La Leyenda del tiempo - Camarón de la Isla

 

A Lenda do Tempo, Camarón de la Isla

     Em 1979, Camarón de la Isla lançou um álbum que não só marcou uma virada em sua carreira, como também abalou os alicerces do flamenco tradicional. Esse álbum foi La leyenda del tiempo (A Lenda do Tempo), uma obra que destacou a conexão entre Camarón , Lorca e a revolução flamenca. Produzido por Ricardo Pachón e gravado nos estúdios Fonogram, em Madri, o álbum foi lançado pela Philips Records e contou com um elenco de músicos hoje considerados lendas: Tomatito na guitarra, Raimundo Amador, Jorge Pardo, Rubem Dantas, Kiko Veneno e a banda de rock andaluza Alameda , entre outros. A produção foi ambiciosa, ousada e profundamente inovadora, pois, pela primeira vez, Camarón se afastou do flamenco tradicional para abraçar sons elétricos, sintetizadores, baixo elétrico e bateria, fundindo o flamenco com rock progressivo, jazz e psicodelia.

A gravação ocorreu em uma atmosfera de fervor criativo, mas também de incerteza. Camarón tinha consciência de que estava rompendo com uma tradição secular, chegando a dizer: "Ninguém vai entender isso agora, mas um dia entenderão". Sua intuição provou-se correta. Na época, o álbum foi recebido com considerável indiferença pelos puristas do flamenco, e muitos fãs ficaram perplexos. Contudo, com o passar do tempo, La leyenda del tiempo foi reconhecido como uma obra-prima, um ponto de virada que abriu as portas para novas gerações de artistas e para uma concepção mais livre e expansiva do flamenco.

A faixa-título, " La leyenda del tiempo" (A Lenda do Tempo ), é a alma do projeto. Baseia-se num poema de Federico García Lorca , extraído da sua peça " Así que pasen cinco años" (Quando Passam Cinco Anos ). A letra evoca a transformação, o mistério e a natureza fugaz da existência, e Camarón canta-a com uma voz que irrompe como lava das profundezas, elevando-se como um suspiro em direção ao invisível. A sua voz nasce com a força bruta de um grito ancestral e eleva-se como um eco que penetra a alma. A composição musical do poema, de Ricardo Pachón , transforma os versos de Lorca num hino flamenco-psicodélico, onde a guitarra elétrica coexiste com o cajón, o baixo com o cante jondo (canto profundo) e a poesia com a improvisação sonora.

O encontro entre Lorca e Camarón , dois gênios andaluzes separados por décadas, mas unidos por uma sensibilidade trágica e luminosa, é uma das maiores conquistas do álbum. Lorca , que já havia explorado o flamenco em seu * Poema del cante jondo* , encontra em Camarón um intérprete visceral, intuitivo e profundamente moderno. A canção honra as palavras do poeta e as transforma em uma experiência completa, um ritual contemporâneo. É como se Camarón , ao cantar as palavras de Lorca , se tornasse o veículo de uma Andaluzia eterna e renovada. A estrutura da canção rompe com as convenções tradicionais do flamenco. Não há estilos definidos nem ritmos fixos. Em vez disso, há atmosferas, texturas, silêncios e explosões. A voz de Camarón desliza entre o melódico e o angustiado, enquanto os instrumentos constroem sons que por vezes abraçam o rock antes de retornarem ao pulso de uma bulería desconstruída. Essa liberdade formal, mal compreendida na época, é agora reconhecida como uma das chaves para a sua grandeza.