quarta-feira, 2 de novembro de 2022

Barbra Streisand – Live at the Bon Soir (2022)

 

Barbra StreisandBarbra Streisand subiu pela primeira vez ao palco do pequeno Bon Soir de Nova York em 9 de setembro de 1960. A cantora de dezoito anos apareceu em terceiro lugar em um projeto depois da banda The Three Flames e da dupla de quadrinhos Tony e Eddie, e antes do ato de encerramento Phyllis Diller. A comediante inovadora mais tarde relembrou seu primeiro encontro com Streisand: “Nós dividimos um camarim no Bon Soir… Era do tamanho de uma ervilha e geralmente você podia sentir o cheiro do medo lá. Mas ela não estava nem um pouco nervosa – pelo menos não que eu tenha notado. Admito que não fiquei impressionado quando a conheci. Ela era tão jovem. Ela disse olá, e foi isso. Ela me disse que seus sapatos eram antigos e custavam 35 centavos. Mas então ela saiu e fez seus números e quando ela tocou a terceira nota, todos os pelos do meu corpo se arrepiaram. Era…

MUSICA&SOM

…inacreditável. Ela abriu com 'Quem Tem Medo do Lobo Mau' e eu pensei: 'Oh, meu Deus, que escolha fabulosa.' Ela também cantou 'A Sleepin' Bee' de Harold Arlen, que realmente mostrou aquela voz. Foi assustador. Eu sabia que ela estava indo a lugares.”

O instinto de Diller estava correto; em dois anos, Streisand conquistou a Broadway como Miss Marmelstein no musical de Jerome Weidman e Harold Rome, I Can Get It for You Wholesale , e ganhou um contrato com a Columbia Records. Após seu noivado inicial de 9 de setembro a 20 de novembro de 1960 no The Bon Soir, ela retornaria para mais três passagens pelo clube. Sua quarta e última corrida lá (23 de outubro a 18 de novembro de 1962) ocorreu enquanto ela se apresentava todas as noites no Wholesale ; ela era, naturalmente, a atração principal. Ela chamava um táxi após a apresentação da Broadway e viajava para o centro da cidade até o palco Bon Soir, onde Bye Bye Birdieo original de Conrad Birdie, Dick Gautier; Dane e Mason; e As Três Chamas a precederam no projeto. A Columbia gravou três shows (4, 5 e 6 de novembro por comunicado de imprensa do Legacy; 5, 6 e 7 de novembro foi entendido há muito tempo) para um álbum ao vivo que seria seu primeiro LP para a gravadora.  A Variety relatou: “Vale a pena preservar o período de Miss Streisand e o LP deve servir como uma excelente plataforma de lançamento para sua nova carreira como discadora da Columbia”.

Em última análise, foi tomada a decisão de arquivar as fitas do Bon Soir em favor de um álbum de estúdio gravado em janeiro de 1963. (Todas as músicas do álbum Barbra Streisand foram cantadas no Bon Soir.) A caixa de Streisand de 1991 Just for The Record… e agora, mais de três décadas depois dessa antologia seminal, a Columbia Records vai comemorar 60 anos da notável afiliação de Streisand com a gravadora com o primeiro lançamento oficial de Live at the Bon Soir .

...Live at the Bon Soir apresenta as quase duas dúzias de músicas gravadas naquelas noites de novembro de 1962 como recém-mixadas das fitas multipista originais. Streisand foi apoiado pelo quarteto de Tiger Haynes na guitarra, Avril Pollard no baixo, John Cressi na bateria e Peter Daniels no piano. (Haynes e Pollard faziam parte da “banda da casa” de Bon Soir, The Three Flames.) Quando Streisand revisitou seu repertório no estúdio, o orquestrador Peter Matz reforçou os arranjos com metais e cordas, mas o orçamento da Columbia significava que ele ainda estaria arranjar combos relativamente pequenos em vez de uma orquestra completa. As gravações do Bon Soir revelam a arte de Streisand em sua forma mais íntima, com os quatro músicos apoiando graciosamente, mas nunca dominando sua voz e estilo singulares.

