sábado, 21 de março de 2026

JIMMY LAFAVE - FAVORITES 1992-2001 (2010)

 


'

JIMMY LAFAVE
'FAVORITES 1992-2001''
2010
COMPILATION
72:33
**********
1 /Desperate Men Do Desperate Things
Jimmy LaFave/4:26
2 /Going Home
Jimmy LaFave/5:05
3 /Rock And Roll Music To The World
Alvin Lee/3:33
4 /Only One Angel
Jimmy LaFave/5:11
5 /Burden To Bear
Jimmy LaFave/3:39
6 /Never Is A Moment
Jimmy LaFave/5:16
7 /Sweetheart Like You
Bob Dylan/4:48
8 /How It Must Remain
Jimmy LaFave/3:56
9 /Austin After Midnight
Bob Childers / Jimmy LaFave/4:15
10 /When It Starts To Rain
Jimmy LaFave/4:05
11 /Buffalo Return To The Plains
Jimmy LaFave/4:08
12 /On A Bus To St. Cloud
Gretchen Peters/5:48
13 /When I See You Again
Jimmy LaFave/4:12
14 /Walk Away Renee
Michael Brown / Bob Calilli / Tony Sansone/4:47
15 /Into Your Life
Jimmy LaFave/5:02
16 /Measuring Words
Jimmy LaFave/4:22







JIMMY LAFAVE - DEPENDING ON THE DISTANCE (2012)

 



JIMMY LAFAVE
''DEPENDING ON THE DISTANCE''
OCTOBER 8 2012
60:01
**********
1. Clear Blue Sky/4:24
2. Missing You/3:53
3. Red River Shore/9:36
4. Living In Your Light/4:47
5. Vanished/4:01
6. Land Of Hope And Dreams/4:30
7. It Just Is Not Right/4:13
8. Red Dirt Night/3:14
9. I'll Remember You/5:51
10. Bring Back The Trains/3:06
11. Tomorrow Is A Long Time/5:22
12. Talk To Me/2:59
13. A Place I Have Left Behind/4:21

O cantor e compositor texano Jimmy LaFave nunca escondeu suas influências. Ele costuma incluir pelo menos um cover de Dylan por álbum (este tem três, outros têm mais), então não é surpresa que ele adicione uma música de Springsteen aqui para conectar os pontos. Mas, surpreendentemente, uma das melhores entre as cinco faixas não originais do primeiro álbum de LaFave em cinco anos é uma impressionante regravação da balada poderosa dos anos 80 de John Waite, "Missing You". Ele usa as nuances da fraseologia de sua voz rouca e peculiar para revelar sutilezas na letra (que muitos consideravam óbvias na versão original) e expor os sentimentos profundos da canção. De forma semelhante às suas versões das músicas de Dylan, ele explora novas profundidades na música, encontrando a essência da melodia e trazendo à tona a paixão que se perdeu, de certa forma, na comercialização da interpretação de Waite. Mas LaFave é mais do que apenas um grande intérprete. Suas composições, como a faixa de abertura "Clear Blue Sky", são igualmente comoventes e introspectivas. A atmosfera sombria e melancólica é enfatizada por meio de canções sobre amores perdidos ("Vanished") e desvanecimento ("Talk to Me"), dignas de Jackson Browne em seu auge. Ele traz a igreja para uma canção gospel sobre um trem do amor e a construção de um mundo melhor ("Bring Back the Trains") e até mesmo se entrega ao renascimento espiritual com sinceridade e sem pretensões em "Living in Your Light". As três canções de Dylan ("Red River Shore", "Tomorrow Is a Long Time" e a impressionante e tocante "I'll Remember You", com direito a quarteto de cordas) selecionam faixas potentes e relativamente obscuras de três fases diferentes da carreira de Dylan. LaFave lhes confere uma nova expressão em performances comoventes e poderosas. Atuando como seu próprio produtor, LaFave captura uma vibração enraizada e um som limpo, porém não estéril, de uma banda fantástica, mas a dependência de baladas melancólicas não favorece o álbum. Mais algumas faixas country-rock animadas e com aquele toque country característico, como "Red Dirt Night", teriam ajudado no ritmo e compensado o material mais calmo que domina — ou até mesmo domina demais — a sequência das músicas. Mesmo assim, LaFave canta as faixas mais suaves com tanta emoção que é difícil reclamar que, com 13 músicas e uma hora de duração, uma seleção criteriosa talvez fosse apropriada. Ele é um dos melhores artistas de Americana ainda pouco conhecidos, e este é um ótimo acréscimo a um catálogo de dez álbuns notavelmente consistente, que infelizmente passou despercebido pelo grande público.







