sexta-feira, 3 de maio de 2024

St. Vincent - All Born Screaming (2024)

O fatalismo contemporâneo traz à tona o choque ousado de All Born Screaming. O último álbum do St. Vincent não deve ser uma surpresa temática. Exercitando o estilo que Strange Mercy desenvolveu com a escrita como um trabalho diário e a performance como uma parte rudimentar da experiência, St. Vincent deu voltas e reviravoltas com a criação da música. Para este último esforço, há um senso de urgência. All Born Screaming é um artista cimentado e reverenciado, com medo de seu som e que espera ir mais fundo, para entender por que os ouvintes encontram conforto e esperança nos momentos mais sombrios. Um baixo pesado abre Hell is Near e a partir daí St. Vincent desliza através de um álbum intimista e aberto que cobra um dos melhores lançamentos deste ano. Morder mais do que você consegue mastigar é uma expectativa agora, não uma conquista. São Vicente reflete sobre isso e muito mais com este esforço mais recente e possivelmente melhor.

Essas dicas que St. Vincent pegou emprestado de Nick Cave - a construção da escrita como um trabalho diário e a criatividade canalizada para a rotina - certamente são ouvidas em Reckless. Coisas poderosas e empolgantes apenas esperando pela inevitável mudança de ritmo. A explosão que se segue é a que o título permite e a falta de restrição que São Vicente demonstra aqui é impressionante. Explosões violentas e instrumentais provocam uma sensação de paranóia, mas depois pense naqueles gritos repetidos de “O que você está olhando?” um pouco mais e tudo fica muito claro. Aqueles olhares indiscretos e olhares fixos na rua não estão na sua cabeça, mas sim um desafio. St. Vincent tem consistentemente impulsionado seu trabalho, mas crucial para esse brilho é arrastar o público também, chutando, gritando e coçando a cabeça. Para aqueles que apreciam a resistência de paredes sonoras impressionantes, basta olhar para a percussão excepcional e o ponto fraco distorcido de Flea.

Uma primeira metade impressionante de reduções fortes e fortes traz à tona o melhor que São Vicente pode oferecer. Uma subversão de seus sons anteriores encontra o impressionante boom de novos horizontes. Big Time Nothing está pedindo, não, dizendo, aos ouvintes que se sentem eretos e prestem atenção à complacência das noções contemporâneas. Decida-se e siga o ritmo estabelecido à medida que ele se move para um leve groove de guitarra new wave antes que ele lhe diga para olhar mais fundo. Todos nós precisamos reservar mais tempo para isso, isso é apenas um fato. Olhe para frente e não chegue a lugar nenhum, mas aqueles erros que apertam nossos nervos e mais tarde se tornam uma lição integral são as experiências com as quais devemos nos deleitar. St. Vincent é um letrista tão forte quanto um guitarrista. All Born Screaming é onde os dois se encontram com perfeição sucinta. Entenda o caos do mundo real ouvindo uma caixa de som do que podemos vivenciar lá fora, percorrendo as ruas enquanto mantemos a cabeça baixa e sobrevivemos.

Mas o que é a sobrevivência sem amor e carinho puro como esse? Podemos todos ter nascido gritando, como afirma São Vicente com este título, mas é o jazz suave e fresco de Tempos Violentos que nos une. Perca-se, mas não aqueles que você ama, com este tom vocal e cordas suaves do tipo Diamonds Are Forever. Em uma contraposição astuta à ideia de que os melhores só são lembrados por sua arte, há um sentimento de orgulho pelo seu amor, mesmo que seja puro e único em suas conquistas. São Vicente implora um sentimento fútil em condições difíceis, ao nos lembrarmos de nossos contemporâneos por sua determinação e não por sua raiva. All Born Screaming é uma das poucas obras que capta o sentimento fútil dos dias modernos e expressa-o com sinceridade e direcionamento para os próximos passos, a luz no fim do túnel.

