baixo e Pick Withers na bateria. A produção, assinada pelos lendários Jerry Wexler e Barry Beckett, mantém o som discreto e espaçoso que caracteriza o Dire Straits desde o início: uma mistura de rock, blues e um toque de folk urbano.

A letra de “ Lady Writer ” carrega a marca narrativa típica de Knopfler: observação do cotidiano, uma história minimalista e uma melancolia sutilmente sugerida. O narrador vê uma escritora na televisão — a “escritora” — e ela o faz lembrar de alguém do seu passado, provavelmente um amor perdido ou uma mulher que o marcou de alguma forma. Knopfler evita o sentimentalismo direto, preferindo retratos fugazes e um tom reflexivo. O verso “Ela é apenas mais uma escritora / se consumindo” funciona tanto como uma descrição da protagonista quanto como uma metáfora para a vida criativa, para o preço que se paga por ganhar a vida com palavras ou música.

Musicalmente, “ Lady Writer ” compartilha muitas semelhanças com o sucesso anterior do grupo, “Sultans of Swing”. De fato, alguns críticos da época consideraram-na uma continuação desse estilo, embora com menor impacto comercial. No entanto, enquanto “Sultans” retratava a atmosfera boêmia dos pubs londrinos, “ Lady Writer ” direciona-se para um espaço mais íntimo, televisivo e doméstico, refletindo a capacidade de Knopfler de encontrar poesia no cotidiano.

Embora não tenha alcançado o mesmo nível de sucesso que seu antecessor, " Lady Writer " consolidou a reputação do Dire Straits como uma banda com uma voz única em um cenário dominado pelo punk e pela new wave. Sua combinação de narrativa cinematográfica, guitarras cristalinas e um ritmo contido permanece um exemplo do equilíbrio refinado que definiu a banda em seus primeiros anos. Em última análise, é uma joia discreta no catálogo do Dire Straits : elegante, melódica e profundamente humana.

(Ghost) Riders In The Sky - Johnny Cash

Na vasta e árida paisagem da música country e folk, poucas canções cavalgaram com tanta força e persistência quanto " Ghost Riders in the Sky ". E de todas as vozes que tentaram domar esse potro selvagem de canção, a de Johnny Cash é talvez a mais autorizada, aquela que melhor encapsula sua essência sinistra e moral. Sua versão, gravada para o álbum "Silver" de 1979, não é apenas uma interpretação; é uma personificação.  Johnny Cash  não canta sobre a lenda; ele é a testemunha, o velho cowboy que narra, com a urgência de quem encarou o abismo, seu encontro sobrenatural.

A narrativa da canção é puro folclore gótico americano. Um cowboy, em um pôr do sol eterno e tempestuoso, testemunha uma visão dantesca: uma horda de cowboys fantasmas, condenados a perseguir eternamente uma manada de gado demoníaco através de um céu acobreado. A letra é rica em imagens apocalípticas: "um brilho vermelho" nas nuvens, bestas com olhos flamejantes e hálito sulfuroso, e os cavaleiros de rostos esqueléticos em uma cavalgada que é um eco amaldiçoado do Velho Oeste. O refrão, com seu inesquecível "Yippee-ki-yay, yippee-ki-yoh", não é um grito de alegria, mas um lamento espectral, o som da própria danação.

A genialidade de Johnny Cash reside na forma como ele imbuí essa história de horror com uma humanidade imensa. Em 1979, sua voz já era um instrumento bem curtido, um barítono rouco com a textura de madeira antiga. Quando ele canta, não há dúvida de que está relatando uma verdade que o marcou profundamente. Não há drama excessivo; em vez disso, há uma solenidade sombria, quase bíblica. Cada palavra carrega peso, cada pausa é densa como o assobio do vento do deserto. A produção musical, característica do "Tennessee Sound" de Johnny Cash , é austera, porém poderosa: um violão que marca o ritmo como cascos de cavalo, um baixo firme e profundo como um trovão distante e um coro de apoio que eleva a cena a um plano quase religioso.

