domingo, 12 de fevereiro de 2023

CRONICA - MICHAEL STANLEY BAND | Heartland (1980)

Em pouco mais de cinco anos de existência, sem fazer muito barulho fora de seu reduto de Cleveland, a Michael Stanley Band já estava em seu quinto álbum de estúdio. O grupo já havia passado por duas gravadoras, e as coisas poderiam ter parado por aí quando a Arista tomou a decisão de se livrar delas após os péssimos resultados registrados pela Greatest Hints , que não havia ultrapassado a 148ª colocação nas paradas americanas em 1979. Mas Michael Stanley e seus parceiros tinham fé suficiente no que estavam fazendo para voltar ao trabalho neste Heartland, e isso sem sequer ter recebido o aval de uma nova gravadora. Pagando opção em mais de um sentido, pois não só o grupo logo seria recuperado pela EMI America, como também este disco autoproduzido seria o primeiro sucesso notável dos americanos em seu país.

É ainda neste álbum que encontramos o maior sucesso da história do grupo, o single "He Can't Love You", com a sua calorosa introdução ao saxofone, uma das particularidades do MSB desde a chegada ao álbum anterior do baixista multicap Michael Gismondi, ainda que, agora, seja um saxofonista mais famoso que toca o instrumento em estúdio: Clarence Clemons, da famosa E Street Band de Bruce Springsteen. Mas a grande novidade, neste título, é o seu vocalista: Michael Stanley desaparece aqui em favor do tecladista Kevin Raleigh cuja voz traz um lado mais jovem ao som de MSB. Se o título provavelmente não representa o que Raleigh - um excelente compositor aliás - propôs de forma mais convincente, o público americano encontrará em grande parte sua conta em sua melodia bastante festiva e leve,e lugar no ranking americano, e até entre as dez primeiras colocações entre seus vizinhos canadenses.

Para seu batismo de fogo, Raleigh interpretou outras duas canções do álbum: em um estilo bastante pop, “Say Goodbye” apresenta um refrão caloroso bem trazido; mas nos deteremos mais prontamente no título final, "Save A Little Peace For Me", um potencial AOR hit com um refrão incandescente composto pelo guitarrista Gary Markasky, e no qual ainda nos deleitamos com um solo de saxofone de Clemons . Aqui temos um vislumbre do que Kevin Raleigh frequentemente trará para os próximos álbuns: fôlego e intensidade.

Mas, conforme estimulado por Raleigh, Michael Stanley não é desleixado. Com a poderosa balada "Lover" - mais uma vez notavelmente servida pelo saxofone de Clarence Clemons - ou "Voodoo", o cantor-guitarrista traz uma certa maturidade ao álbum, ao mesmo tempo em que coloca cada vez mais ênfase nas tonalidades AOR que já detectávamos bem em Greatest Hints. Dito isso, o espírito do rock ainda está presente em títulos como "I'll Never Need Someone More", "Working Again" ou "Hearts On Fire".

Com contrastes alternados entre versos flutuantes e refrão ofegante, e novamente belas intervenções do guitarrista Gary Markasky, "Don't Stop The Music" mostra a bela complementaridade entre Stanley nos vocais e Raleigh nos backing vocals, o que fortalecerá no futuro a identidade deste grupo que, casualmente, não soava como o all-comers. Esta dupla é, sem dúvida, a chave do sucesso que o MSB começava a desfrutar. Sucesso provavelmente muito tímido dada a qualidade do repertório que nunca diminuirá até a separação do grupo.

Títulos:
01. I’ll Never Need Anyone More (Than I Need You Tonight)
02. Lover
03. Don’t Stop The Music
04. He Can’t Love You
05. Working Again
06. All I Ever Wanted
07. Say Goodbye
08. Hearts On Fire
09. Voodoo
10. Carolyn
11. Save A Little Piece For Me

Músicos:
Michael Stanley: vocal, guitarra, percussão, backing vocals
Kevin Raleigh: vocal, órgão, piano, percussão, backing vocals
Gary Markasky: guitarra
Bob Pelander: piano, órgão, piano elétrico, sintetizador, percussão, backing vocals
Michael Gismondi: baixo , sintetizador
Tommy Dobeck: bateria, percussão
___
Clarence Clemons: saxofone
Dan Montecalvo: percussão

Marca: EMI América

Produção: Michael Stanley Band

DISCOS QUE DEVE OUVIR



Sye - Turn On The Fire 1985 (Canada, Heavy Metal)


