Turnê ACNXX celebrará as duas décadas do álbum de estreia que projetou a cantora baiana
A cantora baiana Pitty, que ganhou o cenário do rock no Brasil em 2003 ao lançar o seu álbum de estreia “Admirável Chip Novo” e vender mais de 250 mil cópias, irá excursionar celebrando o 20º aniversário deste, agora em 2023.
A turnê foi batizada no Twitter pela própria cantora com o nome ACNXX e incluirá alguns festivais na rota.
“Não é para ser o que ele era em 2003, é para ser o que ele é agora, o que essas músicas representam hoje. Faremos novos arranjos, respeitando os originais, mas com elementos novos, usando as tecnologias disponíveis, interpretando o disco hoje.”
A cantora indicou que futuras datas ainda serão anunciadas. Confira o que já está confirmado até aqui.
01/04 – São José dos Campos/SP – Festival Hora do Rock
08/04 – Brasília/DF – Festival RPB
15/04 – Belo Horizonte/MG – 2000 Rock Fest
22/04 – Porto Alegre /RS – Auditório Araújo Vianna
28/04 – Lagoinha/SP – Mundo de OZ Festival
29/04 – Rio de Janeiro/RJ – Fundição Progresso
30/04 – São Thomé das Letras/MG – STL Festival
03/06 – Ribeirão Preto/SP – Festival João Rock
10/06 – Ouro Preto/MG – Festival Planeta Lavras Novas
Canção é o 1º lançamento da banda após o falecimento o tecladista e co-fundador Andy Fletcher
Os pioneiros do sintetizador de Essex, Depeche Mode, fizeram um retorno triunfal com ‘Ghosts Again‘, single que integra o próximo álbum, “Momento Mori“. A nova faixa é acompanhada por detalhes de seu primeiro álbum completo desde “Spirit” de 2017.
“Memento Mori“, o 15º álbum de estúdio das lendas do dark-synth, foi agendado para lançamento em 24 de março de 2023. Como primeira prévia, ‘Ghosts Again‘ está de acordo com o precedente estabelecido pelo nome do álbum, que se traduz em ‘lembre-se você deve morrer‘. O single chega com um videoclipe monocromático dirigido pelo colaborador visual de longa data da banda, Anton Corbijn.
“Para mim, ‘Ghosts Again’ captura esse equilíbrio perfeito entre melancolia e alegria”, disse o vocalista Dave Gahan sobre o single. O outro membro fundador Martin Gore acrescentou: “Não é sempre que gravamos uma música que eu simplesmente não me canso de ouvir – estou animado para poder compartilhá-la.”
De acordo com a última mudança de carreira do Depeche Mode para temas mais sombrios, Gahan entoa: “Sentimentos desperdiçados, significados quebrados… um lugar para esconder as lágrimas que choramos”. Ao longo da faixa, o virtuosismo composicional de Gore se mantém forte como sempre, enquanto ele acompanha Gahan nas letras perspicazes. ‘Ghosts Again’ dá o tom para o que poderia ser mais um álbum brilhante do Depeche Mode.
A música confronta a possibilidade de uma vida após a morte, mas apesar dessas referências abundantes à mortalidade, o álbum foi concebido principalmente antes da trágica perda do tecladista fundador Andy Fletcher em maio passado. No entanto, em entrevista à NME, Gahan revelou que Fletcher nunca gravou nenhum material para o disco.
“Ele nunca chegou a ouvir nada disso, o que é muito triste para mim, porque há músicas neste disco em que sei que ele diria: ‘Esta é a melhor coisa que tivemos em anos’”, disse. “Eu também posso ouvi-lo dizendo: ‘Toda música tem que ser sobre a morte?’”
