Crítica ao disco de Gravity Fields - 'Disruption' (2023)

 Gravity Fields - 'Disruption' (2023)

(21 abril 2023, RedPhone Records)

Hoje temos o prazer de apresentar uma grande novidade de Barcelona, ​​​​Espanha: o quarteto GRAVITY FIELDS , que é formado por Alex Ojea [bateria], Toni Munné [baixo], Jordi Prats [guitarra] e Jordi Amela [teclados], que já tem seu álbum de estreia ' Disruption ' no mercado. Este lançamento fonográfico que proporciona uma convergência criativa e vital entre rock progressivo, jazz-rock e eletrônica foi publicado em 21 de abril pelo selo RedPhone Records, causando agitação instantânea em vários blogs de língua espanhola que promovem o rock artístico.

E não é à toa, pois é um álbum muito bem feito, mas nos deteremos em seus detalhes mais tarde. O quarteto contou com a colaboração ocasional do flautista-saxofonista Pep Espasa em uma das músicas deste álbum. Este grupo é novo, mas os seus membros não: na verdade, três deles, Ojea, Prats e Amela, já eram colegas das bandas HARVEST e ON THE RAW , dedicadas ao neo-prog e ao jazz-prog, respetivamente. Além do mais, nos anos 90 existia o lembrado grupo neoprogressivo DRACMA que reunia Amela e Prats junto com outros membros em formações variáveis. O mencionado músico convidado Espasa é membro do ON THE RAW. Enfim, esses três velhos conhecidos se uniram a Munné para formar o GRAVITY FIELDS, cujo objetivo é cultivar a proposta eclética que descrevemos acima. A sucessão das 11 canções que compõem “Disruption” é montada sob um conceito orientador centrado na forma como a espécie humana evolui num caminho que nos empurra para um futuro muito incerto. É hora de rever os detalhes do repertório contido em “Disruption”.

A música encarregada de abrir o repertório é ‘Rage’, que se baseia numa exposição inteligente de matrizes pós-rock e space-rock que se cruzam num amálgama progressivo igualmente marcado pelo vigor do rock e pela preciosidade musical. O esquema melódico flui com total clareza através das intervenções da guitarra e dos teclados, enquanto o duo rítmico proporciona uma solidez majestosa ao swing firme criado para a ocasião. Após esse bom início de disco, surge 'Mutants', uma música mais ágil e que mostra uma pulsação jazz-rock convincente para dar um toque mais gracioso ao esquema de trabalho sonoro iniciado pela música de abertura. Os teclados brilham particularmente com seus solos energéticos, que estão de certa forma relacionados ao paradigma NIACIN, enquanto todo o bloco do grupo mostra sua expertise para criar e sustentar grooves marcantes e requintados. Com a dupla subsequente ‘The Escape’ e ‘Coyote’, o grupo avança continuamente com sua estratégia de explorações sonoras refinadas. A primeira das referidas peças mergulha mais plenamente no discurso jazz-rock com nuances de pretensões progressivas, fazendo com que o motivo central se expanda numa confluência de força e calor; Em relação a esse detalhe, ele nos lembra um pouco o padrão do próprio ON THE RAW. Quanto a 'Coyote', que é o item mais longo do álbum com 6 ¼ minutos de duração, é uma excursão pela área do jazz-fusion com um pé na sonoridade contemporânea e outro na nostalgia do fim do Anos 70: digamos que há algo do WEATHER REPORT do período 78-82 operando no desenvolvimento do sofisticado groove sobre o qual se ativam os 2/3 iniciais da engenharia desta peça. Uma menção especial vai para o majestosamente refinado trabalho de bateria nos vários ambientes que aqui acontecem. A sequência das músicas 2 a 4 completa o apogeu do álbum. Quando chega a vez de 'Saturno Park', o grupo começa a tocar com um dinamismo mais direto e um gancho explícito, amigável embora sem abrir mão da sofisticação estrutural, como se nota em certas quebras rítmicas e mudanças de atmosfera que ocorrem ao longo do percurso. .

