segunda-feira, 5 de dezembro de 2022

Resenha do álbum: Jhene Aiko – Chilombo

Seguindo o álbum conceitual anterior de Jhene Aiko, Trip, e seu curta-metragem e livro de poesia que o acompanha, Chilombo é muito menos extravagante. Em vez de focar na dor e na perda, o álbum deste ano é baseado principalmente em falhas de relacionamento.

Atualmente, Aiko viaja pelo mundo, dividindo o palco com as superestrelas J. Cole, Drake, The Weeknd, Snoop Dogg, Wiz Khalifa, Lana Del Rey e Beyoncé. No entanto, os holofotes nem sempre foram direcionados diretamente para ela, na verdade, sua voz apareceu pela primeira vez como backing vocal do B2K. Este e um punhado de vídeos musicais com o grupo abriram o caminho para seu primeiro álbum solo. Infelizmente, enquanto ainda estava na escola, seu projeto de álbum com a Sony fracassou e nunca foi lançado. Em vez disso, ela continuou seus estudos até 2011, quando assinou um contrato de gravação com a ARTium (uma gravadora distribuída pela Def Jam Recordings). Uma aparição em um single de Big Sean com Lil Wayne se seguiu em 2013, que se tornou seu primeiro single no top 40.

Avançando para 2020, este talentoso artista indicado a vários prêmios Grammy está no álbum número 3, Chilombo. É, como era de se esperar, um projeto sensual que defende tanto a vulnerabilidade quanto a força. Aiko continua a usar uma receita testada e comprovada de vocais suaves com confiança, produções descontraídas e lirismo relacionável. Cada música conta uma história, algo que Aiko faz particularmente bem. Sua narrativa dolorosamente honesta é de desgosto e não tem certeza se o resultado é amargura ou positividade. De certa forma, parece que o rompimento sobre o qual ela está cantando realmente fez algum bem, pois ela parece ter ainda mais autoconfiança e segurança do que nunca.

Quase todas as peças foram produzidas por Lejkeys e Fisticuffs, e há uma série de recursos de alto perfil (nas 20 faixas desnecessariamente longas), de Big Sean, HER, Future, Miguel, Ab-Soul, Dr. Chill, Nas, John Legend e Ty Dolla $ign. Embora o álbum se beneficie de alguma diversidade, essas colaborações às vezes parecem forçadas; e realisticamente eles lutam para igualar as habilidades de Aiko. Uma grande parte do álbum soa muito semelhante, mas há algo tão frio sobre essa versão contemporânea e alternativa do R&B que é difícil ver isso como negativo. Ela cresceu ouvindo Aaliyah e Brandy, e citou John Mayer como uma de suas maiores influências, levando a um som frequentemente calmo e espiritual que poderia ser comparado a SZA ou Summer Walker.

O álbum começa com uma introdução de piano elegante, onde também somos apresentados às habilidades vocais impecáveis ​​de Aiko. Logo depois de mergulharmos em um de seus singles de maior sucesso até hoje, o viciante Triggered (estilo livre) do verão de 2019; um exemplo perfeito de Aiko pregando sua fórmula. Os fãs pensaram que isso pode ter sido uma dissimulação contra seu ex Big Sean, mas esses rumores foram esmagados pelo Twitter de Aiko. Nunca fugindo de temas arriscados, passamos para o confiante P * $ $ Y Fairy (OTW) e None Of Your Concern, ambos são arrogantes e sexualmente explícitos (Big Sean também não esconde segredos aqui). Essa atitude arrogante também é ouvida mais tarde em BS, que no geral é menos mansa do que a maior parte do álbum, a batida que acompanha também tem um pouco mais de vantagem, mas permanece tão bonita quanto o resto.

Também nos afastamos da estrutura usual de R&B algumas vezes, e One Way St. tem mais uma sensação de hip-hop na produção; sem surpresa, é aqui que Ab-Soul aparece para seu verso de convidado decente. Infelizmente, outras aparições, como a adição quase no tempo de Future a Happiness over Everything (HOE) (uma versão atualizada de Hoe, tirada de Sailing Souls) e o verso decepcionante de Nas que aborda seu casamento com Kelis, acrescentam muito pouco e falham. para combinar bem. Outras faixas, como Born Tired com suas simples palhetas de violão, é uma das peças mais viáveis ​​comercialmente, mas por outro lado é uma das menos emocionantes de Chilombo. Novamente em LOVE, seguindo as vibes de rádio do horário nobre da faixa anterior, soa um pouco como a de Beyoncé – Insubstituível ; uma música que também compartilha um sentimento semelhante.

