Brian Eno: Box Set I - Instrumental 1993

 

                                   

Brian Peter George St John le Baptiste de la Salle Eno RDI (nascido Brian Peter George Eno, 15 de maio

1948) é um músico, compositor, produtor musical e artista visual britânico mais conhecido por suas contribuições à música ambiente e trabalho em rock, pop e eletrônica. Um auto-descrito "não-músico", Eno ajudou a introduzir conceitos e abordagens não convencionais à música contemporânea. Ele foi descrito como uma das figuras mais influentes e inovadoras da música popular. Em 2019, Eno foi introduzido no Hall da Fama do Rock and Roll como membro da Roxy Music.
                        

MÚSICA ROXY

Nascido em Suffolk, Eno estudou pintura e música experimental na escola de arte de Ipswich Civic.

College em meados dos anos 1960 e depois na Winchester School of Art. Ele se juntou ao grupo de glam rock Roxy Music como sintetizador em 1971, gravando dois álbuns com o grupo antes de partir em 1973.
                   

Em 1973 ele começou a lançar álbuns instrumentais atmosféricos com o guitarrista do King Crimson, Robert Fripp, como

bem como álbuns solo de art rock, como Here Come the Warm Jets (1974) e Another Green World (1975). Lançado em 1978, o inovador Ambient 1: Music for Airports deu um nome ao gênero com o qual ele seria mais associado, embora Eno voltasse esporadicamente à composição vocal ao longo de sua carreira, como em Another Day on Earth de 2005 e 2022 PARA SEMPRE E SEMPRE. Eno lançou uma série de álbuns eletrônicos e acústicos ambientais ecléticos.
                       

Ele cunhou o termo "música ambiente", que se destina a modificar a percepção do ouvinte sobre o

ambiente circundante. No encarte que acompanha Ambient 1: Music for Airports, Eno escreveu: "A música ambiente deve ser capaz de acomodar muitos níveis de atenção auditiva sem impor um em particular, deve ser tão ignorável quanto interessante."
                       

Em janeiro de 1975, Eno foi atropelado por um táxi enquanto atravessava a rua e passou várias semanas se recuperando.

lar. Sua namorada trouxe para ele um antigo disco de música de harpa, que ele deitou para ouvir. Ele percebeu que havia colocado o amplificador em um volume muito baixo e um canal do estéreo não estava funcionando, mas faltou energia para se levantar e consertar. "Isso apresentou o que era para mim uma nova forma de ouvir música - como parte da ambiência do ambiente, assim como a cor da luz e o som da chuva faziam parte da ambiência."
                        

O primeiro trabalho de música ambiente de Eno foi Discreet Music (1975), novamente criado com uma elaborada fita

metodologia de atraso que ele esquematizou na contracapa do LP? é considerado o álbum marcante do gênero. Isso foi seguido por sua série Ambient: Music for Airports (Ambient 1), The Plateaux of Mirror (Ambient 2) com Harold Budd no teclado, Day of Radiance (Ambient 3) com o compositor americano Laraaji tocando cítara e saltério martelado, e On Land (Ambiente 4)).
                      

Ele também se tornou um produtor de grande sucesso para artistas de rock e pop como U2, Coldplay, David Bowie e Talking Heads. Além disso, ele lançou álbuns em colaboração com Harold Budd, Cluster, John Cale, seu irmão Roger Eno, David Byrne, James e muitos mais.

                 

DAVID BOWIE BRIAN ENO

CAIXA I - INSTRUMENTAL

                                        

Por Lindsay Planer  

Sempre iconoclasta, se há algo que Brian Eno fez com algum grau de consistência ao longo de sua variada carreira, foi apresentar sua arte em uma série de fóruns perpetuamente "fora da caixa". Tudo isso mudou - por assim dizer - com o lançamento de duas compilações de vários discos. Eno Box I: Instrumentals (1994) condensa suas criações sem palavras, enquanto Eno Box II: Vocals (1993) faz o mesmo para o restante de suas principais obras em um volume de tamanho semelhante. Curiosamente - e em sua forma tipicamente contrária - esta parcela inicial foi emitida por último.
                     