Escarnium - Inexorable Entropy - 2025

 



Gênero: Death Metal, Black Metal

1. Fentanyl
2. Relentless Katabasis
3. Cancerous Abyss
4. Inexorable Entropy
5. The Heritage
6. Revulsion of Carbon
7. Through the Depths of the 12th Gate
8. Ashen Path
9. Pyroscene's Might






Dör Pröfana - Decl​í​nio Humano, Vazio Existente - 2025

 


 

Gênero: Black Metal

1. Now he Cries Pain
2. Sangue
3. Venha Lúcifer
4. Mentis Profanum
5. Sagrado Ritual
6. Pacto de Vingança
7. Void
8. Tocka
9. Infernal Onipotencia
10. Rito








Quintorigo - Experience (2012)

 



TRACKLIST:

01. Foxy Lady (vocals Vincenzo Vasi) - 3:18
02. Fire (vocals Eric Mingus) - 2:44
03. Hey Joe (vocals Eric Mingus)  4:13
04. Angel (percussion Antonio Bianchi; vocals Moris Pradella) - 5:01
05. Spanish Castle Magic (vocals Eric Mingus) - 2:39
06. The Star Spangled Banner - 3:30
07. Purple Haze (vocals Moris Pradella) - 4:05
08. Third Stone From The Sun (percussion Antonio Bianchi) - 3:37
09. Intro (vocals & theremin Vincenzo Vasi)  1:34
10. Voodoo Child (Slight Return) (vocals Moris Pradella) - 3:37
11. Manic Depression (vocals Eric Mingus) - 2:39
12. Red House (vocals Moris Pradella) - 4:03
13. Gypsy Eyes (vocals Moris Pradella) - 3:25
14. Up From The Sky (piano Michele Francesconi) - 3:57


FORMAÇÃO:

Valentino Bianchi – sax
Andrea Costa – violin
Gionata Costa – cello
Stefano Ricci – double bass

Ospiti:
Moris Pradella – vocals
Eric Mingus – vocals
Vincenzo Vasi – vocals , theremin
Antonio Bianchi – percussions
Michele Francesconi – piano

 Este CD do Quintorigo, apesar de ser relativamente recente, não é nada fácil de encontrar. "Experience" é um dos ápices da produção musical deste quarteto da Romagna, ativo desde 1992. Lançado em 2012 pela Metro Music Network, representa um verdadeiro desafio. Não há muitos músicos italianos que se aventuraram no repertório de um monstro sagrado, um virtuoso da guitarra elétrica como Jimi Hendrix. Ainda mais quando se o faz acompanhado de saxofone, violino e violoncelo. Acredito que muitos de vocês já tiveram a oportunidade de ver uma apresentação do Quintorigo ao vivo. A primeira vez que os vi, fiquei impressionado com o som do violinista recriando perfeitamente o solo de guitarra de Ritchie Blackmore em "Highway Star". Virtuosismo levado ao extremo. 


A banda não é estranha a esses desafios: em 2008, dedicaram um álbum inteiro ao grande Charles Mingus, um dos gigantes do jazz, com o incomparável "Play Mingus", que marcou um ponto de virada na carreira do quarteto. Não contentes com isso, lançaram a continuação em 2022, o igualmente notável "Play Mingus Vol. 2". Suas releituras das composições de Mingus, assim como as de Hendrix, têm sido amplamente apresentadas nos palcos das casas de shows mais importantes da Itália. 


Se você quiser ouvi-los ao vivo novamente, recomendo a leitura da antiga postagem que apareceu no Stratosfera em 2022 ("Nel vivo", um CD fora de catálogo lançado em 2004, que já incluía "Purple Haze"), que você pode encontrar clicando aqui . Bem, o que posso dizer? Quintorigo nunca deixa de nos surpreender: a lista de faixas de "Experience" reúne o melhor da produção artística do guitarrista de Seattle, uma espécie de coletânea, e é um verdadeiro deleite ouvir as releituras de músicas históricas como Foxy Lady, Fire, Voodoo Chile, Manic Depression e muitas outras. Será que faltaria o famoso Star Spangled Banner , um dos hinos de Woodstock 1969? Entre os ilustres convidados está ninguém menos que o vocalista Eric Mingus, filho do grande Charles. A presença de Vincenzo Vasi, vocalista principal em várias faixas e um experimentador nato e especialista no uso do theremin, uma espécie de sintetizador antigo (para saber mais, visite esta página), é definitivamente interessante. Se você quiser saber mais, talvez enquanto ouve este esplêndido CD,


Nosso encontro com Quintorigo e "Experience" termina aqui. Um agradecimento final ao nosso amigo e colaborador Adix, e desejo a todos vocês uma ótima audição, como sempre.








