Este é o segundo álbum do grupo finlandês nascido em 2015 que faz parte do metal progressivo e tem claras influências do Tool, mas apesar disso, a banda apresenta um som fresco e atraente que ganha nuances próprias, mas ainda precisa amadurecer.
Wheel é um quarteto finlandês nascido em 2015 que ganhou notoriedade em 2019 graças ao seu primeiro álbum, “ Moving Backwards ”. Em 26 de março deste ano lançaram seu segundo álbum, “ Resident Human ”. Este material se destaca por sua aura dark e suas letras com farta crítica social. Estamos diante de um disco pesado, atormentado por uma técnica caprichada, e extremamente atraente que faz parte do metal progressivo .
O grupo hoje é formado por James Lascelles nos vocais e guitarra; Jussi Turunen na guitarra solo; Mikko Määttä no baixo; e Santeri Saksala na bateria.
Uma das coisas que me chama muito a atenção são as influências marcantes de Tool que se ouvem sobretudo na voz de James Lascelles . Há riffs e linhas vocais em que ouvem as influências do grupo americano. Por outro lado, o baixo e a bateria levam o peso da composição em alguns momentos, algo que já começa a ficar evidente na primeira faixa “ Dissipating ”. Uma música de quase 11 minutos e 52 segundos que nos atrai de imediato para “ Resident Human ”.
A música dois é para “ Movimento ”, na qual novamente Mikko Määttä e Santeri Saksala são a base da estrutura sonora que permite que o tema se sustente e ressoe. Apesar de os protagonistas principais serem o baixo e a bateria, a guitarra de Jussi Turunen tem atuações memoráveis quando aparece limpa e sem acompanhamento.
Durante grande parte do álbum estamos diante de um metal que bate, agressivo e poderoso. Em “ Hyperion ”, a quarta faixa, estamos diante de uma música que flui, vai e vem, sustentada pelos poderosos e variados riffs de Turunen , que em seus 12 minutos nos mostra toda sua habilidade e técnica como guitarrista.
Wheel tem esse dom de tornar suas trilhas curtas de no máximo quatro minutos e meio tão atraentes quanto as de dez ou mais. Cada tema contém um mundo e características próprias, mas estão ligados entre si nos sons e detalhes que os finlandeses transmitem.
O álbum fecha com “ Old Earth ”, uma música em que vamos a uma simplicidade de dois pianos que conversam e continuam na linha sombria e dramática que ouvimos em “ Resident Human ”.
Em quase todo o álbum, a influência dos Tool está muito presente, no entanto, Wheel tem a capacidade de se livrar da sua veneração pelo grupo americano e mostrar uma sonoridade própria que claramente procura a consolidação, mas pelo que se ouve neste álbum está no ar um caminho correto e que se não houvesse desvios ou más decisões, ele poderia estar mais maduro e concreto no próximo trabalho da banda.
O músico inglês, ex-integrante dos Genesis, regressa com um álbum centrado na guitarra clássica que se inspira na sua última viagem pela costa mediterrânica, onde o instrumento assume o protagonismo, adquirindo nuances e variações que só a criatividade e técnica de Hackett poderiam ser capaz de obter.
Steve Hackett (Pimlico, Londres, Inglaterra, 12 de fevereiro de 1950) é o ex-guitarrista do Genesis , parte da formação chave do grupo que produziu álbuns como " Foxtrot ", " Selling England by the Pound " ou " The Lamb Lies Down". na Broadway ”.
O músico inglês lançou a 21 de janeiro de 2021 o seu mais recente álbum, “ Under a Mediterranean Sky ” , que fez inspirado em locais do Mar Mediterrâneo como a costa espanhola, conhecida como Levante Peninsular, Malta ou o Mar Adriático.
Este é o 26º álbum de sua extensa discografia em que explorou diferentes estilos e sonoridades, sendo o violão clássico algo já visto em seu repertório, como em seus discos "Tribute", onde interpreta peças clássicas de Johann Sebastian Bach , e por sua vez, elogiou violonistas clássicos como Andrés Segovia ou também renomados compositores de obras do século XX, como o catalão Enrique Granados. Isso também nos mostra que seu contato com os ritmos apresentados em “Under a Mediterranean Sky” já estavam em seu repertório e, portanto, não lhe eram estranhos ou desconhecidos.
