Em 05/06/1941: Nasce Erasmo Carlos Nome completo: Erasmo Esteves

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Em 05/06/1941: Nasce Erasmo Carlos

Nome completo: Erasmo Esteves

Também conhecido como: Tremendão,

Gigante Gentil, Rei do rock brasileiro

Nascimento: 05 de junho de 1941

Rio de Janeiro, RJ, Brasil.

Morte: 22 de novembro de 2022 (81 anos)

Local de morte Rio de Janeiro, RJ

Gênero(s): rock and roll, rockabilly, doo wop,

surf rock, country rock, pop rock, soul, MPB,

samba-rock

Ocupações: cantor, compositor, ator,

músico, multi-instrumentista, escritor

Instrumento(s): guitarra elétrica, violão,

vocais, percussão

Período em atividade: 1958-presente

Gravadora(s): RGE, Polygram, Sony/Columbia,

EMI/SBK Records, Som Livre, Abril Music,

Indie Records, Coqueiro Verde Records

Afiliações: Roberto Carlos, The Snakes,

Renato e seus Blue Caps, The Fevers, Wanderléa, Tim Maia, Jorge Ben, A Bolha,

Lulu Santos, Jovem Guarda, Cauby Peixoto, Renato Barros

Erasmo Carlos, foi um cantor, compositor,

ator, músico, multi-instrumentista e escritor brasileiro.

Erasmo conhecia Sebastião Rodrigues Maia (que mais tarde seria conhecido como Tim Maia) desde a infância, entretanto a amizade só viria na adolescência por conta da febre do Rock and Roll. Em 1957 Tim Maia montou

a banda The Sputniks, sendo os membros da banda Tim, Arlênio Lívio, Wellington Oliveira e Roberto Carlos.

Após uma briga entre Tim e Roberto, o grupo foi desfeito, Wellington desistiu da carreira musical, o único remanescente era Arlênio que no ano seguinte resolveu chamar Erasmo e outros amigos da Tijuca, Edson Trindade (que tocou violão no grupo Tijucanos do Ritmo, onde Tim Maia tocava bateria) e José Roberto, conhecido como "China" para formarem o grupo vocal "The Boys of Rock".

Erasmo Carlos morreu no dia 22 de novembro de 2022 no Rio de Janeiro, após ser internado no dia anterior em um hospital na Barra da Tijuca.

Em 06/06/1978: The Cars lança o álbum The Cars

Em 06/06/1978: The Cars lança o álbum

The Cars.

The Cars é o debut álbum de estúdio da banda americana de rock The Cars, lançado em 06 de junho de 1978 pela gravadora Elektra Records.

Produzido por Roy Thomas Baker, Três singles foram lançados do álbum: " Just What I Needed " (número 27 nos EUA, 17 no Reino Unido), " My Best Friend's Girl " (número 35 nos EUA, três no Reino Unido) e " Good Times Roll "(número 41 nos EUA), todos com grande repercussão nas estações de rádio AOR. Além dos singles, as faixas do álbum " You're All I've Got Tonight ", " Bye Bye Love " e " Moving in Stereo " se tornaram favoritas do rádio.

The Cars alcançou a posição 18 na Billboard 200 em março de 1979, passando 139 semanas na parada. O disco também ficou em quarto lugar na parada anual da Billboard 200 em 1979 e foi certificado seis vezes como platina pela Recording Industry Association of America (RIAA).

Em 2000, foi eleito o número 384 no All Time Top 1000 Albums de Colin Larkin. A Rolling Stone classificou The Cars em 282º lugar em sua lista de 2003 dos " 500 Melhores Álbuns de Todos os Tempos ", com a classificação caindo para o número 284 na atualização da lista de 2012, e para o número 353 no Atualização de 2020.

