Limp Bizkit é uma banda de rap-rock formada em 2009 em Jacksonville, Flórida. A banda é formada pelo vocalista Fred Durst, o baixista e backing vocal Sam Rivers, o baterista e percussionista John Otto, o guitarrista e vocalista Wes Borland e o DJ Lethal nas plataformas giratórias. Eles são conhecidos pela experimentação sonora de Borland e pelos vocais agressivos de Durst. Desde que a banda foi formada, eles venderam mais de 40 milhões de discos em todo o mundo e ganharam vários prêmios, incluindo três Grammy. Limp Bizkit lançou seis álbuns de estúdio , um álbum ao vivo, três álbuns de compilação, dois álbuns de vídeo, um EP, um álbum de remixes, 30 videoclipes, 21 singles, 15 singles promocionais e cinco demos. Aqui estão os álbuns de estúdio do Limp Bizkit classificados.
6. Still Sucks (2021)
Depois de uma década sem lançar um single, o Limp Bizkit gravou seu sexto álbum de estúdio, 'Still Sucks'. Infelizmente, a banda não alcançou o mesmo nível de sucesso com este álbum que alcançou com os álbuns anteriores. Depois de lançar seu quinto álbum de estúdio, Limp Bizkit deixou a Interscope e assinou contrato com a Cash Money Records. Eles começaram a trabalhar em 'Still Sucks' imediatamente, embora o título original fosse 'Stampede of the Disco Elephants'. A banda lançou seu primeiro single do álbum, 'Lightz (City of Angels)', em 2012, seguido pelo single 'Ready to Go' um ano depois. Mais tarde, em 2013, eles lançaram o single 'Thieves' e depois o single 'Endless Slaughter' em 2014. No entanto, a banda ainda não havia lançado o álbum e deixou a Cash Money Records. Após vários anos de desenvolvimento, o álbum foi finalmente lançado em 2021 pela gravadora Suretone.
5. Three Dollar Bill, Y’All (1997)
'Three Dollar Bill, Y'All' foi o álbum de estreia do Limp Bizkit e foi lançado em 1997. Foi de maior sucesso nos Estados Unidos, onde alcançou a posição 22 na Billboard 200. O álbum também alcançou o top 50 em nas paradas da Austrália, Canadá, Nova Zelândia e Reino Unido. Limp Bizkit foi apresentado ao produtor musical Ross Robinson pelo baixista do Korn, Reginald 'Fieldy' Arvizu, que encorajou Robinson a ouvir a demo da banda. Robinson ficou impressionado com a música deles e começou a trabalhar com eles no álbum. Ele encorajou a banda a empregar um som raivoso e abrasivo em suas músicas para ajudá-los a atrair uma base de fãs. Os singles 'Counterfeit' e 'Nobody Loves Me' foram lançados no mesmo ano do álbum, seguidos por 'Sour' e 'Faith' em 1998.
4. Gold Cobra (2011)
O quinto álbum lançado pelo Limp Bizkit foi 'Gold Cobra', e já se passaram oito anos desde que a banda lançou um álbum. Ele liderou as paradas na Alemanha e alcançou a posição número dois na Áustria e na Suíça. No entanto, só alcançou a posição 16 na Billboard 200. O som deste álbum é semelhante ao dos primeiros álbuns do Limp Bizkit, embora haja alguma diversidade na tracklist. Apenas dois singles foram lançados deste álbum; 'Espingarda' e 'Gold Cobra'. Depois de lançar este álbum, Limp Bizkit não lançou outro álbum por uma década.
3. Results May Vary (2003)
O quarto álbum de estúdio do Limp Bizkit foi 'Results May Vary'. Embora não tenha alcançado o mesmo nível de sucesso do segundo e terceiro álbuns de estúdio da banda, liderou as paradas na Alemanha e na Áustria. Nos Estados Unidos, alcançou o terceiro lugar na Billboard 200 e foi um hit entre os dez primeiros na Austrália, Canadá, Nova Zelândia, Suíça e Reino Unido. É o único álbum do Limp Bizkit que não conta com Wes Borland, já que ele deixou o grupo por um breve período e foi substituído pelo guitarrista Mike Smith. A ausência da Borland significou que o lançamento do álbum ficou sob a liderança exclusiva de Fred Durst. Neste álbum, a banda experimentou novos estilos, incluindo acústico, jazz, funk e rock alternativo. Também houve menos rap neste álbum do que nos lançamentos anteriores da banda. Além disso, o conteúdo lírico das músicas de 'Results May Vary' era diferente, já que a banda usava temas mais introspectivos, como autopiedade, bullying e desgosto.