BRIAN FERRY BRIAN ENO

Cada um dos três CDs de Eno Box I: Instrumentals concentra-se, respectivamente, em uma faceta específica do copioso catálogo anterior do artista. O disco um adota uma abordagem mais ou menos cronológica para seleções instrumentais

dos álbuns de Eno, Another Green World (1975) e Before and After Science (1977), antes de se concentrar em sua música para filmes. "Dover Beach", sua contribuição para a obra-prima dirigida por Derek Jarman, Jubilee (1978), é seguida por títulos da edição limitada promocional em vinil da Director's Edition of Music for Films (1976), a lançada publicamente Music for Films (1978 ) e Música para Filmes, vol. 2 (1983), concluindo com vários lados de Music for Films, Vol. 3 (1988).
                              

DAVID BYRNE BRIAN ENO

O disco dois começa exatamente onde o primeiro parou, acumulando quatro músicas adicionais para filmes, vol. 3 entradas
antes de fornecer uma visão geral das colaborações de Eno com notáveis ​​como David Bowie, Jon Hassell, Harold Budd, Daniel Lanois, Roger Eno e Robert Fripp.
                  

JAH WOBBLE BRIAN ENO JOHN CALE

O disco três oferece samples de Music for Airports (1978), The Shutov Assembly (1992), On

Land (1982), Thursday Afternoon (1985), Discreet Music (1975) e Neroli (1993), vários dos quais foram truncados para inclusão aqui. Também vale a pena mencionar que todo o conteúdo é codificado com mapeamento super-bit de alta fidelidade excepcional.

                      

Brian Eno – I: Instrumental
Label: Virgin – ENOBX 1, Virgin – 7243 8 39110 2 8
Formato: 3 x CD, Compilation, Remastered Box Set
País: Reino Unido
Lançamento: novembro de 1993
Gênero: Eletrônico
Estilo: Ambient

DISC 1.

                               

01. Brian Eno – Another Green World    1:41
02. Brian Eno – Energy Fools The Magician   2:08
Arranged By – Eno, Jones/Backing Vocals [Chorus], Keyboards, Vibraphone [Vibes] – Brian Eno/Drums – Phil Collins/Fretless Bass – Percy Jones/Guitar [Modified] – Fred Frith/
03. Brian Eno – Dover Beach    4:37
04. Brian Eno – Slow Water   3:19
Guitar – Robert Fripp
05. Brian Eno – Untitled    2:06
06. Brian Eno – Chemin De Fer    1:58
07. Brian Eno – Empty Landscape    1:26
08. Brian Eno – Reactor    1:41
09. Brian Eno – The Secret    1:14
10. Brian Eno – Don't Look Back    1:00
11. Brian Eno – Marseilles    1:29
12. Brian Eno – Two Rapid Formations   3:25
Bass Guitar – Bill MacCormick/Guitar – Fred Frith/Percussion – Dave Mattacks
13. Brian Eno – Sparrowfall I    1:11
14. Brian Eno – Sparrowfall II    1:44
15. Brian Eno – Sparrowfall III    1:24
16. Brian Eno – Events In Dense Fog    3:43
17. Brian Eno – 'There Is Nobody'    1:43
18. Brian Eno – Patrolling Wire Borders   1:43
Drums – Phil Collins/Electric Piano – Rod Melvin/Guitar – Paul Rudolph/Viola – John Cale
19. Brian Eno – A Measured Room   1:04
Bass – Percy Jones
20. Brian Eno – Task Force    1:22
21. Brian Eno – M386   2:51
Bass – Percy Jones/Drums – Phil Collins/Guitar – Paul Rudolph
22. Brian Eno – Final Sunset    4:12
23. Brian Eno – The Dove    1:36
24. Brian Eno – Roman Twilight    3:39
25. Brian Eno – Dawn, Marshland    3:13
26. Brian Eno – Always Returning I    4:33
27. Brian Eno – Signals    3:57
28. Brian Eno – Drift Study    2:31
29. Brian Eno – Approaching Taidu    2:25
30. Brian Eno – Always Returning II    3:07
31. Brian Eno – Asian River    4:22

01 from Another Green World 1975 EG Records Ltd.
02 from Before & After Science 1977 EG Records Ltd.
03 from Jubilee: Original Soundtrack 1978 EG Records Ltd.
04 to 11 from Music for Films (Directors Edition) 1976 EG Records Ltd.
12 to 22 from Music for Films I 1978 EG Records Ltd
23 to 30 from Music for Films II 1983 EG Records Ltd.
31 From Music for Films III 1988 All Saints Records Ltd. in UK. 1988 Warner Bros. Records Inc. for rest of world.