Floh De Cologne - Vietnam (1969)

 

F


- Gerd Wollschon / vocals, keyboards
- Markus Schmidt / violin, bass
- Hans-Jorg Frank / drums & keyboards
- Britta Baltruschat / vocals
- Dieter Klemm
- Dieter Süverkrüp

1. Einf?hrung (1:31)
2. Ansprach (1:37)
3. Zuerst Kommen (3:21)
4. Tango (3:15)
5. Westernballade (2:01)
6. Kinderlied I (0:23)
7. McNamara (1:27)
8. Kinderlied II (0:09)
9. Partisanenbek?mpfung (1:06)
10. Kinderlied III (0:09)
11. Interview (0:31)
12. Hexenverbrennung (1:47)
13. Vater Unser (0:37)
14. Rein Technisches (0:54)
15. Zitat (0:45)
16. Viet-Test (3:38)
17. F?hrung (1:16)
18. Wirtschaftsbericht (0:44)
19. Kapitalismus, Teil I (2:21)
20. Jack Miller (3:56)
21. Spr?che (1:11)
22. Kapitalismus, Letzter Teil (3:27)





Floh de Cologne - Fliessbandbaby's Beat-Show (1970)

 



- Hansi Franchi / drums
- Dieter Klemm / vocals
- Markus Schmidt / guitar, keyboards
- Dick Stadtler / bass
- Gerd Wollschon / vocals

1. Fließband
2. Fließbandbaby, manchmal träum ich
3. Komm mit mir ins Wegschmeißwunderland
4. Sei ruhig, Fließbandbaby
5. Ford Capri
6. Hey Johnny
7. Arbeit macht freitag
8. Wenn Springer mal rülpst
9. Armer junger Krupp
10. Die oberen Zehntausend
11. Fließbandbaby, wir sind wieder wer
12. Mädchen mach die Beine breit
13. Fließbandbaby, du sitzt im Gefängnis 






Alice Coltrane - Universal Consciousness (1971)