Lista de faixas:

Lado um:

1. "Good Times Roll" : 3:44

2. "My Best Friend's Girl" : 3:44

3. "Just What I Needed" : 3:44

4. "I'm in Touch with Your World" : 3:31

5. "Don't Cha Stop" : 3:01

Lado dois:

6. "You're All I've Got Tonight" : 4:13

7. "Bye Bye Love" : 4:14

8. "Moving in Stereo" : 5:15

9. "All Mixed Up" : 4:14

Comprimento total: 35:40.

Pessoal The Cars:

Ric Ocasek - vocais, guitarra base

Benjamin Orr - vocal, baixo

David Robinson - bateria, percussão, Syndrums , backing vocals

Elliot Easton - guitarra principal,

vocais de apoio

Greg Hawkes - teclados, percussão,

saxofone, vocais de apoio.

 

Em 06/06/1983: Crosby, Stills e Nash lança o álbum Allies

Em 06/06/1983: Crosby, Stills e Nash lança o álbum Allies

Allies é o oitavo álbum de Crosby, Stills & Nash, e seu segundo de concerto, foi lançado pela gravadora Atlantic Records em junho de 1983. Um clipe de show ao vivo de "Wasted on the Way" recebeu alguma rotação na MTV e VH1 na época, assim como "War Games".

O álbum alcançou o 43 lugar na Billboard 200.

Começa com duas gravações de estúdio. A faixa principal "War Games" foi escrita para o filme WarGames de 1983 e foi lançada como single pelo grupo, que alcançou a posição 45 na Billboard Hot 100.

A segunda faixa de estúdio, "Raise a Voice" de Stephen Stills e Graham Nash, foi anexada à reedição de Daylight Again de 2006 como faixa bônus. O restante do álbum consiste em gravações ao vivo de duas turnês diferentes. As faixas "Shadow Captain" e "He Played Real Good For Free" foram gravadas em Houston, Texas , na turnê de 1977 do álbum CSN.

Lista de faixas:

Lado um:

1. "War Games" (studio track) : 2:18

2. "Raise a Voice" (studio track) : 2:31

3. "Turn Your Back on Love" : 5:04

4. "Barrel of Pain" : 5:46

5. "Shadow Captain" : 4:30

Lado dois:

1. "Dark Star" : 4:48

2. "Blackbird" : 2:30

3. "He Played Real Good For Free" : 3:48

4. "Wasted on the Way" : 3:04

5. "For What It's Worth" : 5:38.

Pessoal:

David Crosby - vocais , guitarras

Stephen Stills - vocais, guitarras, teclados

Graham Nash - vocais, guitarras, teclados

Músicos adicionais

Danny Kortchmar - guitarra elétrica em

"War Games" e "Raise a Voice"

Michael Stergis - guitarra elétrica em

"Raise A Voice"

James Newton Howard - teclados em

"War Games", "Turn Your Back on Love",

"Barrel of Pain", "Dark Star" e

"For What It It Worth"

Mike Finnigan - vocais adicionais em

"Barrel of Pain", teclados em "Turn Your

Back on Love", "Barrel of Pain","Dark Star" e

"For What It's Worth"

Craig Doerge - teclados em "War Games",

"Raise a Voice" e "Shadow Captain"

George "Chocolate" Perry - baixo

Joe Vitale - bateria em todas as faixas,

exceto "War Games" e "Raise a Voice"

Jeff Porcaro - bateria em "War Games" e

"Raise a Voice"

Efrain Toro - percussão em "Turn Your

Back on Love", "Barrel of Pain", "Dark Star" e "For What It It Worth"

Joe Lala - percussão em "Shadow Captain".

 

Em 06/06/1989: Stevie Ray Vaughan lança o álbum In Step

Em 06/06/1989: Stevie Ray Vaughan lança o álbum In Step.

In Step é o quarto álbum de estúdio do guitarrista americano Stevie Ray Vaughan e Double Trouble, lançado em junho de 1989.