MUSICA&SOM


DISCO 2.

01. Brian Eno – Theme From Creation    3:06
02. Brian Eno – Saint Tom    3:35
03. David Bowie – Warszawa   6:20
Piano, Keyboards [Mini-moog], Mellotron [Chamberlin], Other [EMI] – Brian Eno/Vocals – David Bowie
04. Jon Hassell / Brian Eno – Chemistry   6:53
Bass – Percy Jones/Effects [Treatments] – Brian Eno/Ghatam – Ayib Dieng, Nana Vasconcelos/Trumpet – Jon Hassell
05. Jon Hassell – Courage   3:39
Bass – Michael BrookDrum [Distant Drum] – Walter DeMaria/Drums – Brian Eno/Trumpet – Jon Hassell
06. David Bowie – Moss Garden   5:20
Instruments [All Instruments] – Brian Eno, David Bowie
07. Brian Eno – Tension Block    3:14
08. Brian Eno – Strong Flashes Of Light    3:07
09. Brian Eno – More Volts    2:50
10. Brian Eno – Mist / Rhythm    3:35
11. Eno / Cluster – Ho Renomo   5:07
Bass – Holger Czukay
12. Harold Budd / Brian Eno – A Stream With Bright Fish    3:54
13. Roger Eno – Fleeting Smile   2:31
Effects [Treatments] – Brian Eno/Piano – Roger Eno
14. Harold Budd / Brian Eno – An Arc Of Doves    6:23
15. Brian Eno / Daniel Lanois / Roger Eno – Stars    7:57
16. Robert Fripp/Brian Eno – An Index Of Metals (Edit)   7:13
Guitar – Robert Fripp/Loops, Effects [Treatments] – Brian Eno

01, 02, 07, 13 From Music for Films III 1988 All Saints Records Ltd. in UK. 1988 Warner Bros. Records Inc. for rest of world.
03 From Low by David Bowie 1977 Jones Music/MainMan SA. Under Exclusive Licence to EMI Records Ltd.
04 from Fourth World Vol I (Possible Musics) by Jon Hassell/Brian Eno 1980  EG Records Ltd.
05 from Dream Theory In Malaya (Fourth World Vol. 2) 1981 by Jon Hassell
06 from Heroes by David Bowie 1977 Jones Music/MainMan SA. Under Exclusive Licence to EMI Records Ltd. (except USA & Canada under Exclusive Licence to Rykodisc Inc.)
08 to 2-10 from Rarities EP included in Working Backwards 1983-1973 Boxed Set 1983 EG Records Ltd.
11 from Cluster & Eno 1977 Sky Records GmbH
12 from The Pearl by Harold Budd/Brian Eno 1984 EG Records Ltd.
2-14 from The Plateaux of Mirror By Harold Budd/Brian Eno 1980 EG Records Ltd.
15 from Apollo (Atmospheres & Soundtracks by Brian Eno/Daniel Lanois/Roger Eno 1983 EG Records Ltd.
16 from Evening Star by Robert Fripp/Brian Eno 1975 EG Records Ltd.

MUSICA&SOM


DISCO 3.

01. Brian Eno - 1/1   16:35
Piano [Acoustic] – Robert Wyatt
02. Brian Eno – Ikebukuro (Edit)    7:18
03. Brian Eno – The Lost Day    9:14
04. Brian Eno – Thursday Afternoon (Edit)   11:51
Mixed By – Brian Eno, Daniel Lanois, Michael Brook
05. Brian Eno – Discreet Music (Edit)    15:01
06. Brian Eno – Dunwich Beach, Autumn 1960
Guitar – Michael Brook/Performer [Live Equalization] – Daniel Lanois   7:09
07. Brian Eno – Neroli (Edit)    9:41

01 from Music For Airports 1978 EG Records Ltd.
02 from The Shutov Assembly 1992 Warner Bros. Records Inc.
03, 06 from On Land 1982 EG Records Ltd.
04 from Thursday Afternoon 1985 EG Records Ltd.
05 from Discreet Music 1975 EG Records Ltd.
07 from Neroli 1993 All Saints Records Ltd.

MUSICA&SOM

PLANET GONG - Floating Anarchy - 1977

Creio que esta seja uma das postagens mais difíceis de se publicar por aqui, afinal o Gong é uma das bandas mais complexas do gênero, liderada por um gênio/monstro que muito contribuiu para os primeiros passos do progressivo britânico no começo dos anos 60.

