Can foi uma banda alemã de rock experimental formada em Colônia Alemanha 1968

Can foi uma banda alemã de rock experimental formada em Colônia Alemanha 1968 pelos músicos Holger Czukay (baixo), Irmin Schmidt (teclados), Michael Karoli (guitarra) e

Jaki Liebezeit (bateria).

Can contou com vários vocalistas, incluindo o americano Malcolm Mooney (1968–70) e o japonês Damo Suzuki (1970–73). Eles foram aclamados como pioneiros da cena krautrock alemã. Holger Czukay e Irmin Schmidt eram de formação acadêmica, alunos do compositor Karlheinz Stockhausen, e eram fascinados pelas possibilidades do rock and roll.

O Can inicialmente usou o nome Inner Space.

No final de 1968, a banda recrutou o vocalista americano Malcolm Mooney. Gravaram um álbum, Prepare to Meet Thy Pnoom, mas não conseguiram uma gravadora para lançá-lo.

Apareceram brevemente no filme Kamasutra: Vollendung der Liebe de 1969 apoiando a cantora Margarete Juvan. Por sugestão de Malcolm Mooney, a banda mudou seu nome para Can. Malcolm Mooney sugeriu o nome por seus significados positivos em vários idiomas. Liebezeit mais tarde sugeriu o acrônimo "comunismo, anarquismo, niilismo", depois que uma revista inglesa afirmou que esse era o significado pretendido. Can aceitou um convite de um amigo para se mudar para seu castelo, Schloss Nörvenich, e usá-lo como um estúdio de gravação. Lá, eles gravaram seu álbum de estreia, Monster Movie (1969).

Ele continha novas versões de duas músicas gravadas anteriormente para Prepared to Meet Thy Pnoom, "Father Cannot Yell" e "Outside My Door". Monster Movie recebeu aclamação. Durante uma apresentação ao vivo, Malcolm Mooney sofreu um colapso mental, gritando

"lá em cima, lá embaixo" por três horas, mesmo depois que Can parou de tocar.

Seguindo o conselho de seu psiquiatra, ele deixou o Can e retornou aos EUA no final de 1969. Mooney fez suas últimas gravações com Can em dezembro. Ele foi substituído em 1970 por um jovem viajante japonês, Damo Suzuki, que Czukay e Liebezeit encontraram tocando na rua do lado de fora de um café em Munique e convidaram para participar da apresentação naquela noite. Os membros fundadores do Can vieram de origens na música de vanguarda e no jazz. O Can Misturou os elementos de rock psicodélico, funk e musique concrète em álbuns influentes como Tago Mago (1971),

Ege Bamyasi (1972) e Future Days (1973).

O Can teve sucesso comercial com os singles

" Spoon " (1971) e " I Want More " (1976) que alcançou as paradas nacionais de singles.

Seu trabalho influenciou o rock, o pós-punk e os atos ambientais. Após a separação, todos os ex-membros estavam envolvidos em projetos musicais, muitas vezes como músicos de sessão para outros artistas. Holger Czukay gravou vários álbuns ambientais e colaborou com David Sylvian, entre outros.

Jaki Liebezeit tocou extensivamente com os baixistas Jah Wobble e Bill Laswell, com um conjunto de bateria chamado Drums off Chaos e em 2005 com Datenverarbeiter no álbum online Givt.

Em 1986, o Can se reformou brevemente, com o vocalista original Mooney, para gravar Rite Time (lançado em 1989). Houve uma nova reunião em 1991 por Karoli, Liebezeit, Mooney e Schmidt para gravar uma faixa para o filme de Wim Wenders Until the End of the World e em agosto de 1999 por Karoli, Liebezeit e Schmidt com Jono Podmore para gravar um cover de " The Third Man Theme " para o álbum de compilação Pop 2000 da Grönland Records. Em 1999, os quatro membros principais do Can: Karoli, Liebezeit, Schmidt e Czukay, se apresentaram ao vivo no mesmo show, embora tocando separadamente com atuais projetos solo (Sofortkontakt, Club Off Chaos, Kumo e U-She, respectivamente). Desde então, Can tem sido objeto de inúmeras compilações, álbuns ao vivo e samples. Em 2004, a banda iniciou uma série de remasterizações em Super Audio CD do catálogo anterior, que foram concluídas em 2006. Karoli morreu de câncer em 17 de novembro de 2001; Liebezeit morreu de pneumonia em 22 de janeiro de 2017; Czukay morreu de causas naturais em 5 de setembro de 2017; e Suzuki morreu de câncer em fevereiro de 2024..

Origem: Colônia, Alemanha Ocidental

Gêneros: Krautrock, Rock experimental,

Rock progressivo, Rock psicodélico,

Ambient, Avant-garde, Eletrônica, avant-funk, art rock, funk psicodélico

Anos ativos: 1968–1979, 1986, 1988, 1991, 1999

Gravadoras: Liberty, United Artists, Spoon, Mute.

Membros:

Michael Karoli – guitarra, vocais, violino (1968–1979, 1986, 1988, 1991, 1999;

falecido em 2001)

Jaki Liebezeit – bateria, percussão (1968–1979, 1986, 1988, 1991, 1999;

falecido em 2017)

Irmin Schmidt – teclados, vocais

(1968–1979, 1986, 1988, 1991, 1999)

Holger Czukay – baixo, engenheiro de som, eletrônica, vocais, trompa francesa (1968–1977, 1986, 1988; falecido em 2017)

David C. Johnson – palhetas, sopros, eletrônica e manipulação de fitas

(1968; falecido em 2021)

Malcolm Mooney – vocais (1968–1970, 1986–1988, 1991)

Damo Suzuki – vocais (1970–1973;

falecido em 2024)

Rosko Gee – baixo, vocais (1977–1979)

Rebop Kwaku Baah – percussão, voz (1977–1979; falecido em 1983).

Colaboradores adicionais:

Margarethe Juvan - vocais (1968)

Manni Löhe – vocais, percussão e flauta

(1968; falecido em 1978)

Duncan Fallowell – letras (1974)

René Tinner – engenheiro de gravação (1973–1979, 1986, 1991)

Olaf Kübler de Amon Düül –

saxofone tenor (1975)

Tim Hardin – vocais e guitarra

(novembro de 1975) (falecido em 1980)

Thaiga Raj Raja Ratnam – vocais (janeiro–março de 1976)

Michael Cousins – vocais

(março–abril de 1976)

Peter Gilmour – letras, mixagem de som ao vivo (final dos anos 1970)

Jono Podmore – engenheiro de gravação, baixo (1999), engenheiro de processamento

de som e edição (1999, 2003, 2011–2012).