Artista: Sye
Local: Canadá
Álbum: Turn On The Fire
Ano de lançamento: 1985
Gênero: Heavy Metal
Duração: 27:52
Formato: MP3 CBR 320 (Vinyl Rip)
Tamanho do arquivo: 65,9 MB (com 3% de recuperação)


Tracks:
Songs written by Bernie Carlos.
01. You've Got The Power - 3:16
02. Street Queen - 3:14
03. Runnin' Scared - 3:50
04. Rock 'N Roll Girls - 3:53
05. Shoot To Kill - 2:58
06. Turn On The Fire - 2:31
07. I'm The One - 3:41
08. Call Of The Wild - 4:29

Personnel:
- Bernie Carlos - guitars, vocals
- "Gunner" San Augustin - bass
+
- Ray Cincinnato - drums
- Talbot Fox - rhythm guitar
- Kenny McNeill - producer




Saigon - One Must Die 1985 (Sweden, Heavy Metal)




Artista: Saigon
Local: Suécia
Álbum: One Must Die
Ano de lançamento: 1985
Gênero: Heavy Metal
Duração: 35:56
Formato: MP3 CBR 320 (Vinyl Rip)
Tamanho do arquivo: 84,7 MB (com 3% de recuperação)


Tracks:
Songs written by Saigon.
01. ...And One Must Die - 5:36
02. Black Sinner - 5:14
03. Evil Night - 3:40
04. Feel The Power - 3:06
05. Live For Today - 4:19
06. Under Attack - 4:50
07. The Hunted One - 4:21
08. Game Of Mystery - 4:50

Personnel:
- Anders Åhlund - lead & backing vocals
- Roine Thörnell - lead guitar
- Stefan Sköld - guitar, backing vocals
- Mikael Berner - bass, backing vocals
- Daniel Bjerkes - drums
+
- Lennart Hjalmersson, Pecka Johnsson - backing vocals
- Lennart Lind, Saigon - producers





SOM VIAJANTE (David Axelrod "Song of Innocence/Songs of Experience" (1968/1969)

 


Às vezes, a paixão se torna a principal ferramenta nas mãos do destino. Para o americano David Axelrod (1933–2017), tudo começou com o jazz. Nascido em Los Angeles, tendo passado vários anos em sua juventude em Nova York - a capital mundial do swing, o lacaio da fortuna de 20 anos voltou para casa como um homem experiente e experiente. Na segunda metade da década de 1950, David colaborou com o selo de jazz Hi-Fi Records. Após o fechamento do escritório, por alguns anos ele se dedicou à organização de shows em clubes e noites musicais. E no final de 1963, ele conseguiu um cargo decente no Capitol. Os primeiros clientes de Axelrod foram estrelas "negras" do soul jazz como Lou Rawls e Julian "Cannonball" Adderley . No entanto, em 1967, enquanto compunha e orquestrava "Mass in F Minor"The Electric Prunes , o maestro sentiu a força e a oportunidade de iniciar sua própria carreira de compositor. Várias tarefas organizacionais (às vezes bastante inconvenientes) Dave resolveu com uma compreensão absoluta do assunto. Ele escolheu meticulosamente os intérpretes (principalmente rhythm and blues), calculou a composição quantitativa ideal das seções de cordas e metais de sopro (para isso, foi necessário contratar profissionais da prestigiosa Orquestra Sinfônica de Los Angeles), checou o placar até o final e, junto com o técnico Gio Polito, construiu cuidadosamente o equilíbrio sonoro. O resultado da mágica coletiva do estúdio e um balão de teste para o artista Axelrod foi o programa "Song of Innocence" (1968) - a parte introdutória de uma dilogia inspirada nas "Songs of Innocence and Experience" do único visionário britânico William Blake .
A jornada foi emocionante. Um impressionante arsenal de ferramentas permitiu que Messire David se desdobrasse em uma ampla gama instrumental e estilística: planos sinfônicos "cinemáticos" brilhantes, desenho de cravo barroco, grooves de rock legal, improvisações de guitarra elétrica, abundância de percussão, habilmente mesclados em um único todo componentes de psico -minimalismo, jazz, pop e maneira condicionalmente acadêmica de tocar brilharam com o esplendor das tonalidades sob o olhar atento do produtor e graças ao talento do maestro Don Randi . Em suma, a estreante não nos decepcionou. E a resposta ao lançamento o surpreendeu positivamente. Pois entre os que ficaram impressionados, até os governantes das mentes dos amantes da música, os Beatles , que teimosamente convidaram Axelrod para ir a Londres, apareceram.
1969 foi marcado pelo lançamento do disco seguinte - "Songs of Experience". Guiado pelo mesmo princípio da colagem, o autor colocou em primeiro plano uma fórmula criativa bem fundamentada. Do ponto de vista da paleta, ambas as suítes são percebidas como irmãs gêmeas. O que, em princípio, é compreensível e conceitualmente justificado. Embora a densidade da textura neste caso seja ligeiramente diferente. Seguindo o espírito da época, o compositor acrescentou intrigas experimentais à narração, floreando a dramaturgia sem palavras com conotações psicológicas. E essa mudança de ênfase foi expressa de maneira mais eficaz na forma do episódio final de "The Divine Image", com seu avant-garde amorfo acúmulo de tensão e o crescendo reduzido a nada.
Para resumir: exemplos maravilhosos de multigênero de um dos mais originais compositores modernistas americanos. Não recomendo pular. 




