Ali Farka Touré é conhecido como um dos guitarristas mais influentes e talentosos que a África já produziu. É difícil exagerar seu legado e impacto: o som de Ali fundiu seus estimados estilos musicais tradicionais do Mali com elementos distintos do blues, resultando na criação de um novo gênero pioneiro, agora conhecido como "Desert Blues". Voyageur é o novo álbum do lendário guitarrista e cantor, apresentando material inédito de Touré desde o álbum póstumo vencedor do Grammy Ali & Toumani , de 2010 , e traz uma coleção de "joias capturadas" de vários momentos da ilustre carreira de Ali. Há nove peças (três delas com a voz do astro malinês Oumou Sangaré) que reafirmam o status de Ali como uma lenda reverenciada da música africana. Nick Gold e o filho de Ali, Vieux Farka Touré , estavam envolvidos na produção . Gravadas espontaneamente ao longo de 15 anos, na estrada e no estúdio entre as sessões do álbum, as músicas de Voyageur foram de imenso significado pessoal para Ali, pois "refletem seu compromisso apaixonado com a criatividade e a diversidade cultural de sua terra natal, e uma vida passada em movimento, como um viajante - um voyageur - entre as estepes desérticas de Timbuktu, os estúdios de West Hollywood, as salas de concerto de Londres e Tóquio, e pequenas vilas espalhadas nas margens do rio Mali, onde Ali era, é claro, conhecido por todos", observam os produtores.
De colaborações com Ry Cooder e o maestro do kora Toumani Diabaté , até gravações lo-fi cruas feitas em sua remota aldeia natal, a voz inimitável e a guitarra hipnótica de Ali falam aos ouvintes dezessete anos após sua morte. Voyageur apresenta um acervo secreto de músicas que Ali construiu ao longo de sua longa e variada carreira, lançando nova luz sobre um talento extraordinário e enigmático. Por exemplo, "Safari" (Medicina) é o clássico Ali em seu modo songhaï característico, com seus vocais carregados realçados por um ritmo propulsivo de cabaça e o zumbido fantasmagórico de uma flauta Fula, enquanto Ali se gaba de ter o remédio, a orientação necessária para curar o "mau comportamento". Em "Cherie" (Darling), uma das três faixas em que Ali se junta à grande diva de Wassoulou, Oumou Sangaré , o kameln'goni empresta um swing maravilhosamente elástico ao riff de guitarra de Ali, enquanto as duas vozes ecoam uma à outra em perfeita harmonia. "Sambadio", uma canção fula (tradicional, que louva os agricultores), é ouvida em duas versões. A acústica transmite uma sensação maravilhosamente solta, semelhante à de uma fogueira, impulsionada pelo insistente dedilhar ngoni dos maestros Bassekou Kouyate e Mama Sissoko . Dos ritmos minimalistas e hipnóticos característicos de Ali, hinos semelhantes a corais, ritmos pulsantes de caçadores e uma "banda de ruído" africana de guitarras e alaúdes carregados de reverberação (como em "Kombo Galia"). Essas faixas, parte do que o produtor Nick Gold descreve como um "precioso arquivo privado", foram reveladas por Ali com parcimônia a Gold ao longo de um período de 25 anos. Várias dessas músicas foram passadas de mão em mão de forma completamente espontânea entre as tomadas de outras músicas. Felizmente, as fitas estavam sendo gravadas, ou grande parte da música deste álbum maravilhoso nunca teria sido ouvida.
London Ko é o novo trabalho de Fatoumata Diawara , pela Wagram Music, depois de nos levar de volta às suas raízes com seu impressionante Maliba (2022), musicalização da apresentação online dos Manuscritos de Timbuktu pelo Google Arts & Culture. Fatou nos mergulha em seu universo intenso, eclético e vanguardista. Com os diferentes estilos que ele sempre traz para sua música (afrobeat, jazz, pop, rock, electro e até hip hop). Afiada em suas letras, ela alcança um equilíbrio entre os sons do sintetizador elétrico e os ritmos tradicionais de seu país natal, Mali. Fatou também brinca com espaços geográficos e o que eles representam, como vemos no título do álbum, "London Ko". Um neologismo criado por ela que também simboliza sua estreita colaboração com o coprodutor Damon Albarn , que dá origem a um novo mundo, a fusão de Bamako (capital do Mali) e Londres (capital do Reino Unido). Um aceno à riqueza das raças mistas, à abertura à diversidade e à importância da interculturalidade. Fatoumata comenta sobre o álbum e como sua amiga se sente sobre ele: "Para mim, 'London Ko' significa abrir sua mente. Também reflete a conexão de Damon Albarn com a música maliense . " A primeira faixa, "Nsera", apresenta um videoclipe de Gregory Ohrel, um artista que entende o valor do universo gráfico atual. Fatou apresenta uma relação descomplicada com a África, desmantelando o estereótipo coletivo inconsciente do continente e sua diáspora. Sua estética nos convida a uma viagem cósmica, passando do mito à realidade.