Confira ‘Ghosts Again’ e o tracklist completo de “Momento Mori”:
Há uma infinidade de razões pelas quais o Led Zeppelin conseguiu eclipsar os Beatles como a banda mais aclamada do mundo, mas nenhuma é tão importante quanto as próprias canções. Desde os primeiros cortes como ‘Communication Breakdown‘ até esforços posteriores como ‘Achilles Last Stand‘ e por meio de sua obra-prima muito difamada ‘Stairway to Heaven‘, não é nenhuma surpresa real que a banda tenha superado retumbantemente o quarteto de Liverpudlian no final dos anos 1960. Eles fizeram isso ultrapassando sem medo os limites da criação musical e tornando-a mais grandiosa do que nunca.
Sua oferta mais expansiva é o leviatã de oito minutos e meio ‘Kashmir‘, o destaque do “Physical Graffiti” de 1975. O riff não é apenas um dos mais famosos do guitarrista Jimmy Page, mas também um dos mais comoventes. A banda efetivamente inaugurou seu capítulo final por meio da essência sobrenatural da música. Isso os faria finalmente realizar a visão de seus primeiros anos, com eles agora veteranos da cena.
Notoriamente, ao aparecer no filme de Davis Guggenheim de 2009, “It Might Get Loud“, Page revelou as origens de ‘Kashmir‘ para os companheiros de machado The Edge e Jack White, que ouviram com admiração concentrada. Ele disse que em 1973 estava experimentando a afinação DADGAD, frequentemente usada nos instrumentos de cordas de som esotérico do Oriente Médio. Um dia, enquanto brincava, ele tropeçou no riff e, em seguida, a música se escreveu lentamente nos anos seguintes.
O baterista John Bonham ajudou a dar vida à faixa adicionando sua bateria estrondosa em uma sessão de gravação com Page no refúgio musical do Led Zeppelin, Headley Grange. Então, o vocalista Robert Plant escreveu a letra hipnótica enquanto ele e Page dirigiam pela parte sul do Marrocos no Deserto do Saara. Finalmente, o baixista e respeitado multi-instrumentista John Paul Jones adicionou os arranjos orquestrais no ano seguinte. A peça que faltava no quebra-cabeça, eles aumentaram o riff de Page e imbuíram a peça com a pesada dose de grandeza que a tornou tão presente na cultura popular.
Ao falar com o jornalista Richard Kingsmill em 1995 para uma entrevista de rádio na ABC, Plant relembrou a criação de ‘Kashmir’: “Foi uma música incrível de se escrever e um desafio incrível para mim. Por causa do compasso, toda a música é… não grandiosa, mas poderosa. Exigia algum tipo de epíteto ou cenário lírico abstrato sobre toda a ideia de que a vida é uma aventura e uma série de momentos iluminados. Mas nem tudo é o que você vê. Foi uma tarefa e tanto, porque eu não sabia cantar. Era como se a música fosse maior do que eu.”
Titus Oates (nome de um padre herege que viveu na Inglaterra no séc. XVI) foi uma banda americana vinda do Texas, se formaram no começo dos anos 70 e lançaram apenas um disco. O vinil original, raríssimo, chega a custar US$300 hoje em dia. O disco Jungle Lady, de 1974, traz um competente hard rock, bem característico do sul dos EUA, com bastante teclado e boas guitarras (mais guiadas para o rock progressivo), só não gostei muito dos vocais que são de Rick Jackson e só em uma faixa há um "dueto" entre ele e sua mulher Pam Jackson na balada Time Is Only to Fear. MUSICA&SOM
Bill Beaudet - Teclados Chris Eigenmann - Percussão Rick Jackson - Baixo, Vocal Lou Tielli - Guitarra Steve Todd - Guitarra
Jungle Lady 3:16 Dream On A Train 4:07 Blanket 3:33 Friend Of Life 3:49 Jupiter, Mars 3:55 Time Is Only To Fear 3:43 Mr. Lips 3:46 Don't Get Your Honey Where You Make Your Money 4:45 The Cage 3:10
E aí vai mais um álbum do Elenco dos Dinossauros Progressivos Mexicanos. Considerado por alguns como uma verdadeira obra-prima do gênero neoprogressivo que deveria ter recebido muito mais atenção do que recebeu.Quando você ouve um álbum como este (e principalmente os últimos que para mim são os melhores da banda) você não consegue entender porque o Cast não está no nível de todas as outras grandes bandas como Marillion, Arena ou semelhante. Aqui os mexicanos expandiram seus limites musicais com composições complexas e completas somadas à sua mestria musical habitual, mas em outro nível: o tecladista Alfonso Vidales está melhor do que nunca, como o resto da banda, virtuoso como sempre, e anteriormente os vocais nunca foram tão bons quanto neste álbum (embora, infelizmente, seja cantado em inglês). E como se isso não bastasse, a arte da capa é ótima. Este é um disco que eu recomendo que você ouça com muita atenção. Você vai me agradecer de novo.