'The Hard Core' continua no caminho de extroversão marcante e magnética traçado pelo álbum anterior e dá uma guinada em direção ao hard rock progressivo com nuances de jazz-rock. Assim teria soado a JOURNEY dos três primeiros álbuns se tivessem surgido no novo milénio arrastando as influências do prog e do prog-metal dos anos 90 ao mesmo tempo que os actualizavam dentro de uma pomposidade contemporânea (algo como um cruzamento entre ECLAT, FATES WARNING e PROVIDÊNCIA ESPECIAL). 'Gliders' segue em direção a atmosferas evocativas de tenor sinfônico progressivo que mostram influências de CAMEL e GENESIS através de filtros ostensivamente atualizados. A vitalidade e a beleza discretas inerentes aos motivos organicamente agrupados são efetivamente realçadas pelas camadas orquestrais sintetizadas e pelos solos de guitarra e teclado que emergem ao longo do caminho. A alternância entre serenidade e robustez preciosa que os tambores fazem é crucial para deixar brilhar o desenvolvimento temático com luz própria. Outro destaque do álbum. 'Detuned Love' caracteriza-se por estabelecer uma síntese entre os espíritos expressivos anteriormente captados nas músicas #2 e #3; Ou seja, é um encontro fluido e ágil entre o jazz-rock progressivo e o jazz-fusion meticulosamente refinado. A guitarra goza de certo destaque dentro da estrutura sonora do grupo, e até cria um breve exemplo de lançamentos psicodélicos à la STEVE HILLAGE na metade da música em questão. 'Ingravity' é responsável por dar um novo toque ao lado progressivo-sinfônico da banda com um clima evocativo, embora ainda preservando um vigor jazz-rock de forma convincente. 'Prime Time' mergulha num regresso às arenas do jazz-rock com um teor fusionesco, e fá-lo com um brilho marcante que tem algo a ver com os ornamentos cósmicos que entram em jogo em certas passagens estratégicas. O encerramento do repertório vem com 'Transition' e tem como missão completar de forma confiável o casamento do jazz-prog e do space-rock que a música anterior apenas indicava com relativa proximidade e para a qual a primeira música do álbum apontava parcialmente. O esquema sonoro desta peça final é muito rico em nuances, exibindo um caleidoscópio de múltiplas abordagens expressivas que se organizam numa compacidade imaculada e, acima de tudo, ligando-se de forma coerente com muitos dos standards elaborados em diversas peças anteriores.

Em suma, para resumir, “Disruption” é uma delícia musical que reforça a enorme relevância da presença espanhola na multiforme cena progressista internacional. O pessoal do GRAVITY FIELDS se exibiu em grande estilo ao unir coletivamente suas ideias e energias para criar um álbum que é 400% recomendado (cem para cada membro) em qualquer boa biblioteca de música dedicada ao rock artístico de nossos tempos. Participação imperdível em nossas agendas de amantes da música neste ano de 2023!

- Amostras de 'Disruption':

 

Crítica sombria mas gratificante de ‘Orpheus Descending:’' de John Mellencamp

 

O último álbum de John Mellencamp – Strictly a One-eyed Jack , de 2022, seu primeiro lançamento em cinco anos – não vendeu bem nos Estados Unidos, o que pode explicar em parte por que ele voltou tão cedo com uma continuação. Orfeu Descendente , seu 25º LP de estúdio, mostra Mellencamp abordando temas políticos, como o controle de armas em “Hey God” e a falta de moradia em “The Eyes of Portland”, bem como lutas pessoais, como em “The So-Called Free”, que pode ser sobre seu romance fracassado com a atriz Meg Ryan. Bruce Springsteen, que tocou em três faixas do último álbum, não está aqui, mas contribui com a melancólica “Perfect World”, única capa do LP.