Com base nos incríveis encontros artísticos internacionais que moldaram sua vida musical até agora, Fatoumata convida colaboradores especiais que abrem as portas para um álbum que visa atingir públicos diversos. Isso inclui duas novas estrelas em ascensão do continente africano: o rapper ganês M.anifest na música "Mogokan" e a nova voz do Afrobeat da Nigéria, Yemi Alade em "Tolon" (um chamado à celebração). Fatou prova que na música você não pode apenas esperar e acreditar, você tem que se tornar uma força motriz e uma voz comovente. Também imperdível é a colaboração em "Somaw" com a pioneira afro-americana do neo-soul Angie Stone, cantando sobre a dor da distância. Em "Blues", com o virtuoso pianista cubano Roberto Fonseca, ele presta homenagem àqueles que não podemos ver. Finalmente, Fatou se reúne com seu antigo parceiro de turnê Lamomali (2017) e produtor Fenfo (2018) , -M- (Matthieu Chédid) em "Massa Den". Há momentos muito emocionantes, como "Moussoya", que alcança alturas celestiais com o magnífico impulso gospel do Brooklyn Youth Chorus, um coral de meninos e meninas de diversas origens que proporcionam outra performance, se possível ainda mais sublime, em "Sete", uma linda balada afro-soul intimamente ligada às suas raízes Bambara como uma homenagem às mulheres. Essa essência também está entrelaçada com o funk e a música disco em "Seguen" e no envolvente blues-rock do deserto que transborda de "Dakan". E o momento mais vanguardista vem com os círculos concêntricos de reggae-dub do eletrônico "Dambe" (que pode ser traduzido como "os valores da tradição"), onde ela estabelece claramente as intenções de Fatoumata Diawara como artista: não apenas criticar, mas também contribuir com novas ideias. A música é sua ferramenta escolhida, e ele a usa para revelar a possibilidade de uma relação diferente com o tempo. Essa mudança entre o estilo de vanguarda e as homenagens aos seus ancestrais ressalta seu comprometimento com as questões do presente.
Breaking The Thermometer é o quarto álbum solo da cantora e multi-instrumentista Leyla McCalla , um trabalho que explora o legado da Rádio Haiti, a primeira emissora a transmitir seu programa de notícias em crioulo haitiano, ao longo de suas quinze músicas. O álbum começa com "Nan Fon Bwa", uma amostra de uma conversa entre Leyla e sua mãe, onde elas falam, ao som de contrabaixo, violoncelo e percussão, sobre memórias e viagens: especificamente, aquela que a autora do álbum fez ao país insular quando era jovem, que deixou uma marca duradoura nela. E esse trabalho conceitual, que começou como um projeto multidisciplinar que combinava teatro, dança, design de som e projeções visuais (junto com Kiyoko McCrae), surgiu de uma encomenda da Duke University (na Carolina do Norte), que adquiriu os arquivos da Rádio Haiti em 2016. Uma emissora que transmitiu de 1957 a 2003, posicionando-se ativamente, especialmente a partir de 1971, como uma fonte de denúncia da corrupção e da brutalidade, bem como de defesa da língua crioula local, marginalizada pelo francês, embora esta fosse apenas a primeira escolha linguística de dez por cento da população. "Meu pai era diretor executivo da Coalizão Nacional pelos Direitos do Haiti e era parente de Jean Dominique, o fundador da estação de rádio, que foi assassinado em 2000 ", observa McCalla. Anteriormente, Dominique havia sido repetidamente forçado ao exílio e a estação de rádio foi forçada a fechar. O fim do regime de Duvalier também marcou o fim das ameaças aos jornalistas que arriscavam suas vidas. "Intitulamos isso como uma homenagem a Jean Dominique, que sempre disse que uma imprensa livre é um termômetro para o povo: você pode quebrar o termômetro, mas isso não para a febre . "
Neste contexto, a ex-violoncelista (e também banjo e vocalista) do Carolina Chocolate Drops, e mais tarde uma das quatro integrantes do Our Native Daughters, misturando composições próprias criadas para a ocasião e revisões de peças tradicionais, e cantando tanto em crioulo quanto em francês e inglês (este último sendo o caso na versão de "You Don't Know Me" de Caetano Veloso), passa a desdenhar as prisões sinistras de François Duvalier ("Fort Dimanche", cuspindo sua raiva suave sobre arquivos de rádio) ou protestando que eles eram "os únicos que assavam o pão e eram queimados nos fornos" ("Dodinin"), enquanto explora e recria as raízes musicais de seus ancestrais. Meio imersão pessoal, meio jornada histórica, uma bela obra dedicada a Michèle Montas (escritora, ativista e feminista haitiana), ao eterno Jean Dominique e aos jornalistas da Rádio Haiti.