Tudo começou quando o saudoso Daevid Allen se mudou de Paris para a Inglaterra em 1961 onde alugou um quarto em uma pequena aldeia nas proximidades de Kent e conheceu lá o filho do proprietário da casa, nada menos que Robert Wyatt, na época com apenas 16 anos. Formaram então o Daevid Allen Trio que, mais tarde se juntaria aos remanescentes do Wilde Flowers (leia-se Kevin Ayers e Wyatt) e formariam o embrião do Soft Machine.

Após uma tour pela Europa, Allen tem problemas com seu visto e é impedido de entrar novamente na Inglaterra tendo assim que retornar a Paris. 
Chegando lá conheceu sua eterna musa e parceira Gilli Smyth, os dois formaram a primeira encarnação do Gong, que se desmanchou durante a Revolução Estudantil de 1968, quando Allen e Smyth foram obrigados a ir para Majorca, na Espanha. Lá eles conheceram o saxofonista Didier Malherbe, que morava em uma caverna na aldeia de Deya.

Durante esse período o cineasta Jerome La Perrousaz os convidou para voltar à França para gravar trilhas sonoras para seus filmes. Eles também conseguiram um contrato com a gravadora independente BYG, gravando os discos Magick Brother, Mystic Sister e Bananmoon, este último um trabalho solo de Allen.

Em 1971, a banda decola com o lançamento do Camembert Electrique que foi o primeiro álbum a retratar a mística história do personagem central, Zero The Hero incluindo os Pot Head Pixies do Planeta Gong e o Radio Gnome Invisible.

Entre os anos de 73 e 74 lançaram a trilogia Radio Gnome Invisible (Flying Teapot, Angels Egg, You) onde se continuava a saga de Zero The Hero. Todos os personagens,lugares e situações foram criados por Allen e Smyth durante muitas de suas viagens psicodélicas. 

Vale lembrar que esses três registros contam com a ilustre participação de Steve Hillage que, em minha modesta opinião, é um dos melhores guitarristas de todos os tempos e que muito contribui para o bom andamento do movimento Canterbury no começo dos anos 70. 
Outro nome que vale a pena ser citado é o de Tim Blake (Hawkwind), exímio tecladista que conduzia um VCS 3 como poucos, era capaz de fazer com que a timbragem desse poderoso sintetizador soasse ainda mais ácida e psicodelicamente obscura. 


Em 1975, após a tour do Radio Gnome Invisible, Allen e Smyth deixam a banda por motivos de má convivência com Tim Blake e o baterista Pierre Moerlen. Smyth alegava que precisava também dar mais atenção aos dois filhos do casal.

Devido as obrigações contratuais da banda com a Virgin Records, Moerlen foi obrigado a manter o nome Gong lançando em 1976 o ousado disco Shamal.  A partir daí, o Gong seguiu uma linha mais voltada para o Jazz/Fusion fazendo uso de instrumentos percussivos nada convencionais como marimba, vibrafone e até mesmo um Tubullar Bells. 
Nesse mesmo ano, o excelente guitarrista, Allan Holdsworth foi convidado por Moerlen para integrar os discos Gazeuse! e Expresso II aos quais não foram muito bem aceitos pelos fãs mais exigentes, fazendo com que a banda sofresse sua primeira alteração no nome se tornando então Pierre Moerlen's Gong . 

Tinha-se ali um buraco quando o assunto rondava a criatividade, era nítida a falta que o excêntrico casal de loucos fazia naquele momento. 

Com o decorrer dos anos a banda passou por diversas ramificações em projetos diferenciados liderados por Allen e Smyth, mas sempre abordando os assuntos que rondavam a parte mística de toda a história do Gong até 1975. Essas ramificações ficaram conhecidas ao longo dos anos como "Gong Global Family" que englobavam projetos solos de Allen, além do surgimento de bandas como Gongzilla, Planet Gong, Here & Now  e  Mother Gong.


O disco que disponibilizo hoje, ocorreu durante o projeto Planet Gong onde a banda fez algumas apresentações ao vivo entre 1975 e 1977. Intitulado por Floating Anarchy foi lançado em 1978 por um selo ao qual desconheço.  
Disco curto, com apenas seis faixas, consiste de um som com uma batida um tanto ácida, mais voltada para o punk (pasmem!) mesclada com um pouco da sutileza do Canterbury. 
Este é um disco bem interessante, com passagens bem obscuras executadas pela forte voz de Allen acompanhado de uma banda de peso, onde os poderosos solos de guitarra muito se destacam em todo seu decorrer.

