Os lisboetas Ganso estreiam-se em grande com um álbum psicadélico, pastoral e bem-disposto. A editora Cuca Monga volta a fazer bingo.
A Cuca Monga, sediada em Alvalade, está a tornar-se um caso sério. Aquilo que tinha começado como uma espécie de sucursal dos Capitão Fausto (publicando os seus projectos paralelos: Modernos, BISPO e El Salvador), está a caminhar a passos largos para a condição de editora independente de referência. A suspeita começou quando o maravilhoso álbum homónimo de Luís Severo levou o seu selo. Agora, com o encantador disco de estreia dos Ganso também cozinhado debaixo do seu chapéu, a suspeita evoluiu para confirmação e forte expectativa do que virá a seguir.
Mas voltemos aos Ganso. Pá Pá Pá é revivalista até ao tutano, todo ele feito da recuperação do psicadelismo dos meados dos sessenta, mais britânico do que americano, mais pastoral do que frenético blues-rock. A inocência bucólica de Syd Barrett e a magia de carrocel à Sgt. Peppers são as principais referências.
Um órgão vintage bem-disposto, muito west coast, prevalece sobre a guitarra, sempre discreta e elegante, sendo evidente o legado estético dos Capitão Fausto (nomeadamente do seu último álbum). Em particular, a voz de João Sala tem muito de Tomás Wallenstein, proximidades mais do que naturais quando todo o processo criativo foi acompanhado de perto pela banda de Alvalade.
Sonhador e soalheiro, cheio de sentido de humor, Pá Pá Pá é a banda-sonora ideal para quem gosta de fazer piqueniques no meio do campo, regados a ácidos e amoras silvestres.
Pessoal, está quase. É já ir abrindo as janelas do carro. Temos disco para o Verão.
Evidências não ficam bem num disco de hip hop. Se a chave está entre a palavra e a batida, desperdiçar espaço com o que já todos ouvimos só tem paralelo em encomendar a música de fundo aos Maroon 5 ou aos U2.
Kendrick Lamar não precisa. Nem de se gabar da “lealdade e realeza no DNA” (“DNA.”), nem de pedir ajuda para chegar aos rádios dos carros de família. Também já não precisa de se anunciar disponível para “morrer por esta merda” (“ELEMENT.”). Tudo verdade, nós já percebemos e ele, no fundo, sabe-o. A prova está no título do dueto com os U2, um envergonhado “XXX”, para 4’14 minutos de música em que se ouve mais Jazz que Bono.
Em 2012, à Complex, Lamar escolheu os discos da vida. De Compton, terra de Dre., naturalmente foi Chronic o primeiro que ouviu “de ponta a ponta”. E não falta na lista a Realeza que se entranhou no DNA. Há BIG e 2Pac, há Ice Cube e Snoop e claro a educação falhada da Senhora Lauryn. Lamar cresceu com os clássicos e nem os pecados lhe escaparam – em DAMN. não só se ouve uma boa dose de fanfarronice como também há uma música com Rihanna. Pecado para quem lança pérolas como “FEAR”, um monumento de mais de sete minutos.
Se entre Welcome to Compton (2014) e To Pimp a Butterfly (2015) o salto apanhou o mundo desprevenido, para DAMN. o amadurecimento não foi menor. Primeiro, hip hop tradicional. Depois, uma aventura rude, com balanço de jazz – género que, contou em entrevista a Rick Rubin, só descobriu já no estúdio de gravação. Agora, um manifesto. Estão em DAMN. as ambições a artista de pleno direito, a porta-voz de geração, a líder de alcateia sem líder desde a transformação de Kanye, de West em Kardashian.
“DNA” seria música suficiente para o deixar à frente, bem à frente, de tudo, tranquilo no primeiro dos lugares entre pares, à moda do latim que enfeitava os velhos maços de Ventil. Mas DAMN. tem mais, tem “ELEMENT.”, “FEEL.” e “FEAR.”, todas bem acima das possibilidades da concorrência directa, facilmente da viva e, mais difícil, da hibernada entre reality shows e apertos de mão com Donald Trump. É verdade universal – os tronos são mais fáceis de conquistar que de manter. Não é menos verdade que ainda há pouco um casal de celebridades pedia que o venerassem no trono. Garantido é que hoje já poucos resistem à ideia de que o cadeirão é de Kendrick Lamar.