lista de faixas : 01. Nan Fon Bwa 02. Fort Dimanche 03. Bon Appétit Messieurs 04. Le Bal est Fini 05. Dan Reken 06. Dodinin 07. Ekzile 08. Pouki 09. You Don't Know Me 10. Jean And Michèle 11. Vini Wé 12. Artibonite 13. Still Looking 14. Memory Song 15. Boukman's Prayer
Se você ainda não conhece o Volbeat, agora é a hora de mudar as coisas. Uma banda de rock dinamarquesa multiplatinada que combina heavy metal com influências de rockabilly e generosos hits de punk, eles são barulhentos, orgulhosos e totalmente irresistíveis. Graças às suas composições afiadas, performances divertidas e total desrespeito às fronteiras do gênero, eles se tornaram uma das exportações dinamarquesas mais populares desde Lego. Veja como classificamos todos os 8 álbuns do Volbeat do pior ao melhor.
8. The Strength/The Sound/The Songs
O álbum de estreia do Volbeat só teve um lançamento limitado fora da Dinamarca, com o resultado de que muitos fãs só o ouviram depois do sucesso da banda em 2010 com Beyond Hell/Above Heaven. Com suas guitarras crocantes e grandes ganchos, não está isento de méritos. Também não está isento de falhas, mais especificamente, a qualidade machista das letras encharcadas de bebida, a falta de variedade melódica e a duração, que com 55 minutos e contando, estica o material até o ponto de ruptura. Se você é um fã obstinado que quer conferir onde a banda começou, vale a pena ouvir. Se você é novo na banda, este pode não ser o melhor ponto de partida.
7. Seal the Deal and Let’s Boogie
Seal the Deal and Let's Boogie, o sexto álbum de estúdio do Volbeat e o primeiro a ser lançado após a saída do baixista Anders Kjølholm, chegou às prateleiras em junho de 2016. Embora eles não tenham dado folga ao metal completamente, o álbum está mais firmemente enraizado no rock do que seus empreendimentos anteriores, com uma tonelada de riffs arrogantes e dançantes e ganchos cativantes. Há alguns erros de ignição (a capa de Battleship Chains do Georgia Satellites é uma escolha estranha), mas enquanto o foco afiado que caracteriza seus álbuns anteriores está faltando, faixas como o topo das paradas The Devil's Bleeding Crown e Black Rose (que apresenta uma participação especial eletrizante de Danko Jones) são irresistíveis demais para que um erro ocasional importe. Um grande triunfo comercial em ambos os lados do Atlântico, o álbum alcançou a quarta posição na Billboard 200 (sua posição mais alta na parada até o momento), a 16ª posição no Reino Unido e o top 20 em vários outros países.
6. Rewind, Replay, Rebound
Em 2019, Volbeat continuou seu ataque nas paradas com Rewind, Replay, Rebound, um álbum divertido descrito pela Loudwire como "rock 'n' roll de swing hip com um toque de hard rock". A banda ainda sabe como fazer uma tempestade tão bem quanto qualquer outro grupo de metal, mas se possível, há ainda mais ganchos, refrões mais altos e melodias mais refinadas do que nunca, tornando-os tão atraentes para o público do rock quanto para o grupo do metal. É um pouco longo demais, mas quando há tanto estilo, criatividade e momentos de socos no ar, é difícil reclamar. As principais faixas que valem a pena dar uma olhada incluem o mash-up punk/rockabilly Die to Live, 7:24, uma confecção pop pop bem escrita e habilmente entregue, e o sucesso do power metal, The Everlasting.