Posso afirmar que Daevid Allen e companhia possuem um carinho especial pelos brasileiros.
Em 2007, a banda excursionou pelo Brasil com o nome de Daevid Allen and Gong Global Family que, em sua formação contava, com dois músicos  brasileiros, o guitarrista Fábio Golfetti e o baixista Gabriel Costa (ambos da formação do Violeta de Outono) que muito acrescentaram na passagem da banda por aqui.  Allen gostou tanto das terras tupiniquins que acabou gravando um DVD intitulado por  "GONG Live In Brazil: 20th November 2007".

Outras passagens por o Brasil ocorreram em 2011 durante a Virada Cultural de São Paulo e em 2013 para duas apresentações ocorridas no Sesc Belenzinho também na capital paulista. 
Infelizmente, não fui em nenhum desses shows mas tenho comigo uma gravação exclusiva da última passagem da banda pelo Brasil. Veja aqui.



TRACKS:

1. Psychological Overture Zero
2. Floatin' Anarchy Zero
3. Stone Innoc Frankenstein Allen
4. New Age Transformation Try: No More Sages Zero
5. Opium For The People
6. Allez Ali Baba Black-Sheep Have You Any Bull Shit: Mama Maya Mantram Zero 

MUSICA&SOM

DIABOLUS - High Tones - 1972

 

 A maioria das publicações feitas por aqui são de bandas de variados países, não muito comerciais, perdidas e esquecidas pelo tempo, que lançam um único trabalho de extrema qualidade e não dão seguimento a seus projetos. Mesmo assim são bandas que muito contribuíram a fim de elevar ainda mais a qualidade do movimento progressivo que surgia a passos largos no início da década de setenta. 

Um belo exemplo disso é banda inglesa Diabolus, que sequer chegou a lançar oficialmente o disco High Tones por questões desconhecidas, mesmo sendo produzidos por pessoas ligadas ao The Who. 

O selo alemão Bellaphon teve acesso as gravações originais e comercializou sem qualquer autorização vinda de seus detentores. Somente nos anos 90, os membros originais descobriram a manobra ilegal da gravadora e através de um processo judicial, recuperaram os direitos de propriedade da obra em questão. Posteriormente, lançaram o disco oficialmente pelo selo Sunrise.

O som varia entre um fusion descontraído, submerso a uma cozinha baixo-bateria de extrema destreza em linhas de improviso altamente envolventes. Instrumentos como sax e muita flauta são os pontos altos de todo o disco, entrelaçados a complexos solos de guitarra. Teclados e piano aparecem meio que discretamente porém, tem o seu valor e destaque ao longo das faixas.

Algumas passagens remetem a fase áurea do Crimson, talvez pelas intrincadas passagens de sax alternada a uma atmosfera mais folk que, a meu ver, assemelha-se em certos fragmentos, ao modo de condução instrumental vinda do Jethro Tull.  

Trata-se de um disco de audição fácil para quem admira uma sonoridade mais jazzy, com menos peso e mais percepção instrumental. 

Altamente recomendado!

TRACKS:

1. Lonely Days 

2. Night Clouded Moon 

3. 1002 Nights 

4. 3 Pieces Suite 

5. Lady Of The Moon 

6. Laura Sleeping 

7. Spontenuity 

8. Raven's Call 

MUSICA&SOM

SAMARA JOY LANÇA “GUESS WHO I SAW TODAY (DUO VERSION)” FEAT. GERALD CLAYTON

 

Samara Joy, de 23 anos, natural do Bronx, que recentemente levou para casa os prémios de Melhor Artista Revelação e Melhor Álbum Vocal de Jazz nos GRAMMYs, lançou uma versão em duo piano-vocal de “Guess Who I Saw Today”.

A versão simplificada da canção, que a própria tocou com uma banda completa no seu último álbum de estúdio, “Linger Awhile”, conta com a participação do pianista Gerald Clayton, nomeado quatro vezes para os GRAMMYs. Samara Joy revigora o clássico arrepiante com a sua “voz única” e “talento eterno” (CBS Mornings).

