sábado, 4 de maio de 2024

Em 03/05/1968: Pink Floyd grava o álbum A Saucerful of Secrets

Em 03/05/1968: Pink Floyd grava o álbum

A Saucerful of Secrets

A Saucerful of Secrets é o segundo álbum de estúdio da banda de rock inglesa Pink Floyd, foi lançado em 28 de junho de 1968 pela EMI Columbia no Reino Unido e em 27 de julho de 1968 nos Estados Unidos pela Tower Records. Durante a gravação, a saúde mental do cantor e guitarrista Syd Barrett se deteriorou, então David Gilmour foi recrutado; Barrett deixou a banda antes da conclusão do álbum. Enquanto Barrett foi o principal compositor do álbum de estreia do Pink Floyd, The Piper at the Gates of Dawn (1967), em A Saucerful of Secrets cada membro contribuiu com composições e vocais principais. David Gilmour apareceu em todas as músicas, exceto em duas, enquanto Barrett contribuiu em três. " Set the Controls for the Heart of the Sun " é a única música em que todos os cinco membros aparecem.

A Saucerful of Secrets alcançou o número nove nas paradas do Reino Unido, mas não chegou às paradas nos EUA até abril de 2019, quando chegou ao número 158.

Recebeu críticas principalmente positivas, embora muitos críticos o tenham considerado inferior a The Piper at the Gates of Dawn.

A mixagem estéreo foi lançada pela em CD em 1988, em 1992 foi remasterizada digitalmente e relançada como parte do box Shine On. O CD estéreo remasterizado foi lançado sozinho em 1994 no Reino Unido e nos EUA. A versão em mono do álbum nunca foi lançada oficialmente em CD. A mixagem estéreo foi remasterizada e reeditada em 2011 pela gravadora Capitol/EMI como parte da série Why Pink Floyd: Discovery, e novamente em 2016 pela Sony Music sob o selo Pink Floyd Records.

Lista de faixas:

Lado um:

1. "Let There Be More Light" : 5:38

2. "Remember a Day" : 4:33

3. "Set the Controls for the Heart of the Sun" : 5:28

4. "Corporal Clegg" : 4:13

Comprimento total: 19:52

Lado dois:

1. "A Saucerful of Secrets",

I. "Something Else" (3:57),

II. "Syncopated Pandemonium" (3:07),

III. "Storm Signal" (1:34), IV. "Celestial Voices" (3:19) : 11:57

2. "See-Saw" : 4:36

3. "Jugband Blues" : 3:00

Comprimento total: 19:33.

Pessoal Pink Floyd:

Syd Barrett - voz (7) , guitarra deslizante (2) , violão (2, 7) , guitarra elétrica (3, 7)

David Gilmour - guitarras (todas exceto 2 e 7) , kazoo (4) , vocais

Nick Mason - bateria (todos exceto 2) , percussão (1, 5, 6, 7) , vocais (4) , kazoo (7)

Roger Waters - baixo (todas as faixas) , percussão (3, 5) , vocais

Richard Wright - órgão Farfisa (todas as faixas) , piano (1, 2, 5, 6) , órgão Hammond

(1, 4, 5) , Mellotron (5, 6) , vibrafone (3, 5) , celesta (3) , xilofone (6) , apito (7) , vocais

Pessoal adicional :

Norman Smith - produtor, bateria (2) ,

backing vocals (2, 6) , voz (4)

A Orquestra Stanley Myers (4)

O Exército de Salvação (The International Staff Band ) - seção de metais (7).

Em 04/05/1971: Pink Fairies lança o álbum Never Never Land

Never Never Land é o álbum de estreia da banda de punk rock inglesa Pink Fairies.

Lançado em maio de 1971. A Polydor Records contratou o grupo para gravar um single, "The Snake"/"Do It", e ficou feliz o suficiente com os resultados para oferecer ao grupo um contrato de álbum. Um filme promocional foi gravado para o single no set de Oliver!, mas o single foi omitido deste álbum de estreia. O lado B, "Do It", apareceu, mas com overdubs adicionados. "Do It" foi posteriormente regravada pela Henry Rollins Band em seu álbum Do It. A capa do álbum veio em uma capa de PVC impressa, com uma capa interna dobrável representando duas paisagens diferentes e uma capa interna impressa com uma fotografia da banda.

