Disco Imortal: The Rolling Stones – Sticky Fingers (1971)

Registros dos Rolling Stones, 1971

"Sticky Fingers foi a primeira vez que adicionamos trompetes, por causa da influência que Otis Redding e James Brown tiveram sobre nós", foram as palavras sinceras de Charlie Watts em entrevista em 2003, exatamente 32 anos depois de ter lançado a nona placa no Reino Unido e a décima primeira nos Estados Unidos pelos prolíficos Rolling Stones.

No sentido estrito da palavra, este álbum pode ser escolhido como um dos maiores trabalhos dos Stones e do rock, já que é o primeiro full lenght da banda, que inclui os sons mais clássicos que influenciaram o grupo, como como blues, rock 'n' roll, country e rhythm and blues. Assim como você lê. E não é que a gente diga isso aqui, já que foi endossado pela crítica especializada a cada música feita. Mas além disso, o melhor elogio que o álbum recebeu foi o que alcançou nas paradas, já que rapidamente subiu para o número 1 tanto na Inglaterra quanto nos Estados Unidos por sua esplêndida atuação que esteve a cargo de Jimmy Miller.

O LP abriu os olhos pela primeira vez em 23 de abril de 1971, mas já estava em produção há dois anos. Os liderados por Mick Jagger demoraram para conseguir fazer com todas as suas influências um disco que estamparia sua gravadora. Inclusive, esta placa foi a primeira que eles lançaram sob seu próprio selo Rolling Stones Records; e sem ir mais longe, a capa do álbum, altamente insinuante, foi sob a estrita realização de dois artistas que eram a vanguarda naqueles anos: Craig Braun e o famoso Andy Warhol. Com o particular estilo Pop Art desses dois virtuoses, eles deram aos Stones a marca ideal: uma língua e lábios proeminentes que até hoje demonstram sem palavras a que banda são atribuídos.

"Brown Sugar" que é a música que abre o fogo do álbum é uma das mais polêmicas. Tudo isso porque tocam em questões que naquela época e que ainda o são hoje, como o uso de drogas alucinógenas, sexo inter-racial, escravidão e sadomasoquismo. Porém, o riff de Richards dava um toque de maestria e o ritmo dos demais integrantes atribuía-o a ser imperdível nas festas de antigamente, sem deixar de lado o quão polêmico poderia ser ao analisar as letras tabus que implementavam. O single, que já havia sido composto em 1969, teve que ser incluído neste álbum, pois havia uma disputa judicial contra a antiga gravadora que impedia seu lançamento.

Açúcar mascavo, como você sabe tão bem / Açúcar mascavo, assim como uma garota negra deveria / Aposto que sua mãe era uma rainha do circo / E todos os namorados dela eram adolescentes doces / Não sou inocente, mas sei do que gosto / Você deveria ter me ouvido à meia-noite.

"Wild Horses" é uma balada eminente, onde muitos fãs da banda gostariam de ter estado naqueles estúdios do Alabama chamados Muscle Shoals Sound, onde também gravaram "You Gotta Move" e a anteriormente batizada de "Brown Sugar". Nas próprias palavras de Jagger, a música "Wild Horses" não tem nada a ver com seu relacionamento fracassado com a atriz e cantora Marianne Faithful: "Todo mundo sempre diz que isso foi escrito sobre Marianne, mas eu não vejo dessa forma, tudo o que foi terminado até então. Mas fiquei tremendamente comovido com essa música.” A frase foi eloquente, mas para muitos a música tem toques sensíveis por parte de Richard e Jagger devido a situações complexas e pessoais que estavam vivendo. Sem ir muito longe,

“Can't You Hear Me Knocking” é uma das canções mais psicodélicas da banda. Não seria incomum aquela sensação de que poderiam ter piscado para Santana, mas a própria faixa tem a elegância e sinfonia dos Stones, onde nos fazem viajar por uma atmosfera irreal, em que o saxofonista Bobby Keys nos dá o melhor de si, acompanhado pelas guitarras de Richard e Mick Taylor, que foi o substituto do falecido Brian Jones. Esta canção é uma das mais sonhadoras dos ingleses e por isso esteve no filme de Martin Scorsese de 1995, Casino, protagonizado por Robert De Niro, Sharon Stone e Joe Pesci, entre outros.