BILL PRITCHARD EDITA “SINGS POEMS BY PATRICK WOODCOCK”

 

Bill Pritchard foi descrito como o “JD Salinger do Pop” (“Rock And Folk”) e a Q Magazine deu as boas-vindas ao seu álbum que marca o seu regresso “A Trip To The Coast” (2014/ Tapete Records) como “um retorno bem-vindo dum tesouro há tanto tempo perdido”, Francoise Hardy garantiu as backing vocals para o seu hit dos anos 80 “Tommy & Co”, os seus álbuns foram produzidos por pessoas como Ian Broudie e Etienne Daho e recentemente ele foi convidado como convidado especial por Pete Doherty para abrir o seu concerto em Liverpool. Em poucas palavras, desde o início dos anos 80, Bill Pritchard mostrou que está no topo do seu jogo. Agora chega “Sings Poems by Patrick Woodcock“– uma nova e emocionante aventura, uma colaboração com o aclamado poeta canadiano Patrick Woodcock, que será editado no dia 5 de Maio pela Tapete Records.

Woodcock, que escreveu nove livros de poesia e cuja obra foi traduzida para 14 idiomas, é fã de Bill Pritchard há três décadas e, durante os longos e sombrios dias de bloqueio, ele decidiu entrar em contato com Pritchard e perguntar se ele escreveria uma música baseada em um dos seus poemas. Assim aconteceu o início de uma grande amizade por e-mail entre o premiado poeta que vive muito acima do Círculo Polar Ártico e o cantor/ compositor das Midlands de onde resultou o presente álbum.

O álbum tem tudo o que esperas de um álbum de Bill Pritchard, tudo o que esperas de um grande álbum pop: canções de elegância atemporal armadas com poemas incríveis de Woodcock, canções com diversas camadas que parecem feitas sem qualquer esforço ao mesmo tempo. O álbum contém 11 pérolas brilhantes da guitarra pop que provam que Pritchard é um dos grandes nomes do género ao lado de artistas como Lloyd Cole ou Roddy Frame.

“Sings Poems By Patrick Woodcock” é uma obra de beleza e uma prova de amor e respeito pelo trabalho um do outro. É uma alegria, um triunfo experimental e artístico e, talvez de se esperar, uma obra-prima lírica e musical.

Todas as músicas foram criadas a partir de poemas que estão presentes no 10º livro Farhang Book I de Patrick Woodcock com data de lançamento para dia 5 de Setembro de 2023.

STRATUS LUNA - Jazz Rock/Fusion • Brazil

 

                        STRATUS LUNA - Jazz Rock/Fusion • Brazil

STRATUS LUNA é um novo grupo de rock instrumental de São Paulo formado por Gustavo SANTHIAGO, Ricardo SANTHIAGO, Gabriel GOLFETTI e Giovanni LENTI. As raízes do grupo começaram em 2007, quando os irmãos Gustavo e Ricardo e seu primo Giovanni tocavam em trio em vários programas de televisão voltados para o público infantil; à medida que se apresentavam ao longo dos anos, eles evoluíram em seu estilo com influências do jazz, psicodelia e também da música folclórica brasileira e de outras etnias. Em 2017 o baixista Gabriel GOLFETTI se juntou e completou a formação; dois anos depois, eles lançaram seu álbum de estreia autointitulado.

Stratus Luna [2019]

MUSICA&SOM

TETRAGON - Jazz Rock/Fusion • Germany

 

                          TETRAGON - Jazz Rock/Fusion • Germany

O ato alemão TETRAGON foi um grupo de curta duração formado após a saída de Ralph Schmieding do trio Trikolon. Os membros restantes Hendrik Schapper (órgão, trompete) e Rolf Rettberg (baixo) juntaram-se a Jürgen Jaehner (guitarras) e Achim Luhrmann (bateria); e decidiu que um novo nome de banda era uma opção melhor do que continuar usando seu antigo apelido.

A banda montou uma instalação de gravação primitiva em uma velha fazenda e teve que gravar ao vivo as faixas que faziam parte de seu único álbum "Nature", lançado em 1971. Logo depois que Tetragon acabou, mas a força de seu álbum foi vista para ele que foi relançado várias vezes ao longo dos anos.

1971 - Nature

MUSICA&SOM

Yu Su – Yellow River Blue (2021)

Yellow River Blue é um álbum que apresenta traços urbanos e características naturais em simultâneo. Funciona como uma representação fiel daquilo que é a existência da autora, Yu Su. As suas origens chinesas e a sua atualidade urbana, sediada em Vancouver, coexistem na perfeição – é como se uma fosse o Yin e a outra o Yang.