Discografia:

Álbuns de estúdio:

Delay 1968 (1968)

Monster Movie (1969)

Soundtracks (1970)

Tago Mago (1971)

Ege Bamyasi (1972)

Future Days (1973)

Soon Over Babaluma (1974)

Landed (1975)

Flow Motion (1976)

Saw Delight (1977)

Out of Reach (1978)

Can (1979)

Rite Time (1989).

Em 01/08/1976: Magnum lança o álbum Kingdom of Madness

Em 01/08/1976: Magnum lança o álbum Kingdom of Madness

Kingdom of Madness é o álbum de estreia da banda de rock inglesa Magnum. Foi gravado em 1976 e lançado em agosto de 1978 pela gravadora Jet Records.

Kingdom of Madness foi premiado com uma crítica de 4 estrelas no Sounds, com o escritor Geoff Barton sugerindo que a banda era capaz de fazer uma forte reivindicação por uma fatia do mercado ocupada por nomes como Styx, Kansas e Yes. O álbum foi descrito como

"um som de rock progressivo com flauta semelhante ao de Jethro Tull. A composição varia de contos míticos e imaginativos em

"In the Beginning" e a música-título, a faixas profundamente filosóficas como "Universe" e "All That É real".

O álbum também foi conhecido por suas letras imaginativas, com influência do membro do Hawkwind , letrista do Blue Öyster Cult e autor de ficção científica Michael Moorcock, as músicas "Lord of Chaos" e "Stormbringer" referenciando diretamente o Elric de Moorcock. a série. Antes do lançamento, Magnum havia excursionado extensivamente pelo

Reino Unido com nomes como Judas Priest

e construído sobre uma base de fãs sólida. Muitas das músicas foram tocadas no set ao vivo do Magnum desde 1976 e foram adequadamente "testadas na estrada". Muitos fãs estavam familiarizados com o material antes do lançamento do álbum, isso ajudou o álbum a estrear em um respeitável número 58 nas paradas do Reino Unido. Por causa do atraso no lançamento, as faixas "Master of Disguise", "Without Your Love", "Find the Time" e "Everybody Needs" originalmente destinadas ao álbum, foram retiradas para músicas mais atualizadas, como a faixa de abertura "No início". Essas faixas foram posteriormente incluídas na Sanctuary Records2005 2CD Edição remasterizada e expandida do álbum. Dois singles foram lançados para promover o álbum, "Kingdom of Madness" em julho de 1978 e "Invasion" em setembro de 1978, embora o single de estreia de Magnum para a CBS, "Sweets for My Sweet", lançado em fevereiro de 1975, não tenha sido incluído no álbum. A versão expandida de 2005 do álbum foi relançada em 22 de setembro de 2006 no Japão com a embalagem Mini LP/Paper Sleeve pela Arcangelo.

O álbum também foi incluído em uma edição limitada japonesa Box Set, compreendendo todos os seis lançamentos expandidos e remasterizados da Sanctuary Records com embalagem Mini LP/Paper Sleeve. O conjunto incluía uma caixa externa com a arte de Chase the Dragon da Magnum.

Lista de faixas:

Todas as faixas são escritas por Tony Clarkin.

Lançamento original de 1978.

Lado um:

1. "In the Beginning": 7:52

2. "Baby Rock Me": 4:05

3. "Universe": 3:45

4. "Kingdom of Madness": 4:25.

Lado dois:

5. "All That Is Real": 3:48

6. "Bringer": 4:58

7. "Invasion": 3:22

8. "Lords of Chaos": 3:21

9. "All Come Together": 4:52.

Disco 2 (edição expandida de 2005):

1. "Sea Bird" (Demo): 3:49

2. "Stormbringer" (Demo): 3:31

3. "Slipping Away" (Demo): 3:15

4. "Captain America" (Demo): 3:43

5. "Sweets for My Sweet": 3:02

6. "Movin' On": 3:47

7. "Master of Disguise" (Outtake): 2:54

8. "Without Your Love" (Outtake): 3:45

9. "Find the Time" (Outtake): 3:04

10. "Everybody Needs" (Outtake): 3:47

11. "Kingdom of Madness"

(Alternate Version): 3:56

1 – 4 Demo gravada no Nest Studios, Birmingham, 1974.

5 – 6 tiradas do raro primeiro single de Magnum Sweets for My Sweet em 1975.

7 – 10 Outtakes das sessões do Kingdom of Madness em 1976 no De Lane Lea Studios.

11 Gravação alternativa, gravada no Battle Studios, Hastings em 1979.

1 – 4; 7 – 11 apareceu originalmente nas compilações de 1993 da Magnum Archive.

Pessoal:

Bob Catley - Vocais

Tony Clarkin – Guitarra

Wally Lowe – Baixo

Richard Bailey – Teclados, Flauta

Kex Gorin – Bateria

Dave Morgan – Baixo, vocais

(no Disco 2, Faixas 1 – 6).

 

Magnum foi uma banda inglesa de rock progressivo, hard rock melódico e AOR

 Magnum foi uma banda inglesa de rock progressivo, hard rock melódico e AOR. Eles foram formados em Birmingham em 1972 por Tony Clarkin (guitarra, compositor) e Bob Catley (vocais) para aparecer como a banda residente na boate Rum Runner na cidade. Magnum passou por várias mudanças de pessoal ao longo dos anos; no entanto, o núcleo de Catley e Clarkin permaneceu até a morte de Clarkin em 2024.

formação da banda permaneceu a mesma até o final de 1972, quando Les Kitcheridge se juntou temporariamente na guitarra base. Clarkin havia deixado a banda e foi nessa fase que a banda foi renomeada para Magnum com Clarkin voltando depois disso. Bob Doyle deixou o Magnum em 1972 e se juntou ao Wizzard de Roy Wood, e foi substituído pelo ex- baixista do Uglys and Balls, Dave Morgan (mais tarde um membro do ELO). Richard Bailey se juntou aos teclados em junho de 1973, antes de fazer um ano sabático de dois anos na África do Sul no ano seguinte. A banda começou a desenvolver seu próprio estilo tocando as músicas de Clarkin em uma residência no The Railway Inn, na Curzon Street de Birmingham, em 1976. Em 1975, Clarkin e Dave Morgan receberam uma oferta de Kim Holmes para ajudar na construção de um estúdio, em vez de serem pagos com dinheiro, Clarkin solicitou ser pago com tempo de estúdio.

