sábado, 9 de março de 2024

Billy Strange - Musical Themes & Soundtracks

 



Um dos músicos de estúdio de maior sucesso da década de 1960, Billy Strange foi membro do "The Wrecking Crew", a equipe de músicos de elite que dominou os estúdios de gravação de Los Angeles e trabalhou em muitos dos maiores sucessos dos anos 60 e 70. . Strange co-escreveu sucessos para Elvis Presley e Chubby Checker e arranjou os maiores sucessos de Nancy Sinatra, além de emprestar seu talento para gravações de Beach Boys, Phil Spector, Everly Brothers e muitos mais. Billy Strange nasceu em Long Beach, Califórnia, em 29 de setembro de 1930. Seus pais, George e Billie Strange, eram músicos do condado e do oeste, e o jovem Billy seguiu seus passos, tocando com seus pais no rádio e vencendo um concurso de yodeling em aos 5 anos. Strange começou a tocar guitarra quando tinha 14 anos e, dois anos depois, estava tocando com uma banda honky tonk local que partiu para o Texas em busca de aventura e shows pagos. Quando Strange voltou para a Califórnia, ele era um profissional experiente e logo estava trabalhando com alguns dos maiores nomes da cena C&W da Costa Oeste dos anos 50, incluindo Tennessee Ernie Ford, Roy Rogers, Spade Cooley e Cliffie Stone. Strange também assinou contrato como guitarrista e cantor na CBS Radio em Hollywood, o que o levou a mais empregos na música pop, além de apresentá-lo ao lucrativo mundo do trabalho em estúdio. Como um guitarrista talentoso que se sentia tão confortável com os estilos pop e rock quanto com o country, Strange ascendeu aos escalões superiores dos músicos de estúdio de Los Angeles, trabalhando com muitos dos principais artistas e produtores da época e, além de trabalhar em gravações de outras pessoas. , gravou uma série de álbuns instrumentais para a GNP Crescendo Records. 


Em 1962, um número instrumental que Strange escreveu para o grupo The Champs foi casado com uma letra de Kal Mann e gravada por Chubby Checker, que fez um grande sucesso com "Limbo Rock". Isso deu início à carreira de Strange como compositor, e ele também foi recrutado para trabalhar com Elvis Presley, tocando guitarra em muitas de suas sessões, co-escrevendo algumas músicas para o Rei (incluindo "A Little Less Conversation" e "Memories" ) e contribuindo para as trilhas sonoras de vários de seus filmes. Com o passar dos anos 60, Strange continuou sendo requisitado como guitarrista de sessão (ele apareceu em Pet Sounds dos Beach Boys e Love's Forever Changes), mas se ramificou como arranjador e líder de banda, arranjando a maior parte dos sucessos de Nancy Sinatra ( incluindo "These Boots Are Made for Walkin'", "Bang Bang [He Shot Me Down]" e seu dueto com seu pai Frank, "Somethin' Stupid") e liderando sua banda de apoio para apresentações ao vivo. Strange também serviu como arranjador para as primeiras gravações do grupo gerado pela TV, Partridge Family, mas no início dos anos 70 ele se mudou para Nashville, Tennessee, onde ajudou a administrar uma editora para Nancy Sinatra e continuou a escrever músicas e gravar periodicamente. . Nos anos 80, Strange mergulhou brevemente na atuação, interpretando o grande guitarrista de aço Speedy West (com quem Strange trabalhou em seus primeiros dias) no filme Filha do Mineiro de Carvão. Quando um remix de "A Little Less Conversation" de Presley levou a música de volta às paradas em 2002, Strange estava aposentado em Nashville, sustentando-se através de royalties de composições e performances. Após uma breve doença, Strange morreu em 22 de fevereiro de 2012.









Badger - Rock (UK)

 



Badger foi uma banda de rock britânica do início dos anos 1970. A banda foi co-fundada pelo tecladista Tony Kaye depois que ele deixou o Yes, com David Foster. Foster estava no The Warriors com Jon Anderson antes de Anderson co-fundar o Yes. Mais tarde, Foster trabalhou com a banda em Time and a Word. Kaye trabalhou em um projeto solo de Foster que nunca foi lançado. A dupla encontrou o baterista Roy Dyke, ex-Ashton, Gardner & Dyke, e Dyke sugeriu Brian Parrish na guitarra. A nova banda assinou contrato com a Atlantic Records.