Muito poucos o assaltaram com tamanha voracidade. O balanço não fica atrás de Dre, seria renhido um jogo de Scrabble com Eminem, a mensagem está afinada com Kweli e a diversidade musical de que se vale faz prever fantasias, retorcinadas como as de Kanye. DAMN. é só mais um passo entre a Realeza. A tal em que Lamar sabe como se comportar, a mesma que só a lealdade o impede de destronar.
Se com os Sonic Youth a estrutura das músicas frequentemente andava em torno da ideia Verse Chorus NOISE Verse, terminando mais ou menos como começou, Thurston Moore agora prefere estruturar as músicas em segmentos de uma viagem que não precisa de retornar à origem.
Há um aroma que não dá para perceber se fede ou perfuma o ar no projecto de 2016 do Thurston Moore, The Heretics, como que sublinhando um certo estatuto burguês do músico americano no panorama da música rock. Os que (não eu) entendiam os Sonic Youth como Rock a puxar para o intelectualóide, arriscam o vómito com os Heréticos. Trata-se de uma obra com textos do caralhete declamados em francês pelo inacreditavelmente mavioso Anne-James Chaton, e pelo próprio Moore, com várias referências ao mundo da literatura e cinema, acompanhados de acordes simples e repetitivos. Caem, de vez em quando, uns loops marados que alguém menos sensível diria serem a armar ao pingarelho. À partida eu refuto essa ideia, mastigando-a apenas em segredo. No fundo, The Heretics é um projecto que musicalmente me deixa algo a desejar, a declamação causando efectivamente uma certa irritação, uma comichão que não sabemos se sabe bem ou não, mas apesar disso não deixa de ser interessante, bem mais audível do que a maior parte da música que se anda para aí a fazer no nauseabundo universo do indie-rock.
Eu tinha gostado bastante do The Best Day, mas ficou sempre a ideia de ser um álbum que nasceu das improvisações do costume do Thurston e talvez menos de song writing ponderada; uma demasiado óbvia extensão do que já tinha feito com os SY, neste caso com novos músicos, Debbie Googe e James Sedwards, que, sendo por um lado excelentes, por outro não parecem muito dispostos a soltar as rédeas criativas. Ora, apesar de estes dois trabalhos que aqui referi serem trabalhos que sim senhor enfim valem a pena, penso poder dizer-se que nenhum nos poderia ter feito mudar de vida mesmo que estivéssemos na mais espessa das merdas. Em suma, não conseguimos afastar totalmente a ideia de uma certa.. preguiça, aquela preguiça burguesa de quem nada tem a provar e quer é curtir; um.. ok, tá bom. Nada de errado nisso. Mas digamos pois que foi com alguma apreensão, uma espécie de preparação interior para a desilusão, que comecei a ouvir o Rock N Roll Consciousness.
O primeiro acorde da primeira música do álbum, “Exalted”, pareceu confirmar o sentimento. Imediatamente trouxe a suspeita de que fora mantida a afinação das cordas dos últimos anos – CGDGCD (já agora adianto, com petulância de medíocre guitarrista domingueiro, que compreender a afinação das cordas das guitarras dos Sonic Youth é compreender Sonic Youth). Mas trata-se então de um acorde típico de Thurston Moore, bonito, ligeiramente dissonante, de final aberto (um par de cordas a soltar notas uníssonas), massajado com a ponta da palheta em género dedilhado, e em repeat, enquanto o Steve Shelley trauteia uns pratos em total aborrecimento. Nada de novo aqui, excepto talvez a repetição mais longa do que o costume. Demasiado fácil, murmurei. Seguem-se finalmente outros acordes, construindo-se uma frase que parece que já termos ouvido algures na vasta discografia do Moore, e que entram em loop. Engulo em seco, constatando que o ritmo das notas parece estar inscrito no ADN das guitarras do Thurston desde os tempos de “Teenage Riot”. Depois surge um riff que o americano começou a explorar com alguma frequência a partir do “Rain on Tin”, modificando-o aqui ou ali. Comecei a pensar na angústia que deve ser querer produzir tanta música procurando originalidade, coisas novas para dizer. Frequentemente observamos que a criatividade tem limite e quase todos os artistas chegam a um pico, frequentemente na primeira década de produção. Depois é a descer. E mesmo assim não nos esqueçamos que poucos músicos têm sido tão prolíficos como o ex-sonic youth e estou-lhe pessoalmente grato.