O título In Step pode ser Mk Visto como uma referência à sobriedade recém-descoberta de Vaughan, após os anos de uso de drogas e álcool que eventualmente levaram Vaughan à reabilitação. Foi o último álbum de Vaughan com Double Trouble, e também o último álbum de Vaughan a ser lançado durante sua vida.

Em 1990, Stevie Vaughan gravou um álbum de colaboração com seu irmão, Jimmie Vaughan, chamado Family Style, mais tarde naquele ano, Stevie Ray Vaughan morreu em um acidente de helicóptero.

Em 1999, uma reedição do álbum foi lançada, contendo um segmento de entrevista de áudio e quatro faixas bônus ao vivo.

Lista de faixas:

Original Lançamento

1. "The House Is Rockin'" : 2:24

2. "Crossfire" : 4:10

3. "Tightrope" : 4:40

4. "Let Me Love You Baby" : 2:43

5. "Leave My Girl Alone" : 4:15

6. "Travis Walk" : 2:19

7. "Wall of Denial" : 5:36

8. "Scratch-N-Sniff" : 2:43

9. "Love Me Darlin" : 3:21

10. "Riviera Paradise" : 8:49.

Pessoal Double Trouble:

Stevie Ray Vaughan - guitarra, voz

Tommy Shannon - baixo

Chris Layton - bateria, percussão

Reese Wynans - teclados

Pessoal adicional

Texacali Horns - em "Crossfire" e "

Love Me Darlin '"

Joe Sublett - saxofone

Darrell Leonard - trompete.

 

Em 06/06/1969: Elton John lança no Reino Unido o álbum Empty Sky

Em 06/06/1969: Elton John lança no Reino Unido o álbum Empty Sky.

Empty Sky é o primeiro álbum de estúdio do cantor e pianista inglês Elton John, foi lançado no Reino Unido em 06 de junho de 1969 e nos EUA em janeiro de 1975 pela gravadora MCA Records com uma capa diferente, depois de Elton John ter a sua fama se estabelecido internacionalmente.

Foi gravado durante o inverno de 1968 e a primavera de 1969 em um estúdio de 8 faixas da DJM Records, Empty Sky é o único álbum do início da carreira de Elton John que não foi produzido por Gus Dudgeon, mas dirigido pelo amigo e funcionário da DJM Steve Brown.

O álbum foi lançado no Reino Unido em mono e estéreo, sendo este último agora um item raro de colecionador.

" Skyline Pigeon " é a música mais popular e conhecida do álbum, e a única que Elton John, embora raramente, ainda toca como parte de seus shows ao vivo. A versão mais definitiva de "Skyline Pigeon", com orquestra e piano no lugar do cravo, foi gravada para Don't Shoot Me, I'm Only the Piano Player, de 1973, e inicialmente apareceu como lado B de " Daniel " em 1973. Outra aparição da música foi em 1974, quando uma versão gravada em Londres foi apresentada como faixa de abertura do LP ao vivo Here and There e seu relançamento em CD de 1995. Uma versão da faixa-título, "Empty Sky", também foi incluída em várias paradas da turnê de John em 1975.

Lista de faixas:

Todas as faixas foram escritas por

Elton John e Bernie Taupin.

Lado um:

1. "Empty Sky": 8:29

2. "Val-Hala" : 4:11

3. "Western Ford Gateway" : 3:15

4. "Hymn 2000" : 4:29

Lado dois:

1. "Lady What's Tomorrow" : 3:09

2. "Sails" : 3:45

3. "The Scaffold" : 3:18

4. "Skyline Pigeon" : 3:37

5. "Gulliver / Hay Chewed / Reprise" : 6:58.

Pessoal:

Elton John - voz, piano, órgão,

Hohner Pianet , cravo

Caleb Quaye - guitarra elétrica, violão, congas

Tony Murray - baixo

Roger Pope - bateria, percussão

Nigel Olsson - bateria em

"Lady What's Tomorrow"

Don Fay - saxofone, flauta

Graham Vickery - gaita.