Seus poderes de transformação eram óbvios quando ela reinterpretou um conjunto eclético de músicas, tornando-as suas. Eles eram de safras variadas, desde recentes (Tom Jones e Harvey Schmidt de “Much More” e “Soon It's Gonna Rain” de The Fantasticks (1960), de Cole Porter “Come to the Supermarket in Old Peking” (1958) do musical de televisão Aladim) a décadas (Sigmund Romberg e Oscar Hammerstein II de “Lover, Come Back to Me” (1928), Milton Ager e Jack Yellen “Happy Days Are Here Again” (1929), Rodgers e Hart de “Bewitched” (1940) e “Coração de Ninguém” (1943)). Mas todos foram representados em um estilo autoritário, confiante e pessoal, informado pelo instinto de um ator e trazido à vida em um tom arrebatador. Streisand equilibrou músicas com pop (“A Taste of Honey”, “Cry Me a River”), músicas artísticas (My Name Is Barbara, de Leonard Bernstein e “I Hate Music”) e músicas artísticas como shows (Harold A sedutora “A Sleepin' Bee” de Arlen e Truman Capote de seu musical House of Flowers). Músicas como "Who's Afraid of the Big Bad Wolf" de 1933 de Frank Churchill e Ann Ronell e "Keepin' Out of Mischief Now" de Fats Waller e Andy Razaf mostraram o lado brincalhão do jovem vocalista. Ninguém tinha ouvido um cantor como este.

As mixagens de 2022 foram supervisionadas por Barbra e pelo engenheiro Jochem van der Saag e originadas das fitas master originais projetadas por Roy Halee (Simon e Garfunkel) e Ad “Pappy” Theroux. Jay Landers fornece notas para todos os formatos, incluindo descrições faixa a faixa e Streisand também oferece seus comentários. Ela escreve, em parte, “Eu nunca tinha estado em uma boate até cantar em uma. Cantei duas músicas em um concurso de talentos em um pequeno clube chamado The Lion e ganhei, o que me levou a ser contratado em um clube de jantar mais sofisticado na esquina chamado Bon Soir, com um palco de verdade e um holofote. O burburinho que começou no Bon Soir levou a um contrato com a Columbia Records em 1962, o início de uma longa associação que continua até hoje. O plano inicial para o meu primeiro álbum era gravá-lo no clube, e essas primeiras fitas estão adormecidas no meu cofre há seis décadas. Estou muito feliz por finalmente trazê-los à tona e compartilhar o que poderia ter sido meu álbum de estreia,Ao vivo no Bon Soir .” 

  1. Introduction by David Kapralik / My Name Is Barbara
  2. Much More
  3. Napoleon
  4. I Hate Music
  5. Right As the Rain
  6. Cry Me a River
  7. Value
  8. Lover, Come Back to Me
  9. Band Introductions
  10. Soon It’s Gonna Rain
  11. Come to the Supermarket (In Old Peking)
  12. When the Sun Comes Out
  13. Happy Days Are Here Again
  14. Keepin’ Out of Mischief Now
  15. A Sleepin’ Bee
  16. I Had Myself a True Love
  17. Bewitched, Bothered and Bewildered
  18. Who’s Afraid of The Big Bad Wolf?
  19. I’ll Tell the Man in the Street
  20. A Taste of Honey
  21. Never Will I Marry
  22. Nobody’s Heart Belongs to Me
  23. My Honey’s Lovin’ Arms
  24. I Stayed Too Long at the Fair


Recordando Clássicos: Blackwater Park por Opeth


Boa noite, galera!!! este capítulo de «Remembering Classics» será algo especial, acabamos de atingir 2.000 curtidas e estamos muito felizes! e aproveitando o fato de o Opeth ter começado a turnê latino-americana, vamos dar um momento agradável para um dos nossos álbuns favoritos (atte: um administrador hahaha)… é «Blackwater Park», um álbum lançado em 27 de fevereiro de 2001 , que é o primeiro a ter teclados tocados por Steven Wilson… aqui nasce a conexão Arkerdfelt – Wilson… Bem, vamos continuar!