Gravado entre abril e junho de 1971, Universal Consciousness, de Alice Coltrane, se destaca como sua obra clássica. Como testemunho da articulação de seus princípios espirituais, Universal Consciousness supera até mesmo World Galaxy como uma gravação onde a música, tanto composta quanto improvisada, une perfeitamente os domínios do corpo (na performance), da fala (na expressão de cada instrumentista e na interação do grupo) e da mente (foco absoluto), permitindo que o ouvinte a incorpore em sua própria experiência. Embora muitos considerem Universal Consciousness um álbum de "jazz", ele transcende até mesmo o free jazz por sua dependência de material harmônico profundamente temático e pela dinâmica sonora rigorosamente controlada em sua rica paleta cromática. O álbum abre com a faixa-título, onde as cordas se entrelaçam com as amplas camadas da harpa de Coltrane enquanto a bateria de Jack DeJohnette percorre uma dança espiritual ao redor da periferia do turbilhão. À primeira audição, a seção de cordas e a harpa parecem estar em contradição, movendo-se uma contra a outra em uma cascata modal de sons, mas essa impressão logo se revela errônea, pois a harpa de Coltrane, na verdade, enriquece os glissandos tímbricos que fluem. Da mesma forma, o baixo de Jimmy Garrison busca ancorar a obra aos ritmos expressivos de DeJohnette, e, finalmente, Coltrane eleva toda a composição a outra dimensão com seu órgão. O violino de Leroy Jenkins e as duas cordas graves de Garrison se entrelaçam na transcrição de Ornette Coleman, enquanto Coltrane e as outras cordas oferecem uma ponte intermediária para exploração. É de tirar o fôlego. Em "Battle at Armageddon", a violência retratada é interna; impulsos rítmicos contrapontísticos giram em torno uns dos outros enquanto o órgão e a harpa de Coltrane se confrontam com a bateria de Rashied Ali. "Oh Allah" encerra o lado A com uma abordagem modal magnífica, hipnótica e inspiradora, à música de tons inteiros, que se entrelaça nas linhas da polifonia orgânica enquanto as cordas colorem cada tema presente intervalarmente. O trabalho de DeJohnette com as escovas acentua as arestas e o baixo de Garrison sublinha cada acorde e mudança de tonalidade no fluxo constante de pensamento de Coltrane.
No lado B, "Hare Krishna" é uma peça em forma de cântico que nasce da ascensão em tonalidade menor, com uma figura de cordas cadenciada transcrita por Coleman a partir da composição de Coltrane para órgão. Ela se aprofunda na faixa, oferecendo acordes amplos e cintilantes que giram — eventualmente — em torno de ostinatos no registro agudo e uso do pedal. É facilmente a faixa mais bela e acessível do álbum, pois canta com uma devoção que tem como base toda a paleta composicional de Coltrane. "Sita Ram" é uma peça que ecoa "Hare Krishna" por empregar Garrison e o baterista Clifford Jarvis, mas substitui as cordas por um tocador de tambura. Tudo aqui se move muito lentamente, a harpa e o órgão se entrelaçam como a respiração, e a seção rítmica — influenciada pelo zumbido da tambura — acompanha cada linha de Coltrane. À medida que as linhas dedilhadas com um único dedo se integram mais plenamente à seção rítmica no final da música, a sensação é de um solista improvisando sobre um coro cantando. Por fim, o álbum encerra com outro dueto entre Ali e Coltrane. Ali utiliza sinos de vento, além de sua bateria, e o que se desenvolve entre os dois é uma arquitetura modal organicamente construída, onde textura e timbre oferecem as faces de intervalos variados: a lógica dinâmica e improvisacional e a exploração tonal tornam-se figuras elementares em uma conversa íntima, porém universal, que tem como raiz a própria busca e a natureza incerta da chegada, seja musical ou espiritual. Essa ambiguidade é a única maneira possível de uma gravação como esta terminar, com questionamentos e anseios espirituais expressos de forma tão sofisticada e despretensiosa musicalmente. As respostas a essas perguntas talvez possam ser encontradas no âmago da própria música, mas, mais provavelmente, assim como são articuladas aqui, só podem ser encontradas nos recônditos do coração humano. Esta é uma obra de arte da mais alta qualidade, concebida por uma mente brilhante, poeticamente apresentada em uma colaboração primorosa por músicos divinamente inspirados e humildemente oferecida como um presente aos ouvintes. É uma verdadeira obra-prima. A reedição em CD pela Universal vem com uma elegante capa de papel de 12,7 x 12,7 cm no estilo japonês, com as notas do encarte reimpressas no interior e uma remasterização de 24 bits de uma beleza estonteante.

Styles:
Free-Jazz
Progressive Jazz
World Music

Tracks:
01 - Universal Consciousness (05:06)
02 - Battle at Armageddon (07:20)
03 - Oh Allah (05:01)
04 - Hare Krishna (08:14)
05 - Sita Ram (04:47)
06 - The Ankh of Amen-Ra (06:09)

Line-up:
Alice Coltrane - arranger, harp, organ
Jimmy Garrison - bass
Rashied Ali - drums, percurssion
John Blair - violin
Leroy Jenkins - violin
Julius Brand - violin
Tulsi - tambura
Clifford Jarvis - drums, percurssion
Jack DeJohnette - drums



Alice Coltrane - Lord of Lords (1972)