Se esta é a luz da salvação e a razão justa para as nossas ações ou o fogo que domina o constante abridor elétrico de The Power's Out, não está aqui nem ali. Seja qual for a direção, há um caminho para sair da escuridão, e é através de letras intensas e maravilhosas de São Vicente. Sua confiança em influências como David Bowie fica clara em The Power's Out, um pop modernizado da Five Years onde meteorologistas contando sobre o apocalipse são substituídos por homens baleados nas telas de televisão. Como qualquer grande álbum, as peças profundamente pessoais do quebra-cabeça estão envoltas em mistério e com razão. É a diferença, pelo menos para São Vicente, entre revelar muito por trás da cortina de uma carreira fascinante e bem organizada e afastar-se de uma abertura que envolve um lister. Reconfortante, mas firme. Rejeite as lampejos de autoculpa escondidos na segunda metade desta masterclass.

All Born Screaming é o mais autêntico possível. Poucos artistas oferecerão a verdade da sua mente e a clareza da sua alma. São Vicente entende. Observar a fé e prometer às pessoas mais próximas de você que tudo vai dar certo é tudo o que podemos fazer às vezes. Acontece em tantos planetas. Recebemos apenas algumas voltas em torno da grande bola de fogo. São Vicente deixa claro que aproveitar ao máximo o seu tempo aqui não é uma opção – é obrigatório. Acalme o barulho dentro de sua mente e acalme os gritos do fogo. São Vicente encerra a solidariedade que vem do existir. É doloroso, cheio de podridão e pecado, e um desejo irresistível de ser engolido pela Terra surgirá na mente de vez em quando. Mas lute contra o desejo e o medo, chute contra ele conforme os comandos do All Born Screaming. Seu coração batendo e seu sintetizador crescente e furioso são um final frenético para um álbum que mantém clareza em um momento de incerteza mundial.


Flying Lotus - Cosmogramma (2010)

 

Cosmogramma (2010)
Esse é Flying Lotus no título de seu álbum. Eu sinto que a citação prepara o ouvinte para como será o álbum.

As gravações do projeto começaram logo após o falecimento da mãe de FlyLo em 2008. A ideia de morte e de ir além de nossa experiência na Terra que atormentava sua mente transparece em todo o álbum. A experiência auditiva do Cosmogramma reflete esse sentimento de ascensão e viagem através de planos astrais, com paisagens sonoras espirituais e livres produzindo um domínio para sua mente atravessar e explorar. É como se você estivesse ouvindo algo que é maior que todos nós e está fora do que podemos compreender; um álbum além da Terra, além da humanidade.

Quando digo que esta é uma ópera espacial, digo isso em tom de brincadeira. Assim como Faith In Persona , este álbum vai além da marcação de gênero. Ele funde vários gêneros musicais e vários estilos dentro desses gêneros. O rótulo mais comumente atribuído a este álbum é 'eletrônico', do qual FlyLo faz anotações dos subgêneros IDM, Wonky e Glitch Hop ao longo de todo o álbum, bem como diferentes subgêneros faixa a faixa (como DnB em Pickled ! ou Casa no Plano Astral ). Elementos das raízes do FlyLo no Hip Hop estão na base da produção, mais prevalentes em Zodiac Shit . Ele volta às suas raízes e faz uso pesado do Jazz Espiritual, semelhante ao que sua tia-avó, que muito inspirou este álbum, criaria. Há também uso de orquestra e técnicas de composição clássicas modernas usadas no álbum, com efeitos de tirar o fôlego (particularmente em Drips / Auntie's Harp , que faixa). Ao longo de Cosmogramma , Flying Lotus utiliza uma grande quantidade de gêneros que são entrelaçados com maestria para representar aquele “drama cósmico” de que Coltrane falou em seu sermão; um álbum além da categoria, além da descrição.

Porém, considerando tudo, a ópera espacial pode ser o único rótulo que pode descrever completamente a experiência de ouvir Cosmogramma . O álbum é gigantesco em escala e progride como se tivesse uma história para contar, semelhante a uma ópera espacial. As três primeiras faixas detalham o lançamento do seu foguete para o espaço; Clock Catcher é a decolagem inicial, Pickled!é a sua ascensão ao céu, eNose Art é a sua saída da atmosfera da Terra. Então, você está no vazio do espaço e o álbum realmente começa. Você passa por planetas familiares, mas isso acaba assim que você passa por Plutão e sai do nosso sistema. A partir daí você avança através do vácuo, em direção a galáxias vastas e distantes. Cada faixa representa uma nova estrela, um novo planeta, um novo sistema, todos completamente únicos em relação a tudo o que vocês conhecem e uns aos outros. É tudo desconhecido, mas ao mesmo tempo há uma sensação constante de admiração, uma beleza em tudo o que você testemunha em sua viagem. Através da sua música, FlyLo consegue levá-lo numa viagem pelo cosmos; um álbum além das estrelas, além do que conhecemos.

