Tony Bennett: Ícone Pop e Do Jazz

 Sob o nome artístico de Tony Bennett, Anthony Dominick Benedetto, nascido em 03 de agosto de 1926 se tornou um dos principais cantores de jazz e música pop. Considerado como um dos principais nomes do jazz Tony também é um pintor de talento. O trabalho de pintura de Bennett estão expostos em diversas instituições de arte sob o nome de Anthony Benedetto.

Um dos principais marcos da carreira de Bennett é ser o fundador do Sinatra School of the Arts Frank em Nova York. Um músico e pintor que conquistou um lugar de destaque e que fez do seu nome uma lenda.

Tony Bennett: Ícone Pop e Do Jazz

O Começo Da Carreira De Tony Bennett

Bennett foi criado na cidade de Nova York e foi lá que começou a cantar ainda muito jovem. Em paralelo a música Bennett foi soldado de infantaria do Exército dos Estados Unidos no final da Segunda Guerra Mundial. Depois desse período como combatente Tony assinou um contrato com a Columbia Records e trabalhou para aprimorar a sua técnica vocal.

A primeira canção de Bennett a emplacar foi “Because of You “, em 1951. Depois disso o cantor conseguiu diversos top hits como “Rags to Riches”. Nessa fase Bennet percebeu que poderia refinar ainda mais a sua música e então começou a colocar algumas abordagens de jazz no meio das suas canções.

O Começo Da Carreira De Tony Bennett

O Auge

No final da década de 1950 Tony Bennett chegou ao grande auge da sua carreira com álbuns de grande sucesso como The Beat of My Heart e Basie Swings. Foi no ano de 1962 que Bennet gravou o maior sucesso de sua carreira “I Left my Heart in San Francisco”. Nos anos seguintes Bennett conquistou dois prêmios Grammy.

A Desaceleração Do Sucesso

Com o começo da era do rock foi perdendo espaço no mercado musical e deixou de estar no topo. Após perder bastante popularidade o cantor até tentou um retorno no final dos anos 1980 e começo dos anos 1990 lançando novamente alguns álbuns que tinham sido grandes sucessos bem como tentou aumentar a sua audiência gravando com o MTV Generation, porém, sem perder o seu estilo musical.

Mesmo sem fazer tanto sucesso quanto no seu auge Bennett é um cantor reconhecido no mundo todo por seu trabalho e que ainda é muito elogiado pela crítica. No total Tony recebeu 17 prêmios Grammy em sua carreira e dois Emmy Awards. O artista já vendeu mais de 50 milhões de discos no mundo todo. Em 2010 Bennett participou do grupo de artistas que regravou a música We are the World, na versão Haiti.

Anos 90 – Um Público Inesperado

Nos anos 90 Tony Bennett continuava o mesmo em suas apresentações, mas acabou conquistando um público inesperado, mais jovem. O cantor continuava com o seu visual formal e jeito de cantar. A mudança foi mesmo nos programas de TV que Tony passou a se apresentar.

Um dos primeiros programas em que o artista de apresentou nessa nova fase da carreira foi o Late Night with David Letterman. Um programa que conta com uma audiência mais jovem. Depois disso Tony fez aparições em outros programas do mesmo estilo como o Late Night with Conan O’Brien , The Simpsons , Muppets e diversas participações em programas da MTV.

No ano de 1993 Tony Bennett fez vários shows beneficentes em que boa parte do público era jovem. Foi nesse momento que Tony percebeu que tudo o que era diferente se destacava entre os jovens. Para esse público as suas músicas eram uma novidade porque eles nunca haviam escutado.

Novos Álbuns

Nessa fase de conquista de um público mais jovem Tony Bennett continuou a gravar e no ano de 1990 lançou “Astoria: Portrait of the Artist”. Logo na sequência vieram álbuns temáticos como a homenagem feita a Sinatra em Perfectly Frank de 1992 e a Fred Astaire Steppin ‘Out de 1993.