Blackwater Park é o quinto álbum do grupo sueco Opeth. O álbum foi gravado no Fredman Studios e foi produzido por Steven Wilson. É um dos álbuns de maior sucesso da banda e é considerado um dos melhores álbuns de metal progressivo da história.

Aqui encontramos a comunhão perfeita entre a música extrema, progressiva e até mesmo Folk (o Folk das florestas escandinavas, não o triste coração partido por uma garota aleatória), com uma excelente coleção de músicas.

Entretanto… deixamos-vos o álbum para que o possam ver:

Tracklist:

  1. «The Leper Affinity» – 10:23
  2. «Bleak»– 9:16
  3. «Harvest» – 6:01
  4. «The Drapery Falls» – 10:54
  5. «Dirge for November» – 7:54
  6. «The Funeral Portrait» – 8:44
  7. «Patterns in the Ivy» – 1:53
  8. «Blackwater Park» – 12:08

Quase todas as músicas do álbum têm entre 6 e 12 minutos de duração, predominantemente as partes mais pesadas e metálicas, mas também com um bom número de fragmentos acústicos bem tranquilos que vão agradar o público progressista. Aliás, uma das facetas mais marcantes do grupo são as mudanças radicais secas dentro do mesmo tema, de uma parte fortemente influenciada pelo metal para uma parte suave e acústica, como podemos ver no excelente Dirge for November, Blackwater Park e The Drapery Falls, três das melhores músicas do álbum, cheias de variações e tão progressivas quanto Tool, por exemplo.

 

As estruturas dos temas têm mudanças de ritmo, mesmo nas partes mais difíceis, o que os aproxima de um som mais progressivo, sim, muito mais difícil.

A ordem das músicas é muito bem selecionada, e o fechamento do álbum com " Blackwater Park " é especialmente bem-sucedido, já que o tema destila em muitas de suas partes um sentido de conclusão. Não sei se o nome do álbum tem alguma coisa a ver com uma banda de rock dos anos 70 com o mesmo nome.

Musicos:

  • Mikael Åkerfeldt – guitarra e vocais
  • Martin Lopez – bateria
  • Peter Lindgren – guitarra
  • Martin Mendez – baixo
  • Steven Wilson (convidado) – mellotron, teclados, guitarras e vocais

Label: Music for Nations and Entertainment One Music

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Sem dúvida, Blackwater Park é um álbum obrigatório na coleção de todos os Metalheads, essa perfeita conexão atmosférica com o som clássico do Death Metal do Opeth torna tudo tão ideal, de acordo com muitos... um dos melhores álbuns de metal da história e do metal .progressivo (apoio a causa!!!) que estão muito bem!!!

Recordando Clássicos: Metropolis Pt.2 por Dream Theater


 

 

Metropolis Pt. 2: Scenes From a Memory é o quinto álbum de estúdio da banda de metal progressivo Dream Theater. Foi lançado em 1999 e Jordan Rudess fez sua estréia como novo tecladista da banda, depois de ter gravado Liquid Tension Experiment 1 e 2.

Scenes From a Memory é um álbum conceitual que conta uma única história, sobre um jovem que descobre seu passado, que está relacionado ao amor, assassinato e infidelidade de Victoria Page. Como o nome pode sugerir, Metropolis Pt. 2: Scenes From a Memory é uma sequência que segue a história de Metropolis Pt. 1: The Miracle And The Sleeper, a quinta música do segundo álbum da banda, Images and Words. Ainda assim, quando chamaram a música original de Metropolis Pt. 1 , eles não tinham em mente fazer uma história épica dividida em duas partes, era para ser apenas uma brincadeira. Somente após súplicas e pedidos contínuos dos fãs, eles começaram a trabalhar na segunda parte .

