Jakko M. Jakszyk – “Secrets & Lies”

2020 foi um ano terrível. Felizmente a música de 2020 tem sido incrível. InsideOut lançou muitos álbuns excelentes e aqui está uma olhada em um dos mais recentes. O atual vocalista dos King Crimson, Jakko Jakszyk, aproveitou a falta de turnê do Crimson para gravar outro álbum solo, "Secrets & Lies". Jakszyk é um talento por si só, então é ótimo para ele receber os holofotes.

Jakszyk tem uma voz incrível, que tem tudo a ver com o tom rico e sua capacidade de se emocionar. Claro que ele é um dos guitarristas do Crimson, então sim, ele também é um guitarrista incrível. A música em “Secrets & Lies” é muito sobre a música versus algum grande virtuosismo. Claro que há um jogo incrível. Você tem Robert Fripp, Gavin Harrison, Tony Levin e Mel Collins do King Crimson mais Mark King (Nível 42) e Peter Hammill (VDGG), então há todos os tipos de musicalidade.

Mas há ganchos memoráveis ​​e ótimas melodias também. “Before I Met You” é uma abertura ameaçadora e uma ótima música com Levin no baixo. "The Trouble With Angels" poderia estar no álbum "A Scarcity Of Miracles" que ele gravou como parte de Jakszyk, Fripp e Collins . Esse projeto levou à reforma do Crimson. “Fools Mandate” tem uma vibe de Peter Gabriel enquanto “The Rotters Club Is Closing Down” é apenas uma ótima balada. Este último tem algumas linhas de guitarra muito saborosas… e não é Fripp ao fundo?

“Uncertain Times” na verdade me lembra algo do álbum “The First Day” de Sylvian / Fripp. A bateria de Harrison em todo o álbum é incrível, mas ele acrescenta algo muito carmesim a essa música. Não há como escapar da quantidade de DNA carmesim que está por toda parte e através de “Secrets & Lies”. Isso vem especialmente de Jakszyk. Vai além do fato de ele ser um membro. A influência faz parte dele e é por isso que ele se encaixa perfeitamente na banda. Outro destaque do álbum é o refrão de “It Would All Make Sense”, que não soaria deslocado em um álbum de John Wetton. Os solos de guitarra nessa música também são impressionantes.

“Secrets, Lies & Stolen Memories” tem uma orquestração estelar de Nigel Hopkins que fornece uma base para a guitarra de Jakszyk decolar e voar. É um instrumental bem colocado e aponta que poderia ter uma carreira de trilha sonora. “Under Lock & Key” é muito Gabriel-esque ritmicamente, e tem outro ótimo vocal também. Foi escrito com Fripp e tem suas impressões digitais por toda parte.

A maior parte a capella “The Borders We Traded” tem camadas e camadas de backing vocals que mostra ainda outro lado do talento de Jakszyk. Isso leva a “Trading Borders”, uma música escrita por sua filha, Amber, que também toca piano na música. É um instrumental adorável com uma inclinação celta. O álbum fecha com a música “Separation” de Fripp / Jakszyk. Soa como King Crimson porque foi escrita para a banda. Acrescente a banda que toca nela ... você tem uma música do Crimson em tudo, menos no nome. Um destaque definitivo.

Escusado será dizer que se você ama King Crimson, você realmente precisa conferir "Secrets & Lies". Mas isso também é uma excelente maneira para os fãs de prog que nunca conferiram essa banda conseguirem uma entrada segura. “Secrets & Lies” não é um álbum do King Crimson, mas como qualquer membro dessa banda, a música tem um fluxo e uma vibração inconfundíveis. Podemos não ter um novo álbum de estúdio do King Crimson, mas este definitivamente servirá.

Avaliação: 9/10

Tracklist:
1. Before I Met You (05:41)
2. The Trouble With Angels (05:30)
3. Fools Mandate (04:13)
4. The Rotters Club Is Closing Down (04:06)
5. Uncertain Times (05:00)
6. Tudo faria sentido (05:25)
7. Segredos, mentiras e memórias roubadas (02:45)
8. Fechado à chave (04:06)
9. As fronteiras que negociamos (03: 05)
10. Fronteiras Comerciais (02:32)
11. Separação (06:43)

Rótulo: InsideOut Music
Data de lançamento: 23 de outubro de 2020

 

DISCOS QUE DEVE OUVIR

 

Warfare - Metal Anarchy 1985 (UK, NWOBHM, Hardcore Punk)