Mas eis que chega uma espécie de um solo declamante com uma distorção bem mais old school do que a do imaginário de SY. É aqui que a coisa começa a mudar. Rock N Roll Consciousness. Após umas deambulações espaciais que podiam pertencer aos anos setenta, caiem que nem trovões uns power chords do cacete e a coisa fica tipo Drone metal, sem quaisquer ânsias de suavização, culminando numa muralha de ruído bastante comestível. Muito poderoso, inesperado e ainda assim em harmonia, como que a fazer pouco dos que, como eu, temiam que isto iria ser mais do mesmo. Reinvigorados pelo Metal, e ainda na mesma faixa, podemos então regressar prazerosamente à estética mooriana, agora acompanhada de poesia algo místico-urbana cool do costume (letras aqui em colaboração com o poeta londrino transsexual Radio Radieux). “She’s the future / and the profethess” – não fazemos ideia do que isto possa querer dizer, mas lembramo-nos certamente de “Eric Trip” de Lee Ranaldo – “she thinks she’s a goddess, she says she talks to the spirits”.
Apesar disso, algo de original parece acontecer. Identificam-se blocos (ou estrofes) de três, que se repetem num loop. O ajuntamento em torno de um número primo aproxima-nos bem mais da ideia de círculo – é sabido – , o que aqui confere um carácter mais meditativo. O mesmo agrupamento em três é verificável também naquela que acho ser a melhor música da obra – “Aphrodite” – tanto durante o verse como depois mais durante as deambulações dos guitarristas em torno do baixo de Googe. O elemento da repetição a fazer recordar os mais interessantes momentos do The Heretics e percebemos melhor a onda circular em que Moore se encontra. As músicas graciosamente a estenderem-se (entre 6 a 12 minutos) e o disco a prosseguir de maneira verdadeiramente entusiasmante.
De notar que se com os Sonic Youth a estrutura das músicas frequentemente andava em torno da ideia Verse Chorus NOISE Verse, terminando mais ou menos como começou, Thurston Moore a preferir agora (e já desde o The Best Day) estruturar as músicas em segmentos de uma viagem que não precisa de retornar à origem. Parece-me melhor assim, embora causem algumas saudades os diálogos com Lee Ranaldo. Como se, ao se tornar um song writer mais interessante, se tenha perdido alguma autonomia (ou paciência) para avacalhar.
Um álbum quase instrumental, tenso e emocionante, eles incorporaram muito mais elementos do jazz e de Canterbury, e o fazem definindo uma fluidez sonora que os relaciona a Samla Mammas Manna, mas com muito da cena de Canterbury fundida com breves toques sinfônicos e dicas de folk, com passagens que evocam inspirações clássicas de Debussy e Satie, mas sem perder a fidelidade ao espírito exploratório do progressivo. Às vezes quase pastoral, com melodias evocativas, às vezes com grooves bastante pesados, outras vezes baseados num jazz suave e aveludado, ainda com alguns leves toques de Zeuhl num todo muito bem equilibrado. Além disso, com boa produção e sons claros e brilhantes
Actionfredag apresenta seu segundo álbum, com seu característico estilo radiante inspirado em Canterbury, com um som que desafia as tendências mais sombrias e melancólicas do progressivo moderno.
A banda tem um som pessoal, apesar de soar semelhante a muitas bandas progressivas britânicas dos anos 70, o Actionfredag soa incrivelmente original. Acompanhado por uma variedade eclética de instrumentos, incluindo oboé, violino, flautas doces e trompete, criando uma paisagem sonora exuberante e multifacetada. Músicos convidados acrescentam profundidade e cor, aprimorando cada faixa com novas texturas e tons, de modo que o álbum equilibra sofisticação com musicalidade, ao mesmo tempo em que se esforça para capturar a essência de todas as suas influências.
