Herbert von Karajan rege Orquestra e Coro da Wiener Philharmoniker
Carmen - Leontyne Price Don José - Franco Corelli Micaëla - Mirella Freni Escamillo - Robert Merrill Frasquita - Monique Linval Mercédès - Geneviève Macaux Le Dancaïre - Jean-Christophe Benoit Le Remendado - Maurice Besançon Moralès - Bernard Demigny Zuninga - Frank Schooten
Saudações; bem essa banda é um tanto quanto "louca", mas há alguns grandes sons aqui. Desfrutem!
Você tem em mãos um pedaço da história da gravação. Trinta anos atrás, um LP foi gravado, o evento mais importante nos anais, digamos, da gravação.
Este disco seria um marco único, adornado com joias, porém robusto, provavelmente feito de granito, na longa jornada que se estenderia da música popular de muito tempo atrás até a música popular bem recente.
No início dos anos 70, quando a Disco ainda não havia decolado, o Rock Progressivo ainda não havia progredido e o Punk ainda não havia sido pensado, três músicos estranhos de Cambridge, Inglaterra, surgiram na cena de forma bastante secreta.
Eles venderam suas perucas e botas dos Beatles para ajudar a levantar a fortuna necessária para financiar seu disco independente de longa duração, que se tornou uma das primeiras gravadoras independentes do mundo. Essa venda de bens móveis, porém, ainda não era suficiente; eram necessários mais dez punds, cinco xelins e seis pence. Destemidos, eles arrecadaram o restante tocando nas ruas do Rio Cam para turistas japoneses que, felizmente, tinham um iene para demonstrar seu apreço. Parte do dinheiro foi parar no barco, a maior parte foi para o fundo do Cam. Com quase trinta libras economizadas, eles foram em frente... e assim, cinquenta cópias (conte-as, cinquenta) de "Greasy Quiff", de Toby Jug e Washboard Band, foram prensadas e entregues aos rapazes da banda, que passaram as noites seguintes montando manualmente as capas e os rótulos dos discos com cola de peixe da melhor qualidade. (Por que alguém iria querer colar peixe?) Desde então, o disco se tornou um item de colecionador para os fãs de cola de peixe. Mal sabiam aqueles três músicos destituídos, justificadamente sem dinheiro e sedentos por fama que, 30 anos depois, colecionadores estariam dispostos a pagar mais de US$ 1.700 (A31214 ou 1.062 euros) pelo privilégio de possuir apenas uma cópia desta lendária gravação. Este material foi meticulosamente resgatado de três galpões e representa o trabalho posterior da TJWB. É com um profundo senso de destino e honra que agora apresentamos a versão em CD do álbum, perfeitamente preservada e remasturbada digitalmente com todas as deficiências técnicas e artísticas da obra-prima original. Aproveitem Greasy Quiff e tenham a certeza de que nenhum peixe foi ferido na produção desta Gravação Histórica.
O Woody's Truck Stop surgiu na Filadélfia, no final de maio de 1966. Na adolescência, o baterista Bob Radeloff e o guitarrista Alan Miller participavam ativamente de um grupo folk que tocava na região. Após o ensino médio, Miller começou a frequentar aulas no Philadelphia College of Art, enquanto Radeloff continuava dando aulas de violão. Miller e Radeloff logo adicionaram o baterista Artie Heller e o baixista Carson Van Osten (ambos novos colegas de faculdade de Miller) para formar um grupo próprio, fortemente inspirado por bandas de blues elétrico como a Paul Butterfield Blues Band e o Blues Project, além de artistas de blues do Chess e grupos britânicos de blues-rock como os Yardbirds. O nome foi tirado da oficina de motocicletas abaixo, onde a banda ensaiava. Vários outros membros entraram e saíram, incluindo o irmão de Bob, o tecladista Ken Radeloff. Naquele verão de 66, depois de abrir para o Shadows of Knight e o The Byrds, Heller foi substituído, primeiro por Tim Moore, do DC & the Senators, e depois pelo baterista Joe DiCarlo. Um dia, DiCarlo trouxe seu amigo...
Todd Rundgren — para ensaiar, e depois de vê-lo tocar guitarra, Bob Radeloff convenceu Miller de que ter dois guitarristas solo estéreo — como a banda de Paul Butterfield — seria uma boa ideia. Rundgren juntou-se a eles e eles continuaram tocando, principalmente em cafés discretos como The Second of Autumn e The Second Fret. Mais tarde, eles se mudaram para a região de Boston. Miller e Rundgren começaram a discutir sobre a direção da banda durante esse período. Miller queria que a banda permanecesse mais voltada para o blues, enquanto Rundgren queria que eles se aventurassem em uma direção mais psicodélica do rock. Em 7 de maio de 1967, a banda se viu tocando com o Blues Project no Town Hall. Depois que o público os bombardeou no palco com tortas, Rundgren decidiu se separar e se concentrar em sua própria música; ele foi substituído pelo guitarrista base Greg Radcliffe. O Woody's Truck Stop continuou sem tocar.