John Mellencamp em 29 de setembro de 2022 (Foto: Janet Macoska para o Rock Hall; usado com permissão)

Seus vocais estão mais ásperos do que nunca em Orpheus Descending ; Mellencamp dificilmente parece o mesmo cantor que cantou sucessos como “Jack and Diane” e “Pink Houses” na década de 1980, o que não é surpresa, visto que ele fuma como uma chaminé há mais de meio século. Ainda assim, seus vocais podem ser eficazes, especialmente em faixas como “Lightning and Luck”, onde são acompanhados pelo doce violino de Lisa Germano, que tocou em destaques como The Lonesome Jubilee, de 1987 , e retorna ao grupo aqui depois de um trimestre. século.

Comparado com álbuns como esse, este novo disco, lançado em 16 de junho de 2023, é relativamente sombrio e pessimista; não espere nenhum toque exuberante e instantaneamente adorável como “Paper in Fire” ou “Cherry Bomb”. Dito isto, Orfeu Descendente parece sincero e contém mais do que alguns números discretos que recompensarão a audição repetida.

Ouça diversas faixas de Orpheus Decrescente

'Live at the Matrix' do The Doors mostra a banda em 1967: crítica

 

Em março de 1967, o The Doors já existia há quase dois anos e seu álbum de estreia homônimo já havia sido lançado há dois meses. Mas o disco - que acabaria por passar mais de dois anos no Hot 100 da Billboard , chegando ao segundo lugar - ainda não havia entrado nas paradas. Além disso, o lançamento de seu grande single #1, “Light My Fire”, ainda estava a mais de três meses de distância.

Como tal, a banda era pouco conhecida quando subiu ao palco por cinco noites - de 7 a 11 de março - no pequeno mas importante clube Matrix de São Francisco, onde bandas como Velvet Underground e Jefferson Airplane também tocaram. O local tinha capacidade para cerca de 120 pessoas, mas estaria quase vazio para os shows do Doors, dois dos quais foram gravados por Peter Abram, que era co-proprietário do local depois que o cofundador Marty Balin, um dos cantores do Airplane, vendeu sua participação nele.

[Observação: as faixas ao vivo do Matrix recentemente remasterizadas do Doors não foram enviadas para seu canal no YouTube.]

Algumas faixas dessas gravações - que estavam entre os primeiros shows do quarteto a serem preservados em fita - apareceram em The Doors: Box Set em 1997, e um lançamento de dois CDs em 2008 apresentava 24 das músicas que foram gravadas. No entanto, esses álbuns não se basearam nas fitas master originais. E embora também tenha havido piratas, estes também evidenciaram qualidade de som inferior. Essas deficiências são abordadas no novo Live at the Matrix 1967 do Doors , um conjunto de edição limitada de três CDs (ou cinco LPs), lançado em 8 de setembro de 2023, extraído dos rolos de fita de sete polegadas da primeira geração. e inclui todas as 37 músicas que Abrão gravou. Oito delas não foram lançadas anteriormente, enquanto a maioria das outras não estava disponível anteriormente em fitas de primeira geração (embora 15 dessas faixas tenham sido oferecidas como vinil exclusivo do Record Store Day em 2017 e 2018).

A programação, que dura bem mais de três horas e inclui dois espetáculos completos, é ampla. Abrange oito das 11 músicas do LP de estreia dos Doors, entre elas “The Crystal Ship”, “Light My Fire”, “Twentieth Century Fox” e duas versões de cada uma de “Alabama Song (Whisky Bar)”, “Back Door Man”, “Break on Through”, “The End” e “Soul Kitchen”. Também são apresentadas as primeiras versões de seis das 10 faixas que apareceriam no Strange Days , cujo lançamento ainda estava a mais de meio ano de distância: “Unhappy Girl”, além de duas versões de cada uma de “I Can't See Your Face”, “Moonlight Drive”, “My Eyes Have Seen You”, “People Are Strange” e “When the Music’s Over”. Além disso, há duas leituras de “Summer's Quase Gone”, que só apareceriam no disco quase um ano e meio depois, com o lançamento de Waiting for the Sun.