Cada faixa oscila entre fantasia e introspecção, combinando nostalgia com inovação para dar nova vida ao seu som, inspirando-se nos fundamentos do rock progressivo para adicionar um toque psicodélico forte, fresco e inovador, criando um álbum cativante do início ao fim, atingindo patamares criativos com uma sutileza rítmica e inventividade melódica que convidam os ouvintes a mergulhar em seu mundo sonoro.
Esta é uma música para ouvidos refinados, onde a simplicidade de sua fórmula aliada à perfeição de seus arranjos demonstram sua capacidade de cativar com um som original, evitando pretensões ou imitações. Eles simplesmente gostam de fazer música sem tentar se encaixar, capturando uma abordagem pura e divertida para sua arte. Mas vamos passar a palavra ao nosso eterno e involuntário comentarista, que nos conta o seguinte sobre esse álbum...
Hoje temos o grande prazer de apresentar o novo álbum do grupo norueguês ACTIONFREDAG, intitulado “Lys Fremtid IMørke” e publicado pela gravadora espanhola áMARXE na primeira semana de novembro passado em CD, enquanto a edição em vinil foi publicada pela gravadora compatriota Diger. A principal missão de “Lys Fremtid IMørke” é reforçar as pegadas muito positivas deixadas pelo álbum de estreia “Turist I Eget Liv”, originalmente de 2022: este álbum pegou boa parte da comunidade do rock progressivo e similares ao redor do mundo de surpresa devido às suas demonstrações deslumbrantes de criatividade musical, e agora é a vez de “Lys Fremtid IMørke” receber os mesmos elogios... se não mais. A formação ACTIONDEFRAG consiste em Martin Hella Thørnquist [vocal e guitarra], Aksel Valheim Lem [guitarra], Ivar Haugaløkken Stangeby [teclados], Espen Fladmoe Wolmer [bateria], Ola Mile Bruland [baixo] e Katrina Lenore Sjøberg [vocal]. Além disso, vários convidados ocasionais aparecem ao longo do álbum: Maya Storvik (oboé), Anders Kristian Krabberød (guitarra e-bow), Martin Nordrum Kneppen (gravadores), Åsa Ree (violino), Mari Mile Bruland (clarinetes), Håkon Oftung (flauta), Trond Gjellum (pratos), Kristian Frøland (slide guitar e glockenspiel), Liv Santos Holm (sintetizador de baixo) e Nikolai Haugseth (trompa francesa). As sessões de gravação do álbum que estamos discutindo hoje ocorreram em vários momentos entre setembro de 2023 e março de 2024, nos estúdios Björneröd, Metronomicon Audio, Kalbakken e Badminton Bay. Os processos subsequentes de mixagem e masterização foram conduzidos por Jonas Raabe e Kjetil Bergseth, respectivamente. Vamos agora conhecer os detalhes do repertório deste álbum. Com duração de pouco mais de 3 minutos e meio, 'Angst Oppå Bordet' dá o pontapé inicial e o faz de uma forma muito proativa: com base em uma confluência sem precedentes entre os paradigmas de VAN DER GRAAF GENERATOR, KING CRIMSON de 1972-74 e ANEKDOTEN dos dois primeiros álbuns, o conjunto cria uma dinâmica arquitetônica que é incendiária o suficiente para fornecer um brilho imponente. A sobreposição estilística com RED KITE é clara, já que o grupo mantém um firme domínio dessa musculatura refinada. A próxima é 'Dalai Lama's Five Dollar Mamas I', uma jornada mais focada na linha do (chamado) Canterbury, onde a graça virtuosa de HATFIELD AND THE NORTH e a graça rocambolesca de CARAVAN se fundem em uma única força expressiva. As coisas começam muito bem com essas duas faixas, e com a dupla subsequente 'Karesuando Camping' e 'Planet Bygningsetaten', o pessoal da ACTIOFREDAG continuará a explorar caminhos de expressão sonora em um ritmo constante. O primeiro desses temas mencionados muda para um clima sereno, onde a calma estrutural do groove de blues usado para a ocasião abre caminho para o desenvolvimento de uma atmosfera introspectiva cujas cores estão imersas em suaves vibrações outonais. Com as linhas de baixo eficazes e os floreios alternados e relaxados do piano elétrico e da guitarra, os pilares da estrutura sonora fornecem firmeza suficiente. Quanto a 'Planet Bygningsetaten', é uma remodelação sólida dos recursos essenciais da música anterior, e a soltura medida do swing permite que a banda estabeleça laços com bandas contemporâneas como HOMUNCULUS RES e ZOPP. Embora um tanto limitada pela atmosfera predominantemente pacífica na qual está envolvida, a vitalidade inerente ao centro melódico se manifesta com franca franqueza. 