O álbum de estreia do Magnum, Kingdom of Madness, foi lançado pela Jet Records no final de 1978 e alcançou a posição 58 na parada do Reino Unido; recebeu uma crítica cinco estrelas de Geoff Barton da revista Sounds. Eles fizeram uma turnê pelo Reino Unido em outubro/novembro de 1978, como suporte para o Whitesnake de David Coverdale. Leo Lyons, ex-baixista do Ten Years After, produziu o álbum seguinte, Magnum II - que foi lançado em 1979, mas não conseguiu entrar nas paradas. Outra turnê de suporte foi organizada para novembro de 1979, desta vez com o Blue Öyster Cult. Um set ao vivo, Marauder, foi lançado como um álbum e alcançou a posição #34 no Reino Unido, e um single duplo ao vivo ("Live at the Marquee", incluindo "Invasion") alcançou a posição 48 na parada de singles do Reino Unido. Bailey saiu logo depois e foi substituído temporariamente por Grenville Harding durante o apoio do Magnum à turnê On Through the Night do Def Leppard no Reino Unido em março. Para a segunda etapa em abril, o substituto permanente Mark Stanway assumiu as funções de teclado. Magnum também apareceu no Reading Festival em 1980. Abril de 1981 viu outra turnê de apoio, desta vez com Tygers of Pan Tang em sua turnê Spellbound no Reino Unido.

Seu primeiro álbum de sucesso foi o Chase the Dragon (1982), produzido por Jeff Glixman , que alcançou a posição #17 no Reino Unido, e incluiu várias músicas que seriam os pilares do set ao vivo da banda, incluindo "Soldier of the Line", "Sacred Hour" e "The Spirit".

O sucesso inicial mais significativo do Magnum foi Chase the Dragon em 1982, que alcançou a posição 17 na UK Albums Chart. Incluía várias músicas que se tornariam pilares do set ao vivo da banda, notavelmente "Soldier of the Line", "Sacred Hour" e "The Spirit". On a Storyteller's Night deu à banda seu avanço na Europa e alcançou uma certificação de ouro no Reino Unido. O álbum de 1986 da banda, Vigilante, representou um novo movimento em direção ao mainstream antes da banda atingir seu pico comercial em 1988, quando entrou no Top Ten do Reino Unido pela primeira vez com o álbum Wings of Heaven, que alcançou a quinta posição e apresentou três singles no Top 40, "Days of No Trust", "Start Talking Love" e "It Must Have Been Love". Foi seguido por Goodnight LA, que foi produzido por Keith Olsen e alcançou a nona posição na parada de álbuns do Reino Unido em 1990. Produziu outro single Top 40 para a banda, "Rockin' Chair".

Em 1995, Clarkin anunciou a separação do Magnum; no entanto, Clarkin e Catley continuaram trabalhando juntos, agora sob o nome Hard Rain, até 1999. O Magnum se reformou em 2001 e teve sucesso comercial no final da carreira, produzindo outros 12 álbuns de estúdio. Em 2005, o ex-baterista Kex Gorin foi diagnosticado com câncer renal. Gorin teve um rim removido e passou por radioterapia e tratamento com esteroides, mas morreu da doença em 21 de dezembro de 2007. Magnum fez uma turnê pelo Reino Unido e pela Europa em maio de 2007. Harry James tocou bateria temporariamente durante metade da turnê, pois Jimmy Copley adoeceu e logo substituiu Copley permanentemente na formação. Copley morreu em 2017. A banda voltou ao estúdio, e um álbum de compilação remasterizado intitulado Dance of the Black Tattoo foi lançado em janeiro de 2021. Seu 22º álbum de estúdio, The Monster Roars, foi lançado em 14 de janeiro de 2022. Em 9 de janeiro de 2024, a Magnum anunciou em sua página do Facebook que Clarkin havia morrido pacificamente em 7 de janeiro, cercado pela família após uma curta doença. No mês anterior, a banda revelou que ele foi diagnosticado com uma rara doença na coluna, o que levou ao cancelamento de sua turnê da primavera de 2024. Here Comes the Rain, o 23º álbum de estúdio da Magnum, foi lançado cinco dias após a morte de Clarkin e alcançou posições nas paradas sem precedentes na história da banda. Dois meses após o lançamento, Bob Catley anunciou que não poderia continuar sem Clarkin e que a Magnum se separaria.

Origem: Birmingham, Inglaterra

Gêneros: Hard rock, Rock progressivo, AOR

Anos ativos: 1972–1995, 2001–2024

Gravadoras: CBS, Jet, FM, Polydor, Music for Nations, EMI, SPV

Membros da banda:

Bob Catley – vocais (1972–1995, 2001–2024)

Tony Clarkin – guitarra solo, vocais (1972–1995, 2001–2024; sua morte), bateria (2001)

Bob Doyle – baixo (1972)

Kex Gorin – bateria, percussão (1972–1984; falecido em 2007)

Dave Morgan – baixo, vocais (1972–1975)

Richard Bailey – teclado, flauta, vocais (1973-1974, 1976–1980)

Colin "Wally" Lowe – baixo, vocais (1975–1995)

Mark Stanway – teclados (1980–1984, 1985–1995, 2001–2016)

Eddie George – teclados (1984–1985)

Jim Simpson – bateria, percussão (1984–1985)

Mickey Barker – bateria, percussão (1985–1995)

Al Barrow – baixo, vocais de apoio (2001–2019)

Harry James – bateria, percussão (2002–2005, 2007–2017)

Jimmy Copley – bateria, percussão (2005–2007; falecido em 2017)

Rick Benton – teclados (2016–2024)

Lee Morris – bateria (2017–2024)

Dennis Ward – baixo, backing vocals (2019–2024).

Músicos em turnê:

Les Kitcheridge – guitarra base (1972)

Grenville Harding – teclados (1980)

Robin George – guitarra base (1983; falecido em 2024)

Laurence Archer – guitarra solo (1984; substituiu Tony Clarkin).

Discografia:

Como Magnum:

Kingdom of Madness (1978)

Magnum II (1979)

Chase the Dragon (1982)

The Eleventh Hour (1983)

On a Storyteller's Night (1985)

Vigilante (1986)

Wings of Heaven (1988)

Goodnight L.A. (1990)

Sleepwalking (1992)

Keeping the Nite Light Burning (1993)

Rock Art (1994)

Breath of Life (2002)

Como Hard Rain:

Hard Rain (1997)

When the Good Times Come (1999)

Brand New Morning (2004)

Princess Alice and the Broken Arrow (2007)

Into the Valley of the Moonking (2009)

The Visitation (2011)

On the 13th Day (2012)

Escape from the Shadow Garden (2014)

Sacred Blood "Divine" Lies (2016)

Lost on the Road to Eternity (2018)

The Serpent Rings (2020)

The Monster Roars (2022)

Here Comes the Rain (2024)