O primeiro lançamento de Badger foi o álbum ao vivo One Live Badger, co-produzido por Jon Anderson e Geoffrey Haslam, e foi retirado de um show de abertura do Yes. No gênero rock progressivo, cinco das músicas foram co-escritas por toda a banda, com uma sexta por Parrish. A arte da capa foi feita por Roger Dean, o artista responsável por muitas das capas dos álbuns do Yes, embora Kaye tenha deixado o Yes antes de sua parceria com Roger Dean.


Em 1974, a banda foi reduzida a Kaye e Dyke. Eles recrutaram o baixista Kim Gardner, que havia trabalhado com Dyke no Ashton, Gardner & Dyke. Paul Pilnick, ex-Stealers Wheel, entrou na guitarra, assim como o vocalista Jackie Lomax. Lomax começou a transformá-los no tipo de banda de R&B/soul que ele usou em seus álbuns solo. A banda se tornou um veículo para as canções e cantos de Lomax. Nesse período, lançaram um LP, White Lady, pela Epic Records, produzido por Allen Toussaint. Todas as dez canções foram escritas ou co-escritas por Lomax. Os convidados do álbum incluíram Jeff Beck (contribuindo com um solo de guitarra para a faixa-título).

Alinhamento / Músicos
- Jackie Lomax / vocal, guitarra rítmica
-Paul Pilnick / guitarra solo
- Tony Kaye / teclados, Mellotron, Moog
-Kim Gardner/baixo
-Roy Dyke/bateria

Com:
- Bryn Haworth / guitarra slide (3)
- Barry Bailey / guitarra slide (4-8)
- Jeff Beck / guitarra solo (6)
- Allen Toussaint / piano (3,4), órgão (9), congas (1-3,10), vocais e arranjos de trompa, produtor
- Carl Blouin / saxofone barítono, flauta
- Alvin Thomas / saxofone tenor
- Lester Caliste / trompete
-John Lango/trombone
- Mercedes Davis / backing vocals (1,3,5-8)
- Joan Harmon / backing vocals (1,3,5-8)
- Teresipa Henry / backing vocals (1,3,5-8)
- Bobby Montgomery / backing vocals (2,9)
- Jessie Smith / backing vocals (2,9)


No entanto, antes do lançamento do álbum, a banda se dividiu em duas facções, com Lomax e Gardner liderando uma banda de curta duração chamada White Lady, antes de Lomax retornar à carreira solo. "White Lady" b/w "Don't Pull the Trigger" foi lançada como single em maio de 1974.







KBB • Proof Of Concept • 2007 • Japan [Jazz-Rock/Fusion]

 



Este é o terceiro álbum do KBB e mais uma vez podemos desfrutar de um excelente e muitas vezes emocionante trabalho em teclados e violino do mago Akihisa Tsuboy, especialmente seus solos encharcados de wah-wah são espetaculares, muito semelhantes a um som distorcido de guitarra. A música muda de onírica e clássica para envolvente, propulsiva e bombástica, carregada com espetaculares solos de violino, vôos sensacionais de sintetizador e grande interação entre violino e órgão Hammond.

O álbum inicia com "Inner Flames" que abre com uma barragem de bateria e que depois fica mais pesada. Solo de sintetizadores por cima e o órgão vai e vem. Confira o baixo em 5 minutos e meio. Muito intenso. "Weight Anchor" apresenta violino de bom gosto. "Stratosphere" é descontraída e quase onírica. A bateria nativa chega depois de 1 minuto e meio, o violino também. Depois de 4 minutos e meio de calma, o violino começa a liderar enquanto outros sons se juntam. "Intermezzo" é liderada por bateria e violino desde o início. O piano se junta enquanto a bateria para temporariamente. O violino fica intenso e depois se acalma após 3 minutos e meio. "Rice Planting Song" tem um violino alucinado e a bateria se destaca mais tarde. "Lagoon Nebula" é a outra faixa ótima. É bastante pesada com o violino tocando por cima. O órgão entra e depois o piano. "40 Degrees" é uma melodia agradável conduzida por violino. Belo baixo também. O piano elétrico é ótimo aqui. "Order From Chaos" vê o violino decolar após 2 minutos. O órgão chega em cerca de 4 minutos e depois se acalma com o piano. O violino e a bateria retornam, baixo também.