Cosmogramma é um daqueles raros álbuns que não apenas transcende o tempo, mas (apropriadamente) o espaço também. Uma obra de arte de tirar o fôlego, uma audição absolutamente essencial.


death's dynamic shroud.wmv and galen tipton - You Like Music (2024)

death's dynamic shroud.wmv and galen tipton
Uma colaboração absolutamente notável. Keith Rankin utiliza suas tendências hiperativas do Giant Claw em um disco que o combina com a evidente experiência de Galen Tipton em música eletrônica maníaca de dança , nenhuma das quais eu tenho conhecimento, sou completamente inexperiente em sua discografia, mas este álbum está implorando me para ouvir seu catálogo completo. Uma linha completa de interpretações do Deconstructed Club de subgêneros clássicos do EDM, que vão de Jersey Club a Electroclash , até mesmo Brostep em certo ponto, mas principalmente Jersey Club, que é facilmente o mais bem-vindo na casa do leme desses dois artistas. É um disco selvagem, frenético e energizado que não tem medo de deixar alguma atmosfera brilhar poderosamente em alguns de seus samples. Uma das últimas músicas obrigatórias de 2024.


CRONICA - BLOW-UP | Blow-Up (1969)

 

Originário de Santos, perto de São Polo, no Brasil, o combo foi inicialmente chamado de The Black Cats. Mas agora outro grupo brasileiro tinha um nome parecido e até o patenteou. Pela primeira vez e depois de terem publicado um single em 1968, estes Gatos Pretos de Santos levaram como nome do grupo o título de um filme de Michelangelo Antonioni: Blow Up.

Blow-Up (grupo portanto) reuniu em 1965 o vocalista/guitarrista Adalberto, o guitarrista Robson, o baixista Tivo, o baterista Hélio, o vocalista Zé Luis, o tecladista Nelson e o saxofonista Alex. Construindo sólida reputação nos bairros de Santos e após uma aparição na televisão, os músicos entraram em estúdio pelo selo Caravelle para lançar um álbum homônimo em 1969.

Composto por 12 músicas num total de pouco mais de 33 minutos, este LP é uma bela mistura de surf music, beat pop, tropicalismo com algumas pitadas de psicodelia. As influências incluem Beatles, Bee Gees, Procol Harum, Beach Boys e até Pink Floyd de Syd Barrett... A cantoria é em português, o que traz um belo toque de exotismo. São os coros, mas especialmente o órgão, que dominam este disco. A aparência da guitarra com wah wah e tremolo traz uma aparência de acid rock, mas também atmosferas vaporosas.

Porém, estamos em 1969, este álbum está algo datado mas acima de tudo estamos longe do talento das influências acima mencionadas que criaram “Sgt Peppers”, “The Pipers” e outros “Pet Sounds” há muito tempo. O prazer ainda está lá.

Depois de algumas mudanças de pessoal, Blow-Up encontrou energia para produzir um segundo LP dois anos depois.

Títulos:
1. Estrella que cae
2. Mi angel especial
3. Vos no sabes amar
4. Ella se fue
5. Tristeza del adios
6. Cada dia
7. Dejame
8. Feliz sin tenerte
9. Los sueños mios
10. Para tener su cariño
11. Tiempo de amar
12. Yo no se

Músicos:
Adalberto,: Guitarra, Vocal
Robson: Guitarra
Tivo: Baixo
Hélio: Baterista
Zé Luis: Vocalista
Nelson: Teclados
Alex: Saxofone

Produção: Miguel Poplischi, Paulo Tito, Rossini Pinto



Robert Plant (Led Zeppelin) - Now and Zen

 