SOM VIAJANTE (Corduroy "High Havoc" [plus 9 bonus tracks] (1993)



Você quer ser conhecido como um craque exibido? Aprenda com o veludo cotelê . Os brincalhões britânicos estéticos decidiram mostrar a todos sua própria frieza e, portanto, a capa de seu segundo disco "High Havoc" foi acompanhada pela inscrição "álbum conceitual". Aparentemente, para os mais obtusos. Eles tiveram como ponto de partida a ideia de uma trilha sonora fictícia. E lá vamos nós! Deve-se notar aqui que todos os quatro membros da banda são admiradores de longa data da arte da tela. Pathos, perturbador, risonho e outras músicas de "humor" os cercaram desde a infância. Por exemplo, os escavadores Scott e Ben Addison sempre gostaram das melodias de Burt Bacharach do faroeste Butch Cassidy e Sundance Kid. Guitarrero Simon Nelson-Smithé um ávido fã do tema do título do programa de TV infantil Pinky and Perky. O baixista Richard Searle não tem vergonha de mostrar seu amor pelas músicas do filme musical "Chitty Chitty Bang Band". E entre outros hobbies retrô, nossos heróis nomeiam a série de televisão americana "The Munsters", "The Monkees", "The Man from Uncle", o filme vencedor do Oscar de Bob Foss "Sweet Charity" e, claro, o épico cult sobre o agente 007 (muito aqui sem Bond?). Assim, a ideia maluca expressa durante a turnê sobre a coleção coletiva de motivos para uma foto de detetive inexistente de repente veio ao tribunal. E então começou o processo de sua implementação.
A coisa titular é uma isca capital para os fãs nostálgicos do passado. A paleta habitual foi enriquecida com uma seção de metais (nesta seção, a parte da flauta de um intérprete, compositor e maestro de renome Michael Smithtomado como uma curiosidade). E, portanto, o groove "ortodoxo" acabou sendo a inveja de muitos. Baixos esquisitos, "Hammond fervilhante", riffs de guitarra moderados, percussão... Puro prazer. O despretensioso hit "London, England" é substituído por um poderoso filme de ação acid jazz com o eloquente nome "The Corduroy Orgasm Club". Os compassos de abertura do número "The Frighteners" lembram truques comuns de um thriller barato, mas na realidade tudo acaba de forma diferente. Funk lento modernista em um bom estilo pop. Por que não? Ou o descontraído "Caribbean" craft "You're a Great Way to Fly", referindo-se imediatamente a uma dúzia de comédias de estrada diferentes dos "anos sessenta". A textura do enredo "Tropicana" "Something in My Eye"Sherin Ebirein . No contexto de "Lovely, Lonely and Loaded" há uma atmosfera de groove com um toque de ficção científica e guitarra de hard rock. E aqui está o colorido jazz "Breakfast in Love", onde os tocadores de sopro em smokings brancos servem de pano de fundo brilhante para as pegadinhas do quarteto inventivo. O soul-funk "One Born Every Minute" é um sucesso de rádio pronto, enquanto no afresco ironicamente aventureiro "Follow That Arab" pode-se adivinhar o estilo do ciclo de Bond ao meio com ecos de paródias de espionagem à la "Magnificent" . O jazz psicodélico "Nobody Move" é coberto pela tocada imprudentemente "Very Yeah" exalando ondas apetitosas. A série termina com o final abstrato e não objetivo "Clearing Up Music", que enfatiza a irrealidade do épico.
Resumindo: um desenvolvimento digno do programa de estreia "Dad Man Cat" e um grande presente para todo "retronauta". 