Os dois álbuns de homenagem receberam o status de disco de douro e Bennett ganhou Grammys de Melhor Performance Vocal Pop Tradicional. Com esse trabalho Bennett foi consagrado como um dos maiores nomes da música popular norte-americana.

MTV Unplugged

Tony Bennett provou que mesmo sendo um veterano ainda tinha muito a falar para o público mais jovem. As suas aparições em programas da MTV deixaram isso ainda mais claro. Com o passar do tempo passou a ser comum ver Bennett nos programas da casa assim como artistas como Red Hot Chili Peppers, por exemplo.

O auge desse novo sucesso entre os jovens se deu no MTV Unplugged, um show acústico que Bennett fez em parceria com o canal musical. O show atraiu um público considerável e o álbum resultante desse show chegou a álbum de platina além de render o prêmio Grammy de Melhor Performance Pop Vocal. Bennett ainda levou o Grammy de Álbum do Ano.

Tony Bennett No Brasil

Até outubro de 2009, Tony Bennett, havia feito apenas uma visita profissional ao Brasil. Nessa segunda visita o cantor se apresentou nas cidades de Belo Horizonte, Porto Alegre, São Paulo, Rio de Janeiro, Brasília e Recife.

Tony Bennett – Anos 2000

Na década de 1990 Tony Bennett demonstrou que ainda tinha muito para fazer pela música e chegou no ano de 1999 com seus ativos valendo entre 15 e 20 milhões de dólares. Na primeira década dos anos 2000 o músico manteve um ritmo de 100 a 200 shows por ano sempre enfatizando como não deseja se aposentar.

Em 2006 Tony Bennett completou 80 anos de idade ainda em pleno vigor e ano de 2011 apareceu na TV para fazer críticas ao governo norte-americano alegando que as suas ações de alguma forma foram as responsáveis pelo atentado de 11 de setembro. Em setembro de 2001 Tony lançou o seu primeiro álbum de colaborações com duetos para comemorar o seu aniversário de 85 anos.

No ano de 2012 Bennett lançou o álbum Viva Duets com vários artistas e manifestou o seu desejo de que as drogas fossem legalizadas como uma forma de protestar contra a morte prematura da cantora Amy Winehouse. Um artista que mesmo com mais de 80 anos mostra que ainda tem muito fôlego para prosseguir com a sua carreira. Quem ainda não conhece a música de Bennett não pode deixar de ouvir os seus álbuns.

Judas Priest: O comovente e inclusivo discurso de Rob Halford após a indução ao Rock and Roll Hall of Fame

 

Cerimônia foi marcada ainda pela apresentação da banda com K.K. Downing após 11 anos, além do dueto de Halford com Dolly Parton e as induções de Pat Benatar, Duran Duran e outros.

No último sábado, 5 de novembro, os mestres do Heavy Metal inglês, Judas Priest, foram finalmente reconhecidos pelo Rock And Roll Hall of Fame após anos de inscrição sem conseguirem entrar. Mesmo na prestigiosa instituição. Embora o Priest tecnicamente não tenha sido induzido diretamente no Hall of Fame, ele foi reconhecido com um Prêmio de Excelência Musical, apresentando um conjunto histórico de três músicas com três guitarristas e dois bateristas, cortesia de uma reunião com K.K. Downing e Les Binks.

A banda, assim que entrou no palco, foi aplaudida pelos presentes na gala e, após apresentarem um discurso de agradecimento em que Halford ainda falou sobre sua orientação sexual e como se sente a inclusão na cena Metal mundial, levaram seus instrumentos e começaram a tocar com seus ex-membros da banda. Tudo isso foi gravado pelos participantes e os clipes se tornaram virais em questão de horas.

"Eu sou o garoto gay da banda. Veja bem, é disso que se trata o heavy metal. Nós nos chamamos de comunidade de heavy metal com tudo incluído, não importa qual seja sua identidade sexual, sua aparência, a cor da sua pele, em que fé você acredita ou se você não acredita. Todos são bem vindos.