Ano: 29 de fevereiro de 1988 (LP 1988)
Gravadora: Es Paranza Records (Alemanha), WX 149 790 863-1
Estilo: Hard Rock, Rock
Country: West Bromwich, Staffordshire, Inglaterra (20 de agosto de 1948)
Hora: 41:45

ste álbum é algum tipo de evento estilístico: uma fusão pop perfeita de hard rock de guitarra, informatização deslumbrante e composição musical nítida e surpreendente. Now and Zen, o quarto álbum solo de Robert Plant, é tão rico em invenção conceitual que você mal percebe que Plant canta melhor nele - com mais tom, controle e acuidade rítmica - do que nos sete anos desde que o Led Zeppelin implodiu. Melhor, em alguns aspectos, do que nunca.
O título trocadilho é adequado. As nove faixas de Now e Zen não soam simplesmente contemporâneas; eles apontam para novas maneiras de transmutar as verdades do swing e da harmonia do rock de raiz em meio às convenções tecnológicas do pop do final dos anos 80. Ao mesmo tempo, as músicas mostram Plant humanizando e animando o som sintético legal de unidades de sintetizadores europeus como Kraftwerk e DAF. Além disso, há um certo aspecto pop-zen em músicas como "The Way I Feel", em que Plant canta, "O futuro cavalga ao meu lado/Amanhã em sua mão/O estranho se vira para me cumprimentar/Take me by the hand" - um dos loops líricos mais espirituosos desde que Lou Reed andou de mãos dadas pelos grooves de vinil de Loaded.


01. A1 Heaven Knows (04:05)
02. A2 Dance On My Own (04:23)
03. A3 Tall Cool One (04:35)
04. A4 The Way I Feel (05:34)
05. B1 Helen of Troy (05:03)
06. B2 Billy's Revenge (03:32)
07. B3 Ship of Fools (04:54)
08. B4 Why (04:09)
09. B5 White, Clean and Neat (05:25)



Van Halen - Women and Children First (1980)

 



Ano: 26 de março de 1980 (LP 2020)
Gravadora: Warner Records (Worldwide), RR1 3415 081227954963
Estilo: Hard Rock
Country: Pasadena, Califórnia, EUA
Horário: 33:29

O Van Halen lança melodia – junto com sutileza e boas maneiras – direto pela porta do bar. Especializados em decibéis e bravatas, eles apresentam a proposição de que Might Is Always Right, e a prova em seu terceiro LP, Women and Children First, é bastante convincente. "Romeo Delight", "Todo mundo quer um pouco!!" e a louca corrida tripla, "Loss of Control", são obras de arte de grande volume. Cada um apresenta guitarras banshee, bateria infernal, gritos de êxtase hedonista do vocalista David Lee Roth e harmonias de conjunto que soam como os Byrds cantando em um cano de esgoto - todos competindo violentamente por atenção em uma mixagem sonora explosiva.
Mas por baixo da ousadia barulhenta, Roth e sua turma são jogadores excepcionalmente bons. Isto é especialmente verdadeiro para o guitarrista Eddie Van Halen, que aproveita o feedback quase tão bem quanto Jimi Hendrix e exibe inteligência e velocidade em seus solos. Quanto a David Lee Roth e sua boca grande, ele se comporta muito melhor do que cala a boca, latindo para a lua com muito mais espírito e coragem cômica do que a maioria de seus concorrentes. Megalomania desse tipo é um gosto adquirido, mas a pressa com que Women and Children First abriu caminho para o Top Ten sugere que há um pouco de Van Halen em todo mundo.
Goste ou não, o heavy metal está aqui, ali e em todo lugar. O que lhes falta em inovação, os Scorpions compensam com puro poder amplificado, enquanto o Van Halen supera com confiança as suas próprias limitações e o Def Leppard recorre à ingenuidade, entusiasmo e talento juvenil. Para seu crédito, essas bandas conseguiram extrair energia fresca de uma fonte que aparentemente nunca secou.