'Cloudboy Blidbop' começa em um tom melancólico com um esquema plácido que reflete a suave solidão da alma focada em suas próprias meditações. Os eflúvios contidos do piano elétrico ajudam a evocar essa noção de forma inequívoca até que uma segunda seção surge, onde as coisas aceleram um pouco para exibir uma nova cor, como uma luz emergindo através de uma nebulosidade dispersa. O brilho dessa luz é baseado na união de HATFIELD AND THE NORTH e HAPPY THE MAN. Quando se trata de 'Dalai Lama's Five Dollar Mamas II', as coisas retornam ao dinamismo majestoso que prevaleceu na conexão das duas primeiras faixas do álbum, com o conjunto desenvolvendo uma vitalidade requintada em uma tonalidade jazz-progressiva. A interconexão das passagens mais ferozes e sutis é nutrida pela integridade irredutível que é criada pela irmandade dos instrumentos executados. Com o fabuloso apoio da dupla rítmica e os oportunos ornamentos de flauta, o esquema melódico criado para a ocasião aumenta seu apelo inerente. O epílogo do órgão e das flautas doces acrescenta uma sensação de mistério solene ao assunto. Um ápice, assim como as duas primeiras faixas do álbum. Após um prólogo aleatoriamente agressivo, 'Ja Noir' se expande para estados contemplativos que, mais uma vez, apresentam o piano elétrico como a voz principal para a elaboração das bases harmônicas e o reforço contínuo do núcleo melódico. A voz feminina atua como uma caixa de ressonância emocional para a combinação mágica de guitarra e teclado que sustenta o desenvolvimento temático. Houve uma junção peculiar aqui entre os padrões do segundo álbum do CARAVAN e do primeiro do RAGNARÖK. 'Slipp Ivar Fri' retorna integralmente aos aspectos mais ágeis e sofisticados do discurso essencialmente jazzístico-progressivo do coletivo, de modo que sua estrutura sonora pode ser definida como uma síntese dos índices centrais das faixas #4 e #5, com algumas nuances adicionadas da faixa #1 remetendo aos momentos mais perturbadores e densos. Elas acrescentam um contrapeso eficaz de tensão ao lirismo predominante da peça. Em suma, aqui está outro ponto alto decisivo do álbum. A miniatura, com pouco mais de um minuto e meio de duração, 'Litt Mye' consiste em uma balada pastoral envolta em uma atmosfera praiana encantadora, com crianças brincando despreocupadas enquanto testemunham a dimensão mais pura do desejo de viver. Dessa forma, está pronto o terreno para 'Thank You Kleveland', a peça que encerra o repertório. Baseando-se em um ritmo cerimonial de andamento médio, a banda cria uma suntuosa jornada crepuscular que exala vibrações imponentes por toda parte. É como se tudo que a banda usou no álbum, no estilo Canterbury, tivesse sido condensado sob as diretrizes Genesian, às quais eles adicionaram um pouco do brilhantismo do KAIPA dos anos 70. Um final bastante eficaz para o álbum, embora ainda tenhamos que mencionar uma curta canção intitulada 'Ping Pong Lovesong' que aparece como faixa bônus no CD. “Lys Fremtid IMørke” é, em última análise, um álbum lindo e sofisticado que reflete a sublime energia criativa que abençoa as mentes dos membros do ACTIONFREDAG nesta sua segunda jornada musical. Este álbum definitivamente se coloca firmemente no topo da produção progressiva escandinava em 2024, não apenas nos últimos meses, confirmando a posição da banda como uma referência importante do rock artístico contemporâneo. Esse conjunto realmente se destacou!!
Obviamente, tantas palavras não valem nada se você não consegue ouvi-las...
Este álbum é um progressivo absolutamente brilhante em todos os sentidos da palavra; Uma composição linda, uma banda que nunca exagera, que deixa as músicas fluírem em sua beleza e musicalidade a partir de uma paleta sonora diversificada, criando uma música de grande inspiração, magnífica e que busca criar imagens e histórias. Absolutamente brilhante. Uma aventura melódica e inspiradora que nunca para.