 Warfare
 England
 Metal Anarchy
 1985
 NWOBHM, Hardcore Punk
 42:54 (with bonuses)

MUSICA&SOM

Tracks:
Music composed by Evo, Falken and Gunner except where noted. Lyrics written by Evo except where noted.
Side Metal:
01. Intro / Electric Mayhem - 3:09
02. Warfare - 4:19
03. Death Vigilance - 3:13
04. Wreched Society - 6:28
Side Anarchy:
05. Living For The Last Days - 3:33
06. Disgrace - 2:42
07. Military Shadow - 3:17
08. Metal Anarchy - 2:49
09. Psycho Express - 2:26
Bonuses:
10. You Really Got Me (live demo, 1985) (Ray Davies)- 3:15
11. Eve Of Destruction (live demo, 1985) (P.F. Sloan) - 4:10
12. I'm On Fire (live demo, 1985) (Geoff Myles) - 3:33

Personnel (original album):
- Evo (Paul Evans) - lead vocals, drums, percussion
- Gunner (Kelvin Johnson) - guitars
- Falken (David Taylor) - bass
+
- Würzel (Michael Burston) - guitar (08), backing vocals
- Angus, Mad Hunter - backing vocals
- Lemmy (Ian Fraser Kilmister) - producer
- Guy Bidmead - engineer, producer

Quarteto em Cy - Em 1000 Kilohertz 1979 (Brazil, Bossa Nova, MPB)

Artista: Quarteto em Cy
Local: Brasil
Álbum: Em 1000 Kilohertz
Ano de lançamento: 1979
Gênero: Bossa Nova, MPB
Duração: 32:04
Formato: MP3 CBR 320 (Vinyl Rip)
Tamanho do arquivo: 76,2 MB (com 3% de recuperação)

MUSICA&SOM

Tracks:
01. Sim ou não (Djavan) - 2:53
02. Feminina (Joyce) - 1:58
03. Passageiro (Roberto Riberti) - 2:59
04. Nada além (Custódio Mesquita, Mario Lago) - 2:22
05. Feira das almas (Francis Hime, Carlos Queiroz Telles) - 2:51
06. Bom dia (Gilberto Gil, Nana Caymmi) - 3:08
07. Maria Maria (Milton Nascimento, Fernando Brant) - 3:28
08. Vinho amargo (Kledir Ramil, Fogaça) - 2:25
09. Nadando no seco (Tunai, Sergio Natureza) - 3:06
10. A cidade contra o crime (Gonzaga Jr.) - 2:24
11. Sabiá (Chico Buarque, Tom Jobim) - 4:30

Personnel:
- Cyva (Cyva Ribeiro de Sá Leite) - vocals
- Cynara (Cinara de Sá Leite Faria) - vocals
- Sonia Ferreira (Sonia Maria Romaguera Ferreira) - vocals
- Dorinha Tapajós (Dora Tapajós Gomes) - vocals
+
- Luiz Cláudio Ramos (dos Santos) - acoustic & electric guitars, vocals (06), arranger, producer
- Helvius Vilela - piano, electric piano
- Franklin da Flauta (Franklin Corrêa da Silva) - flutes, clarinet, vocals (06)
- Fred - bass, percussion
- Ariovaldo (Ariovaldo Contesini) - percussion

VELUDO - A história de uma Banda - CAPÍTULO VII - "O Luar, a Pessoa e o Lugar"

 

Com a música “O Luar, a Pessoa e o Lugar”, de autoria de Nelsinho Laranjeiras e Miguel Pedra (In-Memorian), parte integrante do álbum “Penetrando Por Todo o Caminho sem Fraquejar” de 2016, fechamos um ciclo muito interessante de uma banda que ainda tem muito a para ser explorada. 

Essa suíte, assim como outras desse mesmo álbum, flerta com vários temas do cotidiano de nossas vidas e, mesmo com sua longevidade, pois afinal de contas começou a ser composta em 1972, nem isso foi capaz torná-la “out of date”, ou seja, é mais uma gema que o VELUDO nos presenteia. 

Os arranjos sinfônicos se mesclam em um determinado momento com um quase um baião eletrônico muito divertido, que mostra a versatilidade do grupo ao dar a vida a uma música sofisticada, mas muito agradável de escutar pelo seu lirismo e poesia, que estão muito bem dosados em relação a cada momento da letra da música. 

