Crítica do álbum Off The Wall de Michael Jackson

 

Michael Jackson lançou seu álbum marcante Off The Wall em 10 de agosto de 1979, poucas semanas antes de seu aniversário de 21 anos. Foi seu primeiro lançamento de álbum solo como adulto. Foi também seu primeiro álbum solo que não foi lançado pela Motown. Em vez disso, foi lançado pela Epic Records. Michael e seus irmãos assinaram com a Epic após sua amarga separação da Motown em 1975. Jermaine — que era então casado com a filha do chefe da Motown, Berry Gordy, Hazel — foi o único irmão Jackson a permanecer na lendária gravadora. Mudar para a Epic acabou sendo uma dádiva para Michael e seus irmãos. A gravadora lhes deu a liberdade de abrir suas asas criativamente no estúdio, o que não apenas recarregou suas carreiras, mas também seu amor por fazer música. Os Jacksons tiveram seu álbum de maior sucesso até o momento com Destiny (1978), que eles escreveram e produziram na Epic. O álbum traz o sucesso de pista de dança "Shake Your Body (Down to the Ground)". A música, que foi coescrita por Michael e seu irmão mais novo Randy, ficou no top dez em vários países e vendeu mais de dois milhões de cópias. 

Essa nova liberdade artística abriu caminho para Off The Wall acontecer. Michael nunca teria sido capaz de fazer uma declaração musical tão pessoal com a Motown, que criativamente o prejudicou e a seus irmãos a cada passo. A gravadora os proibiu de escrever suas próprias músicas ou mesmo escolher as músicas que apareceriam em seus álbuns. Produtores e arranjadores também foram escolhidos por outros. No entanto, com Off The Wall , Michael estava diretamente envolvido em cada etapa da criação do álbum. Ele escolheu o produtor (Quincy Jones), teve uma mão na seleção das músicas e desempenhou um papel significativo na marca do álbum. Além disso, ele escreveu e compôs duas músicas para Off The Wall – "Don't Stop 'Til You Get Enough" e "Working Day and Night" – sozinho. Ele coescreveu "Get On The Floor" com a lenda do baixo Louis "Thunder Thumbs" Johnson. E Michael coproduziu todas as três faixas com Quincy.

Como Off The Wall foi o primeiro álbum solo de Michael no qual ele teve uma contribuição criativa considerável, ele aproveitou a oportunidade para mostrar que era capaz de fazer ótimas músicas em seus próprios termos; e aqueles que duvidavam de suas habilidades de composição e arranjo teriam que engolir corvo. Além disso, Off The Wall foi sua primeira declaração musical como um artista adulto que finalmente estava livre das amarras criativas que a Motown colocou nele e em seus irmãos. Com este álbum, ele se livrou de sua imagem de ídolo adolescente impecável para sempre e a substituiu por um artista mais maduro e sofisticado que estava preparado para explorar temas mais adultos em sua música.

O single de abertura do álbum é o incrível clássico dance/funk “Don't Stop 'Til You Get Enough”. Ele ainda soa tão fresco e original quanto quando chegou às ondas do rádio pela primeira vez há 43 anos. A música cria tensão no começo com Michael falando suavemente sobre apenas a parte do baixo e um shaker; e com um empolgante “Whoo!”, a música irrompe em uma explosão rítmica emocionante com todos os instrumentos zumbindo em síncope brilhante. A energia que vem dessa faixa é palpável. A linha de baixo hipnótica de Louis Johnson é a batida do coração da música. O mago do teclado Greg Phillinganes adiciona um pouco de baixo de sintetizador em cima da linha de baixo de Louis, dando a ela um som funk mais denso. A faixa apresenta um arranjo rítmico único de percussão pesada, e Michael infunde seus vocais principais em falsete com toneladas de energia e alma. A música é ainda mais elevada pelo excelente arranjo de cordas de Ben Wright e pela produção imaculada de Quincy Jones. 

“Don't Stop 'Til You Get Enough” foi um sucesso enorme. Chegou ao topo da Billboard Hot 100 e da parada de singles de R&B da Billboard. E permaneceu no topo da parada de singles de R&B por seis semanas. Chegou ao pico de #3 na parada de singles do Reino Unido e ficou no top dez em vários outros países. Além disso, o single multiplatinado rendeu a Michael seu primeiro Grammy. Ele o recebeu como Melhor Performance Vocal Masculina de R&B no 22º Grammy Awards em 1980.

A faixa-título "Off The Wall" é impecavelmente arranjada e ostenta um groove dançante ardente. Musicalmente, é uma espécie de precursora de "Thriller". Tem a mesma vibração misteriosa e assustadora, especialmente na introdução. Tem até uma gargalhada sinistra na abertura. No entanto, tematicamente as duas músicas são muito diferentes. "Thriller" tem um tema de filme de terror, enquanto "Off The Wall" é sobre escapar das pressões e preocupações da vida diária por um tempo, seja se soltando na pista de dança ou apenas ficando selvagem e se divertindo com seus amigos: "Livin' crazy that's the only way". Ambas as músicas foram escritas pelo compositor, músico e produtor Rod Temperton e têm seu toque de assinatura irresistível. "Off The Wall" apresenta uma linha de baixo indelével, e Michael oferece uma forte performance vocal. Suas harmonias no refrão são suaves como manteiga. A música alcançou a posição #5 na parada de singles R&B da Billboard e #10 na parada de singles pop da Billboard. Também teve ação significativa nas paradas em outras partes do mundo, chegando ao 4º lugar na Noruega, 9º na Suécia, 11º no Canadá, 14º na Nova Zelândia e 18º na Holanda.

A atmosférica e com toques de jazz “I Can't Help It” foi coescrita por Stevie Wonder e a cantora e compositora Susaye Greene. A vibe de Stevie é pesada nessa música. Ela tem o mesmo fluxo sonhador ouvido em algumas de suas jams suaves clássicas. Greg Phillinganes define o clima com uma linha de baixo de sintetizador assombrosa. A música é lindamente arranjada, e Michael oferece uma performance vocal requintada. Este é definitivamente um de seus vocais mais subestimados.

“Burn This Disco Out” é outra ótima faixa do álbum escrita por Rod Temperton. O groove poderoso soa como uma frota de caminhões Mack transportando funk pelo país. A faixa apresenta alguns licks de guitarra base escaldantes e um arranjo de metais fantástico. E Michael mantém o groove quente com seus vocais ardentes. 

Louis Johnson libera um funk de baixo forte e desagradável no eletrizante groove dançante “Get On The Floor”. Esta faixa mostra por que ele ganhou o apelido de “Thunder Thumbs”. O baterista John Robinson reforça o trabalho de baixo extrafunky de Louis com uma batida escaldante. E Michael entrega uma performance vocal dinâmica que é apimentada com seus gritos, soluços, uivos e guinchos agudos característicos.