O resultado é um álbum que varia do onírico ao jazzístico e complexo, às vezes alegre, às vezes brincalhão e dançante, mas sempre muito variado, porém compacto e homogêneo, criando música otimista e positiva que parece um raio de luz em um momento tão sombrio.
Lista de faixas: 1. Angst Oppå Bordet (3:35) 2. Dalai Lama's Five Dollar Mamas I (3:51) 3. Karesuando Camping (3:13) 4. Planet Bygningsetaten (4:53) 5. Cloudboy Blidbop (4:36) 6. Ping Pong Lovesong (faixa bônus disponível apenas na versão em CD) (1:28) 7. Dalai Lama's Five Dollar Mamas II (5:14) 8. Ja Noir (3:55) 9. Slipp Ivar Fri (5:04) 10. Litt Mye (1:38) 11. Thank You Kleveland (4:09)
Formação: - Katrina Lenore Sjøberg / vocal - Aksel Valheim Lem / guitarra - Ivar Haugaløkken Stangeby / teclados - Espen Fladmoe Wolmer/bateria - Martin Hella Thørnquist / voz, guitarra - Ola Mile Bruland / baixo Com: Maya Storvik / oboé Anders Kristian Krabberød / guitarra ebow Martin Nordrum Kneppen / flauta doce Åsa Ree / violino Mari Mile Bruland / clarinetes Håkon Oftung / flauta Trond Gjellum / pratos Kristian Frøland / slide guitars, glockenspiel Liv Santos Holm / sintetizador de baixo Nikolai Haugseth / trompa francesa
Deixo agora este álbum onde Egberto revisa suas composições desde seus primeiros dias até 1987, mas deixando a guitarra de lado e desperdiçando o piano que implora por misericórdia. Tudo isso em um álbum (quase) solo. Para quem quiser ouvir algumas das primeiras músicas do extraterrestre Egbert, aqui está "Alma". Uma entrada curta para um álbum de compilação, embora seja na verdade um remake de músicas antigas modificadas de tal forma que soem novas e, em qualquer caso, é o maestro Gismonti no comando mais uma vez. Uma odisseia pelo território labiríntico do compositor brasileiro.
Artista: Egberto Gismonti
Álbum: Alma Ano: 1987 Gênero: Jazz Latino Duração: 65:30 Nacionalidade: Brasil
“Alma” é Egberto Gismonti no seu melhor. Tendo o piano como tela principal (ao fundo, percebem-se sutis toques de sintetizador, tocados por ele e Nando Carneiro), ele destila suas composições mais queridas em um programa de terna introspecção. Ela corre pelo teclado como terra viva.
Existem muitos multi-instrumentistas, mas como esse cara consegue tocar violão e piano com tanta virtuosidade?
Aqui está "Alma", um álbum tremendo, embora de uma perspectiva pessoal não atinja o excelente nível de suas eras posteriores. Continuaremos a publicar outros grandes álbuns deste homem extraterrestre.
Esse marco de 1 milhão de acessos me faz pensar sobre o início da Loronix, logo no primeiro mês. Várias postagens daquele mês foram removidas, sem nenhum motivo especial, eu estava apenas testando coisas, ajustando o Loronix e decidi mantê-las de fora. Estou planejando publicá-los novamente, alguns deles são realmente incomuns para a Loronix, mas esses são álbuns que eu gosto muito e será fantástico mostrar alguns deles aos amigos. Agora estou fazendo Egberto Gismonti, considerado por muitos amigos como uma peça que faltava na Loronix. Recebi o conselho de um grande amigo para fazer esse álbum em um dia especial e acho que esse dia é hoje. Este é Egberto Gismonti – Alma (1987), para Odeon. Álbum realmente incrível e obscuro do renomado multi-instrumentista brasileiro Egberto Gismonti. Não consegui encontrar Alma listada nas principais lojas on-line, como Amazon e as marcas AMG e Artist Direct. De qualquer forma, isso é entretenimento garantido e espero que as pessoas possam adicionar mais informações sobre isso, como pessoal e disponibilidade.
