CRONICA - MARVIN GAYE | What’s Going On (1971)

Enquanto a carreira de Marvin Gaye terminou bem nos anos 60 com alguns de seus maiores sucessos solo ("Too Busy Thinking About My Baby" e especialmente "I Heard It Through The Grapevine"), os anos 70 começaram difíceis para o cantor. De fato, sua ex-parceira Tammi Terrell morreu aos 24 anos de um tumor cerebral. Profundamente afetado, Marvin Gaye mergulhou em forte depressão, chegando a considerar parar a música para se voltar para o futebol americano. No entanto, o cantor exorcizará seu mal através de sua música, oferecendo o que será um verdadeiro álbum de virada de Soul, What's Going On. O gênero está de fato passando por uma verdadeira transformação. A luta pelos direitos civis, a oposição à Guerra do Vietnã, o movimento hippie… As pequenas melodias pop que enriqueceram tanto a Motown agora soam obsoletas diante do clima social da época, especialmente nos círculos negros. Norman Whitefield entendeu bem isso, ele que se tornou o homem forte da gravadora com seu Soul psicodélico, que Marvin Gaye já havia tocado. Mas Gaye quer ir para outro lugar. Componha a sua própria música e não cante mais a dos outros, rebele-se, mas com amor, oferecendo música terna enquanto se livra da glicose da Motown.

Um verdadeiro hino, apesar de sua aparência jazzística e calma, “What's Going On” impõe imediatamente esse novo som. A voz de Marvin Gaye, embora acariciante, levanta a questão da violência policial em Berkeley em 1969. No entanto, o cantor vai refutar o termo 'canção comprometida' para falar em vez de 'canção de amor' para esta humanidade em perigo. "What's Happening Brother" é construída mais ou menos no mesmo esquema (mas com refrões um pouco menos sutis). Temos a impressão de rolar em veludo entre a voz calma e os arranjos ao mesmo tempo ricos e lânguidos. O título combina com o crescente "Flyin' High (In The Friendly Sky)". Por outro lado, "Save The Children" vai um pouco além da barra melosa, enquanto o viés dos vocais meio falados e meio cantados repetindo as palavras uma após a outra é um pouco irritante. Felizmente sua continuação, "God Is Love", nos traz de volta ao estilo que nos encantou no início do álbum. Já preocupado com a ecologia numa altura em que os primeiros sinais de alarme se faziam evidentes, Marvin Gaye aborda este assunto essencial em "Mercy Mercy Me (The Ecology)" onde a suavidade das cordas, voz e metais contrastam com a percussão avançada.

Após esta primeira parte que pode realmente ser considerada como uma continuação musical, "Right On" mistura influências latinas com a calma Soul da cantora. Como nas composições de Norman Whitfield, o título dá lugar a longas faixas instrumentais, mas sem perder de vista o cantor. A balada 'Whole Holy' mostra o poder de cantar de Marvin Gaye antes de terminar com o que é indiscutivelmente o clímax do álbum, 'Inter City Blues (Make Me Wanna Holder)'. Com seu ritmo tranquilo de Funk e o cantarolar da cantora, este título, que trata das dificuldades econômicas da população negra americana, é simplesmente irresistível e uma das joias do repertório de Gaye.

Aclamado por unanimidade em seu lançamento, um grande sucesso comercial que viria a lançar verdadeiramente Marvin Gaye como O cantor de Soul dos anos 70, What's Going On pode ser legitimamente considerado hoje como uma obra-prima do gênero. Impôs-se definitivamente como um cantor de charme, o oposto do Funk, uma válvula de escape para as frustrações da comunidade negra, mas sem afundar ainda no lado meloso que iria caracterizar o fim de sua carreira. Se os arranjos estão bem enraizados no seu tempo, não envelheceram mal, prova da sua riqueza. Em suma, goste ou não do seu estilo, What's Going On é um álbum que não pode ignorar se se interessar pela música popular da segunda metade do século XX. Nem mais nem menos.