The Burrito Brothers: “Together” (2023) CD Review

Começando no final dos anos 1960, The Flying Burrito Brothers teve uma jornada incomum e distorcida, com muitas formações diferentes e mudanças de nome, incluindo Burrito Deluxe e The Burritos. Em algum lugar ao longo do caminho, eles pararam de voar e agora são The Burrito Brothers. O que é selvagem é que durante todas essas mudanças de pessoal, que começaram quase imediatamente, o grupo lançou algumas músicas maravilhosas. Logicamente, talvez, não devesse acontecer dessa forma. Afinal, nenhum dos membros originais ainda está ativo na banda, e aqueles que substituíram os membros originais também não fazem mais parte dela, e os que os substituíram também não. É difícil até mesmo acompanhar quantas mudanças ocorreram, com membros mais velhos ocasionais retornando e depois indo embora (um grande gráfico é necessário para acompanhar a jornada desta banda). No entanto, de alguma forma, quem quer que esteja gravando sob os vários nomes Burrito parece destinado a lançar boas músicas. Vai entender. O último álbum lançado por The Burrito Brothers é Together , que foi lançado há quase um ano. A banda deste álbum é composta por Chris P. James nos vocais, teclado e gaita; Bob Hatter na guitarra elétrica, violão e vocais; Tony Paoletta na guitarra pedal steel, dobro, violão de 12 cordas, banjo, bandolim e vocais; e Peter Young na bateria, percussão, vocais e violão. O álbum é dedicado a Bob Hatter, que morreu antes do álbum ser concluído. Ele tocou no álbum de 2018 Still Going Strong e no lançamento de 2020 The Notorious Burrito Brothers , o título deste último claramente uma brincadeira com The Notorious Byrd Brothers , do The Byrds , que saiu em 1968, ano em que o grupo The Flying Burrito Brothers foi fundado como uma espécie de ramificação do The Byrds. Assumindo o lugar de Bob Hatter neste disco está Steve Allen no violão, guitarra elétrica, baixo e vocais. Também há convidados em algumas faixas. Este álbum apresenta material original.

O álbum abre com “Ms. Misery”, que tem aqueles elementos doces e suaves de folk e country pelos quais essa banda é conhecida e amada, e apresenta um bom trabalho no pedal steel. Essa música foi escrita por Chris P. James e Bob Hatter. Aqui está uma amostra da letra: “ Maldita Sra. Misery, malvada Sra. Misery/Diz o ditado que ela adora companhia/Mas agora eu sei que queria que não fosse eu/Meu coração está partido e estou de joelhos/Rezando por misericórdia, misericórdia, por favor, oh, Sra. Misery .” Há uma pequena seção de guitarra que pode lembrar The Byrds. Isso é seguido por “Mr. Customs Man.” Esta é interessante, pois Gram Parsons recebe créditos de composição, junto com Chris P. James e Bob Hatter. Pelo que entendi, é baseada na letra escrita de “LA Customs Blues”, uma versão da qual foi gravada por Carl Jackson no lançamento de 2000 The Gram Parson Notebook: The Last Whippoorwill . É ótimo que esses caras apresentem essa música, pois ela combina o mais antigo dos Burritos com o mais recente. Além disso, é uma boa música. Adoro a maneira como ela constrói energia em direção ao final e apresenta algumas coisas ótimas na guitarra. Esses caras também adicionam suas próprias letras e, no final, comentam: " Isso foi divertido ". De fato.

“Together”, a faixa-título do álbum, tem uma vibração psicodélica legal quando começa. Parece que está preparada para explorar algum território interessante, e eu estou imediatamente a bordo. Até o pedal steel tem uma ponta psicodélica, o que é maravilhoso. E é uma canção de amor. “ Este amor é uma obra de arte/E devemos ficar para sempre/Vamos torcer para que nossa estrada seja longa .” Perto do final, há uma curta seção de palavra falada, “ Então temos esse isolamento, temos esse mundo cheio de odiadores ,” que contrasta um pouco com o aspecto doce da maior parte do impulso desta faixa. Esta foi escrita por Chris P. James, e é uma das minhas favoritas. Ronnie Rael toca violão nesta faixa. E falando em amor, a próxima música é intitulada “I Find Love,” na qual eles cantam “ I find love in everything you do .” Legal. Outra linha que se destaca para mim é, “ Before you there was nothing I ever held onto ,” e nessa linha, eu gosto de como há uma pausa após a palavra “ nothing ,” a princípio dando a impressão de que nada existia antes que aquela pessoa entrasse em sua vida. Parece assim às vezes, não é, como se fosse estranho que houvesse algo antes que o amor de nossas vidas aparecesse. Esta faixa apresenta um bom trabalho na guitarra.

Ron Guilbeau se junta ao grupo na guitarra para “Let Go”, uma música que ele coescreveu com Chris P. James e Rick Lonow. “ Lay down your burden/Shackles and chains/Even when you're hurtin'/Love remains .” Eu gosto da mensagem positiva e amigável nessas linhas de abertura, e eu gosto da maneira como eles combinam a ideia de deixar ir com a diretiva “ Let's go ” na linha “ Let go, let go, let go, let's go, let's go ,” a ideia de seguir em frente em mais de uma maneira. “ Tonight let's have good times/We may as well sing/Might just be someone listening .” Esta faixa apresenta um trabalho adorável no pedal steel, e há uma boa jam no final. Isso é seguido por “Blood On His Hands,” que tem uma vibração country mais forte, com trabalho proeminente no pedal steel em seu coração. A letra é country puro: “ Passei minha vida inteira na estrada/A última vez que nos falamos, eu sabia que você não estava sozinho/E os rumores que estou ouvindo são mais do que posso suportar/É o que uma dor no coração pode fazer a um homem .” Esta foi escrita por Tony Paoletta, Bob Hatter, Chris P. James e Peter Young. Ela apresenta um bom trabalho vocal.

“Boiling Point” começa estranhamente, com uma montagem de diferentes peças de áudio, incluindo um locutor de beisebol dizendo “ Just a bit outside ”. A música em si começa quase trinta segundos depois do início da faixa. Há uma grande energia nessa música, particularmente na performance vocal. “ The night is still ahead/Feel the heat, through and through/Love's sweet fire playing you ”. É mais na veia do rock, e há algo cativante nessa música. Há também algo lúdico nessa, que você pode ouvir especialmente no final. Então “Streets Of Santa Rosa” tem uma vibração agradável e doce desde o início. “ We driving through the night/The mountains were high/A full tank of gas kept us on course ”. É interessante que depois da linha “ mountains were high ”, o pedal steel soa como um veículo se aproximando e passando, um toque muito legal. Essa música remonta às raízes da banda nas linhas, “ Then The Byrds started singing/About a tambourine man ”.   A música funciona como um doce adeus a Bob Hatter: “ Você tocou com o coração e todo mundo sabe .” É uma homenagem comovente. “ Sua memória continua queimando tão brilhante/Mas as ruas de Santa Rosa estão escuras esta noite .” Isso é seguido por uma bela e gentil canção de amor intitulada “I Live For Loving You,” escrita por Chris P. James. “ A partir deste dia, nunca mais estarei sem você/Prometo provar meu amor em tudo que eu fizer .”