Michael e Quincy estavam realmente no caminho certo quando trouxeram Rod Temperton a bordo para este álbum. Todas as suas três contribuições de composição são sucessos diretos. E, além disso, ele deu a Michael um de seus maiores sucessos com "Rock With You". A faixa passou quatro semanas no topo da Billboard Hot 100 Chart e manteve o primeiro lugar na parada de singles R&B da Billboard por seis semanas. Ela alcançou a posição #7 no Reino Unido e teve um desempenho extremamente bom nas paradas de vários outros países. A música é uma joia absoluta do início ao fim. O groove suave de andamento médio acaricia seus ouvidos. O arranjo e a produção são simplesmente impecáveis. E Michael entrega sem esforço uma performance vocal incrível. Tudo simplesmente se encaixa nesta faixa, do maravilhoso arranjo de cordas às ricas harmonias à suave linha de sintetizador que aparece na última parte da música.

Michael aumenta o funk em “Working Day and Night”. A música o faz trabalhar dia e noite na esperança de conquistar a afeição de uma certa jovem que não parece apreciar seus esforços incansáveis. O groove de dança hipercinético ostenta uma linha de baixo furiosa, metais superapertados e licks de guitarra perversos. E Paulinho Da Costa mantém as coisas cozinhando com seu trabalho de percussão percolante. O funk neste corte é ininterrupto, nunca dando ao ouvinte a chance de respirar. Quando essa música chega em uma festa ou clube, as pessoas não têm escolha a não ser “Shake it over!” 

Michael oferece uma performance vocal apaixonada na triste balada de término de namoro "She's Out of My Life", escrita pelo músico/cantor/compositor Tom Bahler. Ele imbui a música com emoção crua. Você pode ouvir a pura tristeza em sua voz em cada verso. De acordo com Quincy, Michael chorava após cada tomada, então ele decidiu simplesmente deixar para lá. A música alcançou o pico de #10 na parada Billboard Hot 100 e subiu até a #3 na parada de singles do Reino Unido. 

“Girlfriend”, escrita por Paul McCartney, é uma deliciosa mistura de pop/R&B. A música possui um charme doce e é tão suave quanto uma brisa de primavera. É reforçada pelo ótimo trabalho de baixo de Louis Johnson e pelos vocais ingênuos de Michael. Foi originalmente gravada pela banda de Paul, Wings, para seu álbum de 1978, London Town . Michael e Paul gravariam dois duetos de enorme sucesso juntos: “The Girl Is Mine”, de Thriller , e “Say Say Say”, do álbum de Paul, Pipes of Peace , de 1983 . 

“It's the Falling in Love” é uma fatia contagiante de R&B que apresenta a talentosa cantora, compositora e performer Patti Austin. As vozes dela e de Michael se complementam tão bem aqui que é meio surpreendente que eles nunca tenham feito outro dueto juntos. A música foi escrita por Carole Bayer Sager e David Foster. Ela ostenta um arranjo esplêndido, e o trabalho de produção de Quincy é de primeira qualidade, como sempre. 

Off The Wall foi um enorme sucesso comercial e de crítica. Recebeu altas notas de críticos musicais renomados e vendeu mais de 20 milhões de cópias em todo o mundo até o momento. E o álbum fez de Michael Jackson o primeiro artista solo a ter quatro singles do mesmo álbum no top 10 da Billboard Hot 100 Chart. Além de sua vitória no Grammy por "Don't Stop 'Til You Get Enough", Michael ganhou três American Music Awards por Off The Wall em 1980: Artista Masculino Favorito de Soul/R&B, Single Favorito de Soul/R&B por "Don't Stop 'Til You Get Enough" e Álbum Favorito de Soul/R&B por Off The Wall . No mesmo ano, ele ganhou o Billboard Music Awards de Melhor Artista Negro e Melhor Álbum Negro por Off The Wall . Além disso, foi incluído em uma série de listas de melhores álbuns. Em 2020, ficou em 36º lugar na lista dos 500 Maiores Álbuns de Todos os Tempos da Rolling Stone. E foi introduzido no Hall da Fama do Grammy em 2008.

Nenhum artista tinha o dedo no pulso da música popular como Michael Jackson fez durante o final dos anos 70 e durante a maior parte dos anos 80. E Off The Wall é um excelente exemplo. Esta coleção incrível encapsulou os melhores aspectos da música disco, pop e R&B. É um álbum baseado em dança, mas com o selo sonoro singular de Michael, e é por isso que envelheceu tão bem. Com Off The Wall , Michael se estabeleceu firmemente como uma grande força na indústria musical como artista solo. Ele não era mais o garotinho fofo com o grande afro e uma voz ainda maior cantando canções inocentes de soul chiclete. Ele agora era um jovem adulto focado, seguro e ridiculamente talentoso que sabia exatamente o que queria realizar em sua carreira e tinha os dons musicais e a motivação para atingir seus objetivos elevados.

A importância de Off The Wall é frequentemente minimizada ou subestimada. Por exemplo, há muitos que pensam que o segundo capítulo da extraordinária carreira musical de Michael começou com Thriller e que foi o único responsável por ele atingir alturas estratosféricas não vistas desde que os Beatles conquistaram o mundo da música na década de 1960. No entanto, sem Off The Wall , não haveria Thriller , ponto final. Off The Wall lançou as bases e fez muito do trabalho pesado para que Thriller acontecesse. Seu sucesso astronômico não aconteceu no vácuo, afinal. Off The Wall também é um trabalho extremamente influente por si só, impactando significativamente gêneros como pop, R&B, dance, soul e hip-hop.

Além disso, Off The Wall marcou o início de uma das maiores parcerias da música com a dupla poderosa de Michael Jackson e Quincy Jones. Olhando para trás, Quincy foi a escolha ideal para ajudar Michael a alcançar sua visão artística para Off The Wall . Q já tinha anos de experiência como produtor e arranjador em seu currículo e havia trabalhado com uma série de lendas da música de vários gêneros; e ele sabia como lidar com muitas personalidades, temperamentos e grandes egos diferentes, o que para um produtor musical é quase tão importante quanto talento, experiência e conhecimento de estúdio. Ele era flexível e aberto a novas ideias no estúdio — na maior parte do tempo, pelo menos. E o mais importante, Quincy sempre se esforçou para trazer o melhor dos artistas que ele produziu e tentou criar um ambiente relaxado onde toda a gama de seus talentos pudesse brilhar em suas gravações. Ele e Michael fizeram três álbuns de sucesso mundial juntos que deixaram uma marca enorme na música e cultura populares. 