Títulos:
1. What’s Going On
2. What’s Happening Brother
3. Flyin’ High (In The Friendly Sky)
4. Save The Children
5. God Is Love
6. Mercy Mercy Me (The Ecology)
7. Right On
8. Wholy Holy
9. Inner City Blues (Make Me Wanna Holler)

Músicos:
Marvin Gaye: Vocais, teclados
The Funk Brothers: Instrumentos

Produção: Marvin Gaye

CRONICA - WILSON PICKETT | The Exciting Wilson Pickett (1966)

Após sua estreia em vários grupos vocais na década de 1950 (incluindo os Falcons, onde também oficiou um certo Eddie Floyd), Wilson Pickett chamou a atenção da gravadora Atlantic quando um título de sua autoria foi gravado por Solomon Burke (maior estrela da gravadora na época ) e se torna um sucesso. O sucesso de um de seus primeiros singles finalmente convenceu os responsáveis ​​a comprar seu contrato, na esperança de torná-lo um rival de James Brown. E é verdade que com sua energia e seu timbre selvagem, Wilson Pickett tinha tudo para segurar a drageia bem alto para o famoso Mr Dynamite. A Atlantic o manda para os estúdios da Stax em Memphis onde gravará um verdadeiro sucesso, "In The Midnight Hour", em 1965, composta com o guitarrista da casa, Steve Cropper. Encorajado por este sucesso, Wilson Pickett gravará seu segundo álbum pela Atlantic/Stax,The Exciting Wilson Pickett , o álbum de consagração.

E o álbum começa forte com um título desgrenhado e irresistível. "Land Of 1,000 Dances" é um cover de Chris Kenner que também é o autor, mas é mesmo a versão de Pickett que vai fazer dela um enorme sucesso (n°6 nos EUA, o melhor ranking do artista) e eletrizar todos os pistas de dança. O que realmente dá suores frios a James Brown. O outro tubo do álbum é comparativamente muito mais calmo e lânguido. Fica novamente a ser creditado a Steve Crooper mas desta vez com Eddie Floyd com quem formará uma sólida dupla de compositores. Este mid-tempo jovial e obviamente libidinoso (com esses coros femininos sussurrando um número de telefone). Um título que convida a bater palmas. Curiosamente, encontramos mais uma vez "In The Midnight Hour", ainda presente no álbum anterior, mas é sempre um prazer ouvir os rugidos da cantora neste clássico atemporal. O single final do álbum, "Ninety-Nine And A Half (Won't Do)", talvez fosse irreverente demais para ser um sucesso. No entanto este título composto a seis mãos por Cropper, Pickett e Floyd é o mais atraente possível e uma pequena joia de Soul, calma e incisiva ao mesmo tempo, que merece plenamente ser redescoberta.

Ao nível dos títulos menos conhecidos, "Something You Got" é também um cover de Chris Kenner. Mais silenciosa do que "Land Of 1,000 Dances", destaca, no entanto, a interpretação viril de Pickett e seu grupo cujas batidas de caixa não deixam de evocar empurrões sensuais. É difícil ficar parado com a capa saltitante de “Barefootin'”, de Robert Parker, que o Sr. Pickett faz para si com seu metal ardente. A de "Mercy, Mercy", mais sábia, de repente é mais clássica, mas a voz da cantora ainda faz a diferença. "You're So Fine" vem mostrar um lado uma flor azul onde Wilson Pickett diminui um pouco sua potência sexual para ser bajulado. Não se trata de balada, no entanto, estamos no meio do tempo da primavera. menos cativante, "Danger Zone" não oferece menos algumas belas partes de guitarra de Steve Cropper para quem gostaria de procurá-las atrás dos metais e dos rugidos de Pickett. O pular "I'm Drifting" é mais anedótico enquanto a raiva sexual de Pickett ressurge para nosso maior prazer em "She's So Good To Me", um cover dos Valentinos (o grupo de Bobby Womack, autor do título). Precisava de uma balada soul de partir o coração para ter um álbum soul de verdade. "It's All Over" adere a ele e cumpre sua função perfeitamente, não tendo que se envergonhar diante dos de Otis Redding. O pular "I'm Drifting" é mais anedótico enquanto a raiva sexual de Pickett ressurge para nosso maior prazer em "She's So Good To Me", um cover dos Valentinos (o grupo de Bobby Womack, autor do título). Precisava de uma balada soul de partir o coração para ter um álbum soul de verdade. "It's All Over" adere a ele e cumpre sua função perfeitamente, não tendo que se envergonhar diante dos de Otis Redding. O pular "I'm Drifting" é mais anedótico enquanto a raiva sexual de Pickett ressurge para nosso maior prazer em "She's So Good To Me", um cover dos Valentinos (o grupo de Bobby Womack, autor do título). Precisava de uma balada soul de partir o coração para ter um álbum soul de verdade. "It's All Over" adere a ele e cumpre sua função perfeitamente, não tendo que se envergonhar diante dos de Otis Redding.