KBB não é uma banda que entrega composições elaboradas, mas se você gosta de música instrumental emocionante, orientada para Jazz-Rock, com violino - e pirotecnia kebyoard, você também ficará encantado!

                                
Tracks:
1. Inner Flames (10:23)  ◇
2. Weigh Anchor! (4:25)
3. Stratosphere (9:06)
4. Intermezzo (4:49)
5. Rice Planting Song (5:39)
6. Lagoon Nebula (7:29)  ◇
7. 40 degrees (4:14)
8. Order From Chaos (9:20)

Musicians:
- Akihisa Tsuboy / violin
- Toshimitsu Takahashi / keyboards
- Dani / bass
- Shirou Sugano / drums


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CRONOLOGIA

(2005Live 2004
Age of Pain (2013)
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LA TORRE DELL'ALCHIMISTA • Neo • 2007 • Italy [Rock Progressivo Italiano]

 



Os anos anteriores foram bastante agitados para LA TORRE DELL'ALCHIMISTA. Adicionando Elena Biagioni nos teclados. Foram convidados para o Nearfest de 2002 em Nova Jersey, uma performance que foi capturada no CD ao vivo de 2005 "USA...You Know?". O grupo também fez parte de outro grande evento Prog, o Gouveia Art Rock Festival 2004 em Portugal, abrindo o show de ISILDURS BANE. Enquanto isso Biagioni, o flautista Silva Ceraolo e o baterista Noberto Mosconi deixaram o grupo e foram substituídos por Michelangelo Donadini na bateria e Mauro Donini na flauta e sax, enquanto, com o fim da Kaliphonia Records, encontraram um novo lar na MaRaCash Records. Os preparativos para um segundo álbum começaram em 2006, mas logo Donini também desistiu por motivos pessoais e o álbum foi gravado como um quarteto com alguns convidados nas guitarras, violino e flauta. "Neo" foi lançado eventualmente em 2007.

Apesar da programação movimentada e das mudanças de line-up, este novo trabalho encontra a banda em grande forma. Ainda tocam um Rock Sinfônico melódico com fanfarras de teclado duplo e triplo, combinando o drama das composições do GENESIS, a técnica extrema de Keith Emerson e o romantismo da abordagem delicada de LE ORME. Tudo no álbum é bem composto e bem executado. Desde os vocais muito bons e cristalinos de Michele Giardino até as passagens melódicas e as acrobacias bombásticas de Michele Mutti. é bastante surpreendente com pausas impressionantes e boas melodias, baseadas principalmente no vintage organ washes e nos oníricos Mellotrons de Mutti, e uma forte dose de movimentos etéreos. A performance de Mutti nos sintetizadores é bastante limitada e ele os usa exatamente quando necessário, enquanto as partes instrumentais são bastante estendidas com alto nível técnico, sempre entregues em composições memoráveis. O material não é exatamente original, pois os vestígios das lendas do passado estão sempre à espera no canto, mas a combinação de paisagens sonoras românticas com atmosferas mais grandiosas é mais do que bem-vinda.