2. Significant Other (1999)
Os fãs do Limp Bizkit votaram no Ranker para seu álbum favorito, e 'Significant Other' saiu no topo. Foi o segundo álbum de estúdio do Limp Bizkit e liderou as paradas de álbuns nos Estados Unidos e Canadá. O álbum também foi um hit top dez na Áustria, Austrália e Nova Zelândia. Já vendeu mais de 16 milhões de cópias em todo o mundo. Comparado ao álbum de estreia da banda, 'Significant Other' teve maior influência do hip hop e do metal. Os quatro singles lançados do álbum foram 'Nookie', 'Re-Arranged', 'N2 Gether Now' e 'Break Stuff'. Tanto o nu-metal quanto o rap metal estão presentes neste álbum.
1. Chocolate Starfish and the Hot Dog Flavored Water (2000)
De acordo com os Best Ever Albums , o melhor álbum do Limp Bizkit é 'Chocolate Starfish and the Hot Dog Flavored Water', que também é o álbum de maior sucesso comercial da banda. Foi o terceiro álbum do Limp Bizkit e o segundo no topo das paradas de álbuns nos Estados Unidos, onde vendeu mais de oito milhões de cópias. Este álbum também foi um hit número um na Austrália, Canadá, Áustria, Alemanha, Holanda, Nova Zelândia e Reino Unido. Foi certificado 6x Platina pela Recording Industry Association of America e 6x Platina pela Music Canada. Cinco singles foram lançados deste álbum, incluindo 'Take a Look Around', 'My Generation', 'Rollin', 'My Way' e 'Boiler'. Embora 'Chocolate Starfish and the Hot Dog Flavored Water' tenha sido o maior sucesso comercial da banda , recebeu críticas mistas da crítica.
O Glam Rock é um dos movimentos mais interessantes que surgiram do Rock na década de 70, chegaram para quebrar de vez o movimento hippie e junto com ele, diversas bandas Glam interessantes chegaram para estourar! O New York Dolls foi uma delas e não por acaso o fantástico e emblemático disco de estreia deles está completando 50 anos! Ta ai uma bela oportunidade de falar sobre eles!
Após iniciarem a formação em 1971, a banda lutou muito para conseguir produtores e gravadores que apoiassem o estilo estravagante dos integrantes, e foi a Mercury que topou essa aventura em direcionar o primeiro disco do New York Dolls, o icônico e chocante autointiualdo que conta com uma das capas mais bacanas da história do Rock.
E assim como o visual deles, e a capa, o conteúdo do disco é agressivo, forte e de personalidade, estamos de cara com uma verdadeira pedrada de Rock N Roll que veio para chocar aos comandos da presença do vocalista David Johansen, e falando um pouco sobre as músicas, estamos de cara de com um disco perfeito. Todas as músicas importam e tem o seu valor.
Minhas favoritas são as duas que abrem os trabalhos, como ”Personality Crisis” e ”Looking For A Kiss”, grandes músicas, porradas e que podem até assustar ouvintes menos preparados. O que eu acho bacana é que o disco surpreende a cada faixa e cria diferentes climas durante a audição, muito interessante as linhas de composição.
Esse disco foi primordial para o movimento do Glam Rock que prova para muita gente que eles não se importavam somente com as roupas apertadas e a maquiagem, mas sim temos um conteúdo lírico e musical precioso. Quando se entra na vibe do New York Dolls, você agarra o som para sempre e é isso oque esse trabalho representa! Fica a homenagem e recomendação!
Fazia um tempo que não vinhamos aqui falar sobre o síndico! E o que falar daquela discografia maravilhosa praticamente perfeito de Tim Maia? Em 1973 ele lançou um dos melhores discos de sua carreira e neste ano está completando 50 anos do seu lançamento, contém simplesmente uma das músicas mais populares da música brasileira! Claro que estou falando do disco ”Tim Maia (1973)”!
Sendo o quarto disco de estúdio de Tim, esse faz parte de uma sequência matadora de Tim Maia. Em 1972, ele havia lançado o autointiulado daquele ano, que para mim é o meu favorito de toda sua carreira. E num dos anos mais produtivos da história, Tim registrou este homenageado de hoje. E vamos falar um pouco sobre o conteúdo do disco.