As pessoas de fora que olham para o heavy metal nos olham um pouco, sabe, um pouco assustadas. Por favor. Ele foi visto aqui esta noite. Somos todos sobre o poder, a emoção, a dedicação e o amor pelo heavy metal que temos há 50 anos.

Devemos seguir por mais 50 anos, mas a alegria da música é que ela vive para sempre. E é por isso que estamos aqui. Vivemos para o heavy metal. Vivemos para a música. E vivemos para o Rock and Roll Hall of Fame." - Disse Halford em seu discurso.

Apresentação com K.K Downing e Les Binks.

Os membros do Judas Priest, do passado e do presente, uniram forças no palco na cerimônia de posse do Rock & Roll Hall of Fame, comemorando a introdução da banda através do Prêmio de Excelência Musical.

Sua formação ativa, o vocalista Rob Halford, o baixista Ian Hill, o baterista Scott Travis e o guitarrista Richie Faulkner tocaram ao lado do ex-guitarrista K.K. Downing e o baterista Les Binks.

Também participou o guitarrista Glenn Tipton, que ainda é membro oficial, mas se aposentou da estrada em 2018 devido ao diagnóstico de Parkinson. O guitarrista de turnê Andy Sneap ficou de fora.

A formação expandida de couro começou com "You've Got Another Thing Comin'", antes de passar para "Breaking the Law". Eles concluíram com "Living After Midnight".

Binks, Downing e o falecido baterista Dave Holland foram todos empossados ​​com Halford, Tipton, Hill e Travis. Faulkner não está na banda há tempo suficiente para ser elegível.

Downing disse anteriormente à UCR que não teria problemas para fazer a transição de volta para a banda. "É quase como quebrar uma cerveja, quanto mais andar de bicicleta", disse ele, depois de tocar com o Judas Priest de 1970 a 2011. "Está embutido em mim, é o que eu faço. ." , apenas para chegar lá e aumentar os amplificadores e fazer isso mais uma vez, por aquele curto momento no tempo."

Binks confirmou seu envolvimento logo depois, dizendo que o desempenho multigeracional "seria um momento para os livros... Você nunca viu nada assim antes, e provavelmente não verá novamente, eu acho".

Dolly Parton e Rob Halford cantam 'Jolene'.

Na mesma noite de sábado, Dolly Parton juntou-se a Rob Halford para um dueto improvável de 'Jolene'.

Ambos os atos foram induzidos ao clube durante a cerimônia ao lado de nomes como Eminem e Duran Duran, em uma festa extravagante em Los Angeles. Em um palco da noite, Judas Priest subiu ao palco para um set de três músicas que contou com seu ex-guitarrista K.K. Downing e o ex-baterista Les Binks, que retornaram ao grupo por apenas uma noite.

Seu vocalista Halford se apresentou mais uma vez mais tarde na cerimônia, quando ele surpreendentemente fez um dueto com Parton em 'Jolene'. Em seu discurso de aceitação, Parton disse orgulhosamente: “Eu sou uma estrela do rock agora! Esta é uma noite muito especial para mim. Tenho certeza que muitos de vocês sabiam que quando eles disseram que iriam me colocar no Rock and Roll Hall of Fame, eu não sentia que tinha feito o suficiente para merecer isso. E eu não entendi na época que é mais do que isso. Mas estou tão honrada e orgulhosa de estar aqui esta noite".

Parton afirmou anteriormente que não aceitaria uma indução ao Rock and Roll Hall Of Fame. No entanto, após sua indicação no início deste ano, a cantora e compositora mudou sua postura no clube mais exclusivo do rock.

Infelizmente, quando o Duran Duran aceitou sua indução ao Rock and Roll Hall of Fame na noite passada, eles tinham algumas notícias comoventes para compartilhar com o público. O vocalista Simon Le Bon leu uma carta em nome do ex-guitarrista Andy Taylor, que explicou que está lutando contra o câncer de próstata.