Lançado em 1973, Lord of Lords foi o último álbum de Alice Coltrane para a Impulse!. Foi a parte final de uma trilogia que começou com Universal Consciousness e continuou com o expansivo World Galaxy. Assim como seus antecessores imediatos, o álbum apresenta uma orquestra de cordas de 16 músicos, arranjada e conduzida por Coltrane, liderada por um trio no qual ela toca piano, órgão Wurlitzer, harpa e tímpanos, acompanhada pelo baixista Charlie Haden e o baterista Ben Riley. Riley já estava familiarizado com a formação, pois havia participado das gravações de World Galaxy. As duas primeiras faixas, "Andromeda's Suffering" e "Sri Rama Ohnedaruth" (cujo título faz referência ao nome espiritual de seu falecido marido, John Coltrane), são, em essência, obras clássicas. Há pouca improvisação, exceto no piano, sob a base de cordas. Elas são compostas para grandes clusters de tons e efeitos de drone em tonalidade menor, mas também exploram a criação de sobretons tímbricos. São peças belíssimas, mas têm pouca ou nenhuma relação com o jazz, exceto pelas passagens aparentemente livres no final da última faixa, mas mesmo essas soam como orquestradas, devido ao controle da tensão e da dinâmica. "Excerpts from The Firebird", que utiliza o órgão para abrir a peça, apresenta as cordas tocando quase (porque, com Alice Coltrane, ela interpretou à sua maneira) diretamente da partitura de Igor Stravinsky. O som grave do órgão é tão magnífico sob as cordas que chega a ser de tirar o fôlego. Quanto ao motivo de ter escolhido essa peça como o destaque de seu próprio álbum, ela afirmou que Stravinsky lhe apareceu em uma visão e lhe passou algo em um frasco de vidro, um líquido que ela bebeu!
Riley e Haden aparecem com destaque na faixa-título, uma longa peça modal onde drones, ritmos e compassos são registrados pela direção do piano e da harpa de Coltrane, criando uma tensão e dinâmica sublimes. A música explode por volta dos seis minutos, e Coltrane (no órgão), Haden e Riley se envolvem em uma improvisação vibrante, com as cordas oferecendo trinados agudos e suaves ao fundo. O álbum termina com a transformação que Coltrane faz de um hino gospel chamado "Going Home". Sua harpa introduz as escovas de Riley e as cordas, que por sua vez oferecem um acorde fundamental para ela tocar a melodia e improvisar sobre ela no órgão. Aqui, o blues se faz presente. Isso oferece ao ouvinte uma compreensão de que Coltrane, não importa para onde essa direção musical a levasse (mesmo quando se aproximava da Música Cósmica que ela e seu falecido marido idealizaram juntos), continuava a entender perfeitamente onde estava sua raiz musical. A interação entre as três instrumentistas principais é vibrante e envolvente, baseada em acordes de blues contínuos, e seus solos — mesmo em meio a rajadas de notas — retornam à essência, citando diretamente riffs de blues do Delta e outras canções gospel. O baixo de Haden é uma bela âncora (embora mixado um pouco baixo), e as cordas oferecem uma resposta encantadora ao seu órgão e harpa. Os pratos de Riley são fragmentos de luz cintilantes ao longo da música, encerrando "Lord of Lords" em grande estilo. Embora seja verdade que a música posterior de Alice Coltrane pela Impulse! possa não agradar a todos, mesmo àqueles que acompanharam suas gravações anteriores, mais voltadas para o jazz, era óbvio desde o início que ela buscava incorporar o núcleo sonoro da música clássica indiana em seu trabalho, e estava literalmente obcecada pelas possibilidades tímbricas, cromáticas e harmônicas das cordas. Ela consegue isso aqui, encerrando seu período na Impulse! com elegância, graça e alma.


Estilos:
Improvisação Moderna
Composição Estruturada

Faixas:
01 - Andromeda's Suffering (09:04)
02 - Sri Rama Ohnedaruth (06:11)
03 - Excerpts from The Firebird (05:45)
04 - Lord of Lords (11:17)
05 - Going Home (09:59)

Formação:
Alice Coltrane - Harpa, Piano, Órgão, Tímpanos, Percussão;
Charlie Haden - Baixo;
Ben Riley - Bateria, Percussão;
Anne Goodman, Edgar Lustgarten, Jan Kelly, Jerry Kessler, Jesse Ehrlich, Raphael Kramer, Ray Kelley - Violoncelo;
David Schwartz, Leonard Selic, Marilyn Baker, Myra Kestenbaum, Rollice Dale, Samuel Boghosian - Viola;
Bernard Kundell, Gerald Vinci, Gordon Marron, James Getzoff, Janice Gower, Leonard Malarsky, Lou Klass, Murray Adler, Nathan Kaproff, Ronald Folsom, Sidney Sharp, William Henderson - Violino



Alice in Chains: crítica de The Devil Put Dinosaurs Here (2013)

 



Todo mundo conhece aquela antiga regra de que o segundo disco é sempre um desafio definidor na carreira de uma banda, quando ela tem que provar que é mais do que uma promessa e que veio para ficar de verdade. No caso dos norte-americanos do Alice in Chains, a tal fronteira acabou sendo transferida para o seu quinto álbum de estúdio, o recém-lançado The Devil Put Dinosaurs Here. Afinal, ele é o segundo disco pós-reunião e sem a vital presença do saudoso vocalista Layne Staley. O retorno em Black Gives Way to Blue, de 2009, trouxe os bem-vindos vocais de William DuVall, com uma energia que foi mais do que bem-recebida tanto pela crítica quanto pelos fãs. 