Ele conta com ritmos variados como vinha sendo nos primeiros trabalhos e nota-se um verdadeiro auge de nível de composição, por exemplo logo da faixa de boas vindas, ”Réu Confesso”, uma faixa muito rica e enigmática. E falando logo do grande monumento desse trabalho, ”Gostava Tanto de Você”, para mim uma das letras mais lindas que já ouvi, musicalmente é leve, ao mesmo tempo que contempla uma melancolia intrigante. Grande faixa.
Esse é considerado por praticamente todo mundo, um dos melhores momentos da carreira de Tim Maia, e justamente já que é um trabalho extreamente coeso, grandioso e de excelência. Eu considero um bom disco de entrada para quem não conhece muito a carreira de Tim e fico muito feliz em compartilhar com vocês um breve resumo deste clássico em comemoração aos 50 anos de seu lançamento!
2 de novembro de 1987: Na Grã-Bretanha, a segunda compilação de maiores sucessos de Paul, All The Best, é lançada com atraso, tendo sido agendada para 26 de outubro. (O lançamento na América do Norte, que apresenta uma lista de faixas diferente, ocorre em 5 de dezembro e atingirá o pico em número 62 nas paradas.
Cabrita, músico e produtor há mais de 34 anos e com uma extensa discografia, prepara-se para lançar o seu segundo disco de originais. “Umbra” é editado no próximo dia 10 de novembro com o selo Omnichord Records.
Depois do lançamento do single de estreia deste longa-duração, “49th birthday blues“, o artista prepara-se para lançar um novo video e single “Dance” para coincidir com o lançamento do disco. Este tema é especial porque é o primeiro single de Cabrita que terá voz, numa colaboração com a artista Larie.
“Umbra“, o novo disco de Cabrita, conta com 10 novos temas do artista, e com colaborações de vários artistas portugueses.
“Echoes From The Past” foi lançado como um lançamento mundial simultâneo do vigésimo álbum de estúdio da banda alemã de arte e rock progressivo de maior sucesso, Eloy. É também o terceiro álbum de uma trilogia única, concebida pelo idealizador da banda, Frank Bornemann, como uma ópera rock sobre a vida e o destino de Jeanne d'Arc, que na Idade Média causou a virada na guerra dos cem anos contra a Inglaterra em favor do rei francês e acabou na fogueira. Já os dois primeiros álbuns, intitulados “The Vision, the Sword And The Pyre part 1 & 2”, nos quais vários artistas ilustres (incluindo Alice Merton) estavam na lista de convidados, não apenas recebendo críticas consistentemente positivas e alcançando altas posições nas paradas, mas também atraindo muita atenção…
…a nível cultural pela sua implementação em todos os detalhes históricos, baseada em conhecimentos profundos. Com “Echoes From The Past”, o autor agora dá continuidade e deixa o protagonista e companheiro de braços de Joana D'Arc, Jean de Metz, que conduz a trama dos dois primeiros álbuns, refletir os acontecimentos emocionantes do passado em uma forma muito emocional. Musicalmente, isso resultou em um trabalho em que passagens sensíveis e atmosféricas se alternam com ondas sonoras poderosas e dramaturgicamente moldadas que certamente lembrarão aos fãs de Eloy os primeiros trabalhos conceituais da banda. Mas esta mistura é totalmente intencional de acordo com Frank Bornemann, que foi novamente confrontado com mudanças na formação desta produção. Embora esteja bem integrado na trilogia em termos dos seus elementos musicais, deixou obviamente muito espaço para momentos artísticos durante a sua criação, o que não se espera, mas que têm um efeito extraordinariamente formativo no álbum, que é mais uma vez exclusivo.
Stackridge, uma das bandas de rock mais singulares a crescer em solo semeado e enriquecido pela invasão britânica dos anos 60, se uniu no final de 1969. Andy Davis e Jim “Crun” Walter tocavam juntos na banda de blues de Bristol Griptight Thynne quando Davis começou a procurar novos companheiros de banda. Mike Tobin (que se tornou o primeiro empresário de Stackridge) apresentou Davis a Mike “Mutter” Slater, que então tocava na dupla folk Mick & Mutter. James Warren respondeu a um anúncio de jornal e se conectou muito bem com Davis, e eles começaram a escrever músicas juntos. Billy Bent apareceu, ouviu-os desenvolver “Dora the Female Explorer” e os convidou para ensaiar em seu estúdio caseiro, e eles o convidaram para tocar bateria. Mike Evans tocava violino com grupos de baladas tradicionais em Bristol…
…(os Ocidentais e os Moonshiners). No aniversário de 21 anos de Davis, a banda estava comemorando em um pub quando Mike Evans entrou. Ele foi convidado a participar, pois Davis o conhecia um pouco e Walter concordou que um violino completaria seu som. Enquanto isso, Walter propôs o último nome absurdo da banda, Stackridge Lemon, que foi rapidamente abreviado para Stackridge.