Álbum completo Off The Wall

5 covers fantásticos de "(I Can't Get No) Satisfaction" dos Rolling Stones

 

“(I Can't Get No) Satisfaction” dos Rolling Stones é o hino do rock definitivo e uma das músicas mais icônicas de todos os tempos. O riff de guitarra empolgante de Keith Richards está para sempre gravado na consciência da cultura pop. Só de ouvi-lo no início da música, seu sangue bombeia. O narrador de Mick Jagger expressa sua frustração e insatisfação com a vida e suas muitas pressões, obstáculos e aborrecimentos diários. A música também dá uma alfinetada no comercialismo na sociedade moderna e como viver em uma cultura consumista pode muitas vezes fazer uma pessoa se sentir alienada e insignificante se ela não viver de acordo com a imagem perfeita disseminada pela mídia por meio de comerciais de televisão,  filmes e  programas de TV. Muitos ouvintes podem se identificar com isso, e esse é um dos fatores que deram à música um apelo tão amplo. E embora "Satisfaction" tenha sido lançada em 1965, seu tema ainda é muito relevante hoje.

A música foi um sucesso transatlântico, liderando as paradas no Reino Unido e nos EUA. Foi o primeiro hit nº 1 dos Rolling Stones na América e os ajudou a ampliar significativamente sua base de fãs lá. E alcançou o primeiro lugar em sete outros países. Em 2021, ficou em 31º lugar na lista das 500 Maiores Músicas de Todos os Tempos da revista Rolling Stone. Além disso, foi introduzida no Hall da Fama do Grammy em 1998 e foi adicionada ao Registro Nacional de Gravações da Biblioteca do Congresso em 2006.

Ao longo dos anos, houve toneladas de covers de “Satisfaction”, alguns ótimos e alguns terríveis. Fiz uma lista de cinco covers que sinto que o artista não tentou imitar a versão dos Stones, mas sim adicionaram seu próprio som original para criar algo único e incrível.

Aretha Franklin (1968)

Aretha sempre fez qualquer música que ela fez seu próprio cover, não importando o gênero musical ou quem a gravou originalmente. E ela fez o mesmo com "Satisfaction". A Rainha do Soul infunde um pouco de igreja em sua poderosa interpretação arrebatadora do clássico dos Stones. Sua performance vocal ardente traz uma dinâmica totalmente nova para a música e ajuda a sublinhar seu tema de se sentir insatisfeito e alienado na sociedade consumista de hoje. Foi um single de seu álbum Aretha Arrives (1968), e alcançou a posição #37 na parada de singles do Reino Unido.

Capa de "Satisfaction" da Aretha

Otis Redding (1966)

Otis Redding injeta uma dose de soul sulista em sua interpretação dinâmica de “Satisfaction”, que ele apresentou no popular programa de televisão britânico “Ready Steady Go!” em 1966. A supernova do soul eletrizou o público do estúdio com sua performance poderosa. E a banda estava a todo vapor. Eles definitivamente combinavam com a energia de Otis. Assistir a este clipe é toda a evidência de que você precisa para ver por que ele é tão reverenciado e celebrado. Sua versão de estúdio de “Satisfaction” foi um single de seu terceiro álbum Otis Blue/Otis Redding Sings Soul (1965). E teve uma ação significativa nas paradas, chegando ao 4º lugar na parada de singles R&B da Billboard e ao 31º lugar na parada Billboard Hot 100.

A versão de estúdio do cover de "Satisfaction" de Otis Redding 

Alice Phoebe Lou (2015)

A artista indie Alice Phoebe Lou faz uma interpretação hipnotizante de “Satisfaction” durante um show de rua em Berlim em 2015. Seus vocais assombrosamente emocionantes vão te dar arrepios. Ela traz uma sensação subjacente de desesperança e desespero ao clássico dos Stones. A cantora e compositora sul-africana tem se apresentado desde 2013 e lançou quatro álbuns de estúdio até o momento e dois álbuns ao vivo.

Música de Alice Phoebe Lou 

Quincy Jones e sua orquestra (1965)

Quincy Jones e sua talentosa tropa de músicos dão a “Satisfaction” uma transformação de big band. O arranjo fantástico de Q e a musicalidade impecável de sua orquestra elevam este cover a alturas sublimes. É do álbum de 1965 de Quincy And His Orchestra, Quincy Plays For Pussycats. 

 

Cover de "Satisfaction" de Quincy and His Orchestra 

Devo (1977)

A banda pioneira de new wave Devo colocou seu selo sonoro único nesta emocionante reinterpretação de “Satisfaction”. Ela mostra o quão talentosa era a banda Devo, que conseguiu pegar um clássico do rock amado e transformá-lo de cabeça para baixo para criar algo novo e totalmente brilhante. Se robôs do futuro formassem uma banda e fizessem um cover de “Satisfaction”, provavelmente soaria algo assim. Devo toca o groove irregular e hipercinético com precisão impecável e completo distanciamento, como se programado por um computador. Este é um excelente exemplo de new wave em seu momento mais criativo e audacioso. O cover de “Satisfaction” foi o single principal do álbum de estreia de Devo, Q: Are We Not Men? A: We Are Devo! (1978). Ele alcançou a posição #41 no Reino Unido e #98 na Austrália. 

O hit edificante de Lizzo "About Damn Time" é a música perfeita para o verão

 

A superestrela do R&B/hip-hop/pop Lizzo está começando o verão em grande estilo com algumas músicas novas. A vencedora de três Grammys lançou a faixa quente "About Damn Time". É o single principal de seu próximo quarto álbum Special , que está previsto para ser lançado em 15 de julho. O groove irresistível e alegre tem uma vibração retrô disco-funk. Lizzo infunde a faixa com sua habitual ousadia sem remorso e charme atrevido. É impecavelmente arranjado e apresenta um excelente trabalho de baixo do produtor Ricky Reed. A música otimista é a trilha sonora perfeita para os meses de verão.

O objetivo de Lizzo com “About Damn Time” era elevar os ouvintes e a si mesma. Durante sua entrevista na plataforma de rádio Audacy, ela explicou sua motivação para escrever a música: “Acho que a vida nos lançou alguns traumas e experiências difíceis”, disse ela. “E eu queria escrever uma música que nos permitisse tirar um momento para celebrar nossa sobrevivência e celebrar o quão longe chegamos. E acho que 'About Damn Time' faz exatamente isso – faz isso por mim, querida.”  

“About Damn Time” vem queimando nas paradas ao redor do mundo. Atualmente, está em #4 na Billboard Hot 100, e está no topo da parada de singles de R&B da Billboard há três semanas. A música alcançou o top três nas paradas na Austrália, Canadá, Irlanda, Nova Zelândia e Reino Unido, além de estar no top 10 em vários outros países. 

Lizzo fez uma prévia da música no The Late Late Show With James Corden em março e a apresentou no Saturday Night Live em 16 de abril, do qual ela também foi a apresentadora.