Mas, além do espetáculo sobrenatural, Johnny Cash enfatiza a mensagem moral central da canção. O aviso do cavaleiro fantasma ao protagonista — "Você precisa mudar de vida se quiser salvar sua alma!" — é o cerne de tudo. A lenda não é apenas uma história de fantasmas; é uma parábola sobre redenção e as consequências de uma vida de pecado. Na visão de mundo de Johnny Cash , sempre permeada por sua luta pessoal entre a luz e as trevas, esse aviso ressoa com particular força. O cowboy não é apenas um espectador; ele é uma alma potencialmente condenada, e a visão é sua última chance de se redimir.

A versão de Johnny Cash para " (Ghost) Riders in the Sky " é, portanto, a definitiva, pois atinge o equilíbrio perfeito. É uma canção de cowboy, com toda a aventura e vigor que isso implica, mas também é um sermão do púlpito da fronteira, um lembrete de que nossas ações nos assombram além da morte. É o "Homem de Preto" enfrentando cavaleiros mais negros que a noite, e nesse confronto, ele nos presenteia com uma das baladas mais hipnóticas, poderosas e eternamente fascinantes de seu vasto e lendário repertório. Uma canção que, assim como os próprios cavaleiros, parece destinada a cavalgar para sempre na memória coletiva.

ROCK ART

 

Five Dogs - Falsos Profetas - 2025 (EP)

 

 

Gênero: Heavy Metal, Hard Rock

01 Lobotomia (Lobo em Pele de Cordeiro)

02 Esperança

03 Falsos Profetas

04 Mensagem das Estrelas

MUSICA&SOM ☝

Annihilation - Evil Churches - 2024 (EP)

 

Gênero: Death Metal

1. Sexual Violence 

2. Serial Killer

3. Doom

4. The Walls of Death 

MUSICA&SOM ☝

Ecos Póstumos - O Verdadeiro Eu - 2025

Gênero: Black Metal

1. O Triste Velório Pueril 

2. A Cova

3. Falha

4. Surto Psicótico

5. Marcha dos Moribundos

6. Flores Narcóticas

7. O Absurdo

8. A Fera (Remix)

MUSICA&SOM ☝

Lift - Lift 1977 (East Germany, Symphonic Prog)

 

- Henry Pacholski - vocals
- Michael Heubach - organ, electric piano, synthesizer
- Wolfgang Scheffler - electric piano, mellotron, synthesizer
- Till Patzer - alto saxophone, flute, vocals
- Gerhard Zachar - bass, vocals, leader
- Werther Lohse - drums, vocals
+
- Christiane Ufholz - female vocals (10)

01. Wasser und Wein (Michael Heubach/Kurt Demmler) - 3:41
02. ...Fällt der erste Reif (Wolfgang Scheffler/Ingeburg Branoner) - 4:12
03. Und es schuf der Mensch die Erde (Michael Heubach/Kurt Demmler) - 3:24
04. Jeden Abend (Michael Heubach/Kurt Demmler) - 4:07
05. Früh am Morgen (Michael Heubach/Henry Pacholski) - 4:17
06. Ballade vom Stein (Michael Heubach/Henry Pacholski) - 9:49
07. Du falsche Schöne (Werther Lohse/Ingeburg Branoner) - 2:51
08. Komm her (Wolfgang Scheffler/Ingeburg Branoner) - 3:29
09. Abendstunde, stille Stunde (Gerhard Zachar, Werther Lohse/Kurt Demmler) - 4:24
Bonus:
10. Komm nicht wieder (Jürgen Heinrich/Hans-Joachim Krause) - 3:43

Berluc - Reise zu den Sternen 1979 (East Germany, Heavy Prog)

 

- Manfred Kähler - vocals
- Gerhard Pöppel - guitar (01-08)
- Alexander Stehr - keyboards
- Günter Briesenick - bass
- Dietmar Ränker - drums
+
- Detlev Brauer - guitar (09,10)
- Volkmar Andrä - producer