É, portanto, um álbum completamente sólido que Wilson Pickett nos oferece aqui e que vai muito além de apenas seus singles. Será também o seu maior sucesso em álbum de grande público (n°21) ao mesmo tempo que reiterou nas paradas de R&B o excelente desempenho do álbum anterior. Sim, em meados dos anos 60, Wilson Pickett estava inquestionavelmente no pódio do Soul, seu lado raivoso e sexual específico da Stax.

Títulos :
1. Land Of 1000 Dances
2. Something You Got
3. 634-5789 (Soulsville, U.S.A.)
4. Barefootin’
5. Mercy Mercy
6. You’re So Fine
7. In The Midnight Hour
8. Ninety-nine And A Half (Won’t Do)
9. Danger Zone
10. I’m Drifting
11. It’s All Over
12. She’s So Good To Me

Músicos:
Wilson Pickett: Vocais
Steve Cropper: Guitarra
Jimmy Johnson: Guitar
Chips Moman: Guitarra
Tommy Cogbill: Guitarra
Isaac Hayes: Teclados
Spooner Oldham: Teclados
Joe Hall: Teclados
Donald Dunn: Baixo
Albert "Junior" Lowe: Baixo
Al Jackson Jr: Bateria
Roger Hawkins: Bateria
Wayne Jackson: Trompete
Gene "Bowlegs" Miller: Trompete
Charles "Packy" Axton: Saxofone
Andrew Love: Saxofone
Charles Chalmers: Saxofone
Floyd Newman: Saxofone

Produção: Jerry Wexler, Steve Cropper, Jim Stewart, Rick Hall e Tom Dowd

35 anos de “Kick”: O enorme sucesso do INXS.

 Acredito que só quem viveu a época sabe realmente o tamanho do impacto e sucesso do INXS!  Comemora-se os 35 anos do melhor trabalho deles, o fantástico “Kick! Vamos trocar uma ideia sobre ele!

A banda havia lançado 5 discos até então, todos com boas composições, alguns deles muito amados pelos fãs, mas convenhamos que ainda não haviam feito algo realmente grandioso, um trabalho perfeito.

Algo mudaria em 1987, um ano onde Prince, Michael Jackson e outros grandes nomes haviam lançado discos espetaculares, e o pop se encontrava num formato muito propício para que o INXS pudesse acertar a mão. Foi aí que a banda se reuniu em estúdio, com Michael Hutchence no auge vocal e num momento de inspiração sublime, o resultado seria nada mais nada menos do que “Kick”!

Neste disco, encontraríamos os maiores Hits da história da banda, músicas fantásticas e performances arrebatadoras. Uma mistura de Pop e Rock seria o tempero ideal para músicas como “New Sensation” e “Need You Tonight”, duas das melhores músicas da década de 80.

“Kick” acabou se tornando o maior sucesso da carreira do INXS, que passou a fazer torneios ainda grandiosas e lotadas, com direito a um show marcante no estádio de Wembley! O disco é um dos maiores de 1987 e merece essa homenagem! Fica a recomendação!

Review: ZSK – Ende der Welt (2021)

 

O ZSK é uma banda alemã formada em Berlim em 1997 e totalmente desconhecida no Brasil. Por isso, surpreende o lançamento de um álbum do grupo em versão nacional. Ende der Welt é o trabalho mais recente do quarteto, saiu na Europa agora em 2021 e ganhou uma bonita edição nacional pela Shinigami Records.

O som do ZSK é um punk com influência de ska, meio na linha do Rancid e que chega a lembrar levemente o Bad Religion e até mesmo o The Clash em alguns momentos, com bastante melodia, energia e uma proliferação de refrãos grudentos. As letras, todas cantadas em alemão (a única exceção é “No Justice”), dão o toque exótico ao som, que é muito bem feito e bastante agradável de se ouvir. Além disso, a banda milita por causas urgentes como a luta contra o racismo e o combate ao neonazismo, em um posicionamento mais do que necessário nesses tempos em que vivemos. 