Começando com o denso ecossistema florestal do "Baião Malandro" e terminando com os balanços virtuosos dos "7 Anéis", esta seleção de performances serve como uma introdução à experiência gismontiana. Além de clássicos como "Karatê" (cuja interpretação atual assume um caráter ainda mais autodisciplinado do que quando foi gravada pela primeira vez em "Circense") e "Frevo" (exemplo vigoroso de sua inclinação para o ritmo e a cor), ele define desdobramentos mais ágeis em "Cigana", "Fala da Peixão" e na poderosa "Realejo". Um dos seus muitos dons, o da ilustração, manifesta-se plenamente no título evocativo “Palhaço”, que apela a uma memória persistente; "Loro" (Papagaio), que incorpora seu tema em uma dança de alegria incondicional; e "Sanfona" (Acordeão), e a efervescência de "Maracatú" se destaca na coleção. Equilibrando sombras e realces e integrando sintetizadores para um efeito perfeito, em uma ode ao mundo natural. Assim como "Ruth". Ouvida pela primeira vez dos lábios de sua mãe na Amazônia, ela agora abre seu coração como um livro ainda a ser escrito. Como tudo o que a cerca, a melodia é mais que um esqueleto, mas parte do sistema circulatório de um corpo cósmico pelo qual o ouvinte pode vagar sem o menor medo de obstrução arterial.
E não há outra opção senão ouvir o que estou apresentando a vocês agora...
E por que esperar que os grandes morram para prestar-lhes homenagem? A partir daqui, queremos prestar-lhes homenagem enquanto ainda estão vivos...
Imagino que a nova versão que está sendo lançada deva ter um som muito melhor do que a versão que lançamos na época, mas também devemos acrescentar que foi uma contribuição para tornar conhecido o trabalho e um pouco da história deste álbum, desta banda e sua trajetória pela cena do rock em La Plata. Hoje temos que lembrar dele porque ele aparece novamente, e agora ao alcance de qualquer um que tenha alguns trocados para comprar o álbum, o que não existia antes, exceto pela nossa versão.
Artista: Pesquisar
Álbum: Search Ano: 1978 Gênero: Rock progressivo sinfônico Duração: 31:29 Nacionalidade: Argentina
Acabamos de discutir a história dele no artigo relacionado recente, então não temos muito mais a acrescentar do que dissemos há algum tempo e que agora lembramos.
Isso é maravilhoso, senhores. Primeiro veio "Prelúdio" - amigos do céu fantástico. Agora é a vez do que para mim fica entre as joias perdidas do nosso rock argentino, que como já disse antes com essas obras de arte, não tem reedição em CD e mais que uma pena é uma verdadeira tragédia, e não estou exagerando. É vital que esse material seja resgatado algum dia para o bem da música em geral. "Búsqueda", aliás, um nome de banda incrível, e seu único LP, causa em mim um estado de êxtase sublime quando o ouço. Esta é uma música folk sinfônica com uma estrutura musical muito íntima e pastoral, com algumas reviravoltas sutis e controladas de rock progressivo às vezes. O que essa banda tenta fazer com sua música e suas canções curtas é nos emocionar do começo ao fim, e eles, sem dúvida, alcançam seu objetivo. O LP "The Shape of Your Life" abre, e não sei se tenho palavras para descrever tamanha beleza melódica: violões impressionantes acompanhados por um maravilhoso conjunto de baixo, bateria e teclado. Em seguida vem "Why Aren't You Real?", uma canção curta e melódica que nos transporta de volta aos anos 70 com sua melancolia. "Between Two Angels" nos traz mais guitarras voadoras e Moogs misteriosos tocando a melodia. "Hallame" nos oferece vozes requintadas em uma canção super folk. "One Day, One Morning" apresenta um piano maravilhoso acompanhado por sintetizadores excelentes e letras tão bonitas que nos deixam atordoados. Em seguida vem "E sua ternura viveu em você", com mais violões em uma linda canção. "Tears of a Time" melhora um pouco o clima com sua marcha e um Moog furioso no final, encerrando uma música decente. "Muñeco a Cuerda" é a faixa mais curta do LP e apresenta um interlúdio acústico que nos apresenta a faixa mais progressiva do álbum: "Juan el Rufián", com sintetizadores altamente emocionais e uma qualidade sinfônica que nos deixa querendo mais "Búsqueda". E por fim, quero acrescentar um detalhe que foi questionado na época, que é a sua capa simples. Na minha humilde opinião, acho que se Juan Oreste Gatti tivesse contribuído com sua arte para o álbum, estaríamos diante de uma das mais belas joias do nosso amado rock sinfônico.