“Há pouco mais de quatro anos, fui diagnosticado com câncer de próstata metastático estágio 4. Muitas famílias experimentaram a queima lenta desta doença e, claro, não somos diferentes”, disse Taylor em sua carta. “Então, falo da perspectiva de um homem de família, mas com profunda humildade para a banda, os maiores fãs que um grupo poderia ter e este prêmio excepcional.”

Assista ao dueto de Parton e Halford em 'Jolene' abaixo.

Pat Benatar finalmente é induzida ao RRHOF.

Pat Benatar e Neil Giraldo foram introduzidos no Rock & Roll Hall of Fame como membros da classe performer de 2022.

Sheryl Crow deu as boas-vindas aos dois homenageados, chamando-os de "totalmente individuais e completamente reconhecíveis. Como essa voz veio de seu corpo minúsculo foi notável". Ela acrescentou que o som que Benatar e Giraldo fizeram juntos era simplesmente “impossível de replicar”, chamando Benatar de ícone feminista. Depois de citar muitas de suas músicas mais conhecidas, Crow acrescentou: "Acho que posso cantar cada uma dessas músicas".

Benatar agradeceu a todos que ajudaram em suas carreiras, então familiares especiais antes de recorrer a Giraldo. "E você, meu parceiro - meu amor", disse ela. "Quarenta e três anos atrás em um estúdio de ensaio em Nova York - você poderia imaginar esta noite, esta noite?"

Giraldo fez menção especial a Rick Derringer, que deu uma grande chance ao guitarrista. "Tudo o que eu queria era uma grande cantora, e consegui uma vocalista excepcional", acrescentou Giraldo. "E o resto da história, você sabe como é."

Benatar acumulou uma série de álbuns de platina e multiplatina e hits no Top 20 ao longo dos anos 70 e 80, começando com seu álbum de estreia de 1979, "In ​​the Heat of the Night". Seu segundo LP, "Crimes of Passion", catapultou Benatar para o estrelato, chegando ao segundo lugar na Billboard 200, vendendo 4 milhões de cópias e gerando o single "Hit Me With Your Best Shot" que alcançou o nono lugar. Ela continuou a onda de sucesso com "Precious Time" de 1981, que liderou as paradas e ganhou dupla platina.

Apesar de ser elegível para a indução do Rock Hall por mais de duas décadas (ela lançou seu primeiro single em 1974), Benatar resistiu até que ela pudesse ser induzida com Giraldo, seu marido, guitarrista e parceiro de composição. "Eu fiz lobby nos últimos 25 anos para dar a ele o crédito que lhe é devido", disse ela à Billboard. "Tenho certeza de que ambos teríamos sucesso separadamente, mas juntos foi o que realmente fez acontecer e o transformou no que se tornou.

Houve muitos, muitos anos em que se falava sobre entrar [no Rock Hall] ou não entrar", continuou ela. "Eu estava meio inflexível sobre irmos juntos, e foi praticamente um 'não', e então, 'acho que não vou entrar então', e foi isso. Foi assim por muito tempo, então estou muito, muito satisfeita que está acontecendo do jeito que está agora."

Giraldo disse à Billboard separadamente que sua parceria colaborativa foi crucial para o sucesso da dupla. "Desde o primeiro dia, Patricia e eu realmente fizemos isso juntos", disse ele. "Eu estava no estúdio a cada segundo. Eu sei onde cada nota está enterrada. A grandeza de Patricia é que ela era tão extremamente segura que quando nos conhecemos, ela só queria cantar e estava procurando um parceiro para fazer o resto, que eu amei. Fiquei feliz em fazer tudo o que pude escrever e produzir grandes discos. Foi uma combinação feita no céu."

Epica dá uma guinada ao inesperado em "The Alchemy Project"

 

Ícones do metal sinfônico se saem bem com alguns convidados em seu novo EP, que chegará no dia 11 de novembro próximo.