Aproveitando este último capítulo, acredito que tudo o que foi contado pelo próprio VELUDO e  em boa parte das vezes pelo próprio Nelsinho Laranjeiras, é apenas um fragmento de tudo o que passaram e fizeram e, isso me deixou com um gostinho de “quero mais”, tem muita história boa há ser revelada. 

Portanto com uma riqueza tão grande de histórias e fatos ainda não revelados, um livro ia cair como uma pluma no colo de seus fãs, obviamente acompanhado de um CD com músicas inéditas que certamente existem e estão guardadas em alguma abençoada fita cassete ou algo que o valha, bem como novas músicas para nosso deleite. Fica a dica para a banda!!! 

Ficha técnica da música: 

Direção musical, arranjo, baixo, guitarra e vocal: Nelsinho Laranjeiras; 

Voz solo: Miguel Pedra; 

Vocal e arranjos vocais: Flavia Cavaca; 

Teclados, órgão e arranjos de cordas: Antonio Giffoni; 

Guitarra e violão: Diogo de Castro; 

Bateria: Serginho Conforti 

Histórico da Composição: 

Nelsinho Laranjeiras e Miguel Pedra se tornaram parceiros no mesmo dia em que se conheceram. Miguel tinha acabado de chegar do Rio Grande do Sul. Viera pela estrada pegando carona na boleia de caminhões (1972). 

Trazia um velho violão, uma mochila e um caderno surrado com várias letras. O encontro casual com Nelsinho foi num parque. Começaram a conversar e as Ideias, gosto musical e objetivo foram se encaixando. 

Ali mesmo, Miguel cantou algumas das suas músicas. Nelsinho ficou surpreendido com o timbre e a facilidade que ele tinha para criar melodias bonitas com poucos acordes, e o convidou para ir até a sua casa. 

Lá chegando, abriram o velho caderno e se concentraram em uma letra gigantesca. Seria um desafio começar por ali. Mas Nelsinho estava disposto a encará-lo. Iria mostrar ao seu novo amigo, sua competência e talento como compositor. Miguel contou que fizera aquela letra durante a viagem. 

Nelsinho com um violão (que faltavam duas cordas) começou a elaborar a melodia e a harmonia do que seria a suíte: “O Luar, a Pessoa e o Lugar” Quatro anos depois, ao assumir a liderança do Veludo, Nelsinho traria esse grande cantor e parceiro para ser o vocalista principal da banda. 

Porém, ao entrar para o grupo, Miguel teve que aprender o repertório que já estava pronto, e essa música, acabou ficando para mais tarde. Quando finalmente conseguiram começar os ensaios para introduzi-la no novo repertório, o Veludo acabou (78). A dupla jamais se esqueceu desta obra. 

Trinta anos se passaram e nunca mais se falaram. Miguel tinha desaparecido, até que um dia a internet os aproximou novamente. Rememorando velhas composições, lembraram da suíte “O Luar, a Pessoa e o Lugar”, uma obra que julgavam relevante em suas vidas. Nelsinho lhe fez uma nova proposta: reviver o Veludo, já que havia um projeto para gravação de um CD com base no material inédito da banda. 

Miguel aceitou o desafio. Veio do Amazonas para o Rio de Janeiro com o objetivo de fazer esse sonho se tornar realidade. Ele chegou e trazia algumas novidades. Viveu entre os índios, subiu o Alto Xingu em uma viagem de 3 dias de barco e embrenhou-se pelos igarapés do rio Negro em uma aventura mística e selvagem. 

Miguel Pedra morreu 8 meses após terminar as gravações. Não viu o trabalho pronto. Não nesta vida. Quanto a Nelsinho, continuou com a produção do disco de forma obstinada para cumprir o último desejo do seu velho amigo e parceiro.

ESQUINA PROGRESSIVA

 

Renaissance - Scheherazade & Other Stories (1975)

Às vezes me pergunto sobre o que chamamos de rock progressivo sinfônico. Bom, sem sombra de dúvidas que as duas mais importantes nessa questão são Yes e Genesis, mas não creio que existe uma banda que consiga fazer essa definição soar de forma tão coesa e certeira como é o caso do Renaissance. A voz operística de Annie Hasslam é algo totalmente único no mundo musical e representam por si só o que a palavra sinfônica deve significar. E com certeza encontra-se em sua melhor forma em Scheherazade & Other Stories.