Uma faixa que resume o tom geral de Chilombo é Speak, onde sua voz emocional e sem esforço ocupa o centro do palco “Estou seguindo em frente, estou colocando meu vestido favorito, aquele que você odiava, disse que fico nua, f *confira sua opinião sobre isso, estou me sentindo bem, não vou esconder”. Outros que se destacam incluem Define ME (interlúdio), que é tão fácil de ouvir que provavelmente merecia ter uma música inteira construída em torno dela. Mourning Doves também poderia facilmente ter sido uma peça completa, completa com o canto dos pássaros e um delicado piano elétrico. Sua voz em torno de 1:45 é simplesmente perfeita, embora não permaneça por muito tempo. Surrender com Dr. Chill também soa bem, onde ondas de vocais em camadas preenchem o espaço maravilhosamente e tudo está exatamente onde precisa estar. Com tantas faixas, é provável que haja alguns deslizes, como Lightning and Thunder, que utiliza um estilo de produção mais tradicional; optando por uma banda ao vivo comovente configurada para variar. Infelizmente, a música em si, especialmente o dueto com John Legend, é inegavelmente brega. Finalmente, Party For Me, a 20ª e última faixa do álbum, nos mostra. Este tem muita energia e um arranjo mais digerível, o rap atrevido de Ty Dolla $ ign amarra a faixa muito bem, mas é estranho que Aiko não tenha a última palavra.

O carisma de Jhene Aiko mantém esse longo projeto unido. Sua voz abafada e controlada é o evento principal, com batidas esfumaçadas e nebulosas se tornando menos importantes. O álbum, em sua maior parte, é muito suave, essa vibração atmosférica e meditativa faz maravilhas para um single, ou mesmo um EP, mas pode não ser suficiente para carregar um álbum tão longo. Talvez haja muito da mesma vibração, ou paleta sonora, ou talvez o projeto possa simplesmente perder um punhado de faixas. Existem muitas pistas boas e ótimas, mas com tantas opções fica mais difícil para o mais forte brilhar. Dentro das mudanças estilísticas ainda há falta de variedade, falta de clareza ou conclusão. No entanto, perdoaremos isso porque, quando ela acerta, você não pode deixar de ficar impressionado. 

CRONICA - JOHN LEE HOOKER | That’s My Story (1960)

Quando John Lee Hooker se aproxima dos anos 60, então provavelmente com 45 anos (sua data de nascimento não é precisa), ele já tem quatro LPs em seu currículo, todos impressos em 1959 em vários rótulos. Esta lenda do blues é um daqueles artistas que percorre os Estados Unidos incansavelmente, de concerto em concerto e que a cada paragem é convidado para sessões em diferentes estúdios.

Em 9 de fevereiro de 1960, o cantor/guitarrista nativo de Tutwiler no Mississippi estava em Nova York e se trancou no Reeves Sound Studios, onde foi acompanhado pelo guitarrista Tony McPhee, mas acima de tudo pela seção rítmica do saxofonista Cannonball Adderley, o baixista Sam Jones e o baterista Louis Hayes. Este dia de gravação dará origem ao LP That's My Storylançado em maio do mesmo ano pelo selo Riverside com 12 faixas. Aqui estamos longe do boogie urbano de tirar o fôlego que caracteriza o estilo de John Lee Hooker. Por agora, o bluesman transporta-nos para um folk blues rústico que cheira a espaços abertos. No entanto, é bem reconhecível o seu jogo de riffs revigorantes intercalados com solos subtis tocados por instinto sem esquecer a sua voz sombria nervosa em alguns pontos, queixosa e resignada em alguns momentos que se impõe nestes 33 rpm. Canção que conta como sempre histórias de afro-americanos em apuros onde ter mágoas uma vez ou ser negro no país do Tio Sam é uma humilhação diária (e obviamente isso não melhorou muito).