O álbum abre com "Disimmetrie" (6:56), com adorável faixa rítmica fora do ritmo (em particular, a bateria). "Medusa" (8:27), apresenta um mellotron de grande sonoridade que contrasta com os teclados. Vocais e piano depois de um minuto. Os temas são repetidos. Belo baixo após 4 minutos. "Idra"(1:51), é uma faixa carregada de piano. Um pouco de Gershwin, parece. "Risveglio, Procreazione E Dubbio Pt. I" (11:31) é uma das três melhores músicas do disco. Primeira parte: Preludio = impressionante Hammond, baixo e bateria. Realmente soa como ELP no seu melhor. Segunda parte: Primo Esperimento: belo trabalho de coral que vira algo como KANSAS como quando uma banda completa se junta. Terceira parte: Secondo Esperimento: tem uma seção mais suave e melódica. Quarta parte: Dubbio: Outra lindamente sinfônica e cinematográfica. A introdução de piano de "L'Amore Diverso" (2:28) se transforma em uma obra-prima para duas mãos - embora possa ser considerada uma peça New Age/George Winston. "Cerbero" (9:25) é outra grande composição do álbum. Muito impressionante. Primeira parte: Promenade - uma peça swingada de bossa-Jazz-Rock com Hammond e sintetizadores incidentais como suporte. Vocais e violino ajudam mais tarde. Segunda parte: Le Tre Teste, tem baixo, ruídos de pássaros e violino solo melancólico são acompanhados por Hammond, bateria, Fender e Mellotron em turnos antes de Minimoog tomar a frente. As três cabeças são apresentadas com atuação vocal e três instrumentos: Hammond, Mellotron e Fender Rhodes com guitarra elétrica e violino desempenhando papéis menores. Terceira parte: La Guerra All'Idrogeno - um final musical excelente e bem dramático para a suíte. O álbum fecha com "Risveglio, Procreazione E Dubbio Pt. II" (9:31), Prog sinfônico muito bem construído registrando no lado mais suave e melódico. 

Há uma qualidade e som de ELP/YES/EGG/Canterbury aqui realmente cativante, digna da maioria das bandas de Rock Progressivo Italiano. Uma pequena obra-prima do Rock Progressivo e um dos melhores álbuns RPI dos anos 2000.
                                    
Tracks:
1. Disimmetrie (6:56) :
    Golem (Storia Di Una Goccia)
    Suoni Di Plastica
2. Medusa (8:27) :
    Fede
    Fuga
    Corale
    Samba V
3. Idra (1:51)
4. Risveglio, Procreazione E Dubbio Pt. I (11:31) :
    Preludio
    Primo Esperimento
    Secondo Esperimento
    Dubbio
5. L'Amore Diverso (2:28)
6. Cerbero (9:25) :
    Promenade
    Le Tre Teste
    La Guerra All'Idrogeno
7. Risveglio, Procreazione E Dubbio Pt. II (9:31) :
    Epilogo
    Coda
    L'Addio
Time: 50:09

Musicians:
- Michele Giardino / lead & backing vocals
- Michele Mutti / grand piano, Fender Rhodes, Hammond C3, Minimoog, church organ, Solina String Ensemble, synths, Mellotron, programming, Fx, composer
- Davide Donadoni / bass
- Michelangelo Donadini / drums & percussion
With:
- Matteo Rigamonti / acoustic, semi-acoustic & electric guitars
- Mauro Donini / soprano saxophone
- Giovanni Bertocchi / concert flute
- Francesca Arancio / violin

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CRONOLOGIA


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MIZUKAGAMI • Yugake • 2007 • Japan [Symphonic Prog]

 



Este é o segundo álbum da banda japonesa de cinco integrantes MIZUKAGAMI, que traz uma vasta gama de teclados analógicos: sintetizadores Moog, Mellotron, piano elétrico, conjunto de cordas, órgão digital Hammond e um cravo!

Portanto, não é nenhuma surpresa que as seis composições variadas e de bom gosto sejam carregadas com esses teclados únicos: atraentes com órgão exuberante e oníricos com flauta-Mellotron e cravo na faixa-título, coro-Mellotron, guitarra vibrante com flauta-Mellotron e um mid-tempo com chamativos Voos de sintetizador Moog (junto com uma guitarra uivante) em "Hanamizake", ondas pesadas de Hammond em "Yatagarasu" e um som bombástico de Hammond na música final "Ruten - Ame". É adorável o trabalho do violão vibrante e o uivo da guitarra elétrica, muitas vezes em combinação com os teclados e alguns trabalhos em flautas reais (ao longo da flauta-Mellotron). A vocalista tem uma voz decente nas músicas suaves, mas nas faixas mais pesadas e bombásticas ela carece de força, como em "Hanamizake". Mas felizmente o foco está nas guitarras e teclados, o que torna este CD em geral uma experiência musical extremamente agradável. Confira!