As Portas em 1967. l. à direita: Jim Morrison, John Densmore, Ray Manzarek, Robby Krieger (foto publicitária inicial da Elektra Records)

Isso não é tudo. As setlists incluem uma variedade de covers de blues e R&B, entre eles “Close to You” de Willie Dixon, “Crawling King Snake” de John Lee Hooker, “Gloria” de Van Morrison, “I'm a King Bee” de James Moore, “I'm a King Bee” de Bo Diddley”. Who Do You Love”, “Rock Me Baby” de BB King e “Get Out of My Life Woman” de Allen Toussaint. Acredite ou não, o Doors também oferece uma versão instrumental de “Summertime”, o padrão de George Gershwin e Dorothy e Dubose Heyward que Janis Joplin também faria um cover com o Big Brother e a Holding Company.

Talvez o mais intrigante sejam os covers instrumentais inéditos de dois números de jazz, “All Blues” de Miles Davis e “Bags' Groove” de Milt Jackson, ambos incorporando elementos do som característico dos Doors. Quanto ao material original do grupo, a maior parte traz arranjos, instrumentação e vocais que não estão muito distantes do que se ouve nas já conhecidas gravações de estúdio. Há exceções, porém, como em “Light My Fire”, que na versão Matrix está faltando a introdução do teclado de Ray Manzarek que inicia a versão de estúdio de forma tão poderosa.

A música é consistentemente excelente. Só não espere que seja particularmente revelador – exceto na medida em que mostra o quão plenamente formada a visão dos Doors estava desde o início.

Ouça uma versão previamente remasterizada do primeiro grande sucesso da banda

Nº1 Fulfillingness’ First Finale, Stevie Wonder – Setembro 14, 1974

 Producer: Stevie Wonder

Track listing: Smile Please / Heaven Is 10 Zillion Light Years Away / Too Shy to Say / Boogie on Reggae Woman / Creepin’ / You Haven’t Done Nothin’ / It Ain’t No Use / They Won’t Go When I Go / Bird of Beauty / Please Don’t Go

14 de setembro de 1974
2 semanas

Em 1974, Stevie Wonder completou a transição de jovem gênio musical para um dos compositores/músicos mais inovadores e independentes da cena pop. Em 1971, após completar 21 anos, Wonder tomou uma atitude ousada ao renegociar seu contrato com a Motown e estabelecer sua própria editora Taurus Productions e Black Bull. E Wonder não estava apenas quebrando os padrões no lado comercial - com seus álbuns do início dos anos 70, Music of My Mind , Talking Book e Innervisions , Wonder tocou praticamente todos os instrumentos, levando o sintetizador em particular a novos patamares. Os dois últimos álbuns, que alcançaram o número três e quatro, respectivamente, também marcaram a primeira vez que Wonder atingiu o top 10 da parada de álbuns desde Little Stevie Wander/The 12 Year Old Genius .

“Boogie on Reggae Woman”, uma das músicas mais conhecidas do próximo álbum de Wonder, Fulfillingness' First Finale , foi originalmente programada para Innervisions . “Mas simplesmente não parecia certo para aquele álbum”, diz Wonder. “Voltei e tinha uma demo de 'Golden Lady', que originalmente se chamava 'Oh Little Lady', e parecia melhor naquele lugar no Innervisions, então acabei guardando 'Boogie on Reggae Woman' para o próximo álbum. .”

Enquanto “Boogie on Reggae Woman” foi impulsionada pela alegria de Wonder, outra faixa memorável de Fulfillingness' First Finale foi alimentada por sua raiva. Em “Você não fez nada”, Wonder mirou no presidente Richard Nixon e em outros políticos que não estavam cumprindo suas promessas de campanha. “Não se tratava apenas de Nixon”, diz Wonder. “Tratava-se do clima político da época. Muitos políticos estavam prometendo coisas e depois de um tempo é como, 'Vamos lá.' Eu estava pensando em toda a situação do Vietnã, no que aconteceu com isso, nos soldados que haviam passado e no Agente Laranja.”