 

Broken Social Scene – You Forgot It In People (2002)

 

Revisitar You Forgot it in People será sempre um prazer, um regresso à adolescência, a um tempo de sonhos e descoberta do seu lugar no mundo.

Comecemos por situar quem poderá eventualmente nunca ter ouvido esta banda – originais de Toronto, liderados por Kevin Drew e Brendan Canning, e que começaram a carreira por música ambiente (Feel Good Lost, de 2001), evoluindo depois para um colectivo de artistas da cena indie da maior cidade do Canadá (onde se incluia por exemplo Feist, Emily Haines, Elizabeth Powell). Em concerto eram normalmente cerca de 10 elementos, podendo crescer até 20 se as condições o permitissem. Foi com base nesta experiência que surgiu You Forgot it in People, com Drew e Canning aos comandos e a participação de todos, no que podia ser um caos total mas passou como histeria contida e arrasadora.

Parece incrível a todos os níveis que se tenham passado dezassete anos desde o seu lançamento, mas no fundo, é um álbum que esteve sempre presente, sempre ali a ocupar espaço no imaginário sonoro que habita o meu cérebro. Ouvi-lo em 2019 continua a ser um prazer imenso, pela conjungação de momentos festivos com momentos angustiantes, de momentos de interação com o grupo que rodeia com momentos de solidão, de momentos adultos com momentos pueris. No fundo, tudo o que representa uma fase única da nossa vida, a transição adolescência-adulto, onde reina a incerteza e a certeza de que já se sabe tudo, a inquietude pessoal e sexual, o descobrir de um lugar no mundo.

Nas várias análises reinantes em pareceres de psicologia, a infância costuma aparecer como a fase da vida que é mais recordada por adultos, mais importante e marcante no caminho de cada pessoa, pelo que estou obviamente a atirar-me para fora de pé quando lanço a hipótese de que talvez esta fase 17-20 anos seja bem mais definidora. Ainda assim faço-o, mera opinião descomprometida, concorde quem quiser, discorde quem o entender. Num dos momentos mais altos do álbum, “Anthems for a Seventeen Year-Old”, a vontade de regressar a esse tempo entra pelo ouvinte adentro pela doce voz de Emily Haines, repetindo até à exaustão a vontade de “Park that car, drop that phone, sleep on the floor, dream about me”. Nostalgia pura e dura de um tempo em que responsabilidade nem vê-la.

E depois, há a sexualidade. Drew e seus comparsas atacam o tema sem complexos – “Lover´s Spit” é a amostra mais vincada disto mesmo, mas também em “Almost Crimes” e “I’m Still Your Fag” a questão sexual impera, sem papas na língua. Os títulos em si já são reveladores, mas atentem às letras, o manancial de badalhoquice que Drew nos atira é único e garantidamente controverso.

Sempre intercalados por brilhantes temas instrumentais – “Capture the Flag” para abrir, “Pacific Theme” e “Late Nineties Bedroom Rock for the Missionaries” a meio, “Pitter Patter Goes My Heart” para fechar – as músicas dos Broken Social Scene florescem a cada audição, tal é a riqueza dos detalhes que se encontram nelas. O facto de ter ao seu dispôr um colectivo de músicos em muito contribui, naturalmente, mas é na conjugação de todas as variáveis que está a magia que Drew e Canning fazem. “Cause = Time” é melhor prova que podemos ter disto mesmo, é o menu degustação do restaurante Broken Social Scene. Foi esta música que elevou um projecto entre amigos para uma banda que podia conquistar o mundo.