200 cópias também foram impressas em vinil rosa no mesmo ano. As impressões iniciais creditaram adequadamente toda a banda como compositores em todas as canções.

John Alder fez um acordo com uma editora diferente que resultou em créditos de composição e royalties sendo erroneamente concedidos a ele por "Heavenly Man",

"War Girl", "Thor" e "The Dream is Just Beginning" em prensagens posteriores.

Lista de faixas:

Todas as músicas Copyright Polydor Music Ltd.

1. "Do It" (Pink Fairies) - 4:15

2. "Heavenly Man" (Alder) - 3:41

3. "Say You Love Me" (Pink Fairies) - 3:48

4. "War Girl" (Alder) - 4:34

5. "Never Never Land" (Pink Fairies) - 6:55

6. "Track One, Side Two" (Pink Fairies) - 4:41

7. "Thor" (Alder) - 0:58

8. "Teenage Rebel" (Pink Fairies) - 5:20

9. "Uncle Harry's Last Freak-Out" - 10:51

10. "The Dream Is Just Beginning" - 1:18.

Faixas bônus do CD de 2002

11. "The Snake" (Pink Fairies) - 3:58

12. "Do It" (Single version) (Pink Fairies) - 3:04

13. "War Girl" (Alternate extended mix) - 4:34

14. "Uncle Harry's Last Freak-Out"

(First version) (Alder) - 12:24.

Pessoal Pink Fairies:

Paul Rudolph – guitarra, vocais

Duncan Sanderson – baixo

Russel Hunter – bateria

Twink - bateria, vocais.

Em 29/04/1979: Van Halen lança a canção " Dance the Night Away

Em 29/04/1979: Van Halen lança a canção

" Dance the Night Away "

Dance the Night Away é uma canção da banda de hard rock americana Van Halen. Foi escrita pelos membros da banda. Lançado em abril de 1979. É a segunda música do álbum Van Halen II de 1979.

Enquanto o resto das músicas deste álbum existiam em várias formas desde seus dias fazendo demos e tocando em clubes, essa música foi possivelmente a única música escrita durante as sessões de gravação do álbum.

"Dance the Night Away" foi o primeiro hit do Van Halen no top 20 dos EUA, chegando ao número 15 na Billboard Hot 100. Também alcançou o número 95 na Billboard Year-End Hot 100 singles de 1979.

Pessoal Van Halen:

David Lee Roth - vocais principais

Eddie Van Halen - guitarra, sintetizadores,

vocais de apoio,

Michael Anthony - baixo, vocais de apoio,

Alex Van Halen - bateria.

Em 03/05/1973: Deep Purple lança a canção " Smoke on the Water "

Em 03/05/1973: Deep Purple lança a canção

" Smoke on the Water "

" Smoke on the Water " é uma canção da banda inglesa de rock Deep Purple, foi lançada em seu álbum de estúdio de 1972, Machine Head.

A letra da música é baseada em fatos reais, narrando o incêndio de 1971 no Cassino Montreux, em Montreux, Suíça. É considerada a música de assinatura da banda e seu riff de guitarra é considerado um dos mais icônicos da história do rock. Em 2004, a revista Rolling Stone colocou "Smoke on the Water" em 434º lugar em sua lista das " 500 Melhores Canções de Todos os Tempos ".

A revista Total Guitar classificou o riff da música em 4º lugar em sua lista de "Maiores Riffs de Guitarra de Todos os Tempos", e em março de 2005, a revista Q colocou-o em 12º lugar em sua lista das 100 melhores faixas de guitarra. Em 2017, a música foi incluída no Grammy Hall of Fame.

Pessoal:

Ritchie Blackmore - guitarras

Ian Gillan - vocais principais

Roger Glover - baixo

Jon Lord - órgão Hammond

Ian Paice - bateria.

Pearl Jam – Ten (1991)

Ten é uma das grandes bandeiras do grunge. Talvez o único rival à altura de Nevermind.