A faixa “They Won't Go When I Go” na verdade datava do verão de 1971. “Fiquei triste porque tinha saído da Motown, mas não tinha assinado contrato com ninguém. Muitas pessoas estavam me incomodando, perguntando o que eu ia fazer. Eu simplesmente voltei ao estúdio e anotei a melodia básica e a ideia. Anos depois, Yvonne Wright criou uma ótima letra para ela.”

Fulfillingness' First Finale se tornou o segundo álbum de Wonder no topo das paradas em sua sexta semana nas paradas. “You Haven't Done Nothin'”, com Jackson 5 nos backing vocals, foi o primeiro single lançado do álbum. Em 2 de novembro de 1974, tornou-se o quarto single número um de Wonder. “Boogie on Reggae Woman” atingiu o topo da parada de R&B, tornando-se o décimo R&B número um de Wonder, e alcançou a posição número três no Hot 100.

O uso da palavra Finale no título do álbum foi apropriado, porque o First Finale do Fulfillingness marcou o fim de um capítulo da carreira de Wonder. Concluiu o relacionamento de trabalho de quatro anos e quatro álbuns de Wonder com os produtores associados Malcolm Cecil e Bob Margouleff. “Não perdemos nossa amizade”, diz Wonder. “Estávamos num ponto em que decidimos que era hora de crescer.”

OS CINCO MELHORES
Semana de 14 de setembro de 1974

1. Fullfillingness’ First Finale, Stevie Wonder
2. Bad Company, Bad Company
3. 461 Ocean Boulevard, Eric Clapton
4. Endless Summer, Beach Boys
5. Rags to Rufus, Rufus

Nº1 Bad Company, Bad Company – Setembro 28, 1974

 Producer: Bad Company

Track listing: Can’t Get Enough / Rock Steady / Ready for Love / Don’t Let Me Down / Bad Company / The Way I Choose / Movin’ On / Seagull

28 de setembro de 1974
1 semana

Quando o ex-vocalista do Free Paul Rodgers e o baterista Simon Kirke se reuniram com o ex-guitarrista do Mott Hoople, Mick Ralphs, e o baixista do King Crimson, Boz Burrell, no verão de 1973, alguns o chamaram de supergrupo. “Estávamos muito entusiasmados e entusiasmados com o novo material”, diz Rodgers. “Todos nós viemos de bandas que tocavam muito ao vivo, então houve uma sensação instantânea ao vivo.”

Bad Company nasceu de uma série de conversas nos bastidores no início dos anos 70 entre Rodgers e Ralphs. O grupo pós-Free de Rodgers, Peace, foi uma banda de apoio em uma turnê com os glam-rockers britânicos Mott the Hoople quando Ralphs. “Nós tocamos na afinação dos amplificadores nos bastidores”, diz Rodgers. “'Ele estava um pouco frustrado com o que estava fazendo, então começamos a trabalhar no material. Algumas músicas eram muito boas, como 'Can't Get Enough', mas não eram tocadas pela banda dele.”

Embora as sementes tenham sido plantadas para Bad Company, Rodgers voltou e gravou dois álbuns com o Free reunido antes que a banda se desfizesse novamente. Quando Ralphs deixou Mott, ele, Rodgers e Kirke formaram a Bad Company. Burrell completou o quarteto alguns meses depois.

Com a formação completa, Bad Company se tornou o primeiro artista a assinar com o selo Swan Song, de propriedade do Led Zeppelin e de seu empresário Peter Grant, que também contratou Bad Company como cliente. “Houve interesse imediato na banda e foi uma grande abertura de portas para nós”, diz Rodgers sobre a conexão com o Led Zeppelin. “Significava que, amando-nos ou não, todos iriam pelo menos nos ouvir.”