Além do baixo, Ricky Reed tocou sintetizador, piano, glockenspiel e guitarra. Os outros músicos na faixa foram Nate Mercereau (guitarra), Victor Indrizzo (bateria e percussão), Terrace Martin (vocoder), Michael Cordon (trompete), Jesse McGinty (trombone e saxofone). Vocais adicionais foram fornecidos por Doshiniq Green, Chawnta Marie Van, Mike Wright, Shelby Swain, Blake Slatkin e Ricky Reed. “About Damn Time” foi coproduzido por Ricky Reed e Blake Slatkin.

A música tem um vídeo divertido e cheio de dança, dirigido por Christian Breslauer; ele também dirigiu vídeos para artistas conhecidos como Lil Nas X, The Weeknd e Roddy Ricch.

Lizzo cantando "About Damn Time" no Saturday Night Live

“Too Hot Ta Trot” dos Commodores

 

Os Commodores lançaram essa pepita de groove subestimada em novembro de 1977. A banda definitivamente entregou o funk nesse corte empolgante. Walter Orange cuida dos deveres vocais principais, servindo amplas porções de soul corajoso no processo. A faixa apresenta licks de guitarra ardentes, uma batida perversa, baixo musculoso e linhas de sopro supercarregadas.

A banda estava a todo vapor durante esse período. No início daquele ano, eles lançaram seu quinto álbum autointitulado de enorme sucesso, que contém os sucessos clássicos "Easy" e "Brick House". E eles estavam lotando grandes casas de show pelo país e no exterior, emocionando o público com sua marca dinâmica de funk frito no sul e a balada soberba de Lionel Richie. 

“Too Hot Ta Trot” foi escrita por todos os seis membros do Commodore. Foi coproduzida por James Anthony Carmichael e os Commodores. Chegou ao topo da parada de singles de R&B da Billboard, chegou ao pico de #24 na Billboard Hot 100 e subiu para #38 na parada de singles do Reino Unido.

Os Commodores apresentaram “Too Hot Ta Trot” na comédia disco de 1978 Thank God It's Friday , estrelada por Donna Summer, Debra Winger e Jeff Goldblum. Foi também um single de estúdio do álbum  Commodores -- Live!  (novembro de 1977). A coleção teve um bom desempenho nas paradas, chegando ao 3º lugar na parada de álbuns da Billboard 200 e ao 2º lugar na parada de álbuns de R&B da Billboard. Também viu uma ação significativa nas paradas em outras partes do mundo: Holanda (#7), Nova Zelândia (#8), Canadá (#26) e Reino Unido (#60).

“Too Hot Ta Trot” também foi incluída no álbum de compilação de 2001 dos Commodores, Anthology .

A formação da banda na época em que gravaram “Too Hot Ta Trot” era Walter Orange (bateria, vocal e teclado), Ronald LaPread (baixo e trompete), Lionel Richie (vocal, saxofone, piano e bateria), Milan Williams (teclado, trombone e guitarra base), Williams King (trompete, guitarra base, sintetizador e vocal) e Thomas McClary (guitarra solo). 

Charly García - La Lógica del Escorpión (2024)

 

E já que vamos para o inferno, vamos para o inferno agora mesmo e apresentaremos o mais recente trabalho de Charly. E não será o melhor álbum de Charly, não tem mais a mesma centelha de sempre, suas letras não são as mesmas, mas é um álbum de um sobrevivente, e esse sobrevivente não é outro senão Charly. Não vou entrar em muitos detalhes sobre isso, outra entrada curta e direta, como se quisesse me aprofundar nas últimas novidades de um gênio que marcou uma era. Isto é o que resta... lançado hoje, se junta às surpresas de Tony Levin e do Tio Franky, porque agora eles se juntam ao engraçado avô de Charly, que o lança na companhia de David Lebón, Pedro Aznar, Fito Páez, Fernando Kabusacki, Fernando Samalea e muitos outros, entre eles nosso querido Spinetta que apresenta sua contribuição do além-túmulo.

Artista: Charly García
Álbum: La Lógica del Escorpião
Ano: 2024
Gênero: Rock
Referência: Rollingstone
Nacionalidade: Argentina

Como comentário, deixarei apenas este resumo, que como tal creio que não lhe falta nada...

O conceito geral: Não sei se existe uma lógica de escorpião. A colagem de áudio na faixa 12 é modesta. Mais uma vez, "20 ternos verdes" são usados, o que neste ponto é o carro-chefe de cada intervalo instrumental de Charly.
Os temas estritamente novos: "Yo ya sé", em sua modéstia, tem uma melodia adorável. A letra tem o mesmo grau de simplicidade das outras músicas que Charly lançou no século XXI. Lembro-me de "La Medicina" dos shows da década passada e imagino que as versões ao vivo eram mais vibrantes do que esta.
A sensação de que tudo está muito corrido se repete: por que refazer "Juan Represión" e "Te Recuerdo Invierno"? Charly já os havia resgatado em Casandra Lange e Sinfonias para Adolescentes em versões muito melhores. Não acho que essas revisões acrescentem nada. Essas não são grandes canções, um tanto esquecidas, de Charly, nem acho que elas digam algo que possa ser reinterpretado hoje. Algo semelhante acontece comigo com "Observando as rodas". Ele já havia aparecido em Kill Gil. O que esse resgate contribui? Não é nem uma grande música do Lennon.
Charly sempre se destacou por pegar músicas de outras pessoas. Aconteceu com "Influence", com "I feel much better", com "It's only love", até com o Anthem. Melhor esquecer qualquer ligação entre "América" ​​e o tema de Bowie e Eno. O mesmo acontece com "Rock and roll star" e The Birds. Ouvimos os originais e preferimos não voltar para 2024.
Neste ponto, gostaria de ouvir uma boa versão dos muitos bootlegs de diferentes épocas, incluindo músicas inéditas, versões ao vivo da incrível era Las Ligas. Algo comparável aos volumes de Roque Di Pietro. Mas o que eu gostaria, quem se importa?
Eu preferiria dizer algo melhor, acho que preciso ouvir melhor. Mas é o que é.

Oscar Cuervo

No final das contas, todos nós sabemos do que se trata, e provavelmente não há necessidade de explicar muito.

Com um total de 13 faixas, Charly combinou faixas inéditas com novas versões de suas músicas. Além disso, ele acrescentou diferentes versões de músicas de grandes artistas como John Lennon, Luis Alberto Spinetta e Roger McGuinn. 

Eu te amo, velho louco. Você poderia ter se escondido, mas escolheu se expor sem filtros, ajuste automático ou IA. Assim como aconteceu com o gordo Diego com os joelhos quebrados, cada lampejo de magia é comemorado em dobro. Parabéns: somos contemporâneos de Charly García. Vamos brindar ao caráter.