O disco abre em um registro metronômico de rhythm & blues rural com "I Need Some Money", um rearranjo de "Money (That's What I Want)" de Barrett Strong (que os Beatles cobrirão mais tarde). É fácil imaginar estar em um trem de carga atravessando campos de algodão. Encontramos esta decoração em "No More Doggin'", que balança bem.

De resto estamos num blues de andamento lento com uma atmosfera vagamente perturbadora e tensa, até vaporosa, quer num quarteto onde o ritmo tende a aproximar-se do jazz ("I'm Wanderin'", "I Want to Talk About You" , "Gonna Use My Rod", "Wednesday Evenin' Blues", "One of These Days", "I Believe I'll Go Back Home", "You're Leavin' Me, Baby") ou mesmo John Lee Hooker sozinho com seu violão ("Come On And See About Me", "Democrat Man", "That's My Story" na conclusão).

Em suma, um disco fácil de ouvir, afogado na imensidão da discografia de John Lee Hooker.

Títulos:
1. I Need Some Money
2. Come On And See About Me
3. I’m Wanderin’
4. Democrat Man
5. I Want To Talk About You
6. Gonna Use My Rod
7. Wednesday Evenin’ Blues
8. No More Doggin’
9. One Of These Days
10. I Believe I’ll Go Back Home
11. You’re Leavin’ Me, Baby
12. That’s My Story

Músicos:
John Lee Hooker: Guitarra, Vocais
Louis Hayes: Bateria
Sam Jones: Contrabaixo
Tony McPhee: Guitarra

Produção: Orrin Keep News


ROHMA presta homenagem a Madonna em clipe de “Manda Nudes”

 Vídeo chegou junto com remix assinado pelos DJs baianos Telefunksoul, DJ Werson e Fall Clássico

Rohma

O cantor e compositor ROHMA, italiano radicado há 20 anos no Brasil, lançou nos serviços de streaming o clipe feito para a faixa “Manda Nudes”.

Terceiro single do recente álbum @rroboboy, a música ganhou vídeo em animação 3D que chegou junto com um remix assinado pelos DJs e produtores baianos Telefunksoul, DJ Werson e Fall Clássico!

Dirigido por Francisco Salles, o registro audiovisual traz a participação especial de Fairy Adams e presta homenagem a Madonna, assim como aos 30 anos de seu livro SEX e do disco Erotica (1992), maior influência no trabalho de ROHMA.

“Nessa música faço uma crítica direta à hipocrisia das pessoas que censuram quem trabalha com o corpo, como tantos artistas, performers e dançarines como eu e Fairy Adams,” explica o artista, que convidou a amiga e dançarina de burlesco para participar do clipe.

Nas cenas, ROHMA encarna um super-herói inclusivo e liberta Fairy de uma armadilha dos Monstros censores que a atraíram a um planeta deserto para condená-la por seus atos obscenos. Após desmascarar os moralistas, o protagonista leva a amiga para longe e os dois dançam livremente.

“Profissionais como nós não podem abrir mão da sensualidade da expressão corporal para criar uma atmosfera de fantasia, mas muitas vezes são julgados e até cancelados por isso, em geral por gente realmente pervertida,” comenta o artista.

A narrativa de “Manda Nudes” dá continuidade aos dois vídeos anteriores de ROHMA. O primeiro deles foi “Kobra”, canção hit de Rettore, cantora ícone do pop-rock italiano nos anos 1980, regravada em dueto com a cantora e compositora Letrux.


Jambu explana suas brisas em novo single

 Banda manauara levou o prêmio de Artista do Ano no PMKT, com troféu entregue pelo fundador do TMDQA

Jambu

A banda manauara Jambu vem abrindo os caminhos para o seu álbum de estreia, que será lançado em Fevereiro de 2023 pelo selo Bolo de Rolo. Há alguns dias, os fãs puderam comemorar a chegada da inédita “viajei“, o segundo single do trabalho.

Novo single da Jambu

A novidade retorna as influências indie do grupo, com o diferencial de trazer uma roupagem mais pop e uma harmonia simples. Segundo o quarteto, a ideia principal da faixa é construir uma identificação com a geração atual através de relatos comuns de quando se está com os amigos.