Renaissance é uma banda que sempre foi mais calcada em piano e vocais com arranjos elaborados, mas às vezes um pouco leve em comparação com a maioria das bandas de progressivo 70's, não fraco ou sem impacto, mas mais suave, apenas. Usando uma comparação com o boxe, se Genesis, Yes ou Emerson Lake & Palmer, são pesos pesados que podem matar o oponente com o primeiro (golpe) acorde, Renaissance é como um dos médios, que também precisa de estilo e elegância para vencer a luta.

“Scheherazade & Other Stories” trata-se de um álbum conceitual baseado nos contos árabes das 1001 noites. A base musical da obra está na suíte sinfônica, “Scheherazade” do compositor russo Nikolai Rimsky-Korsakov. A história que é contada no álbum é sobre Scheherazade, uma bela jovem, condenada a se tornar mais uma de suas ex-esposas, já que o mesmo, com medo de traição tinha o terrível hábito de decapitá-las após a noite de núpcias. Aí é que entra a barato da história, pra escapar desse destino que todas as suas outras mulheres tiveram, ela contava uma história para o sultão, ou melhor dizendo, mais um capítulo de uma história que ela jamais terminava, deixando ele assim curioso, e por consequência poupava sua vida, ao menos a princípio, pois ficava interessado no capítulo seguinte que ela tinha pra contar. Fez isso por incríveis 1001 noites, quando enfim, o sultão desistiu da sua intenção, fazendo de Scheherazade, sua rainha. E é com base nesse conceito que ““Scheherazade & Other Stories” foi desenvolvido.

"Song of Sheherezade" um épico de 24 minutos, é tão impressionante que as pessoas por conta dele costumam esquecer o resto do álbum, algo bastante injusto, porque o álbum pode ser visto como uma obra bem equilibrada e todas as faixas tem seus próprios méritos. Mesmo que realmente no fim das contas não tenham a grandeza daquela que fecha o trabalho.

O disco começa com, “"Trip to the Fair"”. Inicia-se com uma impressionante introdução de 3 minutos de piano sendo executado com extremo bom gosto, adicionado a uma leve mistura de coro e percussão, de repente é seguido pela maravilhosa voz de Annie. Talvez o problema com esta canção é que após a forte e enérgica abertura, a gente espere algo mais poderoso, mas a banda muda o sentido da música em direção a uma melodia suave a deixar o ouvinte em um mundo onírico, com alguns acordes de jazz que criam uma atmosfera viajante. Ao ouvinte mais exigente pode ser tratada como uma canção regular. Mas ainda assim, um grande começo de álbum.

"The Vultures Fly High" tem um saldo melhor, começa forte e termina da mesma maneira, menos sinfônica e mais orientada apenas em uma linha rock do que o resto do álbum, tem uma levada mais forte e rápida. Os membros da banda mostram que eles são capazes de fazer boas e curtas canções.

"Ocean Gypsy" é uma música mais suave, onde novamente os vocais de Annie são o destaque, com a participação evidente do resto dos membros, essa música é mais previsível do que todas as outras faixas, mas também bastante encorpada, deixando bem claro que a Renaissance é uma banda completa, não apenas um grupo de piano e voz.

O álbum encerra com "Song of Sheherezade", sem dúvida, o trabalho mais elaborado feito pela banda, um épico que tem tudo, exímios pianos, uma orquestra extremamente sólida, coro, além de excelente trabalho por parte de toda a banda. A atmosfera árabe é perfeita e os vocais de Annie Hasslam não são dignos de serem chamados de algo menores que sublimes. Possui mudanças espetaculares e explosões musicais súbitas. Uma beleza simplesmente fora do comum. Tudo feito com total cuidado, onde cada frase é encaixada como um perfeito quebra cabeça dentro de orquestrações que elevam o estado de espirito de quem as escutam.

Um álbum de rock progressivo sinfônico na sua maior essência. Uma sonoridade verdadeiramente mágica, com toda a certeza um dos mais originais também, pois ao contrário das demais bandas sinfônicas que citei mais acima, em momento algum o Renaissance prega uma sonoridade virtuosa. Tudo flui de forma encantadora e surreal.