Já dissemos que vamos completar a extensa discografia do elenco mexicano de dinossauros progressivos , este é o sexto álbum oficial de estúdio. Gravado em 1996, é sem dúvida um álbum muito completo que projectou a banda para outro patamar, ou pelo menos é o que dizem os comentários gerais...
Em "Beyond Reality" o arlequim é combinado com um personagem de estilo "Aqualung" que representa o dia-a-dia da existência humana. Enquanto novas possibilidades estão surgindo de um lado, o pergaminho da sabedoria humana está sendo mutilado nas engrenagens desgastadas e lascadas de maquinações mal concebidas do outro.
No álbum estão alguns dos melhores momentos da banda, enquanto para uma melhor compreensão do que os espera neste álbum, aqui fica o comentário do nosso habitual colunista convidado involuntário, o nosso querido César Inca, vamos ver o que é que diz sobre este registro:
Muitos anos atrás, “Beyond Reality” formou minha primeira experiência com o mundo musical do Cast, e certamente posso recomendá-lo como um ponto de partida ideal para qualquer curioso neófito investigar a oferta sinfônica progressiva cultivada por este conjunto mexicano. As características essenciais e pontos fortes do elenco são as expansões melódicas baseadas no protagonismo dos teclados e na sonoridade abertamente pomposa que o grupo cultiva com inquestionável habilidade. Sempre tentado a arriscar a saturação, este disco em particular não cai nela da mesma forma que alguns discos posteriores (por exemplo, “Angels and Demons” ou “Imaginary Window”, que, ainda assim, me parecem muito bem feitos) . As três primeiras canções são extensas suítes que juntas ocupam um tempo total de 54 minutos. A primeira suíte é a mais explicitamente bombástica, com as partes instrumentais das seções b e c sendo meus momentos favoritos: aqui temos os ingredientes usuais das ambiciosas orquestrações e solos de teclados de Vidales (com influências simultâneas de Wakeman e Banks), o fraseado de guitarra estilo Hackett e os enfeites de flauta que graciosamente aprimoram as bases melódicas ostensivas dos motivos. É verdade que as seções específicas de cada suíte têm sua própria definição, mas é preciso reconhecer que a sequência e a continuidade de 'The Rescue' são as mais bem-sucedidas. Com isso não quero descartar as outras duas suítes: na verdade, as respectivas segundas seções de 'The North' e 'The Mirror's House' constituem duas das canções mais marcantes do álbum, EMHO. A atmosfera de intensidade e a sucessão de motivos melódicos eficazes são bem amalgamados através das interações sólidas entre os instrumentistas. Uma menção especial deve ir para 'Marcato', que começa 'A Casa do Espelho' com uma auréola classicista bem trabalhada. 'Transparent Symbols' é uma peça mais curta e, em certo sentido, mais convencional dentro da faceta íntima do sinfonismo. A capa de Camel 'Another Night' tem o mérito de as partes instrumentais serem bastante originais: talvez devessem ter sido usadas para uma peça própria do Cast... Enfim,
E muitos outros comentários em espanhol não encontrei, exceto este que copio abaixo:
Gravado em 1996, é sem dúvida um álbum muito completo que projetou a banda a outro patamar. "The Rescue" em todas as suas facetas pretendia realmente mostrar a qualidade interpretativa, performática e energética que o "Cast" reservava para suas apresentações. A parte central dessa música data de 1986, quando a banda já a mantinha na lista de músicas de shows e muitas seções foram adicionadas para sua gravação. Francisco criou letras muito eloquentes e expressivas. "All The Way from Nowhere" foi uma música que se transportou de 1984 para aquele momento, preservando-se na íntegra. "Casa dos Espelhos" foi um tema épico que permaneceu como estandarte nas apresentações. O trabalho gráfico foi de Michael Bennett refletindo a metade que cada um guarda na sua vida que é, nos seus sonhos e no seu trabalho. Foi eleito o melhor álbum por "La Llave Oculta", programa de rádio argentino. Foi a primeira e única vez até agora que uma música de outra banda foi incluída na produção do grupo. É o caso de "Another Night" dos "Camel" que para a produção de um tributo a essa banda, o "Cast" foi convidado
E semana que vem entrando com toda a discografia desses dinossauros, enquanto isso, aqui fica um álbum muito bom para esse final de semana que está chegando.
Lista de Temas: 1. The Rescue - a. Introduction - b. To the 7th House of Huitzilopochtli - c. The Rescue 2. The North - a. Northern Place - b. All The Way From Nowhere 3. The Mirror's House - a. Marcato - b. The Mirror's House (Convex Fun) 4. Transparent Symbols 5. Another Night
Formação: - Dino Carlo Brassea / flauta, voz - Jose Antono Bringas Caire / bateria, percussão - Alfonso Vidales / teclados - Francisco Hernandez / guitarras, voz - Rodolfo Gonzalez Quiroz / baixo
Já apresentamos esse garotinho com sua genialidade zappatesque de 2021, um jovem músico multi-instrumentista yanky que volta a te oferecer seu álbum, e de graça do seu espaço no Bandcamp. Mais uma vez é algo gratuito mas vale ouro, pois mais uma vez a música que contém é verdadeiramente maravilhosa, tanto que foi votado no Progarchives como um dos melhores álbuns de 2021. Já dissemos antes, poderíamos considerar sua música como a mistura entre Canterbury com seus evidentes toques de jazz, muitos elementos do punch RIO a la Henry Cow e aquela autoconfiança fora de todo estilo a la Zappa, tudo somado a um polenta de rock progressivo e um milímetro math-rock, e isso é para começar a nomear influências, porque nomear todos os estilos que aparecem aqui seria infinito, mas também o que é realmente estranho é que ele também consegue inserir pop para fazer música complexa, mas super cativante. Resumindo, um álbum cheio de composições vertiginosamente complexas e ecletismo a qualquer prova, para ter como resultado mais um álbum incrível desse pequeno gênio que a partir de agora coloco todas as fichas para que daqui a pouco o mundo da música progressiva e boa vai falar sobre ele constantemente. Altamente recomendado para você saber,
Este é um projeto de um homem tocando todos os tipos de instrumentos, mas agora ele é acompanhado por três músicos adicionais imprimindo os sons da flauta, trompete e metais para dar algo mais orgânico a uma mistura que já era rica...