“viajei” busca trazer no contexto do álbum um reconhecimento com o tempo que vivemos, conectando os ouvintes e a Jambu nesses aspectos em comum. A música surgiu espontaneamente, no início do ano, quando juntos todos os integrantes fizeram uma viagem para a Bahia.

A canção veio ao mundo a partir de uma brincadeira entre o vocalista Gabriel Mar e a diretora criativa Rebeca Cancelli sobre como é estar viajando com amigos.

“viajei” retrata essa viagem de uma maneira panorâmica, onde todos os membros da Jambu aparecem como personagens. Sobre a composição, Gabriel comenta:

Quando eu iniciei a ideia da música, imaginava construir uma canção no estilo já conhecido de Legião Urbana como ‘Eduardo e Mônica’ e ‘Faroeste Caboclo’. Uma linguagem bem mais popular, com acontecimentos vividos ali na viagem.

A Jambu

Além de Gabriel Mar (vocalista e guitarrista), a Jambu conta com Roberto Freire (guitarrista), Yasmin Costa (vocalista e baterista) e Gustavo Pessoa (baixista). Baseada em Manaus, Amazonas, a banda surgiu no início de 2020 e mistura influências dos mais variados gêneros musicais, indo do rock de garagem ao indie pop.

O quarteto já reúne mais de 1 milhão de streamings nas plataformas digitais e um público que cada vez mais se cativa através das diversas fases sonoras propostas ao longo de sua trajetória promissora.

Há poucos dias, a Jambu levou o prêmio de Artista do Ano no PMKT, o maior evento de criatividade da região Norte do Brasil, e recebeu o troféu pelas mãos de Tony Aiex, editor-chefe e fundador do TMDQA!, e do apresentador Cauê Paciornik.

CRONICA - JUNIOR WELLS’ CHICAGO BLUES BAND | Hoodoo Man Blues (1965)


 Uma das grandes figuras da gaita de blues, herdeiro de Sonny Boy Williamson e Slim Harpo, cuja influência será certa no blues rock inglês, a começar pelos Rolling Stones.

Amos Blackmore Wells, também conhecido como Junior Wells, nasceu em 9 de dezembro de 1934 em Memphis. Com apenas 10 anos, ele toca gaita nas ruas de sua cidade natal. Fixando-se em Chicago em 1946, no início dos anos 1950 montou um quarteto que em 1953 participou de algumas sessões em que também participaram Muddy Waters e Elmore James. Essas gravações ressurgirão no final dos anos 70 no Lp Blues Hit Big Town em Delmark.

Nesse ínterim e depois de alguns singles para a Chief Records, o gaitista montou um novo grupo que batizou de Junior Well's Chicago Blues Band com o baterista Bill Warren, o baixista Jack Myers e na guitarra um certo Friendly Chap que não é outro senão Buddy. Cara.

Este último não é desconhecido no circuito do blues. Nascido em 30 de julho de 1936 em Lettsworth, Louisiana, aos 13 anos ele fez uma guitarra improvisada com um mosquiteiro. Mais tarde, seu pai lhe deu um violão de duas cordas até que um estranho, fascinado por sua forma de tocar, ofereceu-lhe um verdadeiro de seis cordas.

Em 1957 ele partiu para Chicago na esperança de encontrar sua fortuna. Pesquisando os bairros, ele se encontra em um clube Otis Rush. Ele pede ao chefe do clube que o contrate. Indo de clube em clube, Buddy Guy cruza caminhos com Magic Sam, Earl Hooker, Freddie King, BB King. Fazendo uma sólida reputação, ele foi descoberto pelo baixista Willie Dixon, que lhe permitiu gravar alguns singles para Cobra, mas especialmente Chess. Ele se tornou músico de estúdio para Ike Turner, Sonny Boy Williamson II, mas especialmente Muddy Waters, onde participou das sessões de Folk Singer publicado em 1964. No ano seguinte, ele se juntou a Junior Wells para a publicação de Hoodoo Man Blues em nome da Delmark.