5. Servant of the Mind
Em 3 de dezembro de 2021, a Volbeat deu aos fãs de hard rock um presente de Natal antecipado na forma de seu oitavo álbum de estúdio, Servant of the Mind. Apesar de ser mais sombrio, alto e pesado do que quase tudo que eles lançaram até agora, suas melodias brilhantes e refrões robustos o mantêm acessível. Foi recebido com uma recepção quase unanimemente positiva dos críticos ( Blabbermouth o chamou de seu "disco mais completo até agora", enquanto a Classic Rock o descreveu como um "passo firme para a banda") e uma recepção igualmente positiva dos fãs, que o levaram para o número 2 na parada de álbuns de hard rock dos EUA, número 31 na parada de álbuns do Reino Unido e para o top 20 em grandes partes da Europa.
4. Outlaw Gentlemen & Shady Ladies
Para seu quinto álbum, Volbeat olhou para o oeste em busca de inspiração, criando um álbum que combina motivos ocidentais e influências country com alguns dos materiais mais pesados do catálogo anterior da banda. Mesclar thrash com country e western soa como um casamento feito no inferno, mas aqui, funciona, especialmente em faixas de destaque como o headbanger melódico Our Loved Ones, o The Sinner Is You inspirado no Thin Lizzy, e o banger death metal movido a banjo Doc Holliday
3. Beyond Hell/Above Heaven
Em 2010, Volbeat fez seu sucesso internacional com seu quarto álbum de estúdio, Beyond Hell/Above Heaven. Além de entrar no top 40 em várias paradas pela Europa, também alcançou a posição 142 na Billboard 200 dos EUA — sua primeira entrada na parada. Desde então, foi certificado ouro nos EUA, platina no Canadá e 3x platina na Dinamarca. Descrito pela All Music como uma consolidação de todos os elementos que eles experimentaram desde Rock the Rebel/Metal the Devil de 2007 (punk, roots rock & roll, rockabilly, heavy metal, death metal, country e hard rock dos anos 70), corre o risco de soar como uma recauchutagem de seus álbuns anteriores, mas a diversidade de suas influências combinadas com os refrões crescentes, riffs chuga-chuga, precisão afiada como laser e energia de socos no ar o tornam uma alegria por si só.
2. Rock the Rebel/Metal the Devil
Em seu segundo lançamento, Volbeat estabeleceu o modelo para tudo o que viria a seguir, combinando composições afiadas com uma entrega difícil e riffs de metal com melodias de rockabilly. É um pouco de tudo, combinando os melhores elementos de hard rock, thrash metal e groove metal com hits suficientes de punk e retro rock para mantê-lo totalmente único e totalmente envolvente. Não há uma música ruim no grupo, mas o pop energético de Radio Girl garante quantas repetições você conseguir.
1. Guitar Gangsters & Cadillac Blood
Não há muitas bandas que conseguem combinar elementos de Johnny Cash com Metallica e AC/DC, mas com seu terceiro álbum de estúdio, Volbeat provou ser a exceção. Como diz a Rolling Stone , quando Michael Poulsen grita "Hora de iluminar essa junção com um pouco de boogie woogie" no topo do thrash gaguejante de Find That Soul, ele não está sendo irônico. Com o peso do thrash metal elevado pelo calor do rockability e os flashes brilhantes do punk, Guitar Gangsters & Cadillac Blood mostraram que Volbeat é uma banda que vale muito mais do que a soma de suas partes. Lançado em setembro de 2008, o álbum alcançou o número 1 nas paradas de álbuns dinamarquesas e finlandesas e desde então foi certificado três vezes como platina na Dinamarca.
The Violent Femmes é uma banda folk punk que existe há algum tempo. Para ser exato, a banda começou no final dos anos 1970 com uma formação inicial que consistia em Brian Ritchie como baixista, Victor DeLorenzo como baterista e Gordan Gano como vocalista e guitarrista. Desde então, os Violent Femmes passaram por altos e baixos, embora seus altos tenham sido muito maiores do que a maioria dos atos musicais pode esperar alcançar. Afinal, a banda foi uma das bandas de rock de maior sucesso dos anos 1980 , o que correspondeu a uma grande influência na música rock também. Atualmente, os Violent Femmes ainda estão fazendo música com uma formação que é antiga e nova. O antigo se refere a Ritchie e Gano, ambos ainda envolvidos. Enquanto isso, o novo se refere ao multi-instrumentista Blaise Garza e ao baterista John Sparrow, embora, para ser justo, eles não sejam exatamente tão novos, já que um se envolveu em 2004 e o outro se envolveu em 2016.
10. We Can Do Anything
Primeiramente, We Can Do Anything é notável por ser o primeiro álbum de estúdio das Violent Femmes em mais de uma década e meia. Fora isso, bem, basta dizer que não é o pior disco já lançado.