No final de janeiro, foi, possivelmente, editado um dos álbuns mais interessantes do ano. Yellow River Blue, da chinesa/canadiana Yu Su, é um trabalho refrescante e hipnotizante ao mesmo tempo. Forma um conjunto de oito temas que vicia qualquer ouvido. O aviso ficou aqui feito.

Vancouver abriga amigavelmente vários músicos oriundos do habitat da eletrónica. Em 2013, Yu Su fixou-se na cidade e começou a conviver intensamente com a comunidade artística aí residente. Esta revela, entre muitas ‘pancas’ e ‘manias’, uma paixão eletrizante pela música que é construída a partir de notas perdidas de sintetizadores e de outros materiais ligados à corrente. Desde então, Su lançou dois LP’s. O disco de estreia saiu em 2019. Antes de ter lançado Roll With The Punches, a artista já tinha editado singles e remixes de temas de outros músicos, mas ainda de uma forma tímida e envergonhada.

Nos meses finais de 2020, Yu Su começou a divulgar as primeiras faixas daquele que viria a ser o seu segundo disco. Lembro-me de ter ficado particularmente tocado pelo ritmo contagiante de “Xiu”. Nesse primeiro contacto com a música de Yu Su, fiquei com a impressão de que estava a escutar uma qualquer música passada por um DJ no inesquecível The Hacienda: as semelhanças com algumas faixas dançantes dos New Order e com outros grupos rock do UK da mesma década são inegáveis.

“Xiu” é a canção número um de Yellow River Blue. É um ótimo começo. Ao fim de quatro minutos e vinte e cinco segundos, já não sentimos os pés, nem o corpo. Dançamos intensamente. Estamos felizes. Sorrimos.

A faixa seguinte, “Futuro”, é imensamente tribal. Dançamos à mesma, mas de forma diferente. Já não estamos no interior de uma boîte. Estamos em redor de uma fogueira, a celebrar os costumes da nossa comunidade indígena.

É importante referir que a inspiração para Yellow River Blue nasceu numa visita que Yu Su fez ao seu país de origem, a China. O título do projeto é, de facto, uma alusão clara ao rio Amarelo, chinês em toda a sua extensão. Apesar de não existirem referências musicais diretas a essa viagem feita em fins de 2019, as inspirações são audíveis.

“Touch-Me-Not” e “Gleam”, reproduzidas de seguida, são temas impressionantes pela calma e tranquilidade que emanam. Tanto uma como a outra podiam ter sido perfeitamente selecionadas pelo lendário José Padilla, o lendário DJ espanhol, que, a partir da década de 90, ‘residiu’ e abençoou o Café Del Mar, em Ibiza.

Depois, em “Melaleuca”, voltamos a experienciar ritmos intensos e contagiantes. Em vários momentos da faixa, chegamos mesmo a alcançar o espaço. É esse o poder da pop.

“Klein” é o registo mais distorcido de todo o projeto. Por essa razão, pode ser o momento preferido dos ouvidos que procuram sons mais experimentais. Constitui, sem sombra de dúvida, o momento mais ambient de Yellow  River Blue. É também a faixa onde se pode identificar com mais intensidade influências orientais na musicalidade da artista.

O penúltimo tema é “Dusty” e reforça a ideia de que este é um álbum que junta na mesma panela sons ambient, micro-house e synth. Estamos perante uma faixa que apresenta uma composição crescente e que, de certa forma, aparenta ser construída por elementos de todas as músicas anteriores. Ao som de “Dusty”, podemos dançar, da mesma forma que podemos contemplar as paisagens da natureza, umas vezes mais calmas e paradas do que outras.

Yu Su fecha Yellow River Blue com uma vista alternativa sobre as melaleucas. São uma espécie botânica nativa da Austrália. Apesar de serem tratadas por “árvores do chá”, por muita gente e em demasiadas ocasiões, as folhas das  melaleucas não têm qualquer tipo de utilidade no preparo do chá. Em “Melaleuca – At Night”, reencontramos sonoridades ambient. Em alguns momentos do tema, mas sobretudo no começo, há uma certa semelhança à linha de som condutora de Mother’s Earth Plantasia, do também canadiano Mort Garson. Não sabemos o que relação é que as pessoas deste país da América do Norte estabelecem com as flores e com a biologia, mas gostamos dela.