Tendo recentemente comemorado seu 20º aniversário com um concerto e transmissão extremamente ambiciosos, vários relançamentos de álbuns e estreias teatrais dos primeiros shows ao vivo, o Epica ainda não terminou de fazer todas as paradas. "The Alchemy Project" é um mini-álbum colaborativo exclusivo composto por sete faixas e uma lista de convidados especiais. É uma formação que é tão desconcertante quanto atraente; quem pensou que veria os veteranos do prog Uriah Heep creditados no mesmo álbum que Fleshgod Apocalypse?

Com esses nomes anexados, este sempre seria um disco excêntrico e é, mas não necessariamente em seu detrimento. É verdade que há momentos em que o casamento de estilos musicais é um pouco desajeitado e incongruente, particularmente em "The Great Tribulation" e "Human Devastation", onde a voz soprano amanteigada de Simone Simons é justaposta com rosnados de death metal que parecem apertados. são novos no Epica, mas o contraste com sua música é tão gritante que eles são melhores quando usados ​​como pontuação, como em outras faixas como a apocalíptica "The Final Lullaby".

Em outros lugares, no entanto, seu experimento é um sucesso. A empolgante "Wake The World", um dueto com o cantor de Kamelot, Tommy Karevik, tem o drama alto de uma ópera rock, mas uma das aparições mais emocionantes é a da ex-cantora do Delain, Charlotte Wessels e Amalie Bruun do Myrkur em "Sirens". As cantoras retratam “irmãs do mar” que atraem os homens para a morte, o que é tão sonhador quanto parece. A já mencionada "The Final Lullaby", um dueto surpreendente e brilhante com o norueguês Shining (o que significa que há um solo de sax – foda-se sim), tem o refrão mais impressionante e melhor demonstra todo o potencial do conceito colaborativo do álbum. No geral, "The Alchemy Project" é um sucesso e um fracasso, mas ainda vale a pena investigar esses pesos pesados.

Tracklist:

1) The Great Tribulation feat. Fleshgod Apocalypse

2) Wake the World feat. Phil Lanzon (Uriah Heep) & Tommy Karevik (Kamelot)

3) The Final Lullaby feat. Shining

4) Sirens - Of Blood and Water feat. Charlotte Wessels & Myrkur

5) Death is not the End feat. Frank Schiphorst (MaYaN) & Björn "Speed" Strid (Soilwork)

6) Human Devastation feat. Henri Sattler (God Dethroned), Sven de Caluwé (Aborted)

7) The Miner feat. Asim Searah (Damnation Plan), Niilo Sevänen (Insomnium), Roel van Helden (Powerwolf).

Ozzy Osbourne lançou o seu novo álbum, “Patient Number 9”;

“Patient Number 9”, 13º álbum solo de estúdio do Madman, sucede "Ordinary Man" (2020).

A produção do trabalho novamente ficou a cargo de Andrew Watt, que também integra a banda fixa de apoio ao madman no disco, juntamente com Duff McKagan (Guns N’ Roses) as 4 cordas e o Chad Smith (Red Hot Chili Peppers) às baquetas.

Dentre os convidados especiais temos Tony Iommi, Eric Clapton, Zakk Wylde, Mike McCready (Pearl Jam), Josh Homme (Queens of the Stone Age), Robert Trujillo (Metallica) e o agora saudodo Taylor Hawkins (Foo Fighters).

Ouça o álbum na íntegra, via Spotify:

Tracklist:

Patient Number 9 (feat. Jeff Beck)

Immortal (feat. Mike McCready)

Parasite (feat. Zakk Wylde)

No Escape From Now (feat. Tony Iommi)

One Of Those Days (feat. Eric Clapton)

A Thousand Shades (feat. Jeff Beck)

Mr. Darkness (feat. Zakk Wylde)

Nothing Feels Right (feat. Zakk Wylde)

Evil Shuffle (feat. Zakk Wylde)

Degradation Rules (feat. Tony Iommi)

Dead And Gone

God Only Knows

Darkside Blues

Floor Jansen lança clipe de "Me Without You", 3º single de seu álbum solo

"Me Without You" integrará o vindouro primeiro álbum solo da frontwoman do Nightwish, Floor Jansen, ainda inominado, que chegará no início de 2023.