O álbum conclui com “History Suite”, uma peça composta por sete seções diferentes, cada uma com seu próprio título. A primeira seção é intitulada “Rhapsody”. “ Hey, olha, veja aqui o que você fez comigo/Causou uma rapsódia ”. Ela apresenta um bom trabalho no banjo. A música então toma um rumo inesperado, com algumas palavras faladas misturadas com sons estranhos, esta parte intitulada “Abstract Collage”. É estranho, mas algo bonito emerge disso, uma seção instrumental que apresenta pedal steel e inicia a parte “History” desta peça. Estas linhas se destacam nestes tempos estranhos e difíceis: “ Everybody's mad, everybody's crazy/And I'm here for you ”. O ritmo então aumenta, e a primeira linha desta seção, “ So you want to be a music critic ”, é uma referência a “So You Want To Be A Rock 'N' Roll Star” do The Byrds. Há uma mordida na entrega, e certamente há ressentimento expresso aqui, levando-me a imaginar o que alguns críticos podem ter dito. Esta seção, no entanto, é chamada de “Keep On Movin'”, e por isso, no final das contas, tem uma vibração positiva. Essa seção leva a “I Just Love My Baby”, porque, claro, sempre volta ao amor. O que mais há? Esta seção contém uma referência à Noite de Reis de Shakespeare : “ Pois a música é o alimento do amor ”. Esse verso se refere ao primeiro verso da peça, “ Se a música for o alimento do amor, continue tocando ”. A peça retorna brevemente a “História” antes de fechar com “Adeus”, que oferece o comentário brincalhão: “ Seremos melhores da próxima vez ”.

Lista de faixas do CD

1. Ms. Misery
2. Mr. Customs Man
3. Together
4. I Find Love
5. Let Go
6. Blood On His Hands
7. Boiling Point
8. Streets Of Santa Rosa
9. I Live For Loving You
10. History Suite

Together foi lançado em 25 de agosto de 2023.

T Bear: “The Way Of The World” (2024) CD Review

Richard Gerstein, também conhecido como Richard T. Bear, também conhecido como T Bear, lançou seu primeiro álbum em 1978. Intitulado Red Hot & Blue , esse álbum continha elementos de blues, soul e funk, e contou com Billy Squier no violão. Ele seguiu no ano seguinte com Bear e depois um álbum ao vivo intitulado Captured Alive . Ele tocou teclado no álbum de estreia de Billy Squier em 1980, The Tale Of The Tape , e no álbum Daylight Again de Crosby, Stills & Nash de 1982 , e lançou mais alguns álbuns na década de 1980. E então? Nada, pelo menos no que diz respeito a novos discos. Nada por muito tempo. Não até alguns anos atrás, quando ele lançou um álbum intitulado Fresh Bear Tracks , o primeiro lançamento sob o nome de T Bear. E agora ele tem um novo álbum intitulado The Way Of The World , que apresenta todo o material original, escrito ou coescrito por T Bear. T Bear toca teclado neste álbum. Junto com ele neste lançamento estão Laurence Juber na guitarra e Tony Braunagel na bateria e percussão, com Lenny Castro também fornecendo alguma percussão. Braunagel e Juber também produziram o álbum. Há convidados se juntando a T Bear em várias faixas.

The Way Of The World abre com sua faixa-título, que começa com estes versos: “ Tubarões nunca param de nadar/Escritores precisam de um começo/Trapaceiros nunca param de vencer/É assim que o mundo funciona .” Parece ser o caso, não é? Ultimamente, tenho tentado não focar em política, mas é tão difícil. Quem imaginaria, mesmo em seus momentos mais cínicos, que um trapaceiro poderia ganhar seu caminho para o mais alto cargo político do país? “ E o político nunca para de sorrir ,” T Bear canta um pouco mais tarde na música. E sabemos exatamente por que isso acontece. Ah, sim, mas o resto de nós tem a música do nosso lado, e músicas como essa agem como amigas na escuridão. Ricky Cortez toca baixo nesta música. Isso é seguido por “Sign On The Dotted Line,” que tem um ritmo forte e totalmente agradável. Ricky Cortez está no baixo nesta também. “ Eu deveria ter sabido melhor quando assinei naquela linha pontilhada/Caramba, eu deveria ter sabido melhor quando ela cruzou a linha .”

“Before The Fall” tem uma deliciosa vibração clássica, e me prende desde os momentos iniciais. “ Quando meus olhos estão abertos/Um mar de rara emoção/Eu sinto sua respiração em mim/Eu te dei minha chave/Segurando sonhos tão caros .” Teresa James se junta a ele nos vocais de apoio, e como sempre entrega um trabalho excelente. Esta faixa também apresenta algumas coisas realmente boas na guitarra elétrica. Hutch Hutchinson toca baixo nesta faixa. Esta é uma das minhas favoritas. Foi escrita por T Bear e Eva Marie Frederick. Então em “Jewel,” ele cria uma ótima atmosfera de blues escuro, com uma performance vocal e vibração que me lembra um pouco de certo material de Leon Russell no começo. Esta faixa é fantástica, simplesmente pingando com frescor, outro dos destaques do disco. “ Venha aqui/A costa está limpa/Você pode me beijar se quiser .” Isso é seguido por “Walter Mitty's Glasses,” uma música interessante. Preciso revisitar aquele conto, “The Secret Life Of Walter Mitty”, pois tenho apenas vagas lembranças dele. Essa música tem um ritmo comovente no começo, com alguns toques legais na guitarra. “ I’m fear that you, you might melt away ,” ele canta, e então o ritmo muda, assumindo um sabor reggae, uma reviravolta surpreendente que funciona muito bem. Então a faixa retorna àquele som mais comovente. “ In a crowded room you’re all that I can see/I dream that you always leave with me/It’s true, I met someone new/And she’s almost you .”