Track Listing

1.Trip To The Fair - 10:48

2.The Vultures Fly High - 3:07

3.Ocean Gypsy - 7:05

4. Song Of Scheherazade - 24:52 

ESQUINA PROGRESSIVA

Steven Wilson - Hand. Cannot. Erase. (2015)

Que Steven Wilson é um músico mais do que consagrado pelas suas obras criadas e quase sempre bem aceitas ao longo dos anos não é segredo pra ninguém. Com uma carreira solo até o momento bastante rica, teve em seu álbum anterior, “The Raven That Refused To Sing (And Other Stories)” (2013), pra muitos, o ápice criativo entre tudo já criado por ele até hoje. Com isso, era inevitável que ao ter seu mais novo álbum em mãos, Hand. Cannot. Erase., minha expectativa por mais um grande trabalho fosse bastante grande, assim, claro, como o medo de me decepcionar. No fim das contas, uma expectativa exagerada e um medo desnecessário.

Hand. Cannot. Erase é um álbum conceitual onde o fio condutor é basicamente sobre a história verídica de uma mulher que quis se isolar do mundo em Londres até o dia de sua morte. Mas ninguém sente sua falta, apesar de possuir familiares e teoricamente, amigos. Mas como acontece com várias histórias verídicas, não existe uma versão 100% certa, então Steven Wilson quis criar uma ideia dele para a personagem, colocando inclusive seus sentimentos e emoções na mesma. O álbum possui alguns elementos pop bastante encantadores, na linha dos que podemos encontrar em In Absenia do Porcupine Tree, muito bem alinhado a algumas levadas de sonoridades eletrônicas e outras de metal. Um tipo de multiplicidade sonora que pode ser arriscada, fazendo com que no fim das contas o álbum soe de forma dissonante. Mas é algo com que o ouvinte não deve se preocupar, pois a maneira que a história é contada faz com que juntas, as faixas criem uma bela dinâmica entre elas.

"First Regret" dá início ao álbum com um bonito piano eletrônico. São somente dois minutos de duração e serve mais como uma ponte para que o álbum possa de fato começar.

Logo na segunda faixa, encontra-se uma das minhas canções favoritas. "3 Years Older" desenvolve-se gradualmente, varia entre instrumentais de belas e calmas passagens acústicas a outras executadas com mais furor. Porem em ambos os casos com o uso de riquíssimas melodias.

"Hand Cannot Erase" é uma canção puramente pop. Mas não é exatamente esse o motivo que a faz ser a faixa mais fraca do álbum (ainda que não a definisse como ruim). Mas é que não diz muita coisa, uma simples música de tocar em rádio que me faz questionar porque ser essa a que leva o nome do disco.

"Perfect Life", uma música de agradável atmosfera e que conta em seus dois primeiros minutos com a participação de uma narrativa feita pela atriz Katherine Jenkins. Depois é a vez do vocal de Steven Wilson mostrar-se na canção, onde é repetido inúmeras vezes somente, "we have got we have got the perfect life", mas pra que a faixa não fique maçante, há uma grande variação nas harmonias. Pode não ser uma faixa a agradar logo de cara, mas com o tempo pode cair nas graças do ouvinte.

"Routine" sem dúvida é outro dos pontos altos do álbum. Tem seu início através de um vocal triste e sereno de Steven Wilson, interpretando muito bem o sentimento do seu personagem que está preso a uma rotina constante de tarefas. A música em si é bastante densa e encaixa como uma luva nas letras. Conforme as coisas vão se cadenciando, ganham ritmo e energia até que Ninet Tayeb entra com seus vocais. Alcançando seu ápice através de uma sonoridade mais pesada unida a gritos de angustias. Uma faixa de instrumental forte e de letra que necessitava de alguém que tivesse bastante capacidade em expressar a gama complexa de emoções exigida. E foi o que de fato aconteceu.

Bom, se as pessoas estão prestando atenção em algo mais do que somente na música em si, já nota-se que a mulher se encontra em total isolamento, sem um reles contato com quem quer que seja. Quanto a próxima faixa, "Home Invasion", tem em sua sonoridade uma levada mais grosseira se comparada com boa parte do álbum, de introdução pesada com excelentes guitarras e teclados. Destaque também para os vocais. Para aqueles que adoraram o seu álbum anterior, aqui e na próxima faixa serão os momentos onde mais se notarão seus elementos presentes.

"Regret # 9" é uma música instrumental que possui a introdução através de um belo e introspectivo sintetizador. Mesmo sem nenhuma letra, a faixa é exatamente o que o álbum precisava no momento. Por mais que o álbum seja conceitual sobre a história de uma mulher, aqui o trabalho instrumental nos diz mais do que palavras. Possui também uma guitarra executada de maneira notável. E como dito, junto da anterior, faz o ouvinte relembrar o disco, “The Raven That Refused To Sing (And Other Stories)”.