Steve Hackett (Foto: Tina Korhonen)
Apesar de seu início ter feito parte de uma banda de rock como o Genesis , Steve Hackett deve ser um dos melhores guitarristas clássicos no cenário de músicos de uma vertente mais rock. E voltando ao que referimos anteriormente, um dos pontos que destaco de “ Under a Mediterranean Sky ” é que este disco inclui muitos temas e texturas do álbum “ Tributo ”.
Agora vamos entrar no disco. Abrimos com “ Mdina (The Walled City) ”, uma música que leva o nome da cidade da ilha de Malta (um país ao sul da ilha da Sicília) que remonta a 700 aC e que com o tempo se tornaria um metrópole com grandes muralhas, aliada a isso, sua localização em ponto alto e afastada do litoral, a tornava uma cidade estratégica.
Sobre o tema, esta abre em grande forma, uma pequena obra para guitarra e orquestra (programada digitalmente por Roger King), que por vezes bate com as secções dos sopros e cordas que lhe conferem um corte dramático, para dar lugar à obra de Hackett violão, que parece se mover pelas ruas e palácios da cidade. Uma temática sentimental, melancólica (para que servia a cidade? Hoje convertida em refúgio de aristocratas e longe dos tempos de grande polo econômico desde os tempos dos fenícios) além de ousada, teatral e bela.
Depois temos o “ Adriatic Blue ” em segundo lugar. Este tema é uma composição muito mais suave com linhas de guitarra repetitivas, mas não são chatas. A canção não se torna monótona ou enfadonha, mas cativa com suas passagens encantadoras que buscam evocar as deslumbrantes paisagens do Mar Adriático que fica entre a Península Itálica e a Península Balcânica. Nesta música as contribuições orquestrais desaparecem e ficamos apenas com Hackett e sua guitarra.
A terceira faixa é " Sirocco ", que se refere a uma corrente de vento chamada em espanhol, Sirocco, que vem do norte da África, originando-se no deserto da Península Arábica ou no próprio deserto do Saara e depois se espalhando para o sul da Europa.
Tendo isto em conta, a música assenta na percussão do derbake (instrumento de percussão popular no Próximo Oriente e no Magrebe), bem como em ritmos que o ouvinte associará facilmente ao que conhecemos como "música árabe", mas por sua vez, encontramos novamente a “orquestra” de Roger King e a guitarra dedilhada de Hackett . Tudo evoca alguma noite naquelas terras distantes, isoladas, desabitadas, olhando o céu estrelado. Esta é uma faixa excelente e comovente que funciona como uma viagem imaginária para o ouvinte a essas terras mágicas. Pelo exposto, é a que mais facilmente evoca o cenário que procura descrever através dos instrumentos e da sonoridade escolhida.
A França e a Côte d'Azur são os protagonistas desta composição “ Joie de Vivre ” (em espanhol “A Alegria de Viver”) que leva o nome de uma expressão desse mesmo país usada na literatura desde o século XVII e que se popularizou no XIX. Essa joie de vivre é expressa nesta música que reflete como os franceses vivem e gostam de música, comida e vinho.
O tema abre com um violão clássico, que ecoa por toda a música e mostra toda a qualidade composicional de Steve Hackett, que sem aditivos, sem orquestra e elementos de pós-produção, consegue criar um tema atraente e atrativo.
Na quinta faixa encontramos " The Memory of Myth " que nos introduz plenamente aos ritmos do flamenco, que é complementado pelo violino de Christine Townsend. Ambos executam uma peça melancólica, que juntamente com a execução do tremolo de Hackett, confere à peça uma sonoridade particular em que o ex-Genesis relembra a sua passagem pela Grécia, relembrando os grandes mitos e lendas do país balcânico.
Estamos na metade do álbum. São onze músicas e estamos na sexta: “ Scarlatti Sonata ”. Uma composição que leva uma das criações do músico italiano do século XVIII, Domenico Scarlatti , nascido em Nápoles em 1685, que viveu por muito tempo na Espanha e desenvolveu grande parte de sua obra naquele país, sendo conhecido por suas mais de 500 sonatas para Clavecin.