01. A1 And The Cradle Will Rock (03:32)
02. A2 Everybody Wants Some (05:08)
03. A3 Fools (05:55)
04. A4 Romeo Delight (04:19)
05. B1 Tora! Tora! (00:56)
06. B2 Loss Of Control (02:37)
07. B3 Take Your Whiskey Home (03:12)
08. B4 Could This Be Magic (03:07)
09. B5 In A Simple Rhyme (04:39)



Camel - Stationary Traveller (1984)

 



Ano: 13 de abril de 1984 (CD 1990)
Gravadora: Deram Records (Alemanha), 820 020-2
Estilo: Art Rock, Pop Rock, Symphonic Rock
País: Guildford, Surrey, Inglaterra
Tempo: 42:18

""Stationary Traveller"é provavelmente um pouco menos elaborado musicalmente do que os discos do Camel que se seguirão, mas tem aquele charme quase singular que os outros não têm."
Mas o que podemos esperar musicalmente neste último Camel dos anos 80? Bem, temos que admitir que a primeira escuta é um pouco confusa. Não que não encontremos o estilo Camel que está sempre presente. A voz de Andrew Latimer ou mais exatamente sua forma de cantar é facilmente reconhecível assim como seu jeito de tocar guitarra, principalmente nas faixas instrumentais. Mas a maioria das faixas cantadas tem uma sonoridade bem anos 80. E o aspecto progressista não é necessariamente óbvio.
Na verdade, basta habituar-se a esta bateria bastante mecânica e a estes teclados típicos dos "anos oitenta" que até lhe conferem um certo encanto... Os 'Refugee', 'Vopos', 'Cloak And Dagger Man' e 'West Berlin ' acabam sendo muito agradáveis ​​de ouvir. E finalmente, surpreende-se gostar deles. Mas as melhores faixas são as excelentes e muito melancólicas 'Fingertips' e 'Long Goodbyes'. A primeira, levada pelo saxofone de Mel Collins, é uma delícia, já a segunda é uma verdadeira joia com seu refrão gravado na cabeça por muito tempo e seu soberbo solo de guitarra. Na seção instrumental, como sempre no Camel, é sempre a grande aula! O título homônimo, por exemplo, tem uma parte de piano excelente e seu violão é magnífico. 'Missing' e a famosa versão estendida de 'Pressure Points' também são faixas excelentes.
As composições são no seu conjunto bastante directas e é ainda ao nível das atmosferas que se realiza a maior parte da obra. Como sempre, Andrew Latimer sabe compor faixas muito boas. "Stationary Traveller" é provavelmente um pouco menos elaborado musicalmente do que os discos que virão a seguir, mas possui aquele charme quase antiquado que os outros não têm

01. Pressure Points (Instrumental) (02:10)
02. Refugee (03:47)
03. Vopos (05:32)
04. Cloak And Dagger Man (03:55)
05. Stationary Traveller (Instrumental) (05:34)
06. West Berlin (05:10)
07. Fingertips (04:29)
08. Missing (Instrumental) (04:22)
09. After Words (Instrumental) (02:01)
10. Long Goodbyes (05:14)





ESPERANTO - DANSE MACABRE

 



 De uma maneira Curved Airish, o Esperanto era realmente bom, mas não há nenhuma Sonja Kristina galopando com modos sensuais e histórias de masturbação, fantasmas e rainhas. Musicalmente, eles são emocionantes com violinos velozes e violoncelos valsantes, mas os vocais masculinos são apenas interessantes (Keith Christmas é pouco convincentemente melancólico em "Castle") e a voz sem palavras de Brigette Du Doit deveria ser mais explorada em outras faixas ou usada como backing vocals.

Avant-prog lindamente composto e executado com tendências clássicas e de câmara. As semelhanças com Renaissance e Curved Air são óbvias principalmente devido aos vocais femininos e, em segundo lugar, devido à orquestração clássica. Recomendado para qualquer fã do rock progressivo dos anos 70.

O Esperanto é uma língua inventada em 1887 por Zamenhof, que combinou pedaços de várias línguas românicas para fazer o que ele esperava que se tornasse um veículo de comunicação universal.