Os shows foram esparsos no início e Walter foi embora. Tobin mudou-se para Londres e começou a garantir reservas mais abundantes enquanto em Bristol Stackridge começou a desenvolver seu repertório eclético e caprichoso com influências e preferências declaradas abrangendo Zappa os Beach Boys Flanders & Swann Syd Barrett Igor Stravinsky os Marx Brothers JS Bach e, muito significativamente, os Beatles de 1965-1966. Suas roupas de palco de liquidação, o tagarelar exuberante e espirituoso de Slater (e seu desenvolvimento de tampas de lata de lixo como instrumento de percussão), a história / introduções irônicas e desconexas de Warren (contemporâneas com o desenvolvimento do mesmo por Peter Gabriel com Genesis) e o quase único (em um rock grupo) a inclusão de um flautista e um violinista levou Stackridge a desenvolver seguidores entusiasmados e leais.
Eles assinaram com a MCA e, com a produção de Fritz Fryer, gravaram Stackridge na primavera de 1971, compartilhando Martin Birch como engenheiro com o Deep Purple. Warren escreveu quatro canções sozinho e três com Davis, estabelecendo-o como a principal voz lírica do grupo. Stackridge foi destacado pela turbulenta “Dora the Female Explorer”, “Percy the Penguin” (o primeiro de seus lamentos por animais incompreendidos) e uma versão de mais de 12 minutos do favorito ao vivo “Slark”, uma fera mítica que arrebata o o infeliz narrador sai de seu carro e o leva “além dos campos que conhecemos”. Walter foi persuadido a voltar no baixo, permitindo que Warren passasse para a guitarra permanentemente, enquanto Davis continuava a alternar entre guitarra e teclado.
Depois de lançar dois singles de apoio ao primeiro LP (incluindo uma versão single de “Slark” e a favorita instrumental ao vivo “Purple Spaceships Over Yatton”) e fazer uma turnê com Wishbone Ash, os seis retornaram ao estúdio em agosto de 1972 para gravar Friendliness, talvez o clássico álbum Stackridge. Foi gravado em apenas 70 horas fora do horário de pico do estúdio, com mais 30 horas de mixagem. Havia cinco músicas (incluindo a faixa-título em duas partes) de Warren, um piano instrumental do flautista Slater, três composições de Walter/Davis (incluindo “Syracuse the Elephant” e “Keep on Clucking”, precedendo o ativismo pelos direitos dos animais por pelo menos um década) e o galope instrumental de abertura “Lummy Days”. A MCA também lançou Friendliness nos Estados Unidos (ao contrário do primeiro álbum), mas sem promoção ou apresentações. Apesar das vendas modestas (de novo), Stackridge abandonou a etiqueta de “item novidade” e criou, como disse o crítico Chas Keep em 1996, “Uma espécie de favorito das crianças com atitude; um compêndio de melodias melodiosas executadas sem os agora ultrapassados excessos de [seus] contemporâneos.” O lançamento de Friendliness em novembro de 1972 foi seguido por uma turnê com amigos da Pigsty Hill Orchestra e um novo single, “Do the Stanley” b/w “C'est la Vie”, em fevereiro de 1973. Apesar de ser cativante e um Single fácil de cantar, os DJs não conseguiram entender “Stanley” e a hierarquia da BBC restringiu sua exibição devido a uma referência lírica à Rainha. Por outro lado, desde 1971, a Radio 1 e o Beeb vinham gravando e transmitindo Stackridge em sessões e shows, como faziam fielmente com artistas de rock e pop de todos os matizes. (Algumas dessas gravações finalmente surgiram em CD nos anos 90).