Steve Hackett pega uma das canções do italiano e faz seus arranjos usando apenas seu violão para uma música onde a grande protagonista é a técnica inglesa em uma faixa que faz parte da música barroca italiana. Estamos diante de uma interpretação emocional que é embelezada com trinados (técnica na qual se baseiam o martelo e o arrancamento ). A música, apesar de ser um cover, soa tão típica do ex-membro do Genesis que não parece deslocada, nem como um elemento estranho.
“ House of the Faun ” é a música que Steve Hackett dedica a Pompéia, a cidade soterrada pela violenta erupção do Vesúvio em 79 dC Nesta longa viagem pela Europa, o guitarrista ficaria maravilhado com a House of the Faun, uma casa considerada Patrimônio da Humanidade pela Unesco na qual existe uma estátua de bronze que representa um Fauno, ser mitológico considerado protetor dos campos, florestas e rebanhos.
O tema lembra a trilha sonora de um filme, como parte da cena final de um filme, onde os protagonistas resolvem seus conflitos e terminam felizes. A flauta do irmão de Steve, John, embeleza a canção, transformando-a numa espécie de valsa que, juntamente com os violinos programados por Roger King, a torna uma bela peça de perfil esperançoso e dramático.
Depois de “Casa del Fauno” somos presenteados com aquela que para mim é a melhor música de “Under a Mediterranean Sky”: “The Dervish And The Djin”. Se Steve Hackett e Roger King conseguiram fazer de cada música algo único e especial, o que acontece na oitava faixa é inimaginável. À orquestração e à guitarra juntam-se o Duduk, instrumento tradicional arménio, tocado por Arsen Petrosyan; Malik Mansurov junta-se ao Tar, uma espécie de alaúde, típico do Cáucaso (zona geográfica onde convergem Rússia, Arménia, Azerbaijão e Geórgia); enquanto Rob Townsend contribuiu com seu saxofone soprano.
Tudo isto cria um requintado tecido musical em que os instrumentos vão e vêm, deixando alguns sozinhos para que cada um tenha o seu momento mas sem perder a naturalidade da composição.
“ Lorato ” é uma das canções onde o inglês privilegia a sua técnica e criatividade. Embora algumas ideias possam soar um pouco repetitivas, esse tema funciona e serve como uma pausa para o que virá a seguir.
“ Andalusian Heart ” é outra das boas composições. Uma clara referência ao flamenco, que soa trágico e majestoso graças à orquestração de King que mais uma vez complementa e dá outro prisma à guitarra acústica. Aqui Hackett mais uma vez dá conta de todo o seu talento e habilidade, principalmente no solo que podemos ouvir no minuto 1:55.
“ The Call of the Sea ” é o fechamento perfeito com as pequenas contribuições de Robert King e a majestade de Hackett. É como se o músico londrino olhasse para o Mediterrâneo refletindo sobre como este corpo aquático ligou, liga e ligará, tantas culturas, povos, mas sobretudo sons, desde o Magrebe no Norte de África, às margens da Costa d'Azur na França, passando pelos Balcãs e pela península da Anatólia.
No aspecto puramente musical, a base do álbum, e na maior parte do tempo, consiste na formidável performance de guitarra de Hackett, sem que "Under a Mediterranean Sky" se sinta sufocada ou sobrecarregada, e o resultado é um álbum instrumental, enriquecedor e acessível. No entanto, quando a guitarra se junta a outras vozes como em “The Call of the Sea”, “The Dervish And The Djin” ou “Mdina”, são produzidas as melhores partes e momentos do álbum.
Mas passando para outro tópico, o que é mais satisfatório? Uma música ou apenas os instrumentos? ou ambos? A verdade é que as obras instrumentais não devem ser menosprezadas, estas por si só, quando bem feitas, podem comover o ouvinte e transportá-lo. Nesse sentido, aqui Hackett é uma espécie de menestrel que vê o mar Mediterrâneo de uma das falésias enquanto sente a inspiração que vem em cada onda.
Este é um álbum que para quem valoriza sons fora do rock pode ser muito emotivo e sentimental. E se você quiser ampliar seus horizontes em relação à música fora do metal e do rock , também é um trabalho que serve como ponto de partida.