Inicialmente, eles começaram a desenvolver essa segunda parte para incluí-la em uma única música, em vez de um álbum completo. Foi durante as sessões de gravação do quarto álbum do grupo, Falling Into Infinity, em 1996-1997, que ele começou a tomar forma. A música definitivamente não foi incluída porque a gravadora para a qual eles trabalhavam não queria lançar um álbum duplo (o que seria necessário já que não haveria espaço suficiente em 80 minutos ao lado do resto das músicas). De qualquer forma, eles gravaram uma demo com Derek Sherinian nos teclados para voltar a esse projeto mais tarde. Quando eles começaram a trabalhar em seu quinto álbum, eles trouxeram de volta a música que evoluiu para um álbum completo.

Enquanto lê, deixamos-lhe o álbum completo!:


Tracklist:

Act I

01 – Scene One: Regression 2:06

02 – Scene Two: I. Overture 3:37

03 – Scene Two:II Strange Deja Vu 5:12

04 – Scene Three: I. Through My Words 1:02

05 – Scene Three: II. Fatal Tragedy 6:49

06 – Scene Four: Beyond This Life 11:22

07 – Scene Five: Through Her Eyes 5:29

Act II

08 – Scene Six: Home 12:53

09 – Scene Seven: I. The Dance Of Eternity 6:13

10 – Scene Seven: II. One Last Time 3:46

11 – Scene Eight: The Spirit Carries On 6:38

12 – Scene Nine: Finally Free 11:59

A história é dividida em dois atos distintos e se desenrola com “seis” personagens.

Personagens

Hora atual (1999)

  • Nicolau
  • O Mesmer
  • O ancião

1928

  • Victoria Page – “Metrópole”
  • Julian Baynes – “O Adormecido”
  • Sen. Edward Baynes – “O Milagre”

Na turnê que acompanhou o lançamento do álbum, o Dream Theater tocou o álbum inteiro ao vivo. No último show da perna norte-americana, foi gravado um DVD intitulado Metropolis 2000: Scenes from New York . Nele você pode ver a representação gráfica de toda a história que o disco descreve como se fossem fragmentos de um filme que se misturam com as cenas ao vivo. Também nesse DVD os membros da banda discutem a história de Scenes From a Memory .

 

Musicos:

  • James LaBrie – Vocais
  • John Myung - baixo
  • John Petrucci – guitarras
  • Mike Portnoy – bateria
  • Jordan Rudess – teclados

Convidados especiais:

  • Theresa Thomason – backing vocals em Through Her Eyes e The Spirit Carries On .
  • Gospel Choir – backing vocals adicionais na faixa The Spirit Carries On .
  • Terry Brown – a voz do psiquiatra

A mixagem original do álbum é diferente da que foi lançada. A primeira foi feita pelo engenheiro David Bottrill, mas não foi do agrado de todos os membros da banda. Esse mix já está disponível como um bootleg oficial , distribuído pelo selo independente da banda, YtseJam Records.

Musicalmente é um álbum muito rico e completo. Centrado, claro, no chamado metal progressivo , encontra-se girando em torno do tema principal, que se repete ao longo do álbum, herdado de Metropolis Pt. 1 mas com variações, os esperados ritmos irregulares, melodias estranhas, acordes jazzísticos, partes frankzapperas e, em geral, formas inusitadas de fazer música comercialmente. No entanto, eles fazem tudo soar compacto e natural para um ouvido que não quer parar em ninharias musicais e quer apenas ouvir algo para entreter e desfrutar.

O barulho ouvido no final de Finalmente Livre é o mesmo barulho ouvido no início de The Glass Prison, a primeira faixa de seu álbum de 2002 Six Degrees of Inner Turbulence . Conexões semelhantes podem ser encontradas em sucessivos álbuns do Dream Theater.