"Transience" é uma música acústica bastante agradável em que ao mesmo tempo faz com que o álbum mude de direção em sua sonoridade, pode servir de interlúdio para o épico que está por vir.

"Ancestral" é o épico do álbum, desempenhando muito bem o seu papel. Começa de uma maneira obscura e cheia de efeitos eletrônicos. A música vai sendo construída gradualmente até um excelente dueto entre Wilson e Ninet. Então que a faixa é seguida pela parte instrumental mais longa do álbum (em torno de sete minutos minutos de duração). Esta seção talvez seja a mais pesada que Wilson fez em uma única canção desde criações no álbum "Fear Of A Blank Planet" da Porcupine Tree, mostrando inclusive que segue bastante afiado nessa arte. Não vou deixar de dizer que existe certa abundância musical nas voltas e mais voltas na instrumental, talvez um pouco menor a deixaria mais concisa. Mas também não chega a ser algo que tire o mérito alcançado na música.

"Happy Returns", essa música eu confesso que demorei até achá-la agradável. Inicialmente a via apenas como uma balada pop que nada me dizia, mas depois dentro de toda a história captei uma boa dose de emoção e uma instrumental que casa bastante com os vocais emotivos de Wilson e o coral de fundo. Conforme o álbum vai chegando em seu desfecho, nota-se que a tendência é terminá-lo com um estado de espírito muito mais esperançoso.

"Ascendant Here On." é mais uma faixa curta (a menor do álbum com menos de 2:00). Na verdade trata-se somente de uma atmosfera criada através de um teclado pra encerrá-lo.

Evitando comparações com qualquer uma criação de Steven Wilson até aqui, "Hand. Cannot. Erase." é sem dúvida alguma um grande registro. Cada canção tem a sua maneira de ser distintiva e envolvente. É um álbum com poucas falhas, alem de possuir ideias novas, modernas, enfim. Uma pena foi o músico não ter aproveitado mais a convidada de bela voz, a cantora israelense Ninet Tayeb. Com certeza, mais um grande trabalho de uma mente que mostra ainda ter muito a oferecer aos fãs.

Track Listing

1.First Regret - 2:01

2.3 Years Older - 10:18

3.Hand Cannot Erase - 4:13

4.Perfect Life - 4:43

5.Routine - 8:58

6.Home Invasion - 6:24

7.Regret #9 - 5:00

8.Transience - 2:43

9.Ancestral - 13:30

10.Happy Returns - 6:00

11.Ascendant Here On... - 1:54

Manfred Mann's Earth Band - Jazz Rock (UK)

 

Manfred Mann foi uma banda de rock inglesa, formada em Londres em 1962. O grupo recebeu o nome de seu tecladista Manfred Mann, que mais tarde liderou o grupo de sucesso dos anos 1970, Manfred Mann's Earth Band. A banda teve dois vocalistas principais diferentes durante seu período de sucesso, Paul Jones de 1962 a 1966 e Mike d'Abo de 1966 a 1969. Manfred Mann esteve regularmente nas paradas do Reino Unido na década de 1960. Três dos singles de maior sucesso da banda, "Do Wah Diddy Diddy", "Pretty Flamingo" e "Mighty Quinn", lideraram o UK Singles Chart. Eles foram o primeiro grupo baseado no sul da Inglaterra a chegar ao topo da Billboard Hot 100 dos EUA durante a invasão britânica.

Uma banda de R&B que só tocava pop para entrar nas paradas, Manfred Mann se classificou entre os atos mais adeptos da Invasão Britânica em ambos os estilos. O fato de seu alcance abranger tanto o jazz quanto o rhythm & blues, juntamente com alguns elementos de sua aparência e apresentação - a presença barbada e de óculos do co-fundador/tecladista Manfred Mann - também fez dos Manfreds uma banda mais pensante do que uma fofos, fofinhos, roupas como os Beatles, ou provocadores sexuais à maneira dos Rolling Stones. No entanto, sua abordagem ao R&B era tão válida quanto a dos Stones, igualmente atraente e muitas vezes mais sofisticada. Eles traçaram um número impressionante de singles de 1964 a 1969 e desenvolveram um grande e leal fandom internacional que perdura até hoje.