“A Change Will Do Me Good” foi lançada como o primeiro single do álbum, e é a música que me deixou animado com esse lançamento. Ela apresenta uma boa percussão, com um ritmo parecido com o de Bo Diddley. “A mesma comida de sempre, o mesmo impulso de sempre/Preciso de mais para me sentir vivo .” Ah, sim, uma mudança faria bem a muitos de nós. Bem, o ritmo dessa música vai dar um bom começo, fazer seu corpo se mexer. Há uma ótima energia nessa faixa, e eu adoro esse solo de guitarra. Além disso, há uma breve seção de bateria e percussão que eu adoro. “ O relógio está correndo e o tempo está rápido/Olhando para o futuro, não viverei no passado .” Essa música foi escrita por T Bear e Laurence Juber. Então “Your Husband's Got A Gun” tem uma ótima vibração desde o começo com esse ritmo maravilhoso. Vai fazer você sorrir imediatamente, e então T Bear começa a nos contar uma história de alguém que estava dormindo com uma mulher casada. “ Enquanto o sol se põe hoje, meus problemas estão apenas começando/Estou apenas matando o tempo, não querendo ser morta, me divertindo/Porque estou correndo para salvar minha vida e seu marido tem uma arma .” Mas é uma melodia tão brincalhona, nos levando a pensar que esse personagem vai ficar bem. “ Rezem por mim agora ”, ele diz antes de uma seção instrumental legal começar. E com esses instrumentos trabalhando a seu favor, temos quase certeza de que ele ficará bem. Jon Woodhead toca guitarra nesta faixa.

“This Bird Has Flown” tem uma vibe mais sonhadora quando começa. “ Ela veste sua capa de chuva/Sai pela porta/Corre pelo beco/Ela já fez isso antes/Mas dessa vez ela está indo embora/Isso eu sei .” Johnny Lee Schell se junta a T Bear nos vocais de apoio. Josh Sklair toca guitarra nessa faixa, Belmont Tench toca órgão e Lee Thornberg toca trombone e trompete. O trabalho de Lee Thornberg em particular dá a essa faixa uma sensação diferente das outras. Isso é seguido por “Breathe”, um número suave e bonito que parece um amigo para o qual você pode recorrer. Você sente isso nas primeiras linhas, “ Quando você está se perguntando para quem ligar/Quando a noite começa a cair/Enquanto o céu se transforma em ferrugem/E é me ame ou vá embora/Apenas respire/Apenas respire .” Eu absolutamente amo essa música. Não é exatamente esse tipo de música que precisamos nesses dias de tensão quase constante? Stevie Blacke adiciona um belo trabalho nas cordas, e esta faixa contém um trabalho maravilhoso na guitarra. Há também uma pequena referência ao primeiro álbum do T Bear na linha " Winning it's red hot, blue or lime ". E confira estas linhas: " I left my crystal ball at home/Wishing it would turn to stone/It's never front page news/When there's holes in your shoes/And not enough fingers to tap the holes/And life's rushing in every side/And you're caught in life's landslides/And you tried and you tried and you tried ". Uau. Eu amo essa música mais e mais a cada vez que a ouço. É uma das minhas favoritas do ano.

T Bear muda de marcha então com “They Can Kill You”, que tem um groove funky e apresenta algumas coisas ótimas de Paulie Cerra no saxofone e de Lee Thornberg no trompete e trombone. Esta faixa nos faz sentir soltos, nos faz dançar, mesmo quando ele nos diz, “ Não importa quem você é/Não importa onde você vá/Não importa o que você faça/Porque eles vão te pegar, eles vão te pegar agora/Eles, eles podem matar, eles podem te matar de tantas maneiras .” Gia Ciambotti se junta a T Bear nos vocais de apoio. Reggie McBride toca baixo nesta faixa, Mike Finnigan está no órgão e Josh Sklair está na guitarra. Esta música foi escrita por T Bear, Ned Albright e Tony Braunagel. Isso é seguido por “Dinner For One”, que tem uma vibração deliciosa, com alguns elementos jazzísticos. Gosto especialmente do trabalho nas teclas. E que performance vocal envolvente. “ Ventiladores de teto me mantêm fresco, mas minha mente parece se afastar/Lá fora o neon pisca de exaustão/Gritando promessas do que está dentro, mas ninguém está olhando/Ainda assim, eu cozinho este jantar para um .” Esta música é mais um dos destaques do álbum e contém algumas coisas ótimas na guitarra. “Dinner For One” foi escrita por T Bear e Eva Marie Frederick.

“ Este vai ser um amor para lembrar ”, canta T Bear no começo de “True Romance”. E logo ele nos diz: “ Eu acredito no romance verdadeiro ”. Domenic Genova toca contrabaixo nesta faixa. O álbum termina com “Red Harvest”, que apresenta um trabalho maravilhoso de Ada Pasternak no violino. E Paul Rodgers se junta a T Bear nos vocais nesta. (Sim, o cantor do Bad Company.) É uma música poderosa, em apoio à Ucrânia. Está listada como faixa bônus na parte de trás da caixa do CD, possivelmente porque foi lançada há alguns anos. Você acredita que mais de dois anos se passaram desde que a Rússia invadiu a Ucrânia? “ Uma criança disse, Olha mamãe, uma estrela cadente/Então ela explodiu no carro deles/Casas estão queimando e vidas em farrapos/Crianças morrem porque suas vidas não importam/Na colheita vermelha, vermelha .”

Lista de faixas do CD

1. The Way Of The World
2. Sign On The Dotted Line
3. Before The Fall
4. Jewel
5. Walter Mitty’s Glasses
6. A Change Will Do Me Good
7. Your Husband’s Got A Gun
8. This Bird Has Flown
9. Breathe
10. They Can Kill You
11. Dinner For One
12. True Romance
13. Red Harvest

The Way Of The World foi lançado em 22 de março de 2024 pela Quarto Valley Records.

Fernando Perdomo: “Self” (2024) CD Review

 

Antes de colocar o novo disco de Fernando Perdomo, dei uma olhada rápida no encarte, e uma linha saltou para mim: “ Agora entendo totalmente Taylor Swift! ” Isso me fez rir, principalmente porque ela não é alguém que eu esperava ver sendo mencionada por esse músico. Mas sua influência está se espalhando, e ela é alguém de quem tenho ouvido falar mais, sem nunca tê-la procurado. Até músicos de jazz estão começando a fazer covers de suas músicas. Talvez seja hora de eu realmente ouvir um de seus álbuns. Bem, talvez ainda não. Afinal, tenho esse novo álbum de Fernando Perdomo para aproveitar. Fernando Perdomo é um cantor, compositor e músico que, além de sua carreira solo, se apresentou em álbuns de muitos outros artistas. Há alguns discos na minha coleção que apresentam seu trabalho, como álbuns de James Houlahan, Chris Price, Emitt Rhodes, Cait Brennan e Arthur Brown, junto com tributos como Abbey Road Reimagined: A Tribute To The Beatles e Ram On: The 50th Anniversary Tribute To Paul & Linda McCartney's Ram . Você também pode tê-lo visto na guitarra no documentário Echo In The Canyon , tocando com vários artistas. E embora ele frequentemente se apresente com outros músicos, seu novo álbum, Self , é um verdadeiro álbum solo. Fernando Perdomo escreveu todas as músicas, tocou todos os instrumentos e produziu o álbum. Já houve um álbum com título mais apropriado?