 

DE RECORTES & RETALHOS

 

Musica&Som Nº 75 - J.J. Cale "Troubadour!" / Carlos Marinho Falcão 1982

Bandas Raras de um só Disco


Bulbous Creation - You Won't Remember Dying (1970)


Raridade, hard rock setentista de primeira linha.

Bulbous Creation foi uma banda norte americana pouco conhecida, da região de Missouri-Cansas.

Este disco não foi lançado na época, mas foi gravado entre 1969 e 1970. O som, nem preciso falar nada né, pois todas as bandas de um só álbum são excelentes. Trata - se daquele maravilhoso hard rock cru dos anos 70, na primeira faixa não da para se perceber isso, pois é uma balada viajante, mas a partir da segunda já vem o hard rock poderoso.

Não encontrei informações sobre os integrantes da banda.

Vale a pena conferir essa pérola, eu recomendo!
 
01. End Of The Page
02. Having A Good Time
03. Satan
04. Fever Machine Man
05. Let's Do To The Sea
06. Hooked
07. Under The Black Sun
08. Stormy Monday



Red Hot Chili Peppers – Stadium Arcadium (2006)


 

No disco mais adulto dos Red Hot Chili Peppers, o ingrediente mágico acaba por se tornar evidente: o fim da vergonha de John Frusciante em mostrar todo o seu arsenal de truques.

Foi em 1991 que os solos de guitarra ficaram fora de moda. O lamento foi feito, à época, por Kirk Hammet, o senhor da guitarra dos Metallica que nesse ano lançavam o álbum preto e assistiam, ainda que confortavelmente entre os campeões de vendas, aos Nirvana a mudar as regras do jogo. Os anos 90 revelar-se-iam uma década em que das guitarras se queria atitude, muita distorção e pouco exibicionismo. Mesmo que o arranque tenha sido antes, foi em 1991 que os Red Hot Chili Peppers chegaram ao mainstream, com Blood Sugar Sex Magik, foi com essas regras que John Frusciante jogou. Pelo menos, até 2006, o auge do sucesso comercial, ano a que chegaram embalados de dois anos de digressão mundial.

O embalo vinha de By The Way, na verdade até do antecessor Californication, quando pararam para compor música nova e, com Rick Rubin para a produção, traçar o plano: uma trilogia de discos. No final, acabaria por sair Stadium Arcadium, disco duplo de 28 canções, a deixar outras dez no forno para lançar nos anos seguintes. A maior revolução, contudo, não estaria no formato ou na dimensão do disco, o maior salto foi audível no disco que se tornaria no primeiro número um da banda nos Estados Unidos, merecedor de quatro Grammys. E de onde nasceu?

Se por um lado, ao longo dos anos, Kiedis e Flea reconheceram que o disco nascera de uma banda mais alinhada, audível, passados quinze anos do seu lançamento, é o salto de Frusciante, o ingrediente nem por isso secreto dos melhores discos da banda. Sem vergonha de mostrar o virtuosismo que sempre teve nos dedos, com voz suficientemente pesada entre companheiros de banda para contrariar Flea, sempre defensor da faceta mais punk da banda, em Stadium Arcadium é da guitarra que saltam as maiores diferenças para a restante discografia.

Há funk pesado (“She’s Only 18”), também o há mais saltitante (“Hump de Bump”), mas é em canções como “We Believe” ou “Strip my Mind” que melhor se nota que Stadium Arcadium é, provavelmente, o disco mais adulto até então da banda, agora segura e apta para mostrar toda a musicalidade que só os mais atentos lhe tinham descoberto. Dúvidas? É de ouvir “Hard to Concentrate”, do baixo que se faz discreto, às réplicas da guitarra de Frusciante .