Assista ao clipe no player abaixo:

Yes: o lindo álbum "Close to the Edge"

"Close to the Edge", o quinto álbum de estúdio do Yes e possivelmente a obra-prima que define o rock progressivo,– foi originalmente lançado em 13 de setembro de 1972. Apesar de sua idade, a música em si permanece atemporal.

Embora tenham continuado a produzir música bonita, desafiadora e influente ao longo das décadas que se seguiram, esses britânicos com visão de futuro estabeleceram um precedente intocável durante esse período fértil, como "Close to the Edge" deixa mais do que evidente.

O maior motivo é a química visceral entre os músicos. O quinteto formado pelo vocalista e letrista Jon Anderson, o guitarrista Steve Howe, o baixista Chris Squire, o tecladista Rick Wakeman e o percussionista Bill Bruford fizeram apenas dois álbuns juntos: após um processo de mixagem especialmente árduo, Bruford saiu da banda para se juntar ao grupo liderado por Robert Fripp, King Crimson.

Mas de certa forma, eles disseram tudo o que precisavam dizer neste álbum. A combinação das letras psicodélicas e de olhos arregalados de Anderson e melodias vocais de hinos se encaixam perfeitamente com algumas das passagens instrumentais mais ferozes e intrincadas da história do rock. Essas passagens vieram como cortesia da finesse jazz-fusion de Bruford, da elegância tingida de clássico de Wakeman, do ecletismo de aranha de Howe e do baque surdo e musculoso de Squire.

Outra razão pela qual este álbum continua sendo uma pedra de toque é que ele nunca cai nas palhaçadas ou exibicionismo que atormentaram tantos álbuns de rock progressivo durante o auge do gênero. Em vez disso, "Close to the Edge" (particularmente a suíte-título de quatro partes e 18 minutos) é incrivelmente matizada, composta com um fluxo e economia tão magistral que cada solo, letra ou riff parece conectado de uma maneira cósmica e abrangente. Mesmo em sua forma mais complexa (a seção enganosamente complicada "Total Mass Retain"), as ideias mais simples brilham. O tema sublime da guitarra de Howe (que percorre toda a faixa-título) é um dos mais elegantes do canhão prog.

Mas enquanto "Close to the Edge" pode ser o destaque inevitável do álbum, duas outras faixas excelentes completam o disco: "And You And I" é um mini-épico, utilizando o trabalho de 12 cordas mais melódico e emocional de Howe e um arrepiante vocal principal de Anderson, enquanto "Siberian Khatru" fecha as festividades com um treino instrumental que mistura riffs de banda completa com interação estilo jazz-fusion, colocando o órgão borbulhante de Wakeman contra os solos ascendentes de Howe (co-arranjado por Bruford, em um exemplo clássico da banda escrevendo para os instrumentos uns dos outros).

Do ponto de vista lírico (e pessoal), Anderson estava cada vez mais interessado em explorar seu lado espiritual. Em particular, ele foi influenciado pelo romance Siddhartha, de Herman Hesse, no qual um homem indiano vivo na época de Buda experimenta um despertar interior através da natureza. Esses temas explodiriam em uma fascinante indulgência no álbum seguinte da banda, o frequentemente insultado (e amplamente subestimado) "Tales from Topographic Oceans", de 1973. Em "Close to the Edge", as visões espirituais e drogadas de Anderson atingiram o pico em clareza.