Em “Bitch” o magnífico toque de Keys no saxofone é perfeito e magnífico para materializar juntamente com o trompetista Jim Price uma das melhores canções do álbum, deixando no ouvinte aquele gostinho de que os Rolling Stones obtiveram uma maturidade absoluta em termos de sua sons. . Porém, é preciso ressaltar que o álbum do começo ao fim, ou seja, os 46 minutos que dura a obra é essencial. Começando com “Brown Sugar” e os temas proibitivos da vida, passando por uma balada redentora e cheia de magia como “Wild Horses” ou levando-nos a mexer as mãos numa guitarra imaginária como em “Can't You Hear Me Knocking”, onde o cara que sucedeu Johnson, como Mick Taylor, é senhor e mestre. Sem mais o que escrever, e com o fato de estarmos falando aqui dos Stones,

Disco Imortal: Corrosion of Conformity – Deliverance (1994)

 

Registros da Sony, 1994

Em 1994, enquanto metade das bandas de rock/alternativo se preocupava em impregnar seu som com as nuances do grunge como arma de convencimento para vender sua música nos altos rankings e para a rede musical MTV, um grupo de quatro indivíduos que amavam a tradição som de Black Sabbath e thrash/hardcore - aliás são pioneiros do estilo - forjaram um álbum que soube se destacar da onda de bandas citadas, destacando-se por uma sonoridade mais parecida com a dos anos 70 na veia de Black Sabbath, Thin Lizzy e Blue oyster cult, Corrosion of Conformity conseguiu se destacar da média com elementos que tornaram o rock imortal na década de ouro do gênero.

Contextualizando o Deliverance , já em 1991 Corrosion Of Conformity  mutava sua sonoridade para um metal mais próximo do Groove do que da velocidade/núcleo que cultivavam em seus trabalhos mais primitivos Animosity (1985) e Technocracy (1987) pois em Blinda banda -na época liderada- pelos eternos Woody Weatherman e Reed Mullin deu amostras de como o metal estava mudando -talvez haja uma semelhança com o material mais pesado do primeiro Soundgarden- mas os da Califórnia tiveram a vantagem de ter como um novo integrante um Guitarrista que se tornaria sua voz principal, Pepper Kennan e seu inconfundível sotaque deram vida a um dos clássicos do COC com 'Vote with a Bullet' e talvez tenha sido o fator determinante que acabou dando a ele o papel de voz no próximo álbum.

'Heaven's not overflowing' dissipa qualquer dúvida e confirma que a mudança foi positiva, as guitarras assumem uma cor e sonoridade altamente influenciadas por Iommy e o seu trabalho, mas que COC e Keenan fazem delas e fluem como um som que muitos quiseram imitar . 'Albatross' é ainda mais lenta e os escombros do doom se infiltram na nova parcela de 1994. 'Clean my feridas' é justamente uma tentativa de mostrar que músicas fáceis e cantáveis ​​podem ser compostas pela raça metal sem dificuldades, um riff inesquecível e pegajoso marinada e tem uma ótima música.

'Without wings' em seu tom melancólico torna-se a ponte necessária para sustentar o peso de 'Broken Man', onde Keenan mais uma vez mostra suas credenciais como a voz ideal da nova fase do COC. 'Señor Limpio' restaura a dinâmica do álbum com um refrão mais uma vez memorável e a influência de Thin Lizzy e suas melodias vivem em Deliverance como mais do que apenas um convidado. 'Mano de Mono' retoma o espírito solene e antecede uma das peças fundamentais do álbum, a grande 'Seven days'; que com a sua doce melodia, mas nevoeiro peso nos transporta para recordar para sempre que viagem boa é sentir o Deliverance como um álbum indispensável - há uma versão ao vivo no youtube do COC juntamente com James Hetfield (fã declarado da banda) a interpretá-lo Maravilha de 1996 em Oslo/Noruega.

'My Grain' e 'Deliverance' tiram COC do tédio que a repetição de um esquema nos pode causar, e destacam-se das demais com um ritmo por vezes Groove e funk que incendiou a última parte do álbum. 'Shake like you' mostra a experimentação na voz de Keenan com efeitos típicos das gravações de rock alternativo dos anos 90 – lembra até recursos que Hetfield e sua banda usariam mais tarde em Reload- 'No Shelter' pede calma e nos sentamos para mais uma vez assimilar o material sob uma sombra que nos protege da tempestade, porque a música do COC tem todas as nuances que se espera de um bom álbum de rock. 'Pearls before suínos' fecha Deliverance de forma épica e devastadora, com seis minutos de forte experimentação e com Keenan destruindo sua voz. Um disco irrepetível

Crítica ao disco de The Stranger - 'Kaleidoscope' (2021)

The Stranger - 'Kaleidoscope'
(9 abril 2021, Octane Records/Wild Thing Records)

Este é o segundo álbum da banda australiana que se destaca pelo seu metal progressivo, que possui muitas personalidades e camadas sonoras que são expostas ao longo do álbum e que interagem entre si, tornando este trabalho bastante variado e de grande qualidade.