Paulo Vasco

Mas aqui está algo que achei ainda mais interessante:

5 curiosidades sobre La Lógica del Escorpião, o novo álbum de Charly García
Uma das lendas do rock espanhol está de volta e em grande estilo. Charly García finalmente lançou seu tão aguardado álbum, La Lógica del Escorpión. Ao longo de 13 faixas, García apresenta composições recentes com peças resgatadas de seu arquivo pessoal, em uma obra repleta de simbolismos e metáforas.
Com este novo lançamento, o ícone argentino mergulha em um universo temático inspirado na famosa fábula do escorpião e do sapo, abordando, entre versos, temas como instinto, lógica e autodestruição. Embora sua essência sempre tenha sido introspectiva e um tanto nostálgica, nesta ocasião, García exalta essas características de sua música, por meio de uma profunda reflexão sobre sua trajetória, sua juventude e a passagem do tempo.
Para celebrar esta nova etapa musical na carreira do músico de 72 anos, contamos 5 curiosidades sobre esta produção em que ele não só agradece o passado, mas também olha para o futuro e sela seu legado como artista.
1. A Lógica do Escorpião é conceitualmente inspirado no filme de 1995, Sr. Arkadin.
Dirigido e coestrelado por Orson Welles, este filme apresenta Gregory Arkadin, um magnata que contrata um ex-presidiário, Guy Van Stratten, para investigar seu próprio passado. Em uma cena, Arkadin reconta a fábula do sapo e do escorpião, um conto que ressoa com García em meio ao bloqueio da pandemia em 2020. Esse paralelo é a própria essência de A Lógica do Escorpião: a luta entre o instinto e a razão, entre o destino e a escolha pessoal.
A natureza de Arkadin é revelada como a de um escorpião que, em sua busca por proteção, deixa um rastro de destruição em seu caminho. Esse elemento narrativo serviu de metáfora para o álbum de García, no qual ele mergulha em sua memória, revisitando episódios importantes de sua vida pública e privada e refletindo sobre os impulsos e decisões que impactaram sua carreira.
2. O álbum resgata composições de García de sua adolescência
Em La Lógica del Escorpión, Charly realiza um exercício de “arqueologia musical”, no qual desempoeira canções inéditas que estavam esquecidas desde a época do Sui Generis, a banda que teve com Nito Mestre, além de outras canções que nunca viram a luz do dia naquela época. Essas gravações, que surgem dos arquivos pessoais do artista, exploram diferentes estágios de sua prolífica carreira, em um ponto da jornada em que ele pode contemplar seu legado.
'Te Recuerdo Invierno' é uma dessas canções que o jovem García compôs durante a adolescência e que chegou a ensaiar com Sui Generis. Esta canção nunca foi gravada oficialmente pela dupla, embora Charly já a tivesse publicado no álbum ao vivo, Estaba en llamas cuando me acosté, sob o pseudônimo de Casandra Lange em 1996. Nesta ocasião, a cantora e compositora reinventa a canção ao ritmo de um bandoneón de estilo portenho.
Aqueles que acompanham García desde seus anos na Sui Generis devem ter notado que o tema de Pequenas anedotas sobre instituições, 'Juan Repressão', aparece mais uma vez nesta nova edição. Aqui, Charly assume o papel de vocalista principal com apoio de Rosario Ortega nos backing vocals. Por fim, 'O Pelicano e o Androide' nos leva de volta a 1984, quando Luis Alberto Spinetta e García preparavam um projeto conjunto que nunca se concretizou. Agora, quatro décadas depois, finalmente vê a luz como uma espécie de reconciliação entre dois grandes nomes do rock argentino.
3. García revive Spinetta com a ajuda de antigas gravações em cassete
Pode-se dizer que o álbum em si é uma cápsula do tempo, onde se cria um diálogo entre o passado e o presente. 'La Pelícana y El Androide' é uma música que provavelmente representa um dos maiores momentos da história do rock argentino, reunindo, ainda que postumamente, as vozes e os talentos de dois de seus maiores expoentes: Luis Alberto Spinetta e Charly García.
Essa música surgiu nos anos 80, que, como mencionamos, pretendia fazer parte de um trabalho conjunto de ambos os artistas. No entanto, o encontro de suas personalidades fortes foi um obstáculo para esse projeto, além do fato de que tanto Spinetta quanto García estavam em momentos diferentes de suas vidas. Décadas depois, Charly encontrou uma demo antiga de 'La Pelícana y El Androide' em uma fita cassete antiga.
Fascinado pela possibilidade de dar nova vida a essa música perdida, García extraiu os vocais de Spinetta da demo original e construiu uma nova instrumentação em torno dela. Com seus teclados e o uso de samples do kit de bateria eletrônica Yamaha RX 11 usado na gravação original, Charly conseguiu criar uma versão contemporânea que mantém a essência da música original. “Gravá-la foi como se Luis estivesse na sala cantando de outra dimensão”, ele disse à ROLLING STONE em espanhol.
4. A Lógica do Escorpião conta com colaboradores de longa data de García
La Lógica del Escorpión se torna um álbum quase antológico graças à participação de colaboradores que acompanharam a carreira de Charly García em diferentes etapas. Intérpretes como David Lebón e Pedro Aznar, colegas de García desde os tempos de Serú Girán, estão novamente presentes neste álbum. Mas isso não é coincidência, pois esse trabalho conjunto com esses artistas específicos constrói uma ponte entre seu presente musical e o legado que ele construiu ao lado daqueles que estiveram presentes desde seus primeiros anos.
Lebón aparece na música 'El Club de los 27' com um solo de guitarra que lembra suas colaborações anteriores. A música, que aborda a obsessão de García pela morte e ressurreição, nasce da afinidade musical que ambos cultivaram ao longo dos anos. Lebón chegou a insistir que García gravasse uma versão de 'Nos veremos otra vez' juntos para seu próprio projeto, mas Charly sugeriu que ele participasse de seu álbum.
Por sua vez, Pedro Aznar se envolve no projeto com a instrumentação de 'América', uma música que, em sua essência, parece ser uma continuação do trabalho conjunto em Tango, álbum que lançaram juntos em 1986. Nesta ocasião, Aznar não se contenta com apenas um instrumento, mas contribui com o baixo, a guitarra, a bateria e até os vocais.
5. García trabalha, mais uma vez, com Renata Schussheim para o desenvolvimento da parte visual do álbum
Mas integrar antigos colegas ao projeto não foi algo exclusivo no plano musical. A arte da capa de La Lógica del Escorpión foi criada por Renata Schussheim, a mesma artista por trás da capa de Música del Alma, álbum ao vivo de García de 1977. Schussheim aceitou o desafio de encontrar a representação perfeita do escorpião, colecionando imagens, gravuras e desenhos, apesar de seu próprio medo dos animais.
Junto com Martín Gorrincho, Schussheim contribuiu para o desenvolvimento da contracapa, inspirada na famosa fábula que forma o núcleo conceitual do projeto. Com um design minimalista, García, a nível visual, pretendeu replicar a dualidade e os conflitos internos que o intérprete expõe ao longo do álbum através das suas letras e melodias. Gorrincho combinou técnicas mistas para dar vida a uma colagem que pudesse ser traduzida naqueles fragmentos da vida de García que ainda estão presentes em sua memória e que ele pretendia exaltar nesta obra.