"Jon tiraria as coisas do sentido pessoal e autobiográfico e as colocaria em um sentido mundano", observa Howe no encarte do relançamento do álbum em 2003. "São todas as metáforas", Anderson disse mais tarde ao Sea of ​​Tranquility. "Foi quando eu passei por um período muito forte de apenas esboçar e escrever o que quer que eu cantasse como sendo um estado de consciência.

"Eu fumava um baseado e me divertia e escrevia: 'Uma bruxa experiente pode ligar para você das profundezas de sua desgraça / E reorganizar seu fígado para a graça mental sólida', e eu sei exatamente o que isso significa", acrescentou Anderson. "'Uma bruxa experiente pode chamá-lo das profundezas de sua desgraça' - Seu eu superior pode chamá-lo das profundezas de seus sentimentos vergonhosos, suas dúvidas. 'E rearranje seu fígado' - você pode reorganizar seu corpo para um 'sólido mental. graça.' O fígado é uma parte muito poderosa do corpo, por isso pode reorganizar o seu eu físico para um estado mental mais elevado.

"Perto da borda, na esquina", continua Anderson, "eu estava lendo Sidarta. Então tudo significa algo para mim. E as pessoas podem dizer o que quiserem. Não me importo, porque sei que o que eu estava dizendo era o que eu estava pensando, o que eu estava sonhando."

Na mesma entrevista, Anderson expande os temas espirituais do álbum. "Quando eu estava escrevendo 'Close to the Edge' com Steve [Howe], eu estava lendo muito sobre espiritualidade e como ela se estende por todo o mundo. Há uma conexão, como todos os rios levam ao mesmo oceano, então pensei: você sabe, 'Perto da borda, perto do rio.' E é tipo, as pessoas dizem que 'Close to the Edge' é sobre desastre', mas não, é sobre realização! Estamos nesta jornada, e a única razão pela qual vivemos é encontrar o divino. Encontrar Deus a partir de dentro."

As missões espirituais de Yes colheriam muitas outras recompensas ao longo dos anos. Mas do ponto de vista musical, eles realmente "encontraram Deus" em Close to the Edge, estabelecendo um precedente impressionante para o domínio do rock progressivo que nenhuma outra banda (inclusive Yes) conseguiu alcançar desde então.

DISCO PERDIDO

BABE RUTH - "Primeira Base" - (Reino Unido 1972)

Banda de rock progressivo fenomenal formada na Inglaterra no início dos anos setenta pelo guitarrista Alan Shacklock. No início eles eram conhecidos como "Shacklock" por causa do nome do fundador, mas depois foi mudado para Babe Ruth em homenagem a um famoso jogador de beisebol americano. Para além de alguns grandes músicos, esta banda foi acompanhada pela extraordinária voz de Janita Haan e uma extraordinária bailarina de ginástica que serviu para animar as actuações ao vivo. O disco teve pouca repercussão no Reino Unido mas curiosamente foi disco de ouro no Canadá. Uma versão de "King Kong" de Zappa está incluída como instrumental. Excelente e para mim o tema do álbum é "Black Dog" - sensacional!!     ALAN SHACKLOCK .. guitarra, voz, órgão e percussão. -JANITA HAAN..


             
            DICK POWELL..bateria e percussão - DAVE PUNSHON..piano - DAVE HEWITT..bass

                                                                                                       

                         

                                                                                                               cachorro preto                            

                                                                       

                                                                       

                                                                                                             JANITA HAAN                             

                                        
  Os fugitivos

  
                                                                                                                                                       

    palhaço











                                                                                                                                        

CRONICA - AMON DÜÜL | Psychedelic Underground (1969)

 

É muito mais um coletivo do que realmente um grupo. Nascido em Munique em 1967, este encontro de músicos muito comprometidos politicamente, com tendências anarquistas, associa o nome de Amon, deus do sol no antigo Egito ao de Düül, deus da música na mitologia turca. Rapidamente conhecido na cena underground alemã, os desentendimentos eclodiram. Alguns dos membros acham que qualquer pessoa pode participar do projeto, sabendo tocar um instrumento ou não. O outro quer ir para uma formação estruturada no formato de rock clássico. O debate terminou em setembro de 1968 durante o festival pop de Essen, onde a comunidade se dividiu em dois: Amon Düül que manteve o espírito de um coletivo e Amon Düül II que partiu para composições mais estáveis.