Bad Company foi gravado em novembro de 1973 no Mobile Studio de Ronnie Lane em Headley Grange, Hampshire, em apenas 10 dias, virtualmente ao vivo, embora a banda não tivesse se apresentado junta no palco naquele momento. “Fizemos isso em uma casa mal-assombrada muito antiga, com o estúdio móvel do lado de fora”, lembra Rodgers. “Tínhamos a bateria instalada no corredor, porque acrescentava um eco muito agradável, e o vocal nesta grande sala com uma enorme lareira, porque era uma vibração agradável.” Em “Bad Company”, a música tema da banda, Rodgers saiu para o ar livre. “Montamos um microfone no meio do campo. Eu fiz o vocal daquela música ali mesmo, à meia-noite com a lua”, diz ele.

Embora “Can't Get Enough” de Ralphs, movido por acordes poderosos, estivesse além do alcance vocal do vocalista do Mott the Hoople, Ian Hunter, e, portanto, rejeitado por aquela banda, era o veículo perfeito para os vocais roucos e encharcados de blues de Rodgers. “Assim que ouvi, soube que era uma música que eu poderia cantar e cantar”, diz Rodgers.

Logo após o lançamento do álbum, a banda pegou a estrada na América com o Edgar Winter Group. O empresário Grant aprendeu com o Led Zeppelin que as turnês impulsionam as vendas de álbuns. “No início da turnê, o álbum estava em 99º lugar [na verdade, estreou em 75º lugar em julho de 1974]”, lembra Rodgers, “e no final da turnê, o álbum estava em primeiro lugar”.

OS CINCO MELHORES
Semana de 28 de setembro de 1974

1. Bad Company, Bad Company
2. Endless Summer, Beach Boys
3. Fulfillingness’ First Finale, Stevie Wonder
4. If You Love Me, Let Me Know, Olivia Newton-John
5. Caribou, Elton John

Gravado em Paris durante novembro de 1968, Good Feelin' foi o álbum que reacendeu o interesse público na vida e música de Aaron "T-Bone" Walker

Gravado em Paris durante novembro de 1968, Good Feelin' foi o álbum que reacendeu o interesse público na vida e música de Aaron "T-Bone" Walker em toda a Europa e até mesmo em algumas partes dos Estados Unidos. O álbum começa e termina com narração informal falada por Walker enquanto se acompanha no piano. A banda por trás dele nas outras dez faixas inclui o guitarrista Slim Pezin, o pianista Michel Sardaby e o saxofonista camaronês Manu Dibango soprando tenor ao lado de Pierre Holassian no alto, Francis Cournet no barítono, e um trompetista cuja identidade permanece um mistério. Com a guitarra eléctrica escaldante do T-Bone e os chifres a lamentar sobre sulcos de órgão e linhas de baixo recém-cheiradas, toda esta música é rica e poderosa. Cada faixa é deliciosa, e o strut instrumental funky intitulado "Poontang" é o mais saboroso de todos. O CD foi lançado na França em 1993.

The Georgia Satellites é uma banda americana de rock sul-americana de Atlanta, Geórgia

The Georgia Satellites é uma banda americana de rock sul-americana de Atlanta, Geórgia. Eles alcançaram o sucesso mainstream com seu álbum de estreia auto-intitulado de 1986, apresentando seu single mais conhecido "Keep Your Hands to Yourself", que alcançou o 2o lugar na Billboard Hot 100. Jeff Glixman, que tinha produzido, mixado e remasterizado artistas como Paul Stanley, Kansas, Gary Moore, Yngwie Malmsteen e Black Sabbath, foi recrutado para a produção. Em 1986, o grupo assinou com a Elektra Records para gravar seu álbum de estreia completo no Cheshire Sound Studios em Atlanta. Entrou em rotação pesada na MTV. Outras canções menos conhecidas incluíam "Battleship Chains" (No. 86), escrita por Terry Anderson, e "Can't Stand the Pain", mas os Satellites nunca tiveram outro hit no top 40. Nesse mesmo ano, os MTV Video Music Awards surgiram. Mary Deacon venceu o prêmio de Melhor Diretor de Arte pelo vídeo da música "Keep Your Hands to Yours A banda lançou Lightnin' in a Bottle, um álbum ao vivo gravado em 1988 em Cleveland, em 11 de março de 2022.