Valentina Villamil

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Tracklist e formação:

1. Rompela
   Charly García / Voz, teclado, guitarra y bajo
   Fernando Kabusacki / Guitarra
   Fernando Samalea / Batería
   Rosario Ortega / Coros
2. Yo ya sé
   Charly García / Voz, teclado, guitarra y bajo
   Fernando Kabusacki / Guitarra
   Fernando Samalea / Batería
   Hilda Lizarazu / Coros
3. El Club de los 27
   Charly García / Voz, teclado, guitarra y bajo
   David Lebón / Solo de guitarra
   Fernando Samalea / Batería
   Toño Silva / Batería
4. La Medicina n°9
   Charly García / Voz, teclado, guitarra y bajo
   David Lebón / Guitarra
   Fernando Samalea / Batería
   Hilda Lizarazu / Coros
5. Te recuerdo invierno
   Charly García / Voz, teclado, guitarra y bajo
   Fernando Kabusacki / Guitarra
   Rosario Ortega / Coros
6. Autofemicidio
   Charly García / Voz, teclado, guitarra y bajo
   Fernando Kabusacki / Guitarra
   Fernando Samalea / Batería
7. América
   Charly García / Voz, teclado, guitarra y bajo
   Pedro Aznar / Bajo, Batería, guitarra y voces
8. Juan Represión
   Charly García / Voz, teclado, guitarra y bajo
   Fernando Kabusacki / Guitarra
   Rosario Ortega / Coros
9. Estrellas al caer
   Charly García / Voz, teclado, guitarra y bajo
   Fernando Kabusacki / Guitarra
   Fernando Samalea / Batería
10. La Pelicana y el Androide
   Charly García / Voz, teclado, guitarra y bajo
   Luis Alberto Spinetta / Voces
   Fernando Kabusacki / Guitarra
11. Watching the wheels
   Charly García / Voz, teclado, guitarra y bajo
   Fernando Kabusacki / Guitarra
   Fernando Samalea / Batería
   Rosario Ortega / Coros
   Hilda Lizarazu / Coros
12. La lógica del Escorpión
   Charly García / Voz, teclado, guitarra y bajo
   Fernando Kabusacki / Guitarra
   Fernando Samalea / Batería
   Rosario Ortega / Coros
13. Rock and Roll Star
   Charly García / Voz, teclado, guitarra y bajo
   Fernando Kabusacki / Guitarra
   Fito Paez / Voz
   Kiuge Hayashida / Guitarra

SBB ‎ "Follow My Dream" (1978)

 

"Follow My Dream" é o meio-termo na obra dos magníficos poloneses. Segundo Józef Skrzek , o lançamento marcou um novo patamar. Não só os "irmãos democratas" passaram um mês inteiro trabalhando nele em Hanover, na Alemanha Ocidental, onde ficava o estúdio de gravação Tonkooperativ, mas o conteúdo musical e conceitual do disco em si permitiu que a SBB chegasse muito perto do Olimpo da arte e ficasse praticamente no mesmo nível dos demiurgos do rock progressivo - Genesis , Yes , Pink Floyd . A partir de agora, o trio eslavo tem uma ampla rota de turnês pela Europa. Os virtuosos da Silésia foram recebidos de braços abertos na Escandinávia e nos países do Benelux. O tema épico do título foi a base para o balé "Siga Meu Sonho", que ganhou o Grande Prêmio no festival de televisão na cidade belga de Knokke-Heist, e também serviu de ponto de partida para a criação do desenho animado psicodélico de mesmo nome, claramente inspirado nas imagens do "Submarino Amarelo" do famoso Liverpool Four. Em uma palavra, foi um sucesso. Um sucesso merecido, duramente conquistado, um tanto tardio, mas ainda assim um sucesso. E é gratificante que isso não tenha impedido o desenvolvimento espiritual da SBB . Novas conquistas aguardam Skshek e K. Mas não estamos falando sobre eles agora. Vamos dar uma pausa na série de crônicas e tentar nos aprofundar nos mundos sonoros dos nossos heróis...

A arquitetura do longplay copia até certo ponto o álbum do ano passado "Ze Słowem Biegnę Do Ciebie". Tendo evoluído para a forma sonata, Józef não economizou em princípios. Concentrando-se nas letras de jovens poetas poloneses, ele compôs com confiança um par de suítes, cada uma com cerca de vinte minutos de duração. Então dividi o que recebi em seções. E esses oito longos fragmentos formaram o mosaico mágico do disco. O lado A é dedicado à grande composição "Going Away". Em essência, é um hino, mas um hino não convencional. A partir de passagens gloriosas de órgão, os instrumentistas entram no reino do transcendental, onde uma intrincada combinação pastoral reúne elementos de funk fusion relaxado, rock de arte cósmica e um distanciamento ideológico quase total dos problemas terrenos. A ode introdutória à "grande libertação" dá lugar a uma fase de atividade rítmica intensificada - o estudo assertivo e sem palavras "3rd Reanimation", que demonstra principalmente as incríveis habilidades de execução do baterista Jerzy Piotrowski . A seguir, temos um caleidoscópio brilhante do recurso título, baseado em uma plataforma sinfônica-prog. E o final hipnótico do sintetizador "(Żywiec) Mountain Melody" - um luxuoso afresco do tipo astral - resume as peculiaridades estilísticas dos nobres senhores. No "Follow My Dream", de 4 partes, o SBB costuma fazer malabarismos com conchas emocionais de gênero, saltando habilmente do jazz-rock para oratórios cheios de pathos, filtrando ingredientes do disco-funk por uma peneira polifônica misturada com os guitarrismos de fusão nuclear de Apostolis Antimos e coroando a coda orquestral do teclado com entrechats dançantes...       

Resumindo: um panorama em larga escala de qualidade de referência e um dos redutos do prog do Leste Europeu nos anos setenta. Não recomendo pular essa parte.  