Há quem diga que o grunge nunca existiu, que foi um artifício dos media meter no mesmo saco bandas com linguagens tão diferentes: o classic rock dos Pearl Jam, o punk pop dos Nirvana, o falso metal dos Alice in Chains e dos Soundgarden. Dizer isso é não perceber que o grunge nunca foi uma estética mas sim uma atitude: uma reacção ao escapismo e artifício do hair metal, e uma sensibilidade genuinamente atormentada.

Nesse sentido, Ten é o momento mais grungey dos Pearl Jam, quase um álbum-conceito sobre teenage angst. Está lá tudo: o sentimento de solidão e de incompreensão, os escapes mais ou menos auto-destrutivos, e até a solução final do suicídio. Mas Ten conforta mais do que magoa. O seu sofrimento é tão épico que o adolescente que o ouve sente-se especial, orgulhoso pela sua infelicidade ser tão grandiosa. Os solos majestosos, as percussões imponentes e a voz possante dão dignidade à nossa tristeza. Através de hinos como “Alive” e “Even Flow”, a nossa melancolia, antes plebeia, ascende na escala social. Antes de Ten, estávamos na merda; depois de Ten, curtimos uma angst.

Nunca é de mais sublinhar a voz extraordinária de Eddie Vedder. Os Pearl Jam podem ter roubado muito aos Kiss e aos Who, aos Zeppelin e ao Hendrix, mas o barítono quase operático de Vedder é inteiramente original. Até Eddie aparecer, não sabíamos que era possível a um branco ser dono de uma voz tão expressiva e matizada, tão intensa e emocional. Nesse sentido, Vedder, mais do que um vocalista de hard rock, deverá ser considerado como um cantor soul, na mesma tradição de um Sam Cooke ou de um Otis Redding.

Infelizmente, a sua voz foi copiada até à náusea. Às vezes, por bons copistas como os Stone Temple Pilots. A maior parte das vezes, por aberrações como os Creed e os Nickelback. Estes sucedâneos deram mau nome a Ten mas o pobre do disco não tem culpa nenhuma do péssimo gosto dos seus imitadores.

Contam-se pelos dedos os discos em que todas as suas canções sejam capazes de figurar, sem grande embaraço, num best of. O ano mágico de 1991 trouxe dois destes discos perfeitos: Ten e Nevermind. Os críticos sempre preferiram o último, insinuando que Ten era o lado mais popularucho do grunge. Mas esta clivagem sempre foi parva – a base de fãs dos dois era essencialmente a mesma.

Que o tempo redima, por fim, o grande Ten, pondo-o ao mesmo nível de Nevermind. Ambos definiram uma época. Ambos foram estupidamente influentes. Ambos salvaram-me na minha macambúzia adolescência.

Obrigado. I’m still alive.

Pixies – Come On Pilgrim (1987)

Come On Pilgrim contém, na sua génese, todos os elementos que tornariam os Pixies num dos maiores fenómenos de culto do rock alternativo – melodias suaves, crueza em estado puro e uma energia eletrizante.

Uma das razões pelas quais os Nirvana não surpreenderam toda a gente quando apareceram foi por haver uma banda chamada Pixies (outra chamada Sonic Youth também). A muralha sonora dos primeiros já tinha os alicerces montados pelos segundos.

No princípio dos anos noventa a música vivia-se de uma forma diferente, ouvia-se os discos (até à exaustão), manuseavam-se as capas e contracapas, liam-se e reliam-se as letras e falava-se muito sobre as bandas e as suas músicas. O acesso à música era muito menor por isso havia tempo para uma dedicação quase exclusiva aos discos que nos vinham parar às mãos. Foi assim com os primeiros cinco discos dos Pixies: ouvir as canções, tentar decifrar as letras herméticas que pareciam ser escritas com palavras aleatórias.

Lembro-me de uma carta (escrita no verso de uma fotocópia das letras de um dos álbuns dos Pixies) que um amigo meu me escreveu um dia: “Tens que ouvir uma banda chamada Nirvana, é tipo Pixies mas no fundo não tem nada a ver, faz lembrar mas não são tão bons”. Eu nunca concordei totalmente com isto e continuo a achar que o som dos Pixies é mais parecido com alguns temas dos Violent Femmes do que com os Nirvana. Lembro de serem descritos como “um rock de guitarras” e, no fundo é mesmo isso, mas não só: a original dinâmica quiet/loud, a estranheza das letras e a simbiose entre todos os elementos fez com que os Pixies permanecessem numa ilha sonora. Fizeram 5 álbuns perfeitos de sonoridade ríspida mas melódica. Um som só deles.