9. Freak Magnet
Falando nisso, Freak Magnet foi outro lançamento decepcionante. Para ser exato, foi o álbum de estúdio que saiu antes de We Can Do Anything, o que significa que presumivelmente contribuiu mais do que um pouco para os problemas da banda naquele período. De qualquer forma, o Freak Magnet em si tinha algum material decente, mas no geral, ficou bem aquém do material da banda do auge do sucesso.
8. New Times
New Times foi o sexto álbum de estúdio da banda. Como tal, foi a primeira vez que o Violent Femmes lançou um disco sem Victor DeLorenzo na bateria, tornando-o, portanto, o início de uma nova era em certo sentido. Em termos de conteúdo, New Times foi interessante porque continha algumas das músicas mais complexas e também mais inventivas da banda, embora, considerando sua performance, pareça que isso não foi o suficiente para salvá-la.
7. Hotel Last Resort
O Violent Femmes está longe do auge do sucesso. No entanto, Hotel Last Resort mostra que eles ainda são capazes de fazer algo que seja bastante audível. Não é capaz de competir com o melhor do trabalho da banda, mas ainda vale a pena para pessoas que gostam do tipo de música da banda.
6. Rock!!!!!
Rock!!!!! é um lançamento dos anos 1990. Sem surpresa, não é particularmente conhecido no repertório do Violent Femmes. Até certo ponto, isso se deve ao seu próprio conteúdo. No entanto, deve ser mencionado que Rock!!!!! sofreu um golpe por estar disponível na Austrália e somente na Austrália até algum tempo após seu lançamento inicial. Seria um exagero dizer que todos os outros estavam perdendo algo incrível. Mesmo assim, é bom que fãs não australianos possam colocar as mãos neste lançamento também agora.
5. Why Do Birds Sing?
Why Do Birds Sing? foi o último álbum de estúdio do Violent Femmes com Victor DeLorenzo. Ele teve um bom desempenho, principalmente por causa de uma série de músicas sinceras que conseguiam se conectar muito bem com o ouvinte. Para citar um exemplo, há “I'm Free”, que produz exatamente o tipo de sentimento que se esperaria com base no nome. Enquanto isso, “More Money Tonight” é um pouco de exultação da parte de Gano, mas ainda assim é surpreendentemente satisfatório de ouvir.
4. The Blind Leading the Naked
The Blind Leading the Naked foi o terceiro álbum de estúdio do Violent Femmes. Ele se distingue pelo fato de ter sido uma tentativa de atingir um público mais mainstream, o que teve resultados um tanto positivos. De qualquer forma, sua tentativa de atingir o mainstream foi bastante divisiva. Houve aqueles que pensaram que era mais acessível sem fazer com que a banda perdesse seu caráter único. No entanto, também houve alguns que detestaram a mudança de direção.
3. 3
Apesar do nome, 3 foi na verdade o quarto álbum de estúdio do Violent Femmes, e não o terceiro. De certa forma, foi um retorno ao estilo anterior, tanto que alguns o chamaram de uma versão menor do álbum de estreia autointitulado. No entanto, considerando que o álbum de estreia autointitulado tem uma boa pretensão de ser o melhor lançamento da banda, isso não é nem de longe tão insultuoso quanto parece na consideração inicial.
2. Hallowed Ground
Conforme a história conta, o Violent Femmes tinha o material para seu primeiro álbum de estúdio e seu segundo álbum de estúdio pronto para ser lançado ao mesmo tempo. Eles poderiam ter mixado esse material da maneira que quisessem, mas no final, eles decidiram colocar a música pop no primeiro antes de colocar as músicas mais experimentais no que se tornaria Hallowed Ground. Sem surpresa, o lançamento teve uma recepção mista, principalmente porque continha uma série de músicas cristãs voltadas para um mercado menos entusiasmado. Ainda assim, merece reconhecimento como um dos melhores lançamentos da banda.
1. Violent Femmes
Naturalmente, Violent Femmes ocupa a posição número um nesta lista. Afinal, é o single de maior sucesso da banda, como mostrado por como se acredita ter vendido mais de 3 milhões de cópias, embora nunca tenha aparecido na Billboard 200 após seu lançamento inicial. Além disso, Violent Femmes tornou todo o resto possível, o que significa que merece um lugar de honra. Algo que é particularmente verdadeiro porque, mesmo agora, contém algumas das músicas mais memoráveis da banda.