Quando um terceiro LP foi planejado, Stackridge recebeu um impulso. O filho de George Martin tocou Friendliness para seu lendário pai, e colegas do Air Studios o incomodaram para trabalhar com a banda. Relutante, até ouvir algumas fitas demo do novo álbum, Martin concordou em produzir o que se tornou The Man in the Bowler Hat, facilmente o álbum de maior sucesso financeiro e conhecido de Stackridge. O revisor Chas Keep revela que Martin trabalhou nos padrões melódicos e rítmicos (especialmente nas harmonias vocais), supervisionou a orquestração e até contribuiu com piano em “Humiliation”. Andy Mackay, da Roxy Music, adicionou sax a “Dangerous Bacon”, uma dica contagiante para os Beatles. “Bacon” foi preterido no lançamento do primeiro single em favor de “The Galloping Gaucho”, uma brilhante cutucada aos roqueiros brilhantes e ao absurdo de “ser legal”. Mesmo assim, “Gaucho” fortaleceu a percepção do público de Stackridge como uma raridade, uma trupe de rock bucólica com tendências dancehall. Eles eram calorosos quando o público queria ser cool, complexos quando o ousado era elogiado, esclarecedores quando a obscuridade estava em voga. The Man in the Bowler Hat continha algumas das melhores músicas de rock híbrido de todos os tempos. A maioria das letras eram esforços de grupo (sob o improvável pseudônimo de Smegmakovitch), enquanto a composição coube principalmente a Davis, Slater e Warren, nessa ordem. “God Speed the Plough”, o notável encerramento instrumental, é atribuído a Wabadaw Sleeve (novamente, um esforço de grupo completo). A musicalidade e o talento criativo da banda foram brilhantemente apresentados, e o fato de “Hat” não ter conseguido conquistar os compradores de discos provavelmente contribuiu para a dissolução do Stackridge… All Music
Stackridge [1971]
O álbum de estreia de Stackridge consiste em nove faixas curiosamente leves com um toque folk, com elementos de rock progressivo surgindo aqui e ali no estilo amigável de Canterbury. Sua música segue o caminho clássico da narrativa, mas é reforçada e intensificada por instrumentos como violinos, flautas, violoncelos, trompetes e o som distinto do harmônio tocado por Andrew Creswell-Davis. Tanto James Warren quanto Creswell-Davis se revezam cantando trechos líricos alegres como “40 tábuas de chão faltando, 50 ratos frenéticos e distantes abaixo”, soando atraentemente brincalhões e peculiarmente pitorescos ao fazê-lo. Sem parecer excessivamente celta ou excessivamente inglês, Stackridge culmina o humor e a essência dos dispositivos figurativos e os expõe no campo dos instrumentos de sopro e cordas. Quase sem percussão, canções como “Percy the Penguin” e “The Three Legged Table” carregam seus sentidos joviais com a eloquência das cordas de piano dedilhadas à mão e um trio de trompetes. Seu estilo de canto refinado ajuda cada música a ter seu próprio caráter e excentricidade quando adicionada aos numerosos instrumentos. Os álbuns que se seguiram, como Friendliness e The Man in the Bowler Hat, continham os mesmos componentes poéticos de seu primeiro lançamento, com a música soando mais progressiva e levemente comercial.
1. Grande Piano (2023 Remaster) (3:22) 2. Percy The Penguin (2023 Remaster) (3:41) 3. The Three Legged Table (2023 Remaster) (6:48) 4. Dora The Female Explorer (2023 Remaster) (3:46) 5. Essence Of Porphyry (2023 Remaster) (8:05) 6. Marigold Conjunction (2023 Remaster) (4:59) 7. 32 West Mall (2023 Remaster) (2:25) 8. Marzo Plod (2023 Remaster) (3:05) 9. Slark (2023 Remaster) (14:11) 10. Everyman (2023 Remaster) (4:26) 11. Let There Be Lids (2023 Remaster) (3:19) 12. The Three Legged Table, Pt. 3 (Live, BBC Radio One, John Peel Top Gear Session, 21 September 1971) (3:06) 13. Slark (Live, BBC Radio One, John Peel Top Gear Session, 21 September 1971) (14:49)
A ressurreição do catálogo Stackridge pelo selo Angel Air atingiu um pico definitivo com o aparecimento de uma reedição com bônus do segundo LP do grupo e, como o encarte aponta, evidência contundente de que o segundo álbum nem sempre precisa ser “ difícil." Construindo firmemente sobre as bases de seu antecessor, uma mistura maníaca de estilos, noções e nuances, Friendliness Plus oscila entre a abertura instrumental com sabor folclórico “Lummy Days” e clássicos ao vivo de longa data como “Syracuse the Elephant” e “Teatime”. e nas lindas harmônicas ao estilo dos Beatles da faixa-título. Caindo no lado dois de Abbey Road, dificilmente teria levantado uma sobrancelha. A melodia melancólica de “Anyone for Tennis” evoca o tipo de frivolidade do music hall eduardiano que sempre foi um dos pontos mais fortes de Stackridge, enquanto o maravilhosamente intitulado “Amazingly Agnes” chega perto do território do calipso, pólos gêmeos da versatilidade que foi tanto o ponto mais forte de Stackridge quanto o mais fraco. Como Kevin Ayers, talvez a única outra figura da época que poderia ser comparada às deliciosas excentricidades de Stackridge, a banda era simplesmente eclética demais para atrair o ouvido do mainstream e mantê-lo. O boogie hard rock de “Keep on Clucking” prova isso, assim como “Do the Stanley”, um single que não faz parte do álbum que destaca as quatro faixas bônus da reedição e continua sendo um dos discos dance mais compulsivos já feitos. Supondo que você possa dançar ao som de uma banda de música vibrante.