O tecladista sul-africano Manfred Mann, nascido Manfred Lubowitz em Joanesburgo em 1940, era originalmente um aspirante a músico de jazz. Ele se apresentou em bailes e cafés locais em Joanesburgo quando adolescente e estudou música clássica na Witwatersrand University, tocando também com Hugh Masekela em uma banda local. Suas influências incluíram John Coltrane, Miles Davis, Cannonball Adderley, Ornette Coleman, Bill Evans e Dave Brubeck. Ele sentiu que seu crescimento musical seria bloqueado por mais trabalhos na África do Sul, entretanto, e decidiu se mudar para a Inglaterra em 1961, ganhando a vida como pianista e professor de jazz e escrevendo artigos sob o nome de Manfred Manne, o sobrenome derivado de baterista Shelly Manne - mais tarde ele abandonou o "e" e usou "Manfred Mann" como seu nome artístico.

A preferência de Mann pelo jazz rapidamente se encaixou no crescente gosto do público pelo rhythm and blues que começou a varrer o público mais jovem na Inglaterra no início dos anos 60. No decorrer de sua apresentação no resort Butlins em Clacton durante 1962, Mann conheceu o percussionista Mike Hugg, e os dois logo começaram a tocar juntos em uma banda que incluía Graham Bond. Hugg e Mann eventualmente formaram sua própria banda, Mann Hugg Blues Brothers, que se transformou em um septeto, incluindo dois saxmen e um trompetista. Eles tiveram sucesso na cena dos clubes de Londres, tocando em locais como o Marquee e outros locais de destaque da música. A adesão da banda também cresceu para incluir o guitarrista, flautista e saxman Mike Vickers.

O grupo ainda não tinha um vocalista principal, mas essa deficiência foi corrigida no final de 1962, quando eles adicionaram Paul Jones, que já havia trabalhado com o guitarrista Tom McGuinness, à sua formação. No início de 1963, os Mann Hugg Blues Brothers haviam reduzido a cinco membros - Manfred Mann (teclados), Mike Hugg (percussão), Mike Vickers (guitarra, sax, flauta), Paul Jones (vocal) e Dave Richmond (baixo). ) - e também contratou um empresário, Kenneth Pitt, que arranjou audições para o grupo com Pye, Decca e EMI Records. A audição da EMI em maio de 1963 foi a que funcionou, e eles assinaram com o selo HMV desta última empresa. A banda recebeu o produtor John Burgess, que ficou intrigado com a mistura de jazz e R&B em seu estilo. Foi também Burgess quem decidiu que o grupo precisava de um

Paul Jones foi um dos melhores cantores da Invasão Britânica, e seus vocais ressonantes eram a melhor característica dos primeiros lados de R&B de Manfred Mann, que tinham um toque ligeiramente mais jazzístico e suave do que os primeiros trabalhos dos Rolling Stones e dos Animals. O single de estreia do grupo, "Why Should We Not" b/w "Brother Jack", foi extraído de sua primeira audição de gravação comercial da EMI e mostrou um pouco do que a banda poderia fazer instrumentalmente - o lado A era melancólico, original de blues que apresentava alternadamente o sax de Vickers, a gaita de Jones e o órgão de Mann, enquanto o flip era uma variante de jazz saltitante em "Frere Jacques". Se a estreia do grupo mostrou o virtuosismo e a inteligência dos Manfreds, então o sucessor do blues-rock "Cock-A Hoop" anunciou a chegada de um grande e carismático talento musical em Paul Jones. Apesar de muito tocar no rádio, "Cock-A Hoop" falhou nas paradas. A sorte do grupo mudou no final de 1963, no entanto, quando eles foram convidados a escrever uma nova música tema para o showcase de rock & roll da televisão britânica Ready, Steady, Go. O resultado foi "5-4-3-2-1", uma peça cativante e pulsante de rock & roll que alcançou o quinto lugar nas paradas britânicas e se tornou a assinatura permanente da série de televisão. Logo após a gravação do single, Dave Richmond saiu da formação de Manfred Mann e foi substituído por Tom McGuinness, que trocou a guitarra pelo baixo para se juntar ao grupo. quando eles foram convidados a escrever uma nova música tema para o showcase de rock & roll da televisão britânica Ready, Steady, Go. O resultado foi "5-4-3-2-1", uma peça cativante e pulsante de rock & roll que alcançou o quinto lugar nas paradas britânicas e se tornou a assinatura permanente da série de televisão. Logo após a gravação do single, Dave Richmond saiu da formação de Manfred Mann e foi substituído por Tom McGuinness, que trocou a guitarra pelo baixo para se juntar ao grupo. quando eles foram convidados a escrever uma nova música tema para o showcase de rock & roll da televisão britânica Ready, Steady, Go. O resultado foi "5-4-3-2-1", uma peça cativante e pulsante de rock & roll que alcançou o quinto lugar nas paradas britânicas e se tornou a assinatura permanente da série de televisão. Logo após a gravação do single, Dave Richmond saiu da formação de Manfred Mann e foi substituído por Tom McGuinness, que trocou a guitarra pelo baixo para se juntar ao grupo.