Entre as doze canções, destaques para “Ich feir euch”, “Die Kids sind okay”, a faixa-título, “Alle meine Freunde”e “No Justice”, essa última a única cantada em inglês e com o grito de guerra “no justice, no peace, no racist police” no refrão.

Se você gosta de conhecer bandas fora do eixo padrão do rock, esse disco tem tudo pra agradar seus ouvidos. Um lançamento surpreendente, e muito legal, da Shinigami Records.

Review: Edu Falaschi – Vera Cruz (2021)

 

Vera Cruz, primeiro álbum solo de Edu Falaschi, foi vendido como um novo clássico do metal brasileiro, o que gerou um nível de expectativa altíssimo. Com o seu lançamento concretizado, a pergunta é inevitável: o disco entrega o que prometeu? A resposta não é simples.

Para quem é fã de power metal, Vera Cruz soará como um trabalho perfeito. Ao lado de uma banda fenomenal formada pelos guitarristas Roberto Barros e Diogo Mafra, pelo baixista Raphael Dafras, pelo tecladista Fábio Laguna e pelo baterista Aquiles Priester, Falaschi entrega um álbum extremamente técnico, com uma sonoridade épica e grandiosa que revisita e se inspira em seus trinta anos de carreira, alcançando um resultado que agradará em cheio quem acompanha a trajetória do vocalista.

Musicalmente, percebe-se uma clara inspiração no já clássico Temple of Shadows, segundo álbum de Edu e Aquiles com o Angra e que saiu em setembro de 2004. Os timbres dos instrumentos e a própria estrutura das músicas trazem à mente o disco de quase duas décadas atrás, mas isso não compromete o resultado final. Outro ponto é que a abordagem de Temple of Shadows é intensificada em Vera Cruz, com destaque para a parte técnica, que explora a fundo a virtuosidade dos músicos. Esse aspecto aproxima o álbum do universo do Dragonforce, como se o novo trabalho de Edu Falaschi fosse o fruto da união entre o Angra e a banda inglesa liderada pelo guitarrista Herman Li. O que se ouve é uma espécie de power metal extremo, com todas as características do estilo devidamente acentuadas. Por essa razão, quem não é apreciador desse tipo de música provavelmente não irá gostar de Vera Cruz, já que sua sonoridade não faz concessões e, como já dito, mergulha de maneira profunda no lado técnico, que pode ser entendido como “fritação” exagerada e desnecessária por parte do público.

No aspecto conceitual, o disco explora o descobrimento da Ilha de Vera Cruz pelos portugueses em 1500. Essa área compreendia parte da costa nordeste brasileira, localização do Monte Pascoal, a primeira porção de terra do Novo Mundo avistada pelos lusitanos e relatada na histórica carta escrita por Pero Vaz de Caminha e enviada à coroa portuguesa. A Ilha de Vera Cruz acabou evoluindo e tendo mais áreas descobertas, revelando-se uma porção de terra gigantesca que viria a ser batizada como Brasil. O conceito das letras foi criado por Edu Falaschi e desenvolvido por Fabio Caldeira, vocalista do Maestrick. O disco foi produzido por Thiago Bianchi (Noturnall, ex-Shaman) e mixado por Dennis Ward (que trabalhou com o Angra na trinca Rebirth, Temple of Shadows e Aurora Consurgens, além de inúmeros outros nomes como Voodoo Circle, Unisonic e Tribuzy).

Vera Cruz abre com a introdução “Burden”, que conta com narrações e efeitos sonoros que apresentam a história. “The Ancestry” entra a seguir e é a música mais rápida do disco, e nessa canção a abordagem das guitarras chega a incomodar um pouco, pois os dois guitarristas entregam solos rapidíssimos durante toda a faixa. Mas essa sensação acaba sendo minimizada pela capacidade de Edu Falaschi em criar melodias vocais e pontes melódicas, habilidade que sempre esteve clara em toda a sua carreira e que aqui ameniza um pouco a sensação de “fritação” e conduz para um refrão forte e que deve ser cantado a plenos pulmões pelo público nos futuros shows. Apesar dos excessos da dupla de guitarristas, “The Ancestry” é inegavelmente uma excelente abertura para o disco.