The Stranger  é uma banda australiana nascida em 2013, quando o guitarrista  Kale Austin  e o baterista  Daniel O'Brien  deixaram seu antigo grupo de metal sinfônico,  Alpine Fault , no qual trabalhavam há cinco anos na cidade de Brisbane. Utilizando o material gravado por  Austin  e após agregar  Tom Frayne  (vocal) ,  Brendon Blanchard (baixo)  e posteriormente  Andrew Taylor (guitarra) , gravaram seu primeiro álbum com o mesmo nome do grupo.

Blanchard deixaria o grupo, e  em seu lugar chegaria  Linc Morse ,  com quem  The Stranger  gravou este novo álbum, “ Kaleidoscope ”. Nesta placa a primeira faixa, “ Eleventh Hour ” acerta uma entrada enérgica e simbólica do que será o álbum: uma mistura de sintetizadores com várias camadas mais pesadas. Ao nível das letras é uma canção de protesto contra as alterações climáticas.

Esta dualidade entre teclados e  metal , temperados por toques de  djent , apresentam-se frente a frente ou como partes de um todo maior, dentro de intrincadas estruturas com ritmos sombrios e enigmáticos. Não são apenas esses elementos que aparecem, há arranjos de violão que também complementam muito bem todas as coisas mais densas.

A voz de  Tom Fayne  também entra nesse suco de dualidade, aparecendo ora bombástica, ora agressiva e também emotiva. A bateria de  Daniel O'Brien  carrega o peso de algumas músicas como em “ Siren ”, ou às vezes essa missão recai sobre o sintetizador. Nesse sentido, " O Gêmeos " é um dos fiéis representantes disso. E é que a nível instrumental todas as músicas são boas, nenhuma desafina e ouvimos como cada um dos membros do grupo se encaixa perfeitamente com o seu parceiro.

Embora seja um pequeno interlúdio, outra das canções que adoro é “ Coming Home ”. É um dueto com dois violões, um acústico e outro elétrico, onde ambos conversam e às vezes cada um tem seu espaço para se expressar. São apenas um minuto e 59 segundos, e fica-se com pouco prazer. Pelo mesmo motivo, seria interessante ver mais músicas desse estilo no  repertório do The Stranger .

No último terço de “ Kaleidoscope ” encontramos “ The Devil You Don't ”, uma música onde o sintetizador, os arranjos, as guitarras, bateria, baixo e as diferentes vozes se juntam como em nenhuma música do álbum. Também estamos enfrentando mudanças nos ritmos que respondem pelo manejo composicional dos australianos.

“Kaleidoscope” é um álbum muito bom que tem muitas facetas e camadas sonoras que vão te surpreender. The Stranger é uma banda que usa todos os recursos à sua disposição para criar músicas únicas e envolventes. Desde os sintetizadores, passando pela guitarra elétrica mais pesada, com aqueles  riffs  que te convidam a ficar preso no álbum; ou o violão; a dualidade de vozes dos  rosnados  ou do canto mais melódico. Sem falar na bateria ou no baixo que nos seus momentos de destaque não se chocam e também que sem eles a música dos oceânicos não seria a mesma, sendo um grupo bem composto e coordenado.

Esta é uma banda que é influenciada principalmente por Opeth e Dream Theater, aí também se ouve coisas de Tesseract ou The Pineapple Thief, mas eles pegam todas essas influências, combinam-nas e dão-lhes uma personalidade própria.

Sem dúvida, The Stranger continuará a dar que falar e espero que o próximo álbum consolide as ideias aqui propostas.

Crítica ao disco de Arnaud Quevedo & Friends - 'Roan' (2021)

 Arnaud Quevedo & Friends - 'Roan'

(17 agosto 2021, autoproducido)

Arnaud Quevedo (guitarra, voz e sintetizador) é o líder deste projeto em que se faz acompanhar por uma dezena de músicos para criar ' Roan ', o segundo álbum deste projeto, que se expande do Rock Progressivo para a música de fusão, jazz e vanguarda garde.

Já totalmente imerso na música, o disco abre com ' Aube ', uma peça de um minuto e 33 segundos que introduz o álbum com algumas cordas de guitarra e o som do sintetizador, mas que se afasta da natureza frenética e nuançada da obra. .do grupo francês.