E tinha falado na apresentação do álbum anterior (a partir de 2021, ou seja, um por ano, vai continuar nesse ritmo? Esperemos, e esperemos também que não perca qualidade, aqui não perca em tudo), Bem, a mesma coisa que eu disse antes também pode ser dita agora:
Este é um dos artistas mais jovens no reino progressivo agora. E talentoso, capaz de criar este álbum enérgico e cheio de riffs estranhos, surpresas e arranjos inesperados. A música de Wippy Bonstack abrange uma ampla gama de estilos que abrangem o rock progressivo experimental, canalizando influências de muitos artistas da peculiar variedade prog, e o resultado é uma estreia de música eclética e complexidade desconcertante, com uma composição engenhosamente trabalhada. Do RIO, Canterbury, math rock, indie Art rock e Art pop, estilos que vão desde os anos 1970 até hoje. E é curioso como ele reinterpreta o avant-prog daqueles artistas com uma mentalidade mais técnica (que vão desde Zappaaos instrumentais de Canterbury de Hatfield & the North ), mas permanece dentro de uma estrutura mais contemporânea, oferecendo rock matemático, rock indie e pop artístico em sua miscelânea. As partes instrumentais vão deixar mais de um cu no chão. Esta é uma estreia fascinante! E o que melhor do que ouvir um pouco dessa música rápida, ótima, criativa e artística ao máximo... e colocar esse nome na cabeça porque com certeza vamos ouvir muito dele, eu realmente espero que sim.
E assim, este miúdo lança dois discos que figuram entre os melhores do ano, por dois anos consecutivos... e parece o que vos mostro agora.
Este álbum apresenta 9 temas, cada um repleto de interpretações e instrumentação e é um digno sucessor do seu esplêndido álbum de estreia, um disco na medida certa para terminar mais uma semana de pura boa música e as habituais surpresas no blog da cabeça, aqui está algo para si conheça, aproveite e surpreenda-se neste final de semana, e para você baixar do seu espaço no Bandcamp que dessa vez não precisa hackear nada. Convido você a uma incrível jornada através de um casamento amoroso entre o acessível e o estranho.
Você pode ouvi-lo e baixá-lo de seu espaço no Bandcamp, e não se confunda com o fato de que o músico oferece a você de graça, isso vale ouro!!!!: https://wippybonstack.bandcamp.com /álbum/22
Lista de Temas: 1. Dancing with the Monks (3:19) 2. Ambitions (4:06) 3. Shadow Soaked (3:55) 4. Going (5:03) 5. Scientific Candy (3:20) 6. Beautiful Stain (4:10) 7. Insatiable (4:48) 8. Collapsed Spirit (5:11) 9. Wezler's Choice (2:55)
De muitas maneiras, o título diz tudo. My World de Nigel Kennedy marca a primeira vez que o iconoclasta violinista lança suas próprias composições em disco e, talvez não inesperadamente, é uma coleção de música profundamente pessoal, fortemente inspirada em seus próprios entusiasmos individuais: jazz e rock, Yehudi Menuhin e Stéphane Grappelli , alguma música indiana lançada em boa medida, tudo soberbamente produzido com texturas espessas e multicamadas de instrumentos e eletrônicos.
É uma coisa totalmente agradável, estranhamente ingênua em seu desrespeito obstinado pela moda, mas também com um toque de provocação: é como se este fosse o mundo musical de Kennedy, e se você não entender, o problema é seu.
Os destaques do álbum são suas cinco dedicatórias, peças exuberantes e melodiosas que abrangem pop, jazz, folk e easy listening, nas quais o violinista tira o boné para figuras influentes em sua vida musical.
O primeiro deles, 'Dla Jarka' (para Jarek Smietana), tem um jazz genuinamente comovente e memorável em seu coração, com referências aos Beatles em seu mundo sonoro no estilo dos anos 1960 e muitas iterações minimalistas de influência oriental. .
O longo corpo de música que Kennedy reuniu desde sua partitura até uma encenação de Três irmãs de Chekhov é simplesmente eclético demais para ser verdadeiramente bem-sucedido: com seu violino altamente processado, solos de guitarra de rock distorcidos, música cigana russa e paisagens. sons eletrônicos ambientais, você só pode se perguntar como a produção poderia ter dado sentido a tudo isso.