                                      
Tracks:
1. Yugake (7:11)
2. Hanamizake (9:51)  ◇
3. Yatagarasu (4:58)
4. Riu (7:23)  ◇
5. Tsukinokusa Tsuyunokusa (2:54)
6. Ruten-Ame (9:00)
Time: 41:17

Musicians:
- Yasuao Asakura / guitars
- Keita Kamiyama / drums
- Keiichi Yanagawa / bass
- Junya Anan / keyboards
- Futaba / vocals, flute
 

CRONOLOGIA



NEXUS • Buenos Aires - Free Experience, Volumen 2 • 2007 • Argentina [Symphonic Prog]

 



A "Experiência Gratuita de Buenos Aires" é uma espécie de experimento, onde a gravadora Record Runner convida bandas a entrar em seu estúdio para criar e tocar música ao vivo de forma espontânea. Então, sim, isso é tudo sobre improvisações, o que, convenhamos, é uma coisa assustadora para a maioria das bandas. Não há ensaio nem overdubs, mas depois a música é editada e mixada. O interessante nessa gravação é que eles incorporaram estilos diferentes em suas músicas, em vez de serem a banda sinfônica com teclado, há um pouco de Blues, Jazz e eles improvisaram bastante. "Plaga" é uma forma fantástica de começar. Bateria pesada com órgão e depois a guitarra assume a liderança. Se acomoda à medida que os sintetizadores chegam antes de 1 minuto e meio. A guitarra está de volta com um baixo robusto enquanto os sintetizadores continuam. Começa a evoluir após 6 minutos. É mais pesada antes dos 9 minutos enquanto a bateria entra. Se acomoda novamente em 13 minutos e meio. "El Reves Del Espejos" abre com sintetizadores e palavras faladas em espanhol. Entra em ação no estilo KING CRIMSON com uma guitarra forte e um baixo gordo com bateria nítida. Os sintetizadores também ajudam. "Servicio De Lounge" abre com sintetizadores enquanto guitarra e órgão se juntam, a bateria e suporte de baixo. É bastante descontraída enquanto os sintetizadores vêm e vão. O ritmo aumenta após 5 minutos. Uma vibração jazzística aqui. Uma mudança antes dos 11 minutos quando a guitarra começa a liderar e o andamento diminui. "No Pizza" é bastante bombástica, como se pode imaginar quando não há pizza. Piano, bateria e baixo lideram desde cedo. Órgão antes de 2 minutos e meio e conduz até a bateria tocar aos 6 minutos. Torna-se pesada antes de 8 minutos e meio. "Dame Un "La"" é um trecho de um minuto de bateria, sintetizadores, guitarra, violino e vozes. "Danza Mental" tem 18 minutos mais perto. Sintetizadores e violino desde cedo. Uma batida antes de 3 minutos e de duração. Os vocais se juntam ao órgão também, isso é muito bom. O violino entra antes de 4 minutos e meio, os sintetizadores também. Guitarra pesada antes de 6 minutos e meio. Os vocais voltam aos 8 minutos. O violino antes dos 12 minutos. Então o órgão 16 minutos depois, finalizando.

É muito revigorante ouvir o NEXUS nesta situação, especialmente porque eles tiveram tanto sucesso nisso. Como Luis menciona no encarte, este é um NEXUS mais cru e direto.

RECOMENDADO!!!
                                     