Em 1987, o quarteto de Boston composto por Black Francis, David Lovering, Joey Santiago e Kim Deal gravou 17 canções numa cassete de capa roxa que ficou conhecida como The Purple Tape. Dessa maqueta saíram as 8 canções que formariam o seu primeiro disco.

Este álbum contém, na sua génese, todos os elementos que tornariam esta banda num dos maiores fenómenos de culto do rock alternativo – melodias suaves, crueza em estado puro e uma energia eletrizante. Embora estes primeiros Pixies se apresentem ríspidos, Come on Pilgrim denota influências melódicas da pop apesar de envoltas num ruído quase visceral. É belo e violento.

“Caribou”, o primeiro tema, anuncia desde logo, com os primeiros acordes da guitarra de Joey Santiago, que algo maravilhoso vai acontecer e “Vamos” ou seguimos, num ritmo frenético até a uma ilha encantada (“Isla de Encanta”) com sotaque espanhol e onde não há sofrimento, a não ser o de “Ed (is dead)” que também já não sofre muito porque está morto. Sofrida é também a guitarra de Santiago que parece chorar e que nos faz chorar com ela. Em “Holiday Song” e “Nimrod’s Son”, a sonoridade punk/pop continua com pujança entre delírios incestuosos e referências bíblicas. Em “I’ve Been Tired”, Black Francis canta-nos provocadoramente sobre os seus medos e desejos, uns sexuais, outros apenas abstratos. Finalmente levitamos (“Levitate Me”) com sons melódicos e guitarras bem altas. Esta canção, como tantas e tão boas que se irão seguir, tem aquilo que os Pixies sabem fazer melhor: desinquietar-nos e levitar-nos. E nós levitamos com eles.

Ian Brown – Ripples (2019)

O Rei Macaco prossegue o seu caminho muito próprio, agora que os Stone Roses parecem definitivamente enterrados

Em 2011, os Stone Roses juntaram-se novamente, depois de anos de ódio e de afastamento. Os palcos voltaram a receber os quatro magníficos de Manchester, que na verdade apenas fizeram dois discos há muitos anos, que foram tão marcantes (sobretudo o primeiro) que continuam a fascinar fãs em todo o mundo. Chegaram mesmo a voltar a Portugal, para um concerto bastante desafinado no NOS Alive de 2012. Em 2016, lançaram duas novas músicas, dando corpo aos rumores de que o cânone de discos dos Roses estaria, finalmente, prestes a aumentar. Mas, desde então…silêncio. O último concerto foi em 2017, com o vocalista Brown a despedir-se dizendo :”não fiquem tristes por isto acabar, fiquem felizes por ter acontecido”. Oficialmente, ainda ninguém acabou com a banda, mas este novo disco a solo de Ian Brown, o primeiro em dez anos, acaba por dar força a essa teoria.

Isto porque dificilmente Brown guardaria para um disco a solo músicas que poderiam fazer parte de um dos discos mais desejados de sempre, o terceiro dos Stone Roses. A não ser, claro, que o sempre imprevisível John Squire – virtuoso guitarrista e compositor principal da banda – tivesse rejeitado esses temas, algo sempre possível de acontecer.

Com esse capítulo aparentemente encerrado, Brown está a seguir em frente. E, como sempre, à sua maneira.

Ripples é um assunto familiar. Gravado por Brown e pelos seus filhos, é o cantor quem toca a maior parte dos instrumentos. Em termos sonoros, estamos em terreno típico de Manchester, mas curiosamente mais Happy Mondays, muitas vezes, do que Stone Roses.

Ao invés do rock de guitarras melodiosas da banda da sua vida, Brown a solo prefere outros terrenos. Mais do que riffs, aposta no groove, nas texturas rítmicas, nos padrões de repetição. Em vez de um som épico, com singalongs de estádio, o que temos é um disco muito cool, em que o fio condutor entre as músicas é a entrega sempre carismática de Brown. Este não é necessariamente um grande vocalista – quem o ouviu ao vivo sabe do que falamos – mas é um dos tipos com mais pinta do rock britânico. As frases rolam-lhe da boca sempre no ritmo certo, cool e autoritárias, como não poderia deixar de ser vindo do nosso hooligan preferido.