Se Blood Sugar Sex Magik (1991) os apresentou ao mundo e se Californication (1999) lhes abriu a porta do novo século, foi Stadium Arcadium que tornou claro que nada acontece por acidente. É verdade que o funk dos Red Hot Chili Peppers é único, que o peso das suas canções nunca lhes rouba a melodia, que Kiedis sempre cantou como poucos e que Flea nunca aparece longe do topo nas listas reservadas aos melhores baixistas da música mainstream. Não é menos verdade que Frusciante sempre foi melhor e maior do que o crédito recebido. Basta carregar no play para ficar sem dúvidas.


25 DE ABRIL DISCOS


RODA - RPE 1365 - 1975

A Life On The Ocean Wave (Desta Vez É Que É De Vez) (Russell) - Grândola, Vila Morena (José Afonso) - International Contest (Cravos da Liberdade) - Pomp And Circunstance (Pela revolução (Elgar)

DESTA VEZ É QUE É DE VEZ


INTERDISCO - IOSD 305

Desta Vez É Que É De Vez (José Niza/Russel) - Já Chegou A Liberdade (Ary dos Santos/Popular)

MADRUGADA


ORFEU - KSAT 522

Madrugada (José Luís Tinoco) - Entre Espanha e o Mar (José Niza/José Luís Tinoco)

Arranjos e direcção musical de Pedro Osório ("Madrugada!) e produção de José Niza.

Duarte Mendes é capitão de Abril e "Madrugada", sobre o 25 de Abril, ganhou o Festival RTP da Canção em 1975.


A VITÓRIA É DIFÍCIL


ORFEU - KSAT 517

A Vitória É Difícil (José Jorge Letria) - Só De Punho Erguido (José Jorge Letria)

Arranjos e direcção musical de José Calvário, coro de Luísa Basto e Samuel, produção de José Niza.


SOM VIAJANTE


Anders Koppel "Aftenlandet & Regnbuefuglen" (1977)

A herança é uma coisa especial. Aqui, por exemplo, a família Koppel . Papa Herman (1908–1998), venerável pianista e compositor, autor de sinfonias, quartetos de cordas e concertos para vários grupos de instrumentos, teve quatro filhos. Três deles conectaram suas vidas com a música. A filha Lehne (n. 1938) é uma cantora de ópera que durante 30 anos foi uma das solistas do Teatro Real de Copenhaga. O filho mais velho Thomas (1944-2006) estudou no departamento de piano da Royal Danish Academy of Music, onde o pai da família era professor. Levado por experimentos de rock, ele, junto com seu irmão Anders (n. 1947), montou um conjunto psicodélico em 1968 Savage Rose em 1968E embora no final de 1974 os parentes tenham se separado, ambos acabaram se tornando adeptos de grande forma: Thomas, enquanto continuava a dirigir a Rosa Selvagem, simultaneamente dominou o território da vanguarda acadêmica, compôs balés e obras para piano e orquestra . Anders, por outro lado, assumiu as funções de organista e ideólogo da interessante formação Bazaar . Paralelamente, ele se envolveu em projetos solo. E desde meados dos anos 1980, ele mergulhou de cabeça no mundo dos clássicos modernos. No entanto, vamos retroceder um pouco. Em 1975, Anders Koppel lançou o disco de folk-rock orquestral "Valmuevejen", gravado com o ator cantor Otto Brandenburg . Depois disso, ele foi seriamente levado por progressões complexas. E o primeiro sinal desse tipo para nosso herói foi o álbum "Aftenlandet &
Mastermind (órgão, piano de cauda, ​​piano elétrico, sintetizador, autoharpa, acordeão) incorporou o panorama do rock fora do padrão em realidade com a ajuda de amigos - o multi-station turco Mehmet Ozan , que se estabeleceu na Dinamarca (percussão, guitarras, darbuka, congas), o baixista Jens Uste ( Savage Rose ), Windsor Peter Bastian ( Bazaar ), o baterista Hans MonsenA etapa inicial - a faixa "Budbringeren" - traz uma marca pronunciada de uma balada folclórica escandinava com uma tônica característica e uma base menor, que não exclui uma parcela de pathos saudável. Colagem rítmica "Byen" habilmente equilibra entre vanguarda moderada, folk-fusão e classicismo. Em seguida, o mágico Anders evoca um horror de dança redonda com a ajuda do cativante estudo "Folkene" (acompanhamento extenso de backing vocal aqui é muito bem-vindo) e táxis arrojados para os contornos de jazz-prog do número "Gaderne", inundados de efeitos abstratos Simestilo ovsky. O viscoso, solene, como uma missa, mas ao mesmo tempo o enredo sonhador de "Havnen" é uma performance beneficente do maestro Bastian, cujo fagote não para ao longo da ação. As ondas quentes de art-fusion da peça "Regnbuefuglen", que abre o lado "B", agradam ao ouvido, mas uma sombra de drama obscuro paira sobre sua superfície lírica. A tensão acumulada é parcialmente descarregada no contexto da história sem palavras de "Toget", especialmente porque a parte de clarinete do velho Peter é mais eloquente do que qualquer frase. O esquema puramente de jogo "Rejsen" é outro obstáculo da Koppel. A grande tragédia das notas tomadas na fase de introdução evapora instantaneamente sob a pressão ativa de "Hammond" e acompanhamento de rock alegre. A valsa deliberadamente desajeitada ganha vida na tela da fantasia irônica "Generalerne".
Para resumir: uma coleção extremamente curiosa de pinturas sonoras, refletindo a riqueza da alma do compositor-artista Anders Koppel . Eu recomendo.