Tracks:
1. Plaga (17:51)
2. El Reves Del Espejo (5:34)
3. Servicio De Lounge (14:39)
4. No Pizza (14:25)
5. Dame Un "La" (0:55)
6. Danza Mental (18:12)
Time: 71:36

Musicians:
- Carlos Lucena / guitar
- Lalo Huber / keyboards
- Daniel Ianniruberto / bass
- Luis Nakamura / drums & percussion
With:
- Lito Marcello / vocals (6)
- Ricardo Soulé / violin (6)


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CRONOLOGIA

La Divina Comedia (2011) 

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THE WATCH • Primitive • 2007 • Italy [Neo-Prog]

 



THE WATCH lançou em 2007, esse seu terceiro álbum fantástico freneticamente intitulado "Primitive". Se "Ghost" foi bastante equilibrado e "Vacuum" teve alguns momentos fracos e principalmente geniais, "Primitive" é um passo para áreas mais "calmas" e até pastorais. É como "Trespass" para o GENESIS o que não significa que seja um retrocesso para uma banda que já lançou seu "Foxtrot" ("Ghost") e "Selling England…" ("Vacuum") é apenas muito acústico registro suave e melotrônico. THE WATCH não perdeu seus poderes e energia – faixas como "Two Paces to the Rear" e a abertura "Sounds of Sirens" Tem impulso e groove imensos. Terceiro: Simone ainda consegue criar músicas Prog. Músicas como "Soaring On", "The Border", "Another Life" são possíveis sucessos de qualquer rádio, mesmo das mainstream, mas ainda têm esse sabor de THE WATCH.

A abordagem moderna unida ao mellotron vintage e aos sons da guitarra Hackettianos criam uma maneira única do WATCH ainda equilibrando entre o estilo clássico do GENESIS e seu próprio estilo, este é um rosto por trás da máscara, e você deve olhar mais fundo, meu querido ouvinte. Aproveite!

                             
Tracks:
1. Sound Of Sirens (8:00)  ◇
2. The Border (4:15)  ◇
3. Two Paces To The Rear (9:08)  ◇
4. When I Was A Tree (6:00)
5. Another Life (6:10)  ◇
6. Berlin, 1936 (8:55)  ◇
7. Soaring On (4:37)
Time: 47:05

Musicians:
- Simone Rossetti / vocals, flute, Moog, Mellotron, Solina
- Ettore Salati / electric, acoustic & 12-string guitars, bass pedals
- Fabio Mancini / piano, organ, synth, Mellotron
- Marco Schembri / bass, electric & acoustic guitars
- Roberto Leoni / drums, percussion
With:
- Sergio Taglioni / Moog solo (7), mixing
- Simone Stucchi / producer

MUSICA&SOM

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CRONOLOGIA

(2004) Vaccum
Planet Earth? (2010)
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Sleepytime Gorilla Museum – of the Last Human Being (2024)

 

Mesmo antes dos efeitos agravantes das pequenas telas e da desconexão social, o Sleepytime Gorilla Museum previu as lutas do último ser humano. Ressuscitados após 13 anos, o retorno da banda é, para muitos, o esperado retorno de seus estranhos messias do rock. A banda tem pregado sobre o último humano há mais de uma década. No mundo deles, o apocalipse já aconteceu; estamos apenas presos em seu rastro sempre presente.
A SGM construiu seu som - uma confluência sobrenatural de progressivo ambicioso, metal maníaco, rock magnético, cabaré excêntrico e vanguarda misteriosa - em torno de interesses na composição clássica contemporânea do século XX e na ênfase textural da música industrial. Conceitualmente, envolve muito mais. Isso é rock de oposição,…

MUSICA&SOM

…“ROCK AGAINST ROCK”, como está enterrado nas notas do álbum; os significantes de gênero raramente encapsulam todo o espetáculo em exibição.

Nos primeiros anos do grupo, amizades levaram a SGM a lançar seu segundo álbum, Of Natural History, pelo selo Web of Mimicry de Trey Spruance, criando associações artísticas que ainda se aplicam. Mas foi a intrépida fronteira da SGM entre música, teatro, humor e artes visuais, juntamente com os impulsos dadaístas – irracionalidade, absurdo, heterodoxia e uma visão revolucionária oscilando entre o terror e o triunfo – que os ajudaram a acumular seguidores de culto.