Às vezes chamado de Amon Düül I, os bávaros lançaram um álbum em 1969 pelo selo Metronome intitulado Psychedelic Underground , seguindo sessões em 1968. Os músicos indo e vindo, participaram neste Lp o baixista Ulrich Leopold (irmão de Peter Leopold, baterista saiu juntando-se ao Amon Düül II), baterista/pianista Wolfgang Krischke, guitarrista Rainer Bauer, baterista/vocalista Angelika Filanda, percussionista Helge Filanda, maracá Uschi Obermaier e percussionista/vocalista Eleonore Romana.

Por mais que digamos logo, este disco produzido em mais de um segundo estado não é feito para todos os ouvidos. Você tem que aguentar. O som está podre porque provavelmente gravado em condições precárias, mas que reflete bem o espírito do coletivo. Recupere o que vem em delírios improvisados, psique extrema e aproveite ao máximo. Ou devo dizer o menos pior.

As 33 voltas valem sobretudo no título que ocupa ¾ do lado A "  ,Ein Wunderschönes Mädchen Träumt Von Sandosa” onde obviamente o grupo não esconde suas preocupações, música alta e bagunçada. Na verdade, esta peça refere-se à empresa farmacêutica suíça Sandoz, conhecida por estar na origem do LSD descoberto acidentalmente em 1938. Com uma extensão de 17 mn, esta faixa elástica é liderada por um acorde de guitarra tenaz, desenfreado e esquizofrênico. Como um trem que nada para, lembra as experiências psicodélicas do Velvet Underground em um cenário de efeitos sonoros urbanos e industriais. Tocados instintivamente em clima tribal e de garagem, os outros instrumentos adornam esse acorde cacofônico que se intercala com um piano um tanto melodioso rapidamente eclipsado pelo bater de uma porta. Nesta orgia musical, ouvimos palavras que mais parecem lamentações, até grita, do que cantando. Certamente capturado durante a gravação ao vivo, perto dos microfones em pleno transe.

Encontramos o mesmo princípio nos 8 minutos de “Im Garten Sandosa” e no curta “Bitterlings Verwandlung” em conclusão. Para o resto encontramos "Kaskados Minnelied" feito de acordes esmagadores para uma viagem oriental, "Mama Düül Und Ihre Sauerkrautband Spielt Auf" liderada por percussão metronômica e "Der Garten Sandosa Im Morgentau" por 8 minutos indescritíveis e misteriosos longe da camisa de força infernal que assombra este Lp.

Muitos vão achar esse disco ruim, feito por indivíduos que por boa metade não sabem tocar ou mesmo cantar. Mas não é desprovido de interesse, por seu significado histórico. É por isso que o aprecio, porque lança os primórdios de um novo estilo que os anglo-saxões qualificarão como krautrock (chucrute rock), um gênero livre, indomável e inspirado.

Na multidão, Amon Düül II lança Phallus Dei mais acessível. Uma palavra de conselho, porém, depois disso, faça 18.

Títulos:
1. Ein Wunderschönes Mädchen Träumt Von Sandosa
2. Kaskados Minnelied
3. Mama Düül Und Ihre Sauerkrautband Spielt Auf
4. Im Garten Sandosa
5. Der Garten Sandosa Im Morgentau
6. Bitterlings Verwandlung

Músicos:
Ulrich Leopold: Baixo
Wolfgang Krischke: Bateria, Piano
Rainer Bauer: Guitarra
Angelika Filanda: Bateria, Vocais
Helge Filanda: Percussão
Uschi Obermaier: Maracas, Vocais
Eleonore Romana: Percussão, Vocais

Produtor  : Peter Meisel