Danse Macabre é a representação do ELP mas com violinos e de facto a sua execução dá-nos a impressão de que no seu “universo progressivo” a sinfonia se projecta de forma voraz - realçando estoicamente o trabalho do violino - portanto nos encontramos com uma manifestação intenso onde  sinfonia, vanguarda e delírio se misturam. A viagem ,  O duelo ou Danse Macabre  são os exemplos mais claros das minhas palavras, são canções que ascendem a uma postura de ARTE e se expressam febrilmente, dando truncamentos dentro daquele rock sinfônico refinado. A obra é considerada uma evolução natural da "Orquestra Rock Esperanto" (primeiro álbum do Esperanto) e a temática dramática desta segunda parcela reflete os aspectos característicos da banda, o que de alguma forma se torna uma aproximação muito precisa da  música contemporânea. Grande parte da conquista nesta produção se deve a Peter Sinfield que já colaborou com bandas como KING CRIMSON /ELP e que deixa uma influência notável no som.

Contracapa do acetato onde apreciamos a mega banda Esperanto

O que posso dizer sobre Danse Macabre , a experiência deste álbum é bastante intensa, sua performance é luxuosa, bombástica e parcialmente vaidosa, é pronunciado magro dentro de seu conceito e a maquinação do álbum me deixa maravilhado, as passagens orquestrais que ele possui e a forma como se manifesta é um delírio progressivo requintado,  o álbum INTEIRO é uma jornada violenta; explosões de ecletismo com o conceito mais acirrado do rock sinfônico nos levam a um ponto onde não há volta, então o que podemos esperar do Esperanto e deste álbum, como um  feito ostentoso de 41 minutos , onde não há trégua, cada música vibra por tem personalidade própria e consegue ser uma experiência bastante enriquecedora, o álbum nos dá uma proposta bastante intensa, toda aquela maquinação transbordante é uma alienação. Na minha opinião, uma aventura sonora cheia de loucura de cordas, mudanças de tempo e batidas sinfônicas razoáveis. A certa  altura desta odisseia “sinfo-elétrica” podemos perceber uma certa influência de Yes, ELP e King Crimson. Os fãs do Rock Sinfônico mais excêntrico terão uma experiência vívida em Danse Macabre , principalmente pelos agudos proporcionados por seus arranjos bizarros e aquela atmosfera de ecos “zappianos”. Até nos vermos novamente.  

Minidados:
*De volta à Inglaterra, os doze músicos se reuniram novamente, desta vez em um castelo no País de Gales, e começaram a preparar o próximo álbum. A banda sempre teve que se reunir em fazendas e castelos devido ao grande número de músicos e às dificuldades logísticas de reunir todo o público em Londres. O castelo galês, é claro, era assombrado, e sua atmosfera misteriosa permeou a música do que se tornaria o segundo álbum da banda (que incluía uma música chamada “The Castle”). Após várias semanas de ensaios, o grupo gravou as primeiras fitas e fez um acetato que apresentou à A&M, mas o projeto foi rejeitado pela gravadora. A situação então ficou difícil no grupo, Glenn Shorrock, tomado pela nostalgia, decidiu voltar para a Austrália (ficou muito inspirado pois mais tarde fez muito sucesso, principalmente nos Estados Unidos, com a Little River Band). A&M então pediu a Peter Sinfield (poeta e compositor de King Crimson e ELP, e tradutor da obra de Premiata Forniera Marconi - PFM) para produzir o novo álbum. Peter aceitou e trouxe consigo um novo vocalista: Keith Christmas. Keith Christmas, que mais tarde fez carreira como cantor solo, tinha um estilo bem diferente e era mais voltado para o folk, mas substituiu Glenn Shorrock como frontman. Uma nova demo foi então apresentada à A&M com peças diferentes ou reorganizadas cantadas por Keith Christmas (no acetato era Glenn Shorrock; também há peças inéditas nesta reedição). Desta vez, a A&M o apoiou. Todos os três cantores ainda estavam na banda, mas logo sairiam, assim como Brian Holloway, o que explica porque esses quatro membros do Esperanto não aparecem (mesmo tocando no álbum).

*O álbum foi lançado na França sem a peça "Danse Macabre", pois os detentores dos direitos autorais de Saint-Saëns se recusaram a aceitar sua publicação naquele país. Peter Sinfield colocou tanta energia na produção deste álbum que mais tarde afirmou em uma entrevista que recusou uma oferta para produzir o primeiro álbum do Supertramp após a experiência do Esperanto.