Esta nova bolacha, portanto, traz à tona a questão: o Alice in Chains está mesmo de volta? Foi só fogo de palha? Ou eles estão prontos para encarar o futuro, sem ficar dependentes do passado de glórias? O guitarrista e líder da banda, Jerry Cantrell, tentou dar esta resposta em entrevista para a revista Revolver. “Eu não acho que você vai ficar surpreso com nada que vai ouvir. Somos nós. Mas é também algo único. Tem todos os elementos de qualquer disco que lançamos, mas é ao mesmo tempo diferente de qualquer disco que lançamos. É o próximo capítulo no livro do Alice in Chains, e vai ser grande”. Cantrell disse rigorosamente tudo: The Devil Put Dinosaurs Here é o retrato de uma banda que não perdeu sua identidade, mas que depois de uma tragédia, está disposta a se arriscar, pisando em novos territórios.

O primeiro single (e também a faixa inicial do CD), “Hollow”, já abre mostrando quem de fato vai brilhar ao longo de toda a audição: as furiosas e corpulentas guitarras de Cantrell. São elas que, há anos, continuam dando o sabor heavy metal ao rock alternativo/grunge sombrio e soturno do AIC. O andamento lento e pesado está lá, firme e forte, em canções como “Phantom Limb” e a faixa-título, uma mid-tempo que traz uma preciosa discussão a respeito do papel da religião. Mas, veja só, já nesta última canção é possível sentir claramente o quão bem fez a adição de DuVall para o quarteto, criando uma camada suave de vocais ao longo de um refrão grudento e irresistível. É deste tipo de risco, milimetricamente calculado, que estamos falando. 

Já a deliciosa “Breath on a Window”, um dos pontos altos da coleção de doze faixas, tem todas as marcas registradas históricas do Alice in Chains, mas dando um ligeira acelerada no andamento. O resultado consegue flertar, mesmo que minimamente, com uma certa “iluminada” no trabalho dos caras. A melancolia logo retorna nas semiacústicas “Voices” e “Chokes”, que exploram outra característica bastante comum da banda, só que aplicando uma dose extra de melodia quase doce e delicada. Pode parecer estranho, mas tudo funciona que é uma beleza, soando novo, verdadeiro, moderno e, mesmo com a bela produção de Nick Raskulinecz (Foo Fighters, Deftones), não perde nunca aquela jovem vibração de banda garagem.  

The Devil Put Dinosaurs Here tem, no entanto, um único defeito bastante perceptível: é um disco longo demais. Não apenas como obra completa, mas mesmo em cada uma de suas partes, que geralmente ultrapassam a marca dos cinco/seis minutos. Talvez empolgada com os resultados que vem obtendo desta nova formação, a banda não soube se conter, editar a si mesma – e grande parte das canções parecem mais longas do que realmente são, cansando um pouco conforme se aproximam de seu fim. Grandes ideias, quando esticadas ao máximo, acabam perdendo boa parte de seu impacto. Arrisco dizer, inclusive, que se alguns destes momentos tivessem metade de seu tempo, ou pelo menos 30% a menos, The Devil Put Dinosaurs Here teria potencial dobrado para garantir um espaço melhor nas listas de melhores do ano. 

Todavia, sejamos honestos: Cantrell estava certo. O Alice in Chains provou que está mesmo de volta, longe daquelas reuniões que geram meramente “bandas-zumbi”. Disposto a fazer o novo. Respeitando o passado mas sem medo de alçar novos voos rumos ao futuro. A gente espera, claro, que ainda por muito mais tempo. 