You Forgot it in People é de 2002, mas muito poucos o terão ouvido nesse ano, apenas em 2003 começou a captar maior atenção, tendo os Broken Social Scene usufruído e muito da rampa de lançamento arcadefireiana para chegarem aos escaparates nos EUA e Europa. Havia algumas semelhanças aparentes, nomeadamente no ponto de ser mais um colectivo que uma banda, dado o número de músicos que participam. Mas onde os Arcade Fire foram épicos, os Broken Social Scene começaram por ser introspectivos, sendo que no álbum seguinte, Broken Social Scene deram uma maior amostra desse lado (sobretudo com canções como “Shoreline (7/4)” e “It’s All Gonna Break”). A intensidade, essa encontra-se em ambas as bandas em igual medida. Basta ouvir com o devido carinho e atenção para se perceber isso mesmo.

Zanibar Aliens – III (2018)

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Ao terceiro disco, os Zanibar Aliens esticam as asas para algumas novas paisagens sonoras, sem perder o puro sangue rock que sempre os caracterizou

Os lobos uivam e a caravana passa. Em poucos anos, os Zanibar Aliens (dois tugas e dois irmãos suecos a viver em Portugal) afirmaram-se como os grandes portadores da tocha do rock clássico no nosso país. Bela Vista, a estreia, é de 2016; menos de um ano depois, nova bomba, com Space Pigeon; e, ainda no finalzinho de 2018, aí está o terceiro tomo desta viagem, com o simplesmente intitulado III, trazendo-nos à memória os nomes dos discos de uma das grandes inspirações desta banda, os gigantes Led Zeppelin, que mereceram recentemente um extenso especial por parte do Altamont.

Tal como nos registos anteriores, III é um disco curto e muito intenso. O som dos Zanibar Aliens está solidificado, nunca fugindo muito do registo do hard-rock/blues da viragem dos anos 60 para a década seguinte. Essa é, aliás, a questão que sempre se coloca a esta banda: quando se conseguirão libertar das suas influências e encontrar uma voz verdadeiramente própria (veja-se o mesmo problema em relação aos Greta Von Fleet, que estão fartinhos que lhes perguntem pelos Led Zeppelin).

Sendo esta questão relevante, há sempre o risco de os lobos se afastarem demasiado da alcateia e adquirirem hábitos mais típicos de outras espécies, ou seja, de os Zanibar Aliens, na tentativa de mexer no seu som, poderem começar a soar a outra coisa qualquer que não aquilo que neles gostamos.

III começa logo a prometer uma abertura estilística, com “All I need is You” a surgir num ritmo ligeiramente mais lento, quase de balada preguiçosa de um verão quente, levando-nos para sons que nos lembram o magnífico Houses of the Holy. Um bom começo, sem dúvida, mas os rapazes não esperam muito para nos dar um petardo rock e quase glam, com o segundo tema, “I am the USA”.

Segue-se “Fever”, uma música que busca inspiração ainda mais atrás, lembrando Del Shannon antes de se transformar num registo quase caribenho movido a um piano inspiradíssimo, acompanhado no final pelos acordes desgarrados de uma guitarra portuguesa. Acredite-se ou não, estranhamente funciona.

“Come on Down” é o regresso a um caminho mais tradicional, uma descontraída e sentida balada, chegando a levar-nos à Motown com o Verão da linha sempre à espreita (a Parede é uma base tradicional da banda). A primeira metade do disco fecha com “Human Error”, um bom boogie-rock com uns novos truques de produção a dar espaço e gás a um belo solo de guitarra. E como é bom um velho solo de guitarra!

O tempo volta a abrandar com “Not Around”, nova balada lenta e cheia de emoção. Será que os Aliens encontraram o amor? Por vários temas deste disco, parece (o que nada tem de mal). E, por mais que gostemos da guitarra, o final deste tema, com o órgão espacial a conduzir-nos pela mão, pedia um novo arranque para uma exploração prog, ao qual a banda continua a resistir.

“Good Things” arranca com um tom optimista que nos remete para os saudosos Clearence Clearwater Revival, toda ela acompanhada por uma slide guitar fresca, ao qual se juntam o piano e até o assobio. Fechando os olhos, estamos no Mississipi. “Lonely Hero” acaba por ser o tema mais esquemático e, como tal, menos inspirado do disco, embora seja salvo com brilhantismo pela orgia musical final.