01. The journey
02. The castle
03. The duel
04. The cloister
05. The decision
06. The prisoner
07. Danse macabre




Secos & Molhados [1974]

 



Em 1974, com a popularidade altíssima, o grupo Secos e Molhados gravava o seu segundo e último álbum com a formação original. Mais elaborado e menos popular que o primeiro, como “definido” por Ney Matogrosso em declaração a Folha de São Paulo (Janeiro/2000), “Secos e Molhados II” é composto por músicas de temática social como “O Doce e o Amargo”, “Preto Velho” e “Tercer Mundo”. Com poucas palavras, a cabeça do grupo e compositor João Ricardo conseguia abordar temas profundos, como em “Não: Não digas nada”, em “Toada & Rock & Mambo & Tango & ETC” e no único hit do disco “Flores Astrais”, que são interpretadas com toda a expressividade da voz de Ney. O disco foi lançado no Programa Fantástico em agosto de 74, e infelizmente, no mesmo ano, dois integrantes do trio que era o “carro-chefe” do grupo saíram: Gerson Conrad e Ney Matogrosso.


A1 Tercer Mundo
A2 Flores Astrais
A3 Não: Não Digas Nada
A4 Medo Mulato
A5 Oh! Mulher Infiel
A6 Vôo
B1 Angustia
B2 O Hierofante
B3 Caixinha De Música Do João
B4 O Doce E O Amargo
B5 Preto Velho
B6 Delírio...
B7 Toada & Rock & Mambo & Tango & Etc








Mary Butterworth – Mary Butterworth (1969)

 

E vamos encontrar outra raridade do final dos anos 60. Esta obra é mais um Santo Graal, pois encontrar uma peça original da época é bastante difícil, diz-se que foi lançada com tiragem limitada, e que só foi vendida - dizem pré-vendida - a amigos e muito pessoas próximas da banda. Nunca foi oferecido ao público em geral. Sem dúvida uma Obra de CULT.



Mary Butterworth e uma banda muito prometedora e subterránea que data de mediados dos anos 60's e que nos mostra uma performance esmerada y por encima del promedio, aunque no logra llegar a un punto trascendental ni conseguir un clímax muy alto, sin embargo reconozco mucha virtud en este trabalho. O álbum é um exemplo de fusão entre o Jazz, o Rock e os tons sutis do Blues, pois não consegue chegar a um ponto ácido, mas consegue adquirir um cunho progressivo precoce que apresenta mudanças de ritmos, algumas doses lisérgicas em seu notas e passagens efêmeras da costa oeste, poderia dizer que às vezes me lembra Free, Spirit e/ou After All, porém não são nada parecidos, o elemento comum é o Jazz e a postura proto-progressista que marca. o selo do álbum Portanto é mais um daqueles sons da evolução. Um trabalho magnífico apesar das suas limitações.


Na minha opinião uma banda muito talentosa embora nunca tenha conseguido se destacar completamente, porém poderia dizer que é mais interessante pois tem o típico selo transitório do progressivo e todos os elementos necessários para ser um álbum PESO; Sem levar em conta o seu som fresco e uma fórmula não muito desgastada, sem dúvida um trabalho 50-50 que vale a pena levar em conta, se você é fã das primeiras manifestações do Jazz fusion, encontrará em Mary Butterworth algo extremamente estimulante.



O grupo foi formado na primavera de 1968 em South Gate, Califórnia. Em 1969 gravaram o único álbum autointitulado, que não se destinava ao grande público e cuja circulação foi de apenas algumas dezenas.  O álbum era tão raro que foi pirateado três vezes e vendido para outros países como item de colecionador. Diz-se que esse contrabando fez com que o vinil original de Mary Butterworth aumentasse seu preço para mais de US$ 2.000,00. A procura foi tão incrível que a maioria dos cucos aproveitou o culto ao álbum para obter lucros enormes.



Temas
01.Phaze II 
02.Optional Blues 6:12
03.It's A Hard Road 10:16
04.Make You Want Me 16:07
05.Feeling I Get 18:47
06.Week In 8 Days 22:4

Destaque

Pip Pyle's Bash! - Belle Illusion (2004)

  E continuamos com mais Canterbury em mais um post curto e direto. Se o Soft Heap estava apenas nos dando as boas-vindas, com "Belle I...