Em contrapartida temos ' Prologue ' uma composição com bateria frenética, metais indo e vindo, violinos quebrando enquanto arranjos esporádicos são sons estridentes e a guitarra de Arnaud Quevedo dando um ótimo solo que nos mostra toda sua habilidade com as seis cordas. Há mudanças de tempo arriscadas e tudo é tocado em uma velocidade que bate, obrigando você a ouvir a música novamente. Ótima qualidade na execução e produção.

Baixamos as rotações e enfrentamos ' Découverte ', canção em que a flauta está muito presente, que mais tarde é acompanhada por bateria e piano. Assim o tema se abre e nos mostra outros caminhos com o violão, o oboé, o clarinete, acrescentando camada após camada, até que entra a voz de Emeline Merlande e após cantar vários versos, surge um momento instrumental com todos os instrumentos citados acima. . Continuamos com um momento instrumental que por vezes soa improvisado, mas nota-se que é muito elaborado onde também interagem violinos, instrumentos de sopro de todo o tipo, sintetizadores, tambores e outros instrumentos. Depois de um clímax de Merlandee a bateria, voltamos à melodia dos primeiros quatro minutos com a flauta que volta a ocupar o centro das atenções com a percussão, os violinos e os demais instrumentos que encerram a composição de forma épica.

A quarta faixa é ' Curiosidade ' uma improvisação de 2 minutos e 26 segundos de instrumentos de sopro que serve de pausa para introduzir o segundo quarto do álbum e por sua vez a quinta música ' Féerie '

Esta quinta composição é uma canção com um caráter alegre, quase bufão. Mas às vezes adquire tons escuros. A bateria é a base de tudo o que acontece em primeiro plano, sendo esta o suporte dos demais instrumentos. Com um baixo desta vez bem protagonista, como o clarinete.

Em ' Dépassement ' voltamos a uma composição onde os ritmos irregulares, as mudanças bruscas de tempo, voltam em glória e majestade numa canção onde pela primeira vez as vozes, coros e canções são parte principal da estrutura da canção. A guitarra também recupera o seu papel principal, mas cria-se uma estrutura reconhecível entre oboé, clarinete e bateria, onde por vezes entram o teclado e o violino.

Tema número sete e iniciamos a segunda parte com ' Nostalgie ' um tema puramente instrumental, que ao contrário das músicas anteriores, é totalmente eletrônico e baseado em sintetizadores, criando uma atmosfera que evoca o espaço e o futurismo em uma composição que serve de vale e pausa para o terceiro trimestre do álbum Roan .

Enfrentamos ' Ryoko ' a faixa mais longa do álbum com 12 minutos e 53 segundos. Canção que abre com um ostinato de sintetizador, enquanto baixo e bateria brilham em uma sequência em que Noé Russel e Anthony Raynal, respectivamente, brilham com suas habilidades em seus instrumentos. Estes três instrumentos sustentam o tema enquanto entram o violino, o saxofone e depois a flauta, cada um reivindicando o seu papel principal. O clarinete também entra na equação para lhe dar mais texturas e uma combinação sonora que se torna mais complexa e rica à medida que avança, atingindo um zénite onde todos os instrumentos se juntam para criar um momento de escuta surpreendente, incluindo as vozes.

Ao minuto cinco, as vozes de Emeline Merlande e Arnaud Quevedo acompanham este momento instrumental, que depois é silenciado para um interlúdio do violino com o contrabaixo que continuam com a mesma melodia mas a solo, depois o primeiro, tocado por Axelle Blondel , faz um solo que fecha e dá lugar à bateria e teclados. As cordas, sopros, baixo e guitarra reaparecem, dando-nos um solo espetacular, que é seguido por um solo de saxofone. Ambos começam a interagir com a bateria e o baixo atrás, que levam ao encerramento com todos os integrantes presentes no glorioso final daquela que para mim é a melhor música do álbum.

' Fardeau ', a nona faixa, dá-nos uma sesta após aquele turbilhão de instrumentos e criatividade, onde baixo e teclado interpretam um pequeno diálogo que também serve de abertura para ' Chrysalide ', a décima música. O tema é totalmente levado pela flauta de Manuella Perissutti , sendo a bateria, o baixo, a guitarra e o sintetizador os acompanhamentos de mais uma atraente composição cheia de interessantes mudanças, que sabe chamar a atenção através de uma melodia que cresce e se esvai .está ficando mais incrível.

' Metamorphose ' é mais rock. Com um baixo e uma guitarra muito conduzidos, para além da bateria que sustenta ambas as linhas melódicas, às quais se juntam posteriormente a flauta e o saxofone. É uma música que tem uma presença muito marcada do jazz, mas ao mesmo tempo, a do Rock Progressivo numa música em que os dois instrumentos de sopro roubam a cena na segunda parte com uma influência marcada de Zeuhl.