Composta por 12 faixas, inicia-se com “Snatch It Back and Hold It” onde Junior Wells entra em jogo com a sua voz expressiva e afável, anunciando a cor para um rhythm & blues algo nervoso. Este magnífico LP de Chicago Blues é composto por muitos padrões de blues bem-enviados, como "Early in the Morning", "Hound Dog", "Hey Lawdy Mama", "Yonder Wall", mas acima de tudo uma versão ameaçadora de "Good Morning Schoolgirl". ". e sua gaita de voz sombria. Para o resto é composto por Junior Wells. Há um rhythm & blues febril para a gaita explosiva de deixar Mick Jagger com ciúmes (o título homônimo, a instrumental "We're Ready" um pouco exótica, o revigorante perfume funky "You Don't Love Me, Baby" e a picante "Chitlin Com Carne").

Em suma, um Lp de blues que se tornou um clássico do gênero, característico dos ambientes esfumaçados das boates da época.

Títulos:
1. Snatch It Back And Hold It
2. Ships On The Ocean
3. Good Morning Schoolgirl
4. Hound Dog
5. In The Wee Hours
6. Hey Lawdy Mama
7. Hoodoo Man Blues
8. Early In The Morning
9. We’re Ready
10. You Don’t Love Me, Baby
11. Chitlin Con Carne 2
12. Yonder Wall

Músicos:
Junior Wells: Gaita, Vocal
Friendly Chap (Buddy Guy): Guitarra
Jack Myers: Baixo
Billy Warren: Bateria

Produtor: Bob Koester


ALBUNS DE ROCK PROGRESSIVO

 

Dhidalah - Sensoria (2022)


Do Japão vem uma daquelas viagens psicodélicas, com muito improviso, muita lisergia aural, às vezes beirando o que seria um Krautrock japonês, exibindo poder Stoner, densidade Doom, exibindo um frenesi espacial apocalíptico graças à sua energia tensa impulsionada por riffs, kamikazes e composições matadoras fortes. "Sensoria" combina força bruta com sutileza astral para uma estranha invasão psicodélica que inundará seus ouvidos, sua mente, sua alma e todo o seu ser. Vamos aproveitar essa loucura fora do comum que hoje temos para apresentar no blog cabeza, violência gritante feita uma exibição incessante de lisergia avassaladora. Cuidado, a porcaria que esses japoneses fumam ou injetam bate tão forte que por osmose vai te atingir, então ouça sentado! Tremendo... Você está pensando em perdê-lo?

Artista:Dhidalah
Álbum: Sensoria
Ano: 2022
Gênero: Rock psicodélico
Duração: 38:11
Referência: Rate Your Music
Nacionalidade: Japão

Este é inacreditável, surpreendente, enérgico, indescritível, um daqueles discos que me surpreendem à primeira ouvida, e que a esta altura são poucas as coisas que realmente me surpreendem.

Não sei se quero escrever muito sobre o álbum e apenas deixá-los ouvir e tirar suas próprias conclusões, o que eu acho que seria o melhor, mas caso eles queiram outra opinião diferente da minha, eu vou copiar uma resenha muito boa aqui embaixo, mas nem leia e mergulhe no turbilhão de sons, sabores, energias e cores, e que Deus ou alguém te ajude...