O power metal puro dá as caras em “Sea of Uncertainties”, onde outra vez Falaschi mostra o talento para criar composições com ganchos fortes e que ficam na cabeça do ouvinte desde a primeira audição. A parte central conta com trechos instrumentais de tirar o fôlego, além de solos que conseguem equilibrar melhor melodia e velocidade. “Skies in Your Eyes” é a primeira balada do álbum e traz o vocalista trilhando um caminho onde sempre se saiu bem, vide exemplos do passado como “Heroes of Sand”, “Wishing Hell”, “Bleeding Heart” e “Breaking Ties”. E aqui não é diferente, com Falaschi mostrando o quanto sabe compor canções que agradam o ouvido e tem todos os requisitos para se transformarem em hits.

A velocidade volta à ordem do dia em “Crosses”, que é antecedida pela épica introdução “Frol de la Mar”. Com o pé no fundo, a banda brilha em uma das melhores faixas de Vera Cruz. Power metal extremo com instrumental primoroso e uma bela interpretação de Edu. O único ponto que me incomodou um pouco é que a bateria de Aquiles, sempre criativa, aqui soou mais convencional do que o habitual, talvez pelo ritmo hiperativo que acaba impossibilitando viradas e experimentações.

A sempre bem-vinda união entre música brasileira e heavy metal dá o tom em “Land Ahoy”, que chama a atenção de imediato como uma das grandes canções de Vera Cruz. Beirando os dez minutos, entrega a melhor interpretação vocal de Falaschi em todo o álbum, mostrando que o vocalista superou totalmente os problemas com a voz que enfrentou no passado. Os trechos com violão são muito bonitos, assim como os solos. Além disso, o trabalho rítmico e a inclusão de outros instrumentos como flautas e percussão deixa a sonoridade ainda mais rica, além do coro de vozes que imprime dramaticidade e emoção. Belíssima composição!

“Fire with Fire” explora um andamento quebrado conduzido pela cativante linha vocal, enquanto orquestrações engrandecem a música. Elementos étnicos voltam no meio da canção, e os solos, mesmo esbanjando técnica, conquistam o ouvinte e funcionam muito bem. Merece destaque também o trabalho de bateria, onde Aquiles cria uma linha percussiva riquíssima. O resultado é uma música grandiosa e de muito bom gosto, que deve se transformar em uma das favoritas dos fãs. A banda entrega uma espécie de prog power em “Mirror of Delusion”, onde as guitarras e violões se destacam, além de mais uma melodia vocal bastante criativa de Falaschi. “Bonfire of Vanities” é uma balada que conta com um solo de Tito Falaschi, irmão de Edu, e mais um refrão pra cantar junto.

A parte final de Vera Cruz traz duas participações especiais bastante impactantes. Max Cavalera divide os vocais com Edu Falaschi em “Face of the Storm”, mas senti falta de uma presença maior da voz de Max, que poderia cantar também outros trechos além dos que cantou. A canção é excelente, com um refrão fortíssimo e o esmerilho instrumental já esperado. O fechamento se dá com “Rainha do Luar”, que conta com os vocais de Elba Ramalho ao lado de Edu. Aqui, a comparação com Temple of Shadows é inevitável, especificamente com “Late Redemption”, que em 2004 trouxe Milton Nascimento dividindo os vocais com o então vocalista do Angra. A estrutura é semelhante, com a letra sendo cantada em inglês e português e um clima de conclusão da história. Elba está demais na música, com sua voz arrepiando até o mais careca dos headbangers, enquanto Edu também canta muito bem. A parte central apresenta orquestrações que imprimem um clima meio Disney para a música, o que torna a canção ainda mais forte. Lindo encerramento!

Vera Cruz é um trabalho que demanda várias audições para ser absorvido em sua plenitude. Escutar o disco de maneira casual, além de não fazer jus à grandiosidade do projeto, inevitavelmente levará à construção de análises apressadas e equivocadas, que provavelmente repetirão o mantra da “fritação exagerada e sem alma”. Não é por aí. Rico em sua musicalidade, com ótimas ideias e soluções melódicas (algo habitual nos álbuns de – e com – Edu Falaschi), além de um trabalho de composição irretocável, é um disco fortíssimo e repleto de qualidades, ainda que peque em alguns exageros instrumentais, principalmente no trabalho de guitarras. Pessoalmente, gostei muito de Vera Cruz e o álbum atendeu, na minha opinião, a enorme expectativa criada em sua campanha de lançamento. 