01. Hallo Erde, hier ist ALPHA (Alexander Stehr/Sabine Heese) - 4:48
02. Bleib, Sonne, bleib (Manfred Kähler/Jo Schaffer) - 4:03
03. Alter Traum (Manfred Kähler/Ingeburg Branoner) - 3:38
04. Feuer in der Welt (Manfred Kähler/Kurt Demmler) - 7:01
05. Flügel (Alexander Stehr/Kurt Demmler) - 4:26
06. Computer 3-4-x (Alexander Stehr/Kurt Demmler) - 3:16
06. Du bist kein Mensch (Gerhard Pöppel/Kurt Demmler) - 2:46
07. Blaue Stunde (Gerhard Pöppel/Kurt Demmler) - 3:32
08. Reise zu den Sternen (Alexander Stehr/Kurt Demmler) - 6:18
Bonus:
09. Fliegen vor der Zeit (1982) (Alexander Stehr, Manfred Kähler/Kurt Demmler) - 4:36
10. Sind wir allein (1982) (Manfred Kähler/Kurt Demmler) - 4:27

Miles Davis - Pangaea (1975)

Esta é a segunda de duas apresentações de fevereiro de 1975 no Osaka Festival Hall, no Japão. Este é o show da noite; o lançamento da Columbia, Agharta, foi o show da tarde. Pangaea é composto por um LP duplo ou um CD duplo com duas faixas, "Zimbabwe" e "Gondwana". Cada uma é dividida em duas partes. A banda aqui é formada por Sonny Fortune nos saxofones, Pete Cosey (que também tocou sintetizador) e Reggie Lucas nas guitarras, Michael Henderson no baixo, Al Foster na bateria, James Mtume na percussão e Davis no trompete e órgão. A banda, sem dúvida inspirada por sua incrível apresentação mais cedo naquele dia, entra com tudo, e eu digo isso como Muhammad Ali, não Benny Goodman. Este é um show sem concessões. Davis parece estar defendendo a ideia de "Que diabos são melodia e harmonia? E que venha o funk -- e já que estamos falando nisso, Pete, detone nessa guitarra. Mais bateria!" Se há algo consistente nessa bagunça generalizada, onde todos interagem em um groove sujo e poderoso, com a improvisação em seu auge, é a invenção rítmica, ou melhor, "polirrítmica". Mtume e Foster são monstruosos ao conduzir essa jam session obscura ("Zimbabwe" é um set, e "Gondwana" é o segundo da noite) com linhas surreais. Quando Cosey não está arrancando os captadores de sua guitarra, ele adiciona suas mãos a vários instrumentos de percussão em busca do poderoso funk voodoo influenciado por Miles Davis. E embora seja verdade que este set seja tão implacável quanto o da Agharta, não é tão bem-sucedido, embora seja bastante satisfatório. A razão é simples: a dinâmica e as tensões dramáticas da sessão da tarde jamais poderiam ter sido replicadas, pois dependiam de condições perfeitas. Aqui, embora os humores e as texturas sejam mantidos e o fluxo seja bastante livre, a tensão dramática não está tão presente; o clima não é tão sombrio. E embora a performance de certos músicos aqui possa ser melhor do que em Agharta, a performance da banda como um todo não está no mesmo nível. Dito isso, este ainda é um disco ao vivo essencial de Miles Davis e vai te impressionar tanto quanto Agharta. As pessoas reclamavam, durante essa turnê, que Davis tocava de costas para o público com frequência — Lester Bangs chegou a dizer que o odiava por isso. Mas se você estivesse tão concentrado em criar um som tão horrivelmente belo do nada, talvez não tivesse tempo para socializar.

Estilos:
Jazz-Rock
Jazz-Funk
Fusion

Faixas:
01 - Zimbabwe (41:18)
02 - Gondwana (46:50)

Formação:
Miles Davis – trompete elétrico com Wah Wah, órgão
Sonny Fortune – saxofone soprano, saxofone alto, flauta
Pete Cosey – guitarra elétrica, sintetizador, percussão
Reggie Lucas – guitarra elétrica
Michael Henderson – baixo elétrico
Al Foster – bateria
James "Mtume" Forman – conga, percussão, tambor de água, caixa de ritmo

Return to Forever - Where Have I Known You Before (1974)

 