The Manfred Mann Album 1964

Mann Made 1965

My Little Red Book Of Winners! 1965

Pretty Flamingo 1966

Manfred Mann's Earth Band 1972

Glorified Magnified 1972

Solar Fire 1973

Messin' 1973

The Good Earth 1974

Nightingales & Bombers 1975

The Roaring Silence 1976

Watch 1978 

Angel Station 1979

Chance 1980

RAZORBATS - HIT CRAZY (2023)

 

Dois anos após o lançamento de seu álbum Mainline Rock 'N' Roll , os Razorbats da Noruega passaram esse tempo em turnê e como convidados especiais em shows de nomes como Danko Jones , The Offspring e The Wildhearts enquanto elaboravam seu último álbum, que apresenta canções principalmente sobre os problemas geralmente enfrentados por estar numa banda de rock 'n' roll constantemente em turnê.
É claro que eles não são a primeira banda a usar isso como premissa para uma coleção de músicas e tenho certeza de que não serão os últimos, mas a abertura espirituosa e irónica “(Maybe It's Time To) Break Up The Band” ilustra uma atitude irreverente, mas contagiante, para começar bem o processo. A bastante explicativa “Only In America” é outro canto amigável para o rádio, junto com algumas harmonias de banda muito boas, que são uma característica bastante constante, e muito bem-vinda, da maioria das músicas aqui, incluindo a papoula “Atomic” (não a música dos Blondie) e a um pouco mais suja, mas não menos atraente, “Shotgun Wedding”. O mid-tempo “Edie” tem mais do que uma referência flagrante à música Pretty Boy Floyd “I Wanna Be With You”, que espero que seja tão respeitosa quanto parece.
“Love Is For Suckers” é um hino forte e forte que me fez lembrar de Steeve Jaimz em seu melhor período pós Tigertailz , enquanto “Scandinavian Girls” é uma bela homenagem melódica às senhoras de sua terra natal. A levemente sórdida “Damn She Looks Good” já é a minha faixa favorita do álbum, enquanto flui perfeitamente para outro rock estilo gangue “Kiss Me” e termina com a balada nostálgica e melancólica “Seventeen” que é certamente o tema perfeito para acenar o isqueiro.
A produção é clara e as guitarras duplas de Kjetil F. Wevling e Asle Tunglen são impecáveis o tempo todo, e o mesmo pode ser dito do baixo de Martin Karsgaard e da bateria de Christian Hapnes Svendsen , fornecendo a base sólida. Os vocais de Paul E. Vercouteren são perfeitamente afinados ao longo de todo o álbum, com as harmonias da banda mencionadas adicionando um toque delicioso a quase todas as músicas.
Os membros da banda Razorbats obviamente tiveram um tempo agradavelmente produtivo revisitando grandes bandas dos anos 80 naquelas longas jornadas de turnê, pois influências de nomes como Danger Danger , Poison , Dangerous Toys e o anteriormente mencionado Pretty Boy Floyd são audivelmente evidentes aqui, ao lado de mais devotos modernos como Midnite City e até mesmo Crazy Lixx . Resumindo, não há uma música idiota aqui e, na verdade, são 40 minutos de puro prazer inspirado nos anos 80! Hora de acabar com a banda? Certamente que não quando podem produzir um álbum tão alegre e comemorativo.

01. (Maybe It’s Time To” Break Up The Band
02. Only In America
03. Atomic
04. Shotgun America
05. Edie
06. Love Is For Suckers
07. Scandinavian Girls
08. Damn, She Looks Good
09. Kiss Me
10. Seventeen

Paul E. Vercouteren - Lead Vocals
Kjetil F. Wevling - Guitars
Asle Tangen - Guitars
Martin Korsgaard Hervig - Bass
Christian Hapnes Svendsen - Drums

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