Cláudio M.
No comentário a seguir, baseio-me em um texto escrito por Raúl Gordon e o modifico, devido à precisão de sua descrição, mas ajusto um pouco sua forma: Alguém descreveu esta obra como "Rock-Acústico-Sinfônico sem grandes ruídos". Apesar da brevidade da categoria, achei-a bastante precisa. Aqui encontramos um irmão do Melimelum , só que mais elétrico e mais progressivo. Um movimento que talvez o nosso sangue italiano ajude os argentinos, e pode-se dizer que nasceu no coração de Sui Generis e La Maquina de Hacer Pájaros , e hoje é tão bem cultivado por grupos como Habitat . É uma espécie de "elo perdido" entre as duas bandas de Charly, de um lado a mais suave Sui Generis e do outro a extravagância instrumental de La Maquina de Hacer Pájaros , bem, esta está em algum lugar no meio das duas. E eu diria que este é um álbum modesto, mas nunca um álbum ruim, não me entenda mal. É simples, delicado, com arranjos muito precisos e precisos, com aquela dose requintada de "sinfônico" que enfeita todo o álbum. Como outras joias do rock argentino, há aqui uma estranha — e atraente — confusão de alegria e tristeza (podemos citar, nessa linha, Redd ou Pablo the Undertaker , entre outros).
Mas é melhor que você já tenha ouvido...
Vamos ver algumas outras coisas (não muitas, porque esse é um álbum muito difícil de conseguir) que descobri por aí:
Esta banda de rock progressivo sinfônico era formada por Jorge Fernández Molina na guitarra, teclado e vocal, Alfredo Muñoz no baixo e vocal, Daniel Carrizo na bateria e Tommy Loidi na guitarra e vocal. Eles lançaram um único álbum em 1978. As críticas da imprensa na época enfatizaram a capa sem graça em vez da beleza melódica do álbum. As músicas são construídas em torno de baladas agradáveis, cantadas em uma voz suave e intimista acompanhadas por um violão acústico recorrente com ótimas contribuições de teclados (pianos, órgão, mellotron e sintetizador) e delicadas guitarras elétricas.
Eles têm outra pequena figura difícil, um álbum lindo com uma paz tão próxima da desolação quanto da reconciliação. Em suma, tudo o que um coração sincero deseja encontrar. E agradecemos sinceramente ao Mágico Alberto pela gentileza em compartilhar este lindo álbum na ocasião, o que espero que vocês apreciem.
O único trabalho desta banda é formado por Jorge Fernández Molina na guitarra, teclado e voz, Alfredo Muñoz no baixo e voz, Daniel Carrizo na bateria e Tommy Loidi na guitarra e voz. As críticas dos jornais da época se dedicaram a destacar a natureza pouco criativa da capa em vez da beleza melódica do álbum. Alguns compararam a banda à banda italiana Celeste por suas melodias calmas e trabalho de teclado, mas honestamente não encontro muita base para esses comentários. As músicas são construídas em torno de baladas agradáveis, cantadas em uma voz suave e intimista acompanhadas por um violão acústico recorrente com ótimas contribuições de teclados (pianos, órgão, mellotron e sintetizador) e delicadas guitarras elétricas. Um álbum que recomendo para os amantes do rock progressivo sinfônico sem muito barulho.
Lista de faixas: 1. The Shape of Your Life 2. Why You're Not Real 3. Between Two Angels 4. Find Me 5. One Day, One Morning 6. And His Tenderness Lived in You 7. Tears of a Time 8. Wind-Up Doll 9. Juan the Ruffian
Formação: - Alfredo Muñoz / baixo - Daniel Carrizo / bateria - Jorge Fernández Molina / guitarra elétrica, mellotron, piano, órgão e voz - Ricardo Renaldi / sintetizadores - Tomás Loidi / guitarra elétrica, violão e voz
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