Se não parece que muita coisa mudou, é porque a banda começou a maioria das músicas de seu novo quarto LP de produção própria, do Last Human Being , por volta de 2010, adicionando overdubs nos anos seguintes. Assim, embora não quebre o molde, a existência da SGM ainda o faz, e sem dúvida os seus seguidores abraçarão o regresso à forma. Várias faixas originam-se de músicas de shows sobre o personagem principal do álbum, mas apesar das afirmações da SGM sobre sua natureza aleatória e músicas de diferentes períodos, a coleção é atipicamente coesa. Escolhas de produção e uso de estranhezas instrumentais que vão desde o cotidiano (panelas, frigideiras, sinos, lâminas de serra, roda de bicicleta montada), até o caseiro (pâncreas elétrico, tora de piano deslizante, wiggler com pedal), até o raro (marxofone , nyckelharpa, glockenspiel), instilam um toque DIY distinto, contribuindo para o som estranho e inclassificável do SGM.

A tradição da SGM tece uma complexa teia de mitos. Os multi-instrumentistas do grupo (Nils Frykdahl, Carla Kihlstedt, Matthias Bossi, Dan Rathbun e Michael Mellender) são vocalistas rotativos, os dois primeiros oferecendo a dinâmica mais emocionante, com o último sendo um contraponto ágil e angelical ao Dr. e Sr. A abertura “Salamander in Two Worlds” é como uma sessão musical, onde depois de uma serenata de sinos, assobios e encantamentos, uma possessão se instala, liberando tambores torrenciais e riffs frenéticos enquanto Frykdahl grita e respira fúria sobre a tempestade perturbada ao seu redor. Liricamente, fala do crescimento da salamandra e de se tornar “forte devido ao veneno”, um refrão que Frykdahl disse que celebra “a fragilidade e resiliência quase possíveis das vítimas do progresso”. As salamandras têm sido associadas ao fogo, à renovação e à transformação. A música e os significados são multidimensionais, com o título da faixa derivado do livro “Ishi in Two Worlds” de Theodora Kroeber, uma biografia sobre Ishi capturado e desumanizado, o último membro conhecido do povo nativo americano Yahi.

Gravado em 2004 e lançado anteriormente como um single de 7”, “SPQR” amplifica o barnburner em uma cena de perseguição corra pela sua vida, mantendo a implacabilidade do original, mas com uma linha de baixo faminta – como uma cria do verme da areia de Pacman e Beetlejuice . – mastigando seu rabo. A banda é especializada em evocar imagens bizarras, desde a música até trajes de palco e visuais mágicos, e o escárnio da faixa sobre a brutalidade do Império Romano se alinha com as preocupações humanistas do Museu. “O Presente” pode ser seu nome ou uma maldição, mas seu verso “Deixe sua casa / O sol ainda brilha / Em um mundo não feito / Em sua mente” estimula esperança e fortaleza interior. O talento do grupo para anti-hinos que arranham o céu também está intacto, como a frase titular zumbindo até o esquecimento em “Burn Into Light”, que também apresenta um dos ganchos mais infernais do LP e colapsos de arrancar sorrisos, enquanto “El Evil” é uma marcha de chamada e resposta através do funk labiríntico e dos feitiços satânicos raivosos de Frykdahl, passando por vários métodos até a loucura da banda.

Enigmáticas e muitas vezes inspiradas em pontos de vista esotéricos, as letras da banda utilizam surrealismo, simbolismo, alegorias e metáforas para contar histórias distorcidas ligadas à natureza, sociedade, vida e morte. Faixas lideradas por Kihlstedt, como “Silverfish”, constroem climas taciturnos e histórias evocativas, apoiando-se em seus vocais medidos e fascinantes, violino e tons sustentados antes de progredir para varreduras de gabarito celta e cantos catárticos desequilibrados, superando a solidão para dançar novamente. “We Must Know More” equilibra o cabaré exagerado e o espástico “Save It!” cheira a estranheza de Primus, Bungle ou Beefheart, enquanto a sombria e dramática “Hush, Hush”, gravada após a reunião da banda, faz Kihlstedt homenagear anjos e demônios que surgem quando o anoitecer chega. Embora algumas letras pareçam clichês, versos como “Hide and seek / Finders Keepers / Losers Weepers” raramente são entregues de forma tão emocionante.