Ripples tem vários momentos muito altos. O primeiro single, “First World Problems“, relaxado e movido a um piano muito Happy Mondays, é disso exemplo. Tal como a descontração groove de “The Dream and the Dreamer”, o funk inspirado de “Ripples” ou o reggae dub repetitivo, solarengo e inspirador de “Break Down the Walls”, que fecha o disco. “Black Roses” é, diga-se, o único tema verdadeiramente rock em todo o disco, ainda que sem um único solo de guitarra.

Não havendo nenhuma música realmente fraca, há vários temas que baixam a média de qualidade e de inspiração, como aliás é típico de Brown.

Sendo fãs absolutos dos Stone Roses, não conseguimos deixar de pensar que o toque mágico de Squire poderia elevar o nível dessas músicas menos inspiradas, enquanto as mais fortes seriam boas contribuições – ainda que atípicas – para um hipotético novo disco dos rapazes de Manchester.

Com essa via fechada, Brown segue o seu caminho, à sua maneira, com a sua família. Ripples é um disco de qualidade desigual mas impregnado de uma coolness difícil de resistir, e cujos vários momentos altos nos pedem audições repetidas.

Else Marie Pade - Et Glasperlespil (2001)

Else Marie Pade (n. 1924) é uma das pioneiras da música eletrônica na Dinamarca. Desde o início da década de 1950, ela, em estreita cooperação com técnicos e assistentes da Rádio Dinamarca, produziu uma quantidade substancial de música concreta e eletrônica, em parte na forma de obras independentes para transmissões de rádio, em parte na forma de acompanhamentos para vários dramas de rádio. Ela começou a ter aulas particulares de composição com Vagn Holmboe, Jan Maegaard e Leif Kayser. Foi em 1952 que Pade descobriu os meios pelos quais poderia dar vida ao seu universo sonoro. O impulso veio de uma transmissão na Rádio Dinamarca sobre Pierre Schaeffer, o criador do novo movimento no campo francês da música eletrônica: a música concreta. Depois de visitar Schaeffer em 1952, Pade começou a estudar a estética concreta da música e a técnica por trás dela. Na segunda metade da década de 1950, Pade, juntamente com Lauridsen, organizou um estúdio de som eletrônico interimista na Rádio Dinamarca, onde se podia trabalhar com material sonoro produzido de forma concreta e sintética - uma síntese que também foi uma questão proeminente no novo som italiano. estúdio, Studio de Fonologia Musicale, onde trabalhavam pessoas como Luciano Berio, Henri Posseur e John Cage. De 1957 até meados da década de 1960, Pade viveu um período produtivo em que criou uma longa série de obras eletrónicas e, assim, tornou-se conhecida, tanto na Dinamarca como, em certa medida, nos círculos eletrónicos internacionais.

Áron Szilágyi - Doromb On (2005)

Áron Szilágyi nasceu em 1977 como o primeiro filho de Zoltán Szilágyi, o único fabricante de harpas judeu na Hungria. Ele tocava o instrumento aos três anos, mas começou a levá-lo a sério aos 16.

Desde 1997, Áron é um membro ativo do movimento internacional JH e tem sido convidado regular de festivais internacionais. Nestes festivais ele foi profundamente inspirado pelos diferentes estilos e técnicas de execução de outros músicos virtuosos. Aprendi muito especialmente com o suíço Anton Bruhin. A sua criatividade e extravagância com este instrumento deram a Áron um grande impulso no desenvolvimento do seu próprio estilo. Ele também se inspirou profundamente na música espiritual JH do Yakut Spiridon Shishigin.

Áron Szilágyi se apresentou no Festival Internacional de Harpa Judaica com Alex Horsch em Molln, Áustria, em 1998. Sua performance foi publicada no CD de compilação do festival. O canal de TV nacional húngaro, MTV, também publicou um programa sobre o festival e fez um vídeo da atuação de Áron e Alex.