Após as pontas de lança da cena underground japonesa como KIKAGAKU MOYO ou MINAMI DEUTCH, em 2013 eles apareceram no japonês DHIDALAH. Um trio que vê a sua sonoridade evoluir desde os primórdios e que agora apresenta o seu trabalho mais sólido e impressionante. Inspirado nos ritmos kraut e space nascidos nos anos 70, mas aportando seu caráter contemporâneo, 'SENSORIA' é um dos tesouros que nos deixará neste ano de 2022 para os anais da psicodelia. Com espírito de improviso, os três músicos compõem longas canções com as quais prendem o ouvinte em seu mundo lisérgico particular. Uma dimensão paralela que joga com o tempo e o espaço, fazendo-nos fugir à razão, para expandir a nossa mente com os seus sons magnéticos. Com o tempo pude constatar a qualidade técnica dos músicos japoneses, algo, o que se evidencia mais uma vez neste novo álbum. Hábeis na execução e inspirados na composição, os DHIDALAH convidam-nos com o seu novo álbum 'SENSORIA' a explorar o seu universo sonoro particular. Um mundo em que tudo flui naturalmente, e embora as canções possam nascer do improviso, a verdade é que conseguem aparecer compactas, sem que as mudanças de intensidade sejam apreciadas, mostrando-se 'um todo', com significado. "Onde está o espaço? Está no nosso cérebro? Ou está fora do planeta Terra? DHIDALAH responde poeticamente à pergunta com seu novo álbum 'SENSORIA'. Um exemplo reflexivo e sobrenatural do espaço do trio japonês. Como é o seu espaço? No meio da noite, ou em plena luz do dia, nos quartos mais pequenos, na imensidão da floresta,
'Soma' abre o álbum com ritmos hipnóticos guardando passagens de psicodelia aromatizada. Seus ritmos de vocação kraut atingem uma dualidade sonora com muitos incentivos para o ouvinte. Inabalável no seu desenvolvimento, a guitarra mergulha-nos num mantra sonoro que nos apanha de imediato nas suas garras. Vocais etéreos complementam este corte psicodélico brilhante. Todo um mundo sensorial em que os sons fluem criando uma atmosfera invadida por sons lisérgicos. A psicodelia do século 21 que leva elementos do passado, mas é completamente inovadora em seu desenvolvimento. Com uma estrutura de improviso, o trio consegue unir as peças desse quebra-cabeça sonoro. Sem dúvida, DHIDALAH mostra sua qualidade como músicos com uma interpretação fluida e grande magnetismo.
Um pseudo-espacial nos apresenta o 'Verão Invasor'. Com a maquinaria rítmica a todo vapor, as vozes equalizadas e os efeitos envolvem a evolução do acid guitar. Toda uma espiral psicotrópica que viaja na velocidade da luz por ambientes siderais. A música caminha pelo chão pavimentado por bandas como Hawkwind, incorporando ritmos kraut para dar aquele tom hipnótico. Seis minutos de intensidade máxima em que os japoneses nos colocam em algum espaço insondável na distância do cosmos.
Baixando a intensidade, mas sem abrir mão dos espaços lisérgicos, 'Dead' gravita entre belos acordes psicodélicos amparados por efeitos incessantes. Com um caráter mais calmo, a música infunde gradativamente o ouvinte com seus tons psicodélicos. Assim conseguem criar um corte balsâmico que serve para a expansão sensorial das nossas mentes. Sua melodia gratificante e o marcado magnetismo de seu ritmo nos mergulham em um mundo irreal cheio de sensações agradáveis. repetindo a harmonia que eles conseguem nos prender em um ambiente sensorial cheio de sensações gratificantes
Inspirado no folclore japonês Yokai, as criaturas espirituais e às vezes mutáveis ​​que vivem nas montanhas escuras do Japão. Espaço é espaço livre, e isso se reflete nos 20 minutos de 'Black Shrine'. Um recorte que aumenta gradativamente sua intensidade sem perder sua essência psicoespacial. Vozes cheias de misticismo surgem entre os desenvolvimentos do heavy-psy e seu ritmo hipnótico. Sempre olhando para frente, esta magnífica jam consegue nos prender em um buraco negro de pesada psicodelia cheia de nuances. Embora sua estrutura seja baseada na livre interpretação, os japoneses conseguem mostrar o corte ao ouvinte como um 'todo' com significado. Na parte central o corte desce para uma nova dimensão sensorial. Aqui tudo acontece na mais absoluta calma, o que não impede que o corte continue transmitindo seu feitiço psicotrópico ao ouvinte. Passagens que se desenrolam quase em câmera lenta descrevem um novo espaço sensorial em que a calma magnética toma conta do corte. Os acordes da guitarra complementam-se com aquele ritmo incessante mas cauteloso e desenvolvimentos que bamboleiam suavemente envoltos em substâncias psicotrópicas. Sem dúvida os japoneses sabem do que se trata essa coisa de psicodelia pesada, e essa música é um exemplo da maestria e qualidade deles. Mas DHIDALAH não para por aí, como mostra um som que se torna mais difuso e pesado, mostrando que eles também sabem se comportar em um cenário mais stoner. A verdade é que estamos diante de uma música pesada psicodélica cinco estrelas, absolutamente grandiosa e impressionante.

Denpafuzz

Mais uma das surpresas de 2022!!!



Apenas quatro faixas, sendo a última um épico psicodélico de 20 minutos, onde obviamente você encontrará tudo o que falamos até agora.