ESQUINA PROGRESSIVA

 

Yes - Fragile (1971)



No disco The Yes Album, trabalho anterior a Fragile, o Yes havia sofrido a sua primeira mudança na formação quando com a saída de Peter Banks a vaga de guitarrista foi preenchida pelo lendário Steve Howe. Mudança também na sua sonoridade que se tornou mais robusta e trabalhada. Fragile marcou a era da considerada melhor formação por muitos fãs da banda. A mudança agora ocorria no teclado com a saída do muito criativo e "pouco" habilidoso Tony Kaye, para a entrada do muito criativo e muito habilidoso Rick Wakeman. 

Fragile mostra uma banda unida, tocando com precisão cirúrgica e perfeição. Composições excelentes, solos deslumbrantes tanto de guitarra quanto de teclado, além “duelos” arrebatadores , bateria incomum, minimalista, às vezes com poucas batidas e muita técnica, sensibilidade, tudo executado em tempos absurdos fazendo um dos trabalhos mais belos de percussões que já tive o prazer de ouvir, linhas de baixo sensacionais e vocais excelentes que soam perfeitamente como um instrumento. 

O álbum começa justamente com a faixa mais famosa da banda entre as compostas nos anos 70. “Roundabout” é incrível, capaz de agradar todo tipo de ouvinte sem necessariamente soar comercial. Traz a famosa e sensacional linha de baixo de Chris Squire, impulsionada por uma bateria enérgica, possui boas variações, sons agradáveis e um vocal extremamente adequado, além de perfeitos trabalhos de teclado e guitarra. Tudo contribui na construção de um dos grandes momentos musicais da rica história da banda. 

“South Side of Sky” é outro ponto alto do disco e que demorou até que fosse tocada ao vivo pela primeira vez. Baixo nas alturas, excelente diálogo entre guitarra e vocal, magnífico interlúdio de piano. Se as pessoas se interessarem em saber como é a argila em que a música progressiva foi moldada, com certeza esse é um bom exemplo. Também tem passagens de guitarra distorcida e bateria constante que dão mais vida ao som. 

“Long Distance Runaround”, exageros a parte na expressão, diria que se trata da faixa mais pop do álbum. Inicia-se com uma espécie de “chorinho” executado por teclado e guitarra, sobre essa mesma melodia bateria e baixo encorpam a faixa em tempos diferentes. É relativamente curta e bastante cativante. 

Durante o álbum existem pequenas faixas entre essas citadas que são apenas pontes que preparam o ouvinte para a faixa seguinte, mas nada demais e poderíamos viver tranquilamente sem elas, mas entre essas faixas, vale ressaltar “Mood for a Day”, uma peça acústica que faz uma preparação incrível pro momento derradeiro de Fragile.

“Heart of the Sunrise” é um verdadeiro petardo e não poderia encerrar o disco de maneira melhor. Com mais de 10 minutos é equipada com todos os tipos de ingredientes que encantam um amante de rock progressivo. Começo estridente que pode não soar de fácil apreciação inicialmente. Anderson executa nessa música um vocal alto e poderoso como nunca antes e provavelmente depois tenha feito em sua carreira. Influências de jazz e música clássica. Por vezes os instrumentos são conjugados fazendo a banda soar igual a uma orquestra. Todos tocam perfeitamente bem: uma linha de baixo invejável, grandes riffs e solos de guitarra, bateria rápida e teclados emocionais. Atmosfera incrível, mística, melancólica e profunda que fecha um dos discos mais importantes da história do rock progressivo e essencial em qualquer coleção do gênero.