O álbum abre com “Searching For Myself”. “ Você viu esse homem/Sorrindo nessa foto/Ele está perdido há dias/Você viu esse homem/Ele tinha sua vida organizada/Mas ele perdeu o caminho/Ele se parece muito comigo .” Essas são algumas linhas de abertura maravilhosas. Acho que a maioria de nós pode se identificar, pelo menos aqueles que são propensos à introspecção e avaliação (eu entendo que há algumas pessoas que nunca olham para dentro, e acho isso assustador). Às vezes perdemos o controle de nós mesmos e às vezes nos sentimos divididos, separados de nós mesmos ou das pessoas que esperávamos que seríamos. Esta música explora esses sentimentos. “ Todo mundo fica um pouco perdido às vezes ”, ele canta no final, repetindo a linha para dar ênfase. E essa repetição tem um efeito reconfortante. Esta faixa apresenta um trabalho de guitarra muito bom. É seguido por “Everything Leads To Now”, que tem um som bonito quando começa, principalmente no trabalho de guitarra. “ Todo o bem e todo o mal, tudo leva ao agora/Eu cometi muitos erros, tudo leva ao agora/Eu tive algumas vitórias também, tudo leva ao agora .” Sim, Fernando Perdomo se torna mais filosófico nesta música. Não importa o que aconteceu, bom ou ruim, agora é agora, e o que quer que tenha sido trouxe você a este espaço. Então, e agora? Essa é a grande questão. O que vamos fazer? “ Agora é tudo o que importa ”, Fernando canta aqui. Há uma qualidade mágica interessante nesta música, um elemento quase onírico, levando-nos a sentir que mesmo o presente não é bem tangível.

Sou um pouco velho demais para ter me importado ou me interessado por Transformers. Crianças apenas um ou dois anos mais novas que eu brincavam com esses brinquedos quando eles foram lançados, mas meus amigos e eu nunca fizemos isso. E então também nunca nos importamos com os filmes (também, Michael Bay é um babaca, e seus filmes são uma droga), mas ainda assim, posso apreciar a referência brincalhona a um dos personagens no título da música "Optimist Prime". Mais do que isso, no entanto, aprecio o otimismo, e há um otimismo sentido na música antes mesmo dos vocais de Fernando Perdomo entrarem e ele cantar, " Everything is going my way ". A maioria de nós não costuma entrar em contato com esse sentimento, mas a música faz com que pareça possível para todos. E então quem não apreciaria? " I'm going to live my life my way ". Também adoro o ritmo constante da bateria. Ele então muda de assunto com “Absolute Silence”, um número mais lento e suave no qual ele canta, “ Quando perdemos o contato/Sinto tanto sua falta/Silêncio, silêncio absoluto .” Há beleza nessa música. Aliás, é na nota dessa música que Fernando Perdomo oferece aquele verso sobre Taylor Swift. “ Se sonhos são tudo o que temos/Dormir é tudo o que farei/Só para estar com você/Porque se eu te ver hoje à noite/Tudo ficará bem .”

Há algo de uma vibração dançante em "Who I Really Am", incluindo aqueles toques nas teclas. É um número cativante. " I'd rather that you love me for who I am instead of who you think I am ." E então, na metade do caminho, há uma mudança, a faixa se movendo para uma seção instrumental bonita que apresenta algumas coisas maravilhosas na guitarra. A propósito, nas notas do encarte Fernando Perdomo dá a si mesmo vários nomes humorísticos como sua própria banda de apoio. Esse é Jeremiah Maya Papaya na percussão e vocais de apoio. Há uma foto da banda na parte de trás do livreto. "Who I Really Am" é seguida por "All Of Us Under The Same Moon", uma faixa instrumental com um trabalho de guitarra lindo e cativante. Há um ar contemplativo nesta, e uma perspectiva positiva, e acaba sendo uma das minhas faixas favoritas.

O álbum conclui com sua faixa-título, que também é a mais longa, com quase vinte minutos (é metade do álbum). Há uma beleza nesta também, e algo relaxante no trabalho vocal desde o início. " Be yourself ". Como fã do Grateful Dead, suponho que estou um tanto predisposto a apreciar músicas longas, músicas que ocupam todo o lado de um disco. Mas, falando sério, essa música é maravilhosa. Ela cria e explora um clima, e então, antes que você possa ficar entediado com essa atmosfera, ela muda, a música nos leva para um território diferente, criando um clima diferente. E sabemos que estamos em boas mãos de qualquer maneira, então podemos relaxar e aproveitar o passeio. E a faixa pode nos guiar em nossas próprias jornadas. Esta faixa é o final perfeito para a primeira faixa do álbum, pois aqui em um ponto Fernando canta, " I have found myself ". Há um trabalho de guitarra bonito e relaxante na segunda metade. E então um poder interessante começa a se desenvolver em direção ao final.

Lista de faixas do CD

1. Searching For Myself
2. Everything Leads To Now
3. Optimist Prime
4. Absolute Silence
5. Who I Really Am
6. All Of Us Under The Same Moon
7. Self

Self foi lançado em 14 de junho de 2024 pela Cherry Red Records.

The Hillbilly Moon Explosion: “Back In Time” (2024) CD Review

O Hillbilly Moon Explosion é uma banda fantástica de rockabilly que mistura elementos de country, rock, surf, punk, blues e jazz em seu som com grande efeito. Liderados pela dupla fundadora Oliver Baroni e Emanuela Hutter, esses caras são baseados na Suíça e têm lançado ótimos álbuns por mais de vinte anos. A banda é composta por Emanuela Hutter nos vocais e guitarra base, Oliver Baroni nos vocais e baixo, Duncan James na guitarra solo e Sylvain Petite na bateria. Em 2022, Emanuela Hutter e Oliver Baroni se juntaram a Dale Watson em um cover de “Act Naturally” incluído em seu álbum Jukebox Fury , que foi lançado pela Cleopatra Records. Agora, a Cleopatra lançou o lançamento nos EUA do último álbum da banda, Back In Time . Este disco apresenta principalmente material original, com Hutter e Baroni contribuindo com faixas. Há alguns convidados se juntando ao grupo em certas faixas.