Neste álbum Return to Forever, o guitarrista Al DiMeola estreia com o quarteto de fusion pioneiro, uma formação influente que também contava com o tecladista Chick Corea, o baixista Stanley Clarke e o baterista Lenny White. Neste conjunto energético, breves interlúdios separam as faixas principais: "Vulcan Worlds", "The Shadow of Lo", "Beyond the Seventh Galaxy", "Earth Juice" e a extensa "Song to the Pharoah Kings". Recomenda-se aos puristas do violão acústico que evitem esta música, mas ouvintes que cresceram ouvindo rock e desejam explorar o jazz acharão esta música estimulante bastante acessível.

Estilos:
Fusion
Post-Bop.

Faixas:
01 Vulcan Worlds
02 Where Have I Loved You Before?
03 Shadow of Lo
04 Where Have I Danced With You Before
05 Beyond the Seventh Galaxy
06 Earth Juice
07 Where Have I Known You Before?
08 Song to the Pharoah Kings.

Formação:
Chick Corea – piano elétrico / piano acústico / órgão / sintetizadores / percussão;
Stanley Clarke – baixo elétrico / órgão / sinos / carrilhões;
Lenny White – bateria / percussão / congas e bongôs;
Al di Meola – guitarra elétrica / violão de doze cordas.

Return to Forever - No Mystery (1975)

A segunda formação do Return to Forever de Chick Corea durou apenas três anos, resultando em quatro gravações influentes, sendo este o terceiro álbum. Os teclados versáteis e o talento para composição de Corea, a guitarra intensa e roqueira de Al DiMeola, o baixo elétrico funky de Stanley Clarke e a bateria poderosa de Lenny White se combinaram para criar um verdadeiro supergrupo de fusion. Os destaques deste conjunto apaixonado incluem "No Mystery" e a "Celebration Suite" de Corea, dividida em duas partes.

Estilo:
Fusion

.Formação:
Chick Corea – piano acústico / piano elétrico / clavinet / órgão / sintetizadores / caixa / marimba / vocais;
Stanley Clarke – baixo elétrico / baixo acústico / órgão / sintetizador / vocais;
Lenny White – bateria / percussão / congas / marimba;
Al di Meola – guitarra elétrica / guitarra acústica.

Faixas:
01 Dayride
02 Jungle Waterfall
03 Flight of the Newborn
04 Sofistifunk
05 Excerpt from the First Movement of Heavy Metal
06 No Mystery
07 Interplay
08 Celebration Suite, Pt.1
09 Celebration Suite, Pt.2.

Al Di Meola - Tirami Su (1987)

Al di Meola, que em seus primeiros tempos por vezes sacrificava a sensibilidade em prol da velocidade (sempre teve uma técnica notável), cresceu e se desenvolveu ao longo dos anos. Seu último dos três lançamentos pela Manhattan é o melhor de sua carreira, um sexteto com o tecladista Kei Akagi, o baixista elétrico Anthony Jackson, o baixista acústico Harvie Swartz, o baterista Tommy Brechtlein e seu percussionista de longa data, Mino Cinelu. Tendo superado suas raízes na música fusion, o interesse de di Meola pela world music e pela música folclórica de outros países transparece neste conjunto vibrante, particularmente em faixas como "Beijing Demons", "Song to the Pharoah Kings" e a empolgante "Rhapsody of Fire".

Estilos:
Fusion
Jazz-Rock

Faixas:
01 - Beijing Demons (06:22)
02 - Arabella (07:08)
03 - Smile from a Stranger (05:40)
04 - Rhapsody of Fire (05:03)
05 - Song to the Pharaoh Kings (08:44)
06 - Andonea (03:01)
07 - Maraba (05:18)
08 - Song with a View (06:20)
09 - Tirami Su, Part 1 (01:10)
10 - July (05:21)
11 - Soaring Through a Dream (12:33)

Formação:
Al Di Meola – guitarra
Anthony Jackson – baixo
Kei Akagi – teclados
Tom Brechtlein – bateria
Mino Cinelu – percussão
Jose Renato – vocais
Harvie S – baixo