Os fãs do Museu financiaram coletivamente esta tragicomédia épica do fim dos tempos, um curta-metragem e uma extensa turnê que inclui a convocação de tensão, terror e triunfo no Stanley Hotel, a casa do The Shining , por duas noites de março. “Old Grey Heron” da penúltima faixa viveu uma vida distinta, lutando uma guerra mundial apenas para marchar pela paz “de novo e de novo e de novo”. Ele era compassivo, conhecia os verdadeiros tesouros da vida e, como não é justo, “sempre tentou compartilhar as coisas que possuía”. À medida que a garça foge, as palavras finais do disco são um apelo à comunidade, à ligação e continuidade do Museu aos seus devotos e vice-versa: “Nós amamos você, por favor, fique conosco mais um dia

Big Big Train – The Likes of Us (2024)

 

Sempre seria impossível ouvir o primeiro álbum do Big Big Train com o novo vocalista Alberto Bravin (da banda italiana do prog PFM) sem procurar pistas de como a morte súbita e traumática do vocalista anterior David Longdon os afetou.
A impressão imediata é que Bravin se encaixa muito bem na banda. Ele tem a mesma abordagem atenciosa e deixa sua marca como jogador de equipe. Mas há momentos ocasionais em que se pode detectar que uma abordagem mais individual surgirá no devido tempo.
A música continua a mesma mistura sedutora do Genesis dos anos 70 e da música clássica inglesa, temperada com um pouco do Gerador Van Der Graaf, mas as letras assumiram um toque mais pessoal,…

MUSICA&SOM

… Melhor exemplificado pela alienação expressa em Oblivion, que tem uma seção intermediária soberba e sonhadora com guitarra pesada, finalizada por algumas batidas alegres.

A trilha marcante é outra de suas histórias épicas, dando as boas-vindas a Bravin com Miramare, nome de um castelo perto de Trieste onde ele mora atualmente

Family – It’s Only a Movie (Remastered Expanded Edition) (2024)

 

…recentemente remasterizado a partir das fitas master e também inclui 19 faixas bônus extraídas de singles e gravações de estúdio inéditas, juntamente com um CD bônus de sessões da BBC Radio de 1973, incluindo uma excelente performance In Concert e uma sessão final para o show Top Gear .
Gravado em Somerset utilizando um estúdio móvel e no Olympic Studios no verão de 1973, este foi o último álbum de estúdio do Family apresentando mais uma formação da banda. O vocalista Roger Chapman, o guitarrista John “Charlie” Whitney e o baterista Rob Townsend, baixista recrutado, juntaram-se aos novos membros Tony Ashton (teclados) e Jim Cregan (baixo, guitarra). Lançado em setembro de 1973, o álbum encerrou um capítulo sobre uma das bandas mais exclusivas da Grã-Bretanha.

MUSICA&SOM

Para um canto do cisne, este é muito bom. Geralmente, neste ponto da carreira de uma banda, quando as mudanças de pessoal se tornam mais frequentes, os shows ao vivo se tornam mais imprevisíveis e o uso de substâncias parece se tornar mais central para a banda do que cantar e compor, você pensaria que Family (uma banda que festejava como difícil como qualquer outro) simplesmente tossiria um último pedaço de lixo e diria até logo. Mas Movie é um disco descontraído, engraçado e descolado, com uma disposição quase ensolarada. As músicas demoram um pouco para aparecer, mas quando isso acontece, faixas como “Boots N Roots” e “Boom Bang”, com sua arrogância e influência, acabam soando tão boas quanto qualquer trabalho anterior da banda. Totalmente ignorado no lançamento, Movie foi um daqueles discos que parecia ir direto para as caixas recortadas, um final adequado para a carreira de Family na América.

Destaque

David Shea – Meditations (2026)

Artist: David Shea Album: Meditations Genre: Ambient Released: 2026 Tracklist: 01 – A Sutra 02 – A Sunset Walk 03 – Sitting In A Painted Cav...