Tracklist:
1. Soma
2. Invader Summer
3. DEAD
4. Black Shrine 

 
Formação :
- Ikuma Kawabe / Guitarra
- Kazuhira Gotoh / Baixo, Vocal, Noise FX
- Masahito Goda / Bateria

RARIDADES

 

Mahojin - Babylonia Suite (1978)

Muito pouco se sabe sobre esta banda obscura. Embora a música progressiva fosse modestamente popular no Japão, mesmo no final dos anos 60 (e particularmente na música psicodélica), poucas bandas japonesas surgiram antes de meados dos anos 70 e, a essa altura, o interesse pelo gênero estava diminuindo temporariamente na Europa e nas Américas. Como muitas das primeiras bandas progressivas japonesas, o lançamento do single de MAHOUJIN foi completamente instrumental, com uso pesado de teclados e percussão sintetizada. O álbum apresenta Hammond, mellotron e moog, bem como piano elétrico e tradicional. O som da banda foi mais comparado ao ELP.
O baterista Shiro Sugano ressurgiria vários anos depois como membro do grupo de fusão KBB, mas pouco mais se sabe sobre o resto da banda. Embora tenha havido um pequeno aumento nos últimos anos de discos japoneses progressivos relançados em CD, muitos deles remixados e com faixas adicionais, esse esforço orgânico japonês ainda não foi alvo de relançamento.

MAHOUJIN merece consideração para inclusão nos arquivos progressivos em grande parte pela força de seu único esforço de estúdio, que combina estruturas de teclado em camadas com construções complexas e composições épicas. A banda apareceu apenas brevemente e não marcou novos caminhos na música progressiva, mas vale a pena notar seu legado como uma das primeiras bandas progressivas a surgir no Japão.

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GENTLEMAN EDITA NOVO ÁLBUM… “MAD WORLD”

 

LUSOFONIA RECORD CLUB CELEBRA 1º ANIVERSÁRIO COM EDIÇÃO DE “MOACIR DE TODOS OS SANTOS” DE LETIERES LEITE & ORKESTRA RUMPILEZZ

Cecil Taylor – The World of Cecil Taylor (1960, Remastered 2022)

 

Cecil TaylorRemasterizado por Bernie Grundman a partir de fitas master originais.
A partir dos padrões de abertura da bateria de Denis Charles na faixa-título, o ouvinte sabe que está prestes a receber algo especial. Só podemos imaginar qual foi a reação do fã médio de jazz em 1960, quando esta sessão foi gravada. Este é um documento maravilhoso do início da carreira de Taylor, quando ele estava a meio caminho entre as abordagens modernistas do material padrão e seus próprios experimentos radicais que dariam frutos completos alguns anos depois. O quarteto, completado pelo jovem Archie Shepp (tocando apenas em “Air” e “Lazy Afternoon”) e o baixista Buell Neidlinger, já está bastante confortável em ultrapassar os limites do período, dando uma leitura quase superficial…

MUSICA&SOM

…dos temas antes de saltar para a improvisação. O padrão “This Nearly Was Mine” é explorado maravilhosamente e com forte romantismo por Taylor, dando talvez uma indicação da fonte dos breves e felizes bis que ele ofereceria para encerrar seus shows solo nas próximas décadas. “Port of Call” e “Eb” são obras-primas absolutas que mostram Taylor já mantendo um domínio inédito do piano, ideias musicais disparando como faíscas de seus dedos. O que é ainda mais incrível é o quão profundamente enraizada a sensação e a pulsação do blues estão nesta música, já destinada aos limites da abstração. Eles nunca deixaram Taylor, embora muitos ouvintes tenham dificuldade em discerni-los.

Esta sessão, que foi lançada sob vários disfarces, é uma introdução especialmente boa ao seu trabalho, mantendo o pé nas formas “tradicionais” do jazz para oferecer uma compra enquanto exibe visões de tirar o fôlego do possível ao seu alcance. Uma gravação clássica que pertence à coleção de qualquer pessoa


Destaque

Django Django – Born Under Saturn (2015)

Algures em 2012, já não sei precisar bem quando, tive o primeiro vislumbre de quem seriam uns tais de Django Django. Foi-me passada a inform...