A caminho do fim, “Hometown” volta a subir o botão da intensidade, com o vocalista Carl Karlsson em pleno modo Robert Plant. É aliás o tema mais descaradamente Zeppelin do disco (aquele final, aquela subtil dupla guitarra, óptimo!). III termina com a doce “As long as I get to see you”, simples e bonita, um descanso depois de uma viagem intensa.

Ao terceiro disco de longa duração, os Zanibar Aliens dão um pequeno passo na abertura do seu som, com uma maior variedade estilística e arranjos mais cuidados (na utilização das teclas, por exemplo), conseguindo manter as forças que já haviam demonstrado no passado e que nos fizeram fãs desde a primeira hora.

Parafraseando os Supergrass, The Kids Are Allright.

 

Malibu Ken – Malibu Ken (2019)

Malibu Ken dá-nos o melhor de dois ermitas da música alternativa, num projeto que só peca por não ser mais longo.

Quando em 2008 Tom Fec, o líder dos Black Moth Super Rainbow, mais conhecido como Tobacco lançou o seu primeiro disco a solo, Fucked Up Friends, era impossível ignorar a presença de Aesop Rock em “Dirt” não tanto pela sua qualidade intrínseca (esta não se destaca particularmente, o que nos diz mais sobre o álbum do que sobre a música) mas pelo quão vinda do nada a colaboração parecia. Não é bem assim: A verdade é que o grupo de Fec, os Black Moth Super Rainbow e Ian Bavitz, nome real de Aesop, abriram para os Flaming Lips em 2007 e já na altura os dois músicos discutiram a possibilidade de fazerem um disco colaborativo.

Passaram-se oito anos, que viram Aesop Rock afirmar-se como um dos MCs mais literatos do hip-hop (é, afinal de contas, o rapper que detém o maior vocabulário no género) enquanto Tobacco expandia o seu leque sonoro, adquirindo sonoridades mais ácidas e saturadas que o afastaram da pop bucólica e cozida dos Black Moth Super Rainbow.

Malibu Ken não tenta ser mais do que é: Nenhum músico tenta apaziguar as suas idiossincrasias ou adaptá-las ao outro, tornando este disco redundante. Os melhores e mais óbvios frutos desta falta de flexibilidade estão em “Acid King” o primeiro single. Os sintetizadores triunfantes de Tobacco formam a cama ácida onde Aesop Rock cospe, com uma precisão jornalística, a história de Ricky Kasso, um jovem que, sob o efeito de LSD, matou à facada um amigo, afirmando mais tarde ter seguido as ordens de Satanás.

O conceito de narrar estas histórias sórdidas é um dos muitos pontos de encontro dos dois músicos cuja estética deve muito à mitologia miserável e repugnante dos subúrbios americanos. “Churro” é sobre um escândalo ocorrido em Pittsburgh, na Pensilvânia, que envolveu os habitantes da cidade assistirem a duas águias a alimentar as suas crias com a carcaça de um gato.

Tobacco também tem uns truques na manga. “Dog Years” vê o músico a desconstruir o instrumental à medida que este se aproxima do fim e a sua voz, filtrada como sempre pelo vocoder, partilha com Aesop o refrão desta canção e de outras, nomeadamente, “1 + 1 = 13” onde a saturação de fita magnética e arpejos de pastilha elástica dominam a paisagem.

Quando o último refrão da lânguida “Purple Moss” se dilui em pitch shifts e teclados derretidos, ficamos com a sensação de que a aventura acabou prematuramente. Com uns meros trinta e quatro minutos é um disco demasiado curto para nos saciar completamente mas, na sua curta duração, vislumbramos alguns dos momentos mais brilhantes na discografia dos dois artistas.