Yellow River Blue é um álbum que apresenta traços urbanos e características naturais em simultâneo. Acaba por ser uma representação fiel daquilo que é a existência de Yu Su. As suas origens chinesas/orientais e a sua atualidade urbana coexistem na perfeição – é como se uma fosse o Yin e a outra o Yang. Temos nas nossas mãos um álbum estruturado por um conceito realmente interessante. Todos os segundos de Yellow River Blue são únicos e, apesar das influências que guiaram o trilho criativo de Yu Su estarem à vista, o segundo álbum da produtora sediada em Vancouver é original e tem uma sonoridade refrescante.

No final de cada audição, Yellow River Blue revela sempre ser um magnífico projeto de som.

SOM VIAJANTE (Ptarmigan "Ptarmigan" (1974)

 

A história da formação canadense Ptarmigan começou em 1970 com um trio acústico, que logo cresceu até o tamanho de um sexteto, e depois truncado três vezes. O estilo da equipe não parou. Se a princípio os caras se compensavam principalmente com o folk, à medida que a estrutura de pessoal foi se transformando e as habilidades individuais desenvolvidas, o “populismo” ganhou elementos de psicodelia, vanguarda e rock progressivo. A política de repertório do grupo ficou a cargo do dueto permanente de autores Glen Dias (vocal principal, flauta doce, percussão) e Monte Nordström (violão de 12 cordas, vocal). Viajando ativamente pelos clubes, os caras conseguiram chamar a atenção do famoso flautista de jazz americano, vencedor do Grammy, Paul Horn(1930-2014). O estilo de atuação original de Ptarmigan fascinou e impressionou o mestre. E tanto que por sugestão deste último, um ágil casal de amigos gravou seus “imperecíveis” em uma fita demo e, como resultado, o Sr. Horn decidiu produzir o álbum de estreia do conjunto. No Can-Base em Vancouver, Glen e Monte se juntaram a Dave Field (baixo acústico), Kat Hendrix (bateria) e o baixista elétrico Richard Mayer , que participou da faixa "The Island". Graças à autoridade de seu tutor, o material foi enviado para a Columbia Records. E no final do inverno de 1974, o disco sem título do Ptarmigan foi colocado à venda.

A abordagem composicional incomum do tandem pode ser julgada pelo número de abertura do programa "Go Dancing". Por um lado, uma balada melodiosa em comitiva desplugada + um layout curiosamente arranjado para duas vozes, por outro lado, a monotonia do ritmo, que dá à narração uma pitada de meditatividade. O afresco panorâmico "A Ilha" conta com vários detalhes texturizados. Na introdução, o pano de fundo natural-filosófico da trama é reforçado pelos intrigantes flashes do gravador. O tema principal não é fortemente carregado de meios instrumentais (o antiquíssimo 12 cordas, baixo, percussão), porém, devido à habilidosa variação dos episódios, a tensão surge dentro da estrutura, um campo de força magnética emitindo misteriosas vibrações orientais. Os melos líricos do estudo "Vancouver" cativam pela ternura das cores, uma atmosfera de pureza natural e amplitude implicitamente sentida. É verdade que todos os itens acima se aplicam a apenas metade do trabalho. Do meio da peçaPtarmigan muda radicalmente o clima, carregando o ouvinte com impulso, militância e assustando com uma formidável dança de batalha. A duologia de 11 minutos "Night of the Gulls / A Hymn to the Ocean and a Great Northern Lake" segue o princípio da estética dark folk amorfa e fantasmagórica de sopro de guitarra. No entanto, relaxar aqui não funcionará, porque um nervo espreita por trás de uma sequência de acordes, uma profundidade mística e uma selvageria xamânica reservada aparecem. Na verdade, pela diferença com os tribais que preferem o sentimentalismo francês, há uma certa dificuldade em classificar o projeto. A equipe Diaz-Nordström é notavelmente diferente tanto das brigadas do link de Quebec quanto dos experimentadores de rochas dos EUA. A peça final "Coquihalla" destaca a originalidade do método criativo de Ptarmigan, obrigando-o a ouvir o caos hipnótico dos sons para tentar extrair dele grãos de sabedoria e símbolos de beleza sagrada.

Resumindo: um ato artístico extremamente fora do padrão, longe das costas rochosas, mas ao mesmo tempo bastante progressivo em sua essência. Aconselho você a ingressar para ampliar seus horizontes.

MUSICA&SOM