TREM DE MINAS (Celso Adolfo - Remanso de Rio Largo)

Celso Adolfo - Remanso de Rio Largo


                                                                                                                                                   MUSICA&SOM

ROXY MUSIC - MANIFESTO (1979)

 12067 - ROXY MUSIC - MANIFESTO (1979) (REPOST)

ROXY MUSIC
''MANIFESTO''
1979
42:38
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01 Manifesto 05:29 (Bryan Ferry, Phil Manzanera)
02 Trash 02:14 (Bryan Ferry, Phil Manzanera)
03 Angel Eyes 03:32 (Bryan Ferry, Andy Mackay)
04 Still Falls the Rain 04:13 (Bryan Ferry, Phil Manzanera)
05 Stronger Through the Years 06:16
06 Ain't That So 05:39
07 My Little Girl 03:17 (Bryan Ferry, Phil Manzanera)
08 Dance Away 03:48
09 Cry, Cry, Cry 02:55
10 Spin Me Round 05:15
Tracks By Bryan Ferry Except 01, 02, 03, 04, 07
**********
Paul Carrack/Keyboards
Bryan Ferry/Keyboards, Vocals
Andy Mackay/Saxophone
Phil Manzanera/Guitar
Alan Spenner/Bass
Paul Thompson/Drums
Gary Tibbs/Bass

Retornando à ação após quatro anos de projetos solo, Roxy Music redefiniu seu som e agenda no Manifesto. Mais do que nunca, Roxy soa como a banda de apoio de Bryan Ferry, à medida que o grupo retira suas influências de art rock, edita os interlúdios instrumentais em favor de canções pop concisas e adiciona camadas de ritmos disco estilosos. Embora a composição seja dolorosamente inconsistente, há uma série de momentos maravilhosos no álbum, particularmente no suspiro "Angel Eyes" e no coração partido "Dance Away". Ainda assim, trocar aventura sonora por disco-pop exuberante e acessível não é totalmente satisfatório, mesmo que seja momentaneamente sedutor.


Destaque

Queen – B-Sides (2025)

  01 – Hang On In There (B-Side) 02 – See What A Fool I’ve Been (B-Side Version / Remastered 2011) 03 – A Human Body (B-Side) 04 – Hijack My...