Track Listing

1.Roundabout - 8:29
2.Cans And Brahms - 1:35 
3.We Have Heaven - 1:30 
4.South Side Of The Sky - 8:04
5.Five Percent For Nothing - 0:35 
6.Long Distance Runaround - 3:33 
7.The Fish (Schindleria Praematurus) - 2:35 
8.Mood For A Day - 3:57 
9.Heart Of The Sunrise - 10:34 




ESQUINA PROGRESSIVA

 

Roger Waters - Is This the Life we Really Want? (2017)



Quase vinte e cinco anos após o lançamento de Amused the Death, Roger Waters está de volta com um disco de inéditas, onde mesmo eu tendo David Gilmour como meu Floyd preferido, provavelmente de hoje em diante vou ver esse como o melhor trabalho solo de algum membro da mega banda. Talvez até arrisco-me dizer que é melhor que tudo que o Pink Floyd fez depois do The Wall, pois apesar de eu gostar também desses discos, existem momentos que não me prendem e não vejo problema em pular a faixa, ao contrário que aqui simplesmente as coisas fluem belissimamente e todo o disco merece uma atenção igualitária e crescem a cada audição. Além do trabalho musical, não se deve deixar de mencionar o trabalho do produtor Nigel Godrich que trouxe camadas sonoras bastante carregadas e orientadas por teclados. Em termos de ser acessível, Is this the Life we Really Want? com certeza lidera esse quesito na discografia do músico. Uma destilação em muitos aspectos das mensagens anti-fascistas, anti-imperialistas e anti-ganância que ele transmitiu desde o Pink Floyd. Liricamente é bastante sutil, embora o momento em que vivemos, sutileza não tem sido a palavra chave pra nada e com certeza existam alguns recados para entender o contexto mais profundo de cada música. Mas uma coisa é bem clara, o disco trata-se (também) de um “foda-se” explícito para Donald Trump e qualquer pessoa que se aproveite do sofrimento humano. O início do álbum com uma curta faixa, “When We Were Young”, é através de uns batimentos cardíacos e o tic tac de um relógio e que faz com que seja impossível de não lembrar de Dark Side of the Moon. Em “Déja vù”, Roger Waters avalia de maneira emotiva sob um violão e atmosfera criada por cordas, na abertura das três primeiras estrofes o que ele faria se tivesse sido Deus e logo em seguida após uma mudança de tom na música o questionamento é se ele tivesse sido um drone. Essa faixa tem reminiscências encontradas principalmente nas baladas do seu último disco com o Pink Floyd, The Final Cut. "The Last Refugee" é a terceira faixa e certamente um dos momentos mais belos do álbum, tanto musicalmente quanto liricamente. Novamente é possível imaginá-la em algum clássico do Pink Floyd, mais precisamente em The Wall, pelo seu ar melódico, sombrio, conversas de rádio e excelentes riffs de sintetizadores e piano que deslizam por toda a faixa.
Impossível também é ouvir o início de "Picture That" e não trazer em mente, "Sheep". Além disso, é possível notar até mesmo pedaços de “Shine on You Crazy Diamond Parts VI-XI". Apesar de novamente ser uma música com ar sombrio, dessa vez possui uma levada menos atmosférica e se cadencia de maneira mais pulsante com excelente cozinha e linhas psicodélicas de sintetizadores. "Broken Bones” começa com um violão acústico muito bem acentuado e vocal suave e ao mesmo tempo bastante forte, em seguida vai ganhando acompanhamento de leves toques de cordas. Mas há momentos em que tanto a parte vocal quanto a instrumental crescem, essa segunda em lindos e emocionantes arranjos orquestrais e linhas de guitarra. A faixa título, “Is this the Life we Really Want?”, começa com uma breve fala de Donald Trump lamentando a cobertura de sua eleição, pra somente depois ganhar seu corpo musical. Roger Waters canta ao seu melhor estilo “sombrio” em uma levada musical simples, mas muito bem arranjada principalmente pelos teclados. “Bird In a Gale”, possui um vocal uivante e desesperado acoplado a adição de teclados maravilhosos. Aqui também facilmente nota-se reminiscências em "Sheep".
“The Most Beautiful Girl” é linda e pode ser vista até certo ponto, com um olhar oblíquo acerca do bombardeio na Síria. Como acontece em boa parte do álbum, o piano figura fortemente. O uso sutil de cordas equilibra-se bem com o vocal, e a música inclui uma grande entrega de Roger Waters onde a sua parte final mostra uma mistura bem equilibrada de tristeza e anseio. “Smell the Roses”é uma verdadeira cornucópia de músicas do Pink Floyd, possui uma melodia que incorpora elementos de “Have a Cigar”, batida encontradas em "Echoes", batimentos que lembram aos de "Dogs", elementos pulsantes e batimentos de relógio como em "Speak to Me/Breathe", latidos e um final que vem a mente “Shine on You Crazy Diamond".
As últimas faixas são uma espécie de “três em um” em um apelo sincero de amor e respeito, que é uma metáfora da fragilidade da paz e da cooperação em um sentido mais amplo (muito mais evidente no segmento final, "Part Of Me Died"). Musicalmente, alguns toques simples e maravilhosos de piano e teclados que deixam com que o disco tenha um final edificante. Is this the Life we Really Want? entrega exatamente o que os fãs de Roger Waters (e os detratores) esperavam, ou seja, um tratado mordaz sobre a condição humana atual com letras afiadas, composições musicais inchadas e muitos efeitos sonoros. Mostra um Roger Waters em excelente forma, cheio de vigor e determinação para tentar abrir os olhos das pessoas para o que está acontecendo no mundo de hoje. Sua exploração de temas de amor também é uma jogada positiva. O álbum merece toda sua atenção e, embora a política não seja para o gosto de algumas pessoas, deixe essa parte de lado e perceba apenas musicalmente Waters abraçando com confiança seu mais novo projeto.