MUSICA&SOM

Harmonium "Harmonium" (1974)

 

O trio canadense começou tudo no teatro. Um dia em 1972, Serge Fiori e Michel Normandeau se encontraram nos bastidores . O primeiro deles tocou por muito tempo como guitarrista em uma orquestra de dança liderada por Fiori Sr., o líder não oficial da comuna italiana de Montreal. O segundo era jornalista e ator de meio período em uma trupe de teatro amador. O conhecimento imediatamente assumiu um tom criativo. Ambos começaram a compor canções e, sem sair do caixa, ensaiaram com algumas vozes e dois violões. Em 1973, o baixista Louis Valois se juntou aos amigos . E no verão do mesmo ano, o grupo de bandas de rock regionais foi reabastecido com outro nome glorioso e ressonante - Harmonium .                            

Como o núcleo do grupo era de câmara, os rapazes adotaram o folk como base estilística. Mas é incomum e tem uma variedade de delícias artísticas (a abordagem composicional complexa de Fiori e a paixão de Normandeau pelo drama tiveram impacto). Os interiores de restaurantes e cafés se tornaram os locais habituais de shows para novatos. Um pouco mais tarde, a sorte sorriu para os artistas promissores: a Harmonium  apareceu na rádio, onde fez um show ao vivo brilhante e inteligente. E literalmente alguns dias depois, houve uma oferta dos empresários da Quality Records para gravar um LP de estreia. Durante todo o mês de janeiro de 1974, Harmonium trabalhou atrás das paredes do Studio Tempo de Montreal na companhia de acompanhantes experientes: o baterista Réjean Edmond e o flugelhornista Alain Penfault . Finalmente, em um alegre dia de abril, os primeiros sucessos folk originais chegaram às prateleiras das lojas de música.    

Apesar da total ausência de eletricidade, o lançamento não parece nada chato. Serge, Michel e Louis mostraram milagres de inventividade, enchendo o programa com cores melódicas, cambalhotas inesperadas de significado e monólogos cantados sinceros. As intrincadas colisões da faixa-título se beneficiam de uma nova manobra ideológica - alternando um leitmotiv pastoral com os ritmos ardentes do jazz-rock acústico. O inteligente esquete francófono "Si Doucement" poderia, em termos de sua "corrosividade", proporcionar uma competição saudável aos sucessos da canção de Joe Dassin . O clima sem nuvens dá lugar à reflexão psicológica ("Aujourd Hui, Je Dis Bonjour à la Vie") com uma continuação melancólica na forma da peça "Vieilles Courroies", é sombreada por uma reflexão tonal à la bard-jazz ("100.000 Raisons") e mergulha na elegia de fusão noturna "Attends-Moi", em prol da cor polvilhada com digressões de refrão quase pop. O lirismo límpido do afresco "Pour un Instant" traz lembranças dos primeiros trabalhos solo de George Harrison . E no ligeiramente formal "de la Chambre au Salon", o Harmonium mais uma vez brilha com sua capacidade de criar temas incrivelmente atraentes com uma propensão à teatralidade. O panorama final de "Un Musicien Parmi Tant d'Autres" é marcado por uma certa "progressividade": aqui você tem as melhores linhas de câmara, folclore urbano e lampejos pop de natureza coral...

Para resumir: um ato de arte brilhante, caloroso e bastante original, executado com habilidade genuína e gosto impecável. Eu recomendo. 

MUSICA&SOM

Tin Hat Trio "Helium" (2000)

 

Este trio maravilhoso tem talentos mais do que suficientes na manga para formar uma dúzia de conjuntos. Afinal, mesmo antes da formação do Tin Hat Trio , cada um dos músicos já havia conseguido fazer seu nome em um grau ou outro. Formada no conservatório mais antigo dos EUA, o Oberlin Conservatory, a olhuda Carla Kihlstedt (violino, viola) tocou com luminares do avant-jazz John Zorn e Roscoe Mitchell , colaborou com Philip Glass e gravou com vários outros bons artistas. Mark Orton (guitarra, dobro, banjo tenor), que estudou no Conservatório Peabody e na Hart School of Music, também trabalhou com Zorn, Bill Frisell e fez parte do Old Joe Clarks . O intelectual Rob Burger (acordeão, piano, harmônio, concertina, marxofone) estudou piano clássico na Juilliard e mais tarde apresentou noites de improvisação na Universidade de Massachusetts na companhia de Max Roach , Yusef Lateef e outras personalidades de destaque. Em suma, eles tinham algo em que se apoiar. E o Tin Hat Trio realmente começou bem, apresentando aos ouvintes seu lançamento de estreia "Memory is an Elephant" (1999). Misturando tango com jazz acústico e elementos de vanguarda, os originais americanos seguiram o grande caminho da experimentação sazonal. O segundo item da agenda deles era o disco "Helium". E esse “tiro” atingiu mais perto do alvo do que seu antecessor.

O tom da ação é definido pelo banjo de Orton em "A Life in East Poultney", sob um pêndulo triste de cordas e um fole deliberadamente zombeteiro. Não está claro o que temos diante de nós: um cruzamento entre um salão de cowboys e uma sociedade filarmônica, ou algo fundamentalmente diferente? A questão fica no ar, enquanto o público é conduzido pelo motivo “piazzolista” da peça título. Ainda há mais por vir. Em "Beverly's March" do RIO, as terminações nervosas dos instrumentos são torturadas em uma escala de câmara, mas mesmo através da atmosfera de confusão agitada, uma estrutura composicional estrutural pode ser vista. Tendo rabiscado o curto tema country "Scrap" no violino, a Sra. Kihlstedt introduz o inebriante "Sand Dog Blues" de uma configuração muito fora do padrão. E o segmento "Fountain of Youth" parece ainda mais interessante com suas mudanças tonais do galope para a prostração completa e vice-versa. Tendo casado silenciosamente efeitos sonoros cinematográficos com música de câmara ("Slip"), o Tin Hat Trio preguiçosamente deixou entrar uma névoa de blues no prolongado "Width of the World". Então a batuta é assumida pelo esquete eclético "Seamstress Extraordinaire" - uma verdadeira alegria para estetas. Em uma onda de incerteza estilística, as reviravoltas da trama fluem faixa "Esperanto". Depois disso, o estudo de marcha "Big Blue House" e a história melancólica "Old Grey Mare" se encaixaram na imagem. O rápido "Brennero" coloca a nobreza do tango argentino contra os costumes rudes do Velho Oeste, e você não sabe como avaliar a lânguida "Anna Kournikova": em termos de condição, não há indícios de humor, mas o título apenas exala sarcasmo. O destaque do programa é o final "Helium Reprise", com vocais hipnóticos de Tom Waits e brilhante ornamentação sonora do Tin Hat Trio .

Resumindo: curioso, incomum, misterioso. Mas, no geral, é um gosto adquirido. No entanto, recomendo que você o leia. É possível que "Helium" seja do seu gosto.    