Nota 8

Faixas:
Hollow
Pretty Done
Stone
Voices
The Devil Put Dinosaurs Here
Lab Monkey
Low Ceiling
Breath on a Window
Scalpel
Phantom Limb
Hung on a Hook
Choke 






Anciients: crítica de Heart of Oak (2013)

 



Discos de estreia são o ponto de partida de uma carreira, de uma sonoridade, de um conceito que irá se desenvolver de maneira mais profunda nos álbuns futuros de toda banda. Pegue qualquer grande nome e compare seus primeiros discos com os trabalhos que os seguiram. Black Sabbath, Led Zeppelin, Iron Maiden, Metallica, Beatles, Stones - a lista é infinita - alcançaram o seu auge com o aprimoramento da sonoridade que foi apresentada ao mundo em seus debuts.

Escrevi o parágrafo acima porque ele se aplica ao álbum de estreia da banda canadense Anciients. Formado em Vancouver em 2009, o grupo lançou em abril o seu primeiro disco, que saiu pela sempre antenada gravadora polonesa Season of Mist. E o que impressiona em Heart of Oak é que ele não parece um álbum gravado por uma banda iniciante. A segurança, o domínio, a auto-confiança, saltam aos olhos. Basta ouvir o início da primeira faixa, “Raise the Sun”, para perceber que estamos diante de um trabalho diferenciado e muito - muito mesmo - acima da média.

Apresentando influências de Mastodon e Baroness e caminhando entre o prog, o stoner e o sludge, o Anciients gravou um disco que mexe com o ouvinte. As canções apresentam riffs muito bem desenvolvidos pela dupla Chris Dyck e Kenneth Paul Cook, enquanto os vocais de Aaron Gustafson (também baixista) variam entre um agradável timbre limpo e um gutural agressivíssimo. E na bateria temos um fenômeno chamado Mike Hannay, que entrega uma performance que irá colocar um sorriso de orelha a orelha em quem aprecia todas as possibilidades que o instrumento pode propiciar.

Todas as canções de Heart of Oak são longas, variando de seis a nove minutos. Porém, a riqueza dos arranjos e a variedade de caminhos apresentados em cada uma das nove faixas faz o álbum não ser nada cansativo. Os músicos são técnicos, brilhantes em seus instrumentos, e focam esse domínio no peso e na absoluta liberdade para seguir os mais variados caminhos. É possível, nas passagens mais cadenciadas e atmosféricas, perceber uma clara influência de Pink Floyd por exemplo, como fica claro na bela “For Lisa”, que fecha o trabalho.

Trabalhando com precisão as melodias, o Anciients cativa logo na primeira audição. O ataque que sucede a bela - e melancólica - introdução da faixa de abertura, “Raise the Sun”, faz com que um brilho surja no olho de qualquer fã de metal que aspira e admira aquelas bandas e artistas que levam o estilo por novos caminhos, tirando-o de sua conservadora zona de conforto. E esse sentimento só cresce nas canções seguintes. A quebradeira de “Overthrone” aproxima a banda do prog metal, só para em seguida temperar esse flerte com uma explosão crua e intensa.

Os grandes momentos estão em “The Longest River”, que em nove minutos explora toda a musicalidade do quarteto; em “Giants”, que mostra que os músicos ouviram muito Crack the Skye, espetacular disco lançado pelo Mastodon em 2009; em “Faith and Oath”, construída a partir de um riff cíclico que é puro black metal norueguês do início da década de 1990 e conta inclusive com blast beats de Hannay; e na belíssima “For Lisa”, que fecha o disco de maneira sublime, alterando climas e melodias arrepiantes.

Retornando lá para o início deste texto, Heart of Oak é apenas o primeiro disco do Anciients. Ele é o primeiro passo, o primeiro tijolo, a base de uma sonoridade que, se tudo correr da maneira certa, irá se desenvolver ainda mais nos próximos álbuns. E esse ponto de partida é excelente, mostrando uma banda com imenso talento e potencial de crescimento, fatores que fazem com que o ouvido cresça e fique grudado nos movimentos futuros destes quatro músicos.

Heart of Oak é um discaço. O Anciients é uma baita banda.

Vá atrás e ouça já um dos melhores álbuns de 2013.