O álbum fecha com ' Epílogo ', uma peça que continua o que foi mostrado na segunda música ' Prólogo ' que se junta a esta que mesmo, se ouvidas juntas, parece uma única música.

' Roan ' de Arnaud Quevedo & Friends é um álbum fortemente influenciado pelo rock progressivo francês dos anos 70 com uma multiplicidade de instrumentos que, à medida que avançamos no álbum, assumem o protagonismo e/ou fazem parte de estruturas complexas onde o membros Eles estão servindo todas as 12 faixas.

Sim, de facto são três canções: ' Curiosidade ', ' Nostalgie ' e ' Fardeau ' que podem não contribuir tanto para este álbum como as outras nove, mas tendo em conta que todas as canções não têm pausas entre si e tudo soa como uma única suíte, são valorizados por permitirem uma pausa entre as composições mais ousadas e complexas.

Trata-se de uma obra aliciante e muito interessante, que merece ser ouvida mais do que uma vez e que merece destaque pela criatividade dos seus intérpretes e pela execução dos seus instrumentos em cada uma das canções. Todos os músicos participantes demonstram uma técnica primorosa, assim como compreensão com os demais integrantes na hora de executar as complexas faixas todas compostas por Arnaud Quevedo .

Depois de ouvir esta peça, fique atento ao que Arnaud Quevedo & Friends faz .

Crítica ao disco de Cast - 'Vigesimus' (2021)

 Cast - 'Vigesimus'

(5 março 2021, Progressive Promotion Records)

Este grupo mexicano de rock progressivo sinfônico lançou seu novo álbum em 15 de março deste ano, mantendo certas fórmulas e estruturas já vistas em bandas que passam por essas sonoridades, mas graças a um bom trabalho composicional soa fresco e atual.

Cast é uma banda que foi fundada em 1978 na cidade de Mexicali, Baja California no México por Alfonso Vidales , um tecladista que continua sendo o único membro original remanescente no grupo.

Além de Vidales, o conjunto é formado pelo nosso compatriota, o renomado Claudio Cordero no violão; Bobby Vidales , irmão de Alfonso, como vocalista; Antonio Bringas na bateria; o italiano Roberto Izzo no violino; Lupita Acuña como vocalista; e Carlos Humarán no baixo.

43 anos após a sua fundação e 24 anos após o seu primeiro álbum, este é o seu 20º álbum e é por isso que o seu novo trabalho se chama “Vigesimus”. Este álbum se move entre o rock progressivo sinfônico com influências claras que vão desde Yes, Genesis e Pendragon.

Estamos diante de uma proposta que não inova, mas que toca faz bem. Isto porque a nível instrumental e técnico, os músicos do Cast não se chocam e se mostram como grandes intérpretes. Cordero é hoje um dos melhores nas seis cordas da América Latina. Enquanto Carlos Humarán mostra um baixo agudo e agressivo, que com a bateria de Bringas formam um trio que é complementado pelo violino e piano que dão a contrapartida necessária e que também ocupam o lugar de peças fundamentais .

Desde a instrumental “ Ortni ” onde Cast já nos cativa com seu brilhantismo e belas orquestrações com o diálogo entre violino e violão. Os momentos vibrantes criados pelo grupo continuam em “ Black Ashes And Black Bowes ” e “ The Unknown Wise Advice ”, composições onde a voz de Bobby Vidales começa a reclamar o seu lugar de destaque. Temos também solos de violino, teclado e piano que se submergem numa espécie de batalha em que no final os três saem triunfantes em uníssono.

Em " Another Light " temos uma ruptura com o dinamismo e fluidez apresentados nas canções anteriores com belas harmonias entre as vozes de Bobby Vidales e Lupita Acuña . “ Manley ” é outro espaço instrumental que nos lembra a criatividade e o talento dos músicos do Cast .

Ao longo do álbum encontramos um toque operístico, circense, quase teatral que se ouve em todas as canções e que fica ainda mais evidente em “ Dredging To The Higher Plane ”.

Este é um dos que deveria ser um dos melhores álbuns de rock progressivo do ano, mas estamos em abril e ainda é difícil tirar conclusões. Cast apresenta dentro do seu género uma peça que toca teclas clássicas e já foi ouvida mais do que uma vez, mas o seu nível composicional é capaz de quebrar as barreiras do conhecido e dar-lhes um toque que lhes confere aquele frescor tantas vezes perdido no rock e no metal em geral .