MUSICA&SOM

Iver Kleive "Kyrie" (1994)

 

Apesar de toda a sua fama como um dos principais organistas de igreja do nosso tempo, Iver Kleive (nascido em 1949) é um homem extraordinariamente modesto: sem site, sem perfil no Myspace. Assim, a tarefa de restaurar os detalhes da biografia criativa do artista não parece ser das mais fáceis. E ainda, vamos tentar destacar alguns detalhes relacionados à época da criação do álbum "Kyrie".

Naquela época, os créditos de Kleive incluíam obras solo, puramente acadêmicas, que eram fantasias sobre temas do compositor alemão Max Reger (1873-1916). Outro lado da vida trabalhadora de Iver foram suas colaborações com o cantor folk/country Per Egil Hovland , o flautista Roar Engelberg e o guitarrista Knut Reierschrud . Em outras palavras, o maestro não era estranho às perspectivas multigênero. E não é de se surpreender que Iver tenha tentado colocar muitas raças diferentes de componentes no cofrinho do programa de seu autor, "Kyrie".

O arsenal instrumental do gênio incluía um piano, um órgão de igreja, um Hammond B3 e um sintetizador Roland JXSP. Naturalmente, o evento não aconteceu sem convidados. O renomado baterista/percussionista de jazz Paolo Vinaccia , o velho amigo Reierschrud, o cornetista Kjell Erik Arnesen , vários corais (o coral de meninos da Catedral de Oslo, o coral de câmara regido por Grete Helgerud e a capela da Igreja de Santa Joana D'Arc) + vocalistas principais de diferentes gêneros uniram forças para incorporar uma rica paleta sonora.

Do número título, de maneira gospel elevada, a ação se move em direção ao salmo de jazz edificante "Jordens Største Under" (a atmosfera especial da catedral favorita de Iver na cidade dinamarquesa de Odense, onde o processo de gravação ocorreu, é sentida mais claramente do que nunca). Em seguida, vem o estudo pop melódico, leve e triste "Alt Er Som Før", interpretado "por três" (Kleive, Vinaccia, Reierschrud). No experimento de teclado "Der Professor Sitzt Im Bar", o profissional norueguês toca com tons de humor, e no hino religiosamente poderoso "Jeg Løfter Opp Til Gud Min Sang", ele também constrói um análogo tonal de "Jacob's Ladder". A elegia mais sutil "Sarah" é um afresco de arte impressionantemente belo criado por um artista com letra maiúscula. E então temos o brilho travesso das manchas solares no episódio "Kos". No futuro, Iver demonstrará repetidamente seu domínio confiante de todos os espectros estilísticos. O esplendor extático da missa "Med Jesus Vil Eg Fara", a fragrância natalina do vocal angelical "I Ditt Lys", o recitativo de fusão rítmica "Lasarus", o esboço coral luminoso "Morgensang", as gotas de chuva de cristal penetrantes do motivo de piano "Til Deg", a colagem sintética "Nåde" em tons folclóricos de templo e envoltório modernista - parece que esse gênio pode lidar com qualquer tarefa. Mas o principal é que o mosaico essencialmente eclético, graças ao dom composicional de Iver Kleive , adquire um núcleo único, tendo a chance de se assemelhar a uma obra de arte contemporânea completa e acabada.   

MUSICA&SOM

Willowglass "The Dream Harbour" (2013)

 

O compositor e multi-instrumentista Andrew Marshall teve que trabalhar duro no terceiro disco do projeto Willowglass . Nos anos anteriores, o musical britânico "hecatoncheire" se contentava com a companhia do compatriota  Dave Brightman (bateria, percussão). No entanto, a crescente necessidade de mudança e - sejamos realistas - algumas ambições saudáveis ​​forçaram o maestro a reconsiderar sua política criativa. O programa conceitual Dream Harbour marcou a entrada de Marshall na arena internacional. O valente homem de Yorkshire atraiu dois colegas estrangeiros para colaborar. De um lado está o artista americano Steve Unruh , membro do Resistor , The Samurai of Prog , Paidarion e também um prolífico artista solo. Por outro lado, há o baterista de martelo teutônico Hans Jörg Schmitz . E se a escolha número 1 não levanta grandes questões, então a aliança com o batalhão de choque alemão parece, para dizer o mínimo, estranha. Um amante de cores quentes e pastorais líricas não seria apropriado para fazer contato com um "techie" experiente cujo feudo é a formação de prog-metal King of Agogik . No entanto, o fato está aí, e devemos aceitá-lo como ele é.

Inicialmente, o trio não planejava se encontrar na realidade física. E assim a troca de gentilezas ocorreu virtualmente. Marshall (guitarra, teclado, baixo) descreveu a tarefa, enviou esboços das partes para seus companheiros e então cada um trabalhou em seu próprio segmento. O Sr. Unruh gravou as passagens de violino, flauta e guitarra auxiliar em sua casa em Rhode Island, enquanto o Sr. Schmitz criou uma "rave" local em Andernach. Andrew então juntaria as peças do quebra-cabeça e começaria a refinar o resultado com um arranjo inteligente. O resultado das ações conjuntas, se não surpreendente, foi certamente agradável.

A primeira parte da obra-prima "A House of Cards" abre a série de faixas. A introdução do sintetizador à la Moog lembra tonalmente o prelúdio do instrumental "Traveller" dos românticos franceses Vent D'Est , acelerado quatro vezes . Duvido que Marshall tenha ouvido falar desse grupo. Mas dado o amor geral e ilimitado de todas as pessoas acima mencionadas pela herança Camel , não há nada particularmente surpreendente aqui. O tema se desenvolve de forma bastante digna: desde as assertivas arestas do rock sinfônico, passando pelo folk progressivo renascentista de câmara, até o epílogo cintilante da escala de flauta-mellotron antes do pôr do sol. Após a reverência retrô minimalista de "A Short Intermission", a fase "A House of Cards Pt. 2" é incluída, o que oferece uma oportunidade de demonstrar um estilo de jogo bastante afiado + para revelar uma tendência para tendências condicionalmente vanguardistas da série dark dissonance. O "Interlúdio No. 2", de violão e violão, é uma espécie de saudação a Steve Hackett , enquanto a leve elegia titular evoca em grande parte memórias dos comoventes holandeses Trion . O vinagre balsâmico quente "Helleborine" é outro presente maravilhoso com propriedades balsâmicas para os nostálgicos conservadores. A sessão mediúnica de comunicação com o passado é coroada por um rico coquetel, "O Rosto de Eurídice", cuidadosamente preparado nas tradições dos anos setenta. 

Resumindo: sólido, profissional, talvez um pouco eclético, mas bom mesmo assim. Viagem de arte vintage com um toque novo. Aconselho você a se aprofundar e avaliar. 

MUSICA&SOM