Friendliness [1972]
CD1:
1. Lummy Days (2023 Remaster) (3:20) 2. Friendliness, Pt. 1 (2023 Remaster) (2:17) 3. Anyone For Tennis (2023 Remaster) (2:29) 4. There Is No Refuge (2023 Remaster) (3:21) 5. Syracuse The Elephant (2023 Remaster) (8:45) 6. Amazingly Agnes (2023 Remaster) (3:28) 7. Father Frankenstein Is Behind Your Pillow (2023 Remaster) (3:36) 8. Keep On Clucking (2023 Remaster) (4:03) 9. Story Of My Heart (2023 Remaster) (2:06) 10. Friendliness, Pt. 2 (2023 Remaster) (1:28) 11. Teatime (2023 Remaster) (5:49)
CD2:
1. Slark (Single Version) [2023 Remaster] (4:45) 2. Purple Spaceships Over Yatton (2023 Remaster) (6:43) 3. Introduction / Hit And Miss (Theme From Juke Box Jury) [Live, BBC Radio One In Concert, Paris Theatre, 15 June 1972] (1:13) 4. Grande Piano (Live, BBC Radio One In Concert, Paris Theatre, 15 June 1972) (3:33) 5. Teatime (Live, BBC Radio One In Concert, Paris Theatre, 15 June 1972) (5:47) 6. Lummy Days (Live, BBC Radio One In Concert, Paris Theatre, 15 June 1972) (3:37) 7. Amazingly Agnes (Live, BBC Radio One In Concert, Paris Theatre, 15 June 1972) (3:41) 8. 32 West Mall (Live, BBC Radio One In Concert, Paris Theatre, 15 June 1972) (2:12) 9. She Taught Me How To Yodel (Live, BBC Radio One In Concert, Paris Theatre, 15 June 1972) (2:52) 10. Four Poster Bed (Let There Be Lids) [Live, BBC Radio One In Concert, Paris Theatre, 15 June 1972] (4:07) 11. C’est La Vie (2023 Remaster) (3:18) 12. Do The Stanley (2023 Remaster) (2:54)
In'terview foi o 8º álbum do Gentle Giant, lançado originalmente em abril de 1976. Tendo feito turnês ininterruptas com artistas como Jethro Tull, Yes, Frank Zappa etc., a banda passou de força em força. Na época do álbum anterior, Free Hand, o bad havia se tornado atração principal por direito próprio. In'terview utiliza padrões clássicos complexos de acordes e tempos, juntamente com hard rock, blues, jazz e até melodias medievais, diferenciando-os de outros grupos progressivos de sua época ou desde então. Interview foi um álbum conceitual baseado em uma entrevista imaginária com a banda, dando-lhes a oportunidade de satirizar a indústria musical e sua relação com a mídia. Produtor e músico premiado…
…Steven Wilson adicionou seu toque delicado ao remixar In'terview. Sua gama tonal e atenção meticulosa à qualidade do som fazem com que o In'terview soe tão novo hoje quanto no primeiro lançamento. Steven remixou In'terview em Dolby Atmos, som surround 5.1 e estéreo acompanhado de visuais animados personalizados para cada faixa. Além disso, o mix quad original de 1976 e um mix instrumental serão incluídos.