Track Listing

1.When we were Young - 1:38
2.Déjà Vu - 4:27
3.The Last Refugee - 4:12
4.Picture That - 6:47
5.Broken Bones - 4:57
6.Is this the Life we Really Want? - 5:55
7.Bird in a Gale  - 5:31
8.The Most Beautiful Girl - 6:09
9.Smell the Roses - 5:15
10.Wait for Her - 4:56
11.Oceans Apart - 1:07
12.Part of Me Died - 3:12


BIOGRAFIA DE Tiago Bettencourt

Tiago Bettencourt

Tiago Bettencourt (Santa Cruz16 de setembro de 1979), é um cantor e compositor português.[1]

Biografia

Tiago Bettencourt nasceu na freguesia da Santa Cruz, Coimbra,[2] em 1979,[3] tendo crescido na zona de Lisboa.[2] O seu pai nasceu na Ilha de São JorgeAçores, e a sua mãe de Coimbra, foi professora de Português na Escola Salesiana do Estoril.[2] Frequentou com seu irmão João o Colégio D. Luísa Sigea, no Estoril.[2]

Toranja

Bettencourt foi o vocalista da banda Toranja.[4] Em 2003, lançaram seu primeiro álbum Esquissos,[5] que vendeu mais de 60 000 cópias.[6] No alinhamento deste trabalho encontramos "Carta", "Cenário" ou "Fogo e Noite".[7][8] O tema "Carta" recebeu o Globo de Ouro para "Melhor Canção" de 2004.[9]

Seguiu-se Segundo, em 2005 com chancela da Universal, que inclui temas como o primeiro single "Laços" ou "Só Eu Sei Ver", "Quebramos Os Dois" ou "Doce no Chão".[5][7][10] No entanto, a banda anunciou um hiato indefinido em 2006.[1]

Tiago Bettencourt & Mantha

Depois de Toranja, Bettencourt deixou Portugal para o Canadá para gravar seu primeiro álbum solo nos estúdios Hotel2Tango em Montreal, o mesmo estúdio que produziu o bem-sucedido álbum Funeral por Arcade Fire. O produtor foi Howard Bilerman. No Canadá, ele já trabalhou em conjunto com a sua banda de apoio, Mantha, composto por Pedro Gonçalves e João Lencastre.[1] O resultado das sessões de gravação foi lançado como O Jardim ("The Garden", em português), em 2007. O tema "Canção Simples" foi um grande sucesso. O seu segundo álbum, Em Fuga, foi lançado em 2010, e seguido por Tiago Na Toca & Os Poetas em 2011 e Acústico, em 2012, este último composto por 15 faixas e contém versões de suas músicas anteriores, realizados em conjunto com convidados como: Concerto Moderno, Lura, e Jorge Palma.[1][11]

Em 2014 foi lançado Do Principio, composto por 12 músicas,[12] incluindo "Aquilo Que Eu Não Fiz", uma canção com uma forte mensagem política.[13] [14] O cantor apresentou o álbum em diversos concertos por Portugal.[15]

Discografia

  • O Jardim (2007)
  • Em Fuga (2010)
  • Tiago Na Toca & Os Poetas (2011)
  • Acústico (2012)
  • Do Princípio (2014)
  • A Procura (2018)
  • 2019 Rumo ao Eclipse (2020)



Destaque

Derrick Dove & The Peacekeepers • Burn It Down 2025

  Artista:  Derrick Dove & The Peacekeepers País:  EUA Título do Álbum:  Burn It Down Ano de Lançamento:  2025 Gênero:  Blues Rock Duraç...