Faixas:
1 Raise the Sun
2 Overthrone
3 Falling in Line
4 The Longest River
5 One Foot in the Light
6 Giants
7 Faith and Oath
8 Flood and Fire
9 For Lisa




Rob Zombie: crítica de Venomous Rat Regeneration Vendor (2013)

 



A agenda de Rob Zombie tem andado bastante atribulada nos últimos anos. Afinal, desde que o sujeito se tornou ator, roteirista, diretor de cinema, produtor e mesmo quadrinista eventual, imagino que esteja cada vez mais difícil encontrar um espaço para a sua atividade inicial, aquela que o tornou de fato reconhecido: a de  músico. Três anos depois de seu último álbum de inéditas, Zombie aproveita o seu próprio selo  musical, o Zodiac Swan, e faz uma dobradinha: apenas quatro dias depois do lançamento de seu novo  filmeThe Lords of Salem, eis que ele coloca nas lojas o delicioso Venomous Rat Regeneration Vendor. O resultado musical é uma pérola que está muito mais próxima, em termos de estilo e originalidade, de Hellbilly Deluxe, o principal álbum de sua carreira solo, do que efetivamente a sua continuação oficial, lançada em 2008. Dá até para arriscar dizer que Venomous Rat Regeneration Vendor finca ainda mais os pés na sonoridade do White Zombie, banda que Rob liderou com sucesso na década de 90.

A fórmula de Zombie é um caldeirão alucinado de heavy metal, rock industrial, uma pitada de funk, remixes e música eletrônica. As letras revisitam a típica obsessão do cantor com os filmes de terror B, falando sobre monstros, celebrações macabras e sexo satânico, sempre com uma pitada daquele humor negro típico das produções dos anos 70/80. Para entender o conceito nada melhor do que prestar atenção ao primeiro single, a faixa de título intricado “Dead City Radio and the New Gods of Supertown” (que, aliás, gerou um delirante videoclipe, um dos melhores do ano). Enquanto o vocalista coloca sua voz grave para cantar de maneira quase falada, narrada, daquele mesmo jeitão no qual começou a apostar ainda na época do White Zombie, a canção oferece uma viagem metálica quase anos 70, alucinada e alucinante. Outro destaque é a festiva (e de título igualmente indecifrável) “Ging Gang Gong De Do Gong De Laga Raga”, loucura contagiante que imediatamente dá vontade de cantar e dançar junto, numa pista de dança escura e com luzes estroboscópicas bombando a todo vapor. O verso “high on the fumes and high on the gas” é a indicação mais clara: estamos diante de uma espécie de Cheech & Chong com esteroides.

A formação de sua banda de apoio parece ser, de longe, a mais azeitada de sua carreira: além dos riffs repletos de efeitos de John 5 (basta ouvir a piração de barulhinhos que abre “Behold the Pretty Filthy Creatures!”), Zombie recrutou outro egresso do grupo que acompanhava Marilyn Manson, o talentoso Ginger Fish, para assumir as baquetas. Ele soube incorporar com perfeição os grooves ao mesmo tempo bombásticos e praticamente dançáveis que sempre caracterizaram o trabalho de Rob Zombie. A combinação potente que ele faz com o baixo de Piggy D. em “Revelation Revolution”, por exemplo, chega a ser quase essencialmente música eletrônica, um house pesado apoiado em uma batida única e repetitiva.


Destaque ainda para o cover, selecionado a dedo, do clássico do Grand Funk Railroad, “We’re An American Band”. Quem soube da escolha torceu o nariz à primeira vista. Bobagem. O resultado é gostoso demais de se ouvir – Zombie diminui o andamento, deixa as guitarras obviamente mais pesadas, capricha no vozeirão monstruoso e até insere uns efeitos sonoros para dar a impressão de que é uma faixa gravada ao vivo. E um detalhe curioso, para aqueles mais minuciosos: no verso “up all night with Freddie King I got to tell you, poker's his thing”, em que é mencionado o guitarrista de blues, Zombie faz uma troca sutil, colocando o nome de Kerry King, do Slayer, no lugar. Sintomático.

Para você entender, em resumo: Hellbilly Deluxe é a grande obra-prima da carreira de Rob Zombie pós-White Zombie. Venomous Rat Regeneration Vendor é, pelo menos até o momento, o seu melhor disco desde Hellbilly Deluxe. Diversão furiosa, na melhor acepção da expressão.



Faixas:
1 Teenage Nosferatu Pussy
2 Dead City Radio and the New Gods of Supertown
3 Revelation Revolution
4 Theme for the Rat Vendor (Instrumental)
5 Ging Gang Gong De Do Gong De Laga Raga
6 Rock and Roll (In a Black Hole)
7 Behold, the Pretty Filthy Creatures!
8 White Trash Freaks
9 We're An American Band
10 Lucifer Rising
11 The Girl Who Loved The Monsters
12 Trade in Your Guns for a Coffin






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