Este álbum começa forte com "Sometimes Late At Night", que tem uma pegada punk pop, com momentos de ótima guitarra surf. Esta foi escrita por Emanuela Hutter, e ela canta a voz principal. Há um poder delicioso em sua entrega. " Ele finalmente foi embora e nunca disse adeus/Ela sempre disse que nunca amaria outro homem/Às vezes tarde da noite/Eu ainda os ouço dormindo ." Isso é seguido por "Summerlove", que tem uma pegada legal, um tanto assustadora desde o início. Os vocais de Emanuela Hutter são lindos e assustadores, como um espírito que dança no reino humano, mas pode desaparecer de vista a qualquer momento. Basta ouvir a maneira como ela entrega estas linhas: " Faça-me amar/Faça-me brilhar e sorrir/Tudo o que você merece e deseja/Eu te darei de volta no tempo ." É a primeira faixa do álbum a incluir o título em suas letras, mas não a última. Esta música foi escrita por Emanuela Hutter e Oliver Baroni. Adam “Ditch” Kurtz e Mickey Raphael entregam um trabalho maravilhoso no pedal steel e na gaita, respectivamente. E esta faixa apresenta um trabalho muito bom de Miguel Melgoza na percussão. “ Take my light, take my darkness too .” Que música fantástica!

“Knocked Down” começa com uma grande explosão de som dark, e então entra em um ritmo legal. Oliver Baroni escreveu esta, e canta a voz principal nela. “ A escuridão cai quando o dia começa/Eu quero sair, mas ela vai me matar/E eu estou tão solitário o tempo todo .” Esta faixa menciona Alfred Hitchcock no verso “ Morrer em preto e branco como uma estrela de Hitchcock ,” e apresenta um trabalho vocal de apoio etéreo e assustador de Emanuela Hutter. Tudo sobre esta faixa é legal, o que faz sentido, pois parece que tudo sobre esta banda é legal. Estes versos perto do final também se destacam: “ Não vou me ajoelhar e rezar porque não acredito/Mas, por favor, tenha misericórdia de uma alma necessitada .” Perfeito, certo? Então uma boa vibração de rock é estabelecida imediatamente na próxima faixa, o que é perfeito para uma música que é intitulada “1979.” Há aquela ótima mistura de punk e rock, com uma batida constante, um ritmo constante. Miguel Melgoza se junta ao grupo na percussão para esta. Esta faixa apresenta um bom trabalho na guitarra, e eu particularmente adoro aquela seção no baixo na segunda metade. “ Não dê a mínima para/As mentiras que eles vão contar/Continue, por favor, continue .” No final, alguém comenta, “ Isso foi muito bom .” Não há dúvidas sobre isso. Stephen Thomas fornece backing vocals em “Knocked Down” e “1979.”

“I Live In My Head” é outro número legal que mistura algumas vibrações punk e rock, e apresenta ótimas coisas na guitarra. Foi escrita por Oliver Baroni, que canta, entregando uma performance forte. Eu aprecio a atitude lúdica em algumas das letras, como estas linhas: “ I live in my head, it's a penthouse suite/On designer sofas, drinking whisky pure .” E eu amo o trabalho de backing vocal “ woo woo ”, que adiciona outra camada a esta faixa. Becky Lee Walters fornece backing vocals nesta faixa. O tom muda novamente para “Sudden Ring”, com Emaneula Hutter nos vocais principais. Esta música nos leva para aquelas estradas mal-assombradas onde fantasmas abraçam mortais, onde a realidade é mais tênue do que em outros lugares e é muito fácil escorregar para o outro lado. E aqui também ela dá aqueles backing vocals etéreos e assustadores “ Oooh ” em pontos-chave, enquanto a guitarra assume uma espécie de vibração de surfe sombrio. É tudo tão bom. “ Eu ainda estou vivo por todo esse tempo, muito tempo/Se você pudesse me ver agora, você riria alto .”

“Jet Fuel Rock And Roll” começa com uma boa batida, e a guitarra, quando entra, tem uma coisa de blues acontecendo. Esta apresenta Oliver Baroni nos vocais principais e tem algo de ZZ Top. “ Entre na van e pegue a estrada/500 milhas através de granizo e neve .” Daniel DeLeon fornece vocais de apoio nesta faixa. Então há uma deliciosa combinação de vibrações em “Let's Go (Back In Time),” a segunda música a incluir o título do álbum em suas letras. Por um lado, é um número de dança divertido que foi desacelerado um pouco, nos incitando “ Vamos lá .” E então também apresenta outra performance vocal assombrosa de Emanuela Hutter, e é como se ela estivesse deliberadamente desacelerando a ação para nos segurar, nos capturar, nos enfeitiçar. Vamos, mas não vamos nos apressar. Isso é seguido pelo único cover do álbum, uma versão incomum de “Nothing Takes The Place Of You” de Toussaint McCall. É interessante, porque a versão original é um número lento com uma sensação de dor, parecendo uma ótima escolha para este grupo. O que é surpreendente é que eles dão um pouco de reggae, e então sua interpretação realmente tem uma atmosfera mais leve e alegre. Oliver está nos vocais principais, enquanto Emanuela fornece mais daqueles vocais de apoio cativantes que são tão eficazes em suas mãos, trabalhando em algum contraste com a vibração geral da faixa.

“Always Just You” foi escrita por Oliver Baroni, mas conta com Emanuela Hutter nos vocais principais, e ela entrega uma bela performance sobre esse ótimo ritmo. “ Eu já fui, embora fôssemos verdadeiros/E no final, sempre foi só você .” Então “Death By My Side” começa com uma vibração semelhante à de “Ghost Riders In The Sky,” embora venha em um ritmo mais rápido. “ Eu sou apenas um passageiro com a morte ao meu lado .” Ah sim, mas isso não os está desacelerando. Esta faixa é outro destaque. Miguel Melgoza está na percussão, e Daniel DeLeon fornece vocais de apoio. O álbum termina com “Reno.” Esta tem uma vibração country agradável. Foi escrita por Emanuela Hutter, que canta a liderança nela. “ Até o fim, estou sempre dando voltas/Na pista de dança da minha memória/Onde ainda estarei para sempre .”

Lista de faixas do CD

1. Sometimes Late At Night
2. Summerlove
3. Knocked Down
4. 1979
5. I Live In My Head
6. Sudden Ring
7. Jet Fuel Rock And Roll
8. Let’s Go (Back In Time)
9. Nothing Takes The Place Of You
10. Always Just You
11. Death By My Side
12. Reno

Back In Time foi lançado em 9 de fevereiro de 2024 pela Cleopatra Records, e está disponível em CD e vinil. O vinil é branco, o que parece legal, e há uma versão em vinil dourado também. Aparentemente, a Cleopatra Records está relançando o catálogo da banda, então haverá vários álbuns que você vai querer adicionar à sua coleção além deste.