Ele também foi convidado para o 5º JH Fest norte-americano, Oregon, EUA, 1998. Essa apresentação também foi lançada em um CD de compilação. Em 1999 ele tocou novamente em Molln e fundou a banda de world music eletrônica Navrang. Em 2000, Áron mudou-se para a Irlanda. No verão de 2000, o Navrang fez sua primeira aparição internacional em Molln novamente, onde obteve grande sucesso. Em outubro gravaram seu primeiro CD.

Em 2001 deu concertos em Dublin com a banda de jazz Kai Band e realizou apresentações a solo e workshops também na Irlanda e Londres. No ano de 2002 organizou um festival na Hungria onde vieram tocar músicos de JH e outros músicos "underground" de 10 países diferentes. Áron foi convidado para o festival Internacional JH na Noruega. Ainda neste ano iniciou o negócio auralinstruments.com que vende instrumentos de sopro tradicionais feitos à mão da região da Europa de Leste.

Em 2004, ele foi visto na maioria dos canais de TV húngaros de recepção nacional como um especialista em JH. Sua banda, Navrang, recebeu um convite para o International Donaufest, Ulm, Alemanha. Os organizadores do festival publicaram um CD concerto de Navrang e foi um grande sucesso. Eles também encontraram uma gravadora que publicou seu novo CD, Pangea. Sua faixa solo, Dervish e as demais músicas do CD podem ser ouvidas cada vez mais nas rádios.

Em outubro de 2004, Leo Tadagawa, chefe da sociedade japonesa JH, convidou Áron para ir a Tóquio. Ele deu quatro concertos e dois workshops em Tóquio e Yugawara. Eles estão filmando o vídeo da faixa Navrang, Pangea (mesmo título do álbum) no inverno de 2004.

O primeiro álbum solo de Áron Szilágyi, DOROMB::ON, foi lançado em 2005, publicado pela G50 Records. Neste ano, integrou a banda Flótás, que toca música tradicional Moldvan Chango. A única região húngara onde a harpa judaica é tradicional.

Participou do Festival Marranzano em Catania, Sicília. 2005 e foi o primeiro harpista judeu no Festival Izraeli Didjeridoo em 2006, onde obteve grande sucesso.

Organizador dos festivais de harpa dos judeus húngaros em Kecskemét, Hungria. Esses festivais são realizados e co-organizados pelo Centro Juvenil Kecskemet todos os anos em setembro. Esses eventos animados representam a cena da harpa judaica húngara e também têm como objetivo apresentar ao público húngaro os "melhores" tocadores de harpa judeus internacionalmente reconhecidos.

Em 2006, Áron foi um dos três membros do comitê de programa do Festival Internacional de Harpa Judaica em Amsterdã e também foi eleito membro do conselho da Sociedade Internacional de Harpa Judaica.

Ainda em 2006 foi designado gestor principal do projecto de realização de filmes de animação "20 anos depois...", apoiado por fundos culturais bipolares germano-húngaros.

Em 2007 ele fundou a ONG Eurokult, que realizará eventos internacionais de harpa judaica no futuro. (O Festival Internacional da Harpa Judaica de 2010 em Kecskemét, Hungria, também.)

Na primavera de 2007 fundou um novo projeto chamado Airtist. Com um dos melhores tocadores de didjeridoo da Europa, Markus Meurer e o campeão de beatbox Tamás Dömötör, ele faz música trance antiga e puramente acústica. Eles gravaram seu primeiro EP, Turbolence em 2007, publicado pela gravadora de Áron, Aural Records

DISCOGRAFIA - THE ALLSTAR PROJECT Post Rock/Math rock • Portugal

THE ALLSTAR PROJECT

Post Rock/Math rock • Portugal

A biografia do Allstar Project
A banda portuguesa Allstar Project surgiu em 2001 e o seu nome foi escolhido sem muita reflexão pouco antes de um espectáculo, pois tinham que dar um.
Eles lançaram 2 EPs em 2003 e 2006 e um álbum completo em 2007.
Sua música é uma forma rápida e de alta energia de pós-rock, que irá agradar aqueles que acham o estilo mais lento, mais pesado, sem intercorrências.