Se será ou não um clássico no futuro, isso só o tempo dirá. Mas agora, no presente, sem dúvida é um álbum excelente e que já faz história ao marcar o renascimento artístico de Edu Falaschi, que deixa para trás os problemas com a voz e as polêmicas desnecessárias do passado e mostra-se um artista muito mais maduro e completo.

Review: Gojira – Fortitude (2021)

 

O Gojira chega ao seu sétimo álbum fazendo o que sempre fez: olhando para frente e buscando sempre a evolução. Após cinco longos anos de silêncio, onde a banda francesa passou pelo luto da perda da mãe dos irmãos Duplantier, o quarteto retorna para dar fim ao maior intervalo entre seus discos. Produzido pelo próprio Joe Duplantier (vocal e guitarra), que também criou a bela capa, Fortitude foi mixado por Andy Wallace, uma lenda na cena metal e que já assinou trabalhos de nomes como Slayer, Sepultura, Ghost e mais um caminhão de bandas.

Fortitude soa mais enxuto que os trabalhos anteriores, e mostra uma banda que claramente buscou aparar alguns aspectos de sua sonoridade, porém sendo inteligente o suficiente para não abrir mão da eficiência de sua música. Isso fica claro em canções como “Born For One Thing”, “Amazonia” e “Hold On”. Sai o metal com elementos prog, death e post-metal, e em seu lugar emerge um heavy metal contemporâneo que mantém a alta dose de groove, mas com uma abordagem mais imediata. As variações seguem presentes, com alternâncias bem-vindas e bem encaixadas nas faixas que proporcionam mudanças de dinâmica excelentes como a que ouvimos em “Another World”, porém sem as passagens instrumentais mais longas e intrincadas deo passado. A banda também segue variando os vocais, com canções onde o gutural dá as caras e outras em que o timbre limpo de Joe é o destaque.

Percebe-se uma clara influência do metal dos anos 1990, principalmente de nomes como Sepultura, Pantera e Machine Head, em doses variadas durante todo o disco. “Amazonia”, com seu clima e batidas tribais, remete ao trabalho do Sepultura em álbuns como Chaos A.D. (1993) e Roots (1996), enquanto o legado de Dimebag Darrell se junta às guitarras características de Joe Duplantier e Christian Andreu em “New Found”. A banda consegue unir elementos de diferentes épocas da história do metal, e até mesmo de estilos controversos como o nu metal, na construção de uma identidade única e que há anos já ocupa um merecido destaque entre os fãs de música pesada.

Entre as composições, é preciso destacar “Born For One Thing”, “Amazonia”, “Another World”, “Hold On” (que inicia com vocais etéreos muito bonitos) e “New Found”. A instrumental “Fortitude”, que me fez lembrar das canções instrumentais que o Soulfly inclui em seus discos e possuem o mesmo nome da banda, introduz “The Chant”, uma das faixas mais experimentais do álbum e que traz até uma certa influência grunge, onde vocais atmosféricos conduzem o ouvinte por uma canção que funciona como uma espécie de transição entre o início e a parte final do disco.

“Sphinx” inicia o segundo segmento de Fortitude com um dos melhores momentos do álbum e conversa com o passado do grupo. “Into the Storm” derrama baldes de groove e traz influências de djent, além de uma grande performance do baterista Mario Duplantier e do baixista Jean-Michel Labadie. O quarteto caminha novamente pela esfera mais experimental de sua música em “The Trials”, que apresenta um surpreendente clima post-punk que se mescla aos sutis elementos de nu metal presentes no arranjo. O fechamento, com “Grind”, é um arregaço de puro “metal Gojira”, com a marcante abordagem de guitarra que sempre caracterizou o som da banda e um fenomenal trabalho percussivo.

Fortitude é outro grande momento na discografia deste quarteto francês, que entregou mais um álbum excepcional e está pronto para conquistar uma legião ainda maior de fãs.

Como cereja do bolo, é preciso mencionar o surpreendente lançamento nacional pela Roadrunner Records e Warner Music, ainda que em uma tiragem de apenas 500 cópias. Em tempos onde novos discos de diversas bandas grandes não ganharam edições brasileiras, é algo a se comemorar. Corra e compre já o seu!