Sai das suas texturas densas por vezes em solos assertivos e fortemente projectados, mas acima de tudo o seu violino está muito integrado no grupo de jazz, na orquestra e na electrónica do disco.
Chegando 32 anos na carreira de gravação do virtuoso violino inglês Nigel Kennedy, My World é seu primeiro álbum de composições originais.
Expressivas e firmemente melódicas, as peças aterrissam em uma área de romantismo popular que busca agradar ao invés de desafiar, pelo menos no que diz respeito aos ouvintes.
Sturgill Simpson é um nativo de Jackson, Kentucky, de 41 anos, que se mudou do country bastante simples de seu álbum de estreia de 2013 para um lugar que mal lembra o country apenas seis anos e três álbuns depois…
Seu último álbum, A Sailor's Guide to Earth , de 2016, foi um dos meus favoritos que desafiam o gênero e abrigou uma versão impressionante de “In Bloom” do Nirvana. Em seu último trabalho, Sound & Fury Simpson está em modo totalmente multimídia, este álbum acompanha (ou é acompanhado por) um filme de anime de 40 minutos no Netflix… mais sobre isso depois.
A música está muito distante da música country, é sintetizada e especialmente rock com camadas de guitarra, embora a voz de Simpson mantenha uma sensação distinta de country fora da lei. A abertura “Ronin” é um solo de guitarra instrumental e sangra direto para a próxima faixa, como de fato todas as músicas do álbum. Há uma sensação de blues/psic em seu passeio de rock, e o vocal na segunda faixa “Remember To Breathe” é um lançamento bem-vindo da paranóia lenta e rastejante da abertura. Tem uma espécie de 'se o Pink Floyd viesse do sul dos Estados Unidos'. 'Sing Along' tem um boogie bastante direto, assim como a vibração de Quo, mas a música permanece densa, ecletismo apenas o suficiente para mantê-la tranqüilizadoramente fora do mainstream, mas familiar o suficiente para atrair os fãs retrô também. E o casamento do sintetizador com os licks de guitarra mainstream é algo que eu não me lembro de ter ouvido antes com tanta desenvoltura. “A Good Look” consegue jogar um pouco de funk antiquado no ensopado e emerge extremamente triunfante. “Make Art Not Friends” nos leva ao ponto médio do álbum, um leve prog dos anos 70 dando lugar a uma batalha sinuosa de guitarra/sintetizador. A música evoca calor e uma paisagem pós-apocalíptica.
“Best Clockmaker on Mars” (melhor título de música do álbum) é uma música de rock pesado, embora seja uma canção de amor para envelhecer em êxtase estabelecido. E se “All Said and Done” é uma maldição para a falta de originalidade e bloqueio de escritor, então eu gostaria que todos os cantores e compositores sofressem a aflição e a dúvida no mesmo grau que Sturgill, pois mesmo em um estado de espírito mais mainstream ele ainda brilha. “Last Man Standing” é uma gloriosa canção rock n roll 'Dave Edmunds/Dire Straits from the swamplands'. E antes de terminar, o álbum ainda nos dá uma gargalhada pop sobre os perigos e armadilhas de ser um músico em turnê e um pouco de blues pegajoso e ensopado de rock sobre ser incapaz de parar, para não expirar. Não há escuta fácil aqui, mas há invenção e ganchos, melodias e palavras bem trabalhadas.
Quanto ao anime da Netflix? Os temas sombrios são refletidos, a violência dos desenhos animados é extrema, o cenário é pós-apocalipse e apocalipse contínuo. Há ecos da narrativa do Batman, em particular o Coringa através da série O Cavaleiro das Trevas de Frank Miller. Estilos de anime clássicos são entrelaçados de forma eficaz com cenas da vida real fortemente tratadas e, o mais importante, a música e os visuais se complementam. Eu recomendo uma visualização. E eu recomendo muito ouvir o álbum também. É denso, intenso, criativo e tem uma arte que a maioria dos artistas da música moderna não consegue dominar.