Oriundo de Aveiro e com o original nome de Agricultor Debaixo do Tractor, o grupo era liderado por Ivar Corceiro, um dos urbano-depressivos locais que um dia desejou criar uma banda experimental com influências de Nurse With Wound e Negativland, projectos que, à data, estavam na baila. Ivar Corceiro (teclas, voz, recolhas sonoras), Paulo Corceiro (teclas, voz, sampler), Carla, Pôlas e Pedro Serrazina (colaborações diversas) foram os integrantes da banda que, formada em Outubro de 1990, gravou duas maquetes utilizando apenas órgãos infantis, colagens sonoras de sons pilhados algures, samplings de discursos e algumas linhas rítmicas para dar um tom modernaço. Os amigos logo anunciaram que se havia descoberto o futuro da arte. Deram por encerrada a sua actividade logo a seguir. Ivar Couceiro foi também mentor dos projectos Criança Carbonizada, Grupo Excursionista e Astrólogo Perneta. Trabalha actualmente na área do cinema, faz ilustração infantil e está a preparar um novo projecto designado Annoying Pop Up. Paulo Corceiro integrou ainda na década de 90 - conjuntamente com o seu irmão Ivar, Zé Tó e Filipe Álvelos - outros projectos como os Paul Aroid, bem mais sério e tecnicamente coerente que os anteriores devaneios.
Pérola vinda da Dinamarca, formada e ativa na primeira metade dos anos 70, contando com o baterista Terje Barnholdt (ex-Terje Jesper og Joachim). O grupo Barbarella lançou um único álbum em 1975, que teve relativo sucesso local e ganhou uma segunda versão no mesmo ano, com músicas e letras em inglês e nova capa, mirando vendas na Inglaterra e EUA. Infelizmente a banda fracassou e logo se desfez, caindo na obscuridade. O disco homônimo é composto por 8 curtas faixas, que misturam rock progressivo com alguns traços comerciais e de fácil audição, trazendo uma atmosfera alegre e tranquila na maioria do tempo. Essa primeira versão tem apenas letras em dinamarquês, dando um diferencial ao som, o instrumental encontra os melhores momentos no sintetizador de Kaare Barkou, com ótimos solos, junto de percussão, flauta e guitarra. Destaque para as faixas "Dagene Går", "Hvis Du Tror At Jeg Er Skør" e "Hun Maser Sig Ind". Pérola recomendada para fãs de rock progressivo, apesar um pouco datado.
01 Barbarella 6:52 02 Dagene Går 3:44 03 50% Chance 2:46 04 Go’ Gammeldags Facon 5:14 05 Livet Er Osse For Mig 4:48 06 Hvis Du Tror At Jeg Er Skør 3:35 07 Hun Maser Sig Ind 6:03 08 Gå Gennem Gaderne 2:35
Pérola obscura vinda da Holanda, ativa na segunda metade dos anos 70. O grupo Deirdre lançou apenas um compacto e um LP em 1977, ambos raros e ainda não relançados. Infelizmente a banda se desfez logo em seguida; em 2006 houve uma rápida reunião com vários membros originais. O álbum homônimo é dividido em 10 curtas, mas bonitas faixas de folk com influências progressivas, principalmente britânico de bandas como Fairport Convention e Steeleye Span. Lindos vocais femininos, com 2 cantoras se revezando é acompanhado por rico instrumental, em momentos acústico, com violão, bandolim, piano e violino e outros com clássico trio baixo, bateria e guitarra. As letras são maioria em inglês, apenas duas músicas em holandês. Som tranquilo e prazeroso de se ouvir do começo ao fim, com destaque para as faixas "Lovely Joan", "Young Waters" e "Tell Me What You See In Me". Pérola altamente recomendada para fãs de folk prog e rock.
Frank "Ollie" Overzier (violão, bandolim) Geert Hoes (violino) Ad van Meurs (teclados) Jos van Workum (baixo) Mick Boes (bateria) Jopie Jonkers (vocal, guitarra, tamborim) Hans Jansen (violão, bandolim) Pieter Thijssen (cistro) Hanneke Luxemburg (vocal)
01 Daughter Of Peggy-O 2:58 02 Lovely Joan 4:22 03 Cup Of Tea 2:43 04 Tell Me What You See In Me 3:40 05 Young Waters 5:20 06 'T Visserke 5:25 07 Nine Points Of Roguery 2:52 08 'T Koopmanszoontje 7:05 09 Gravel Walk 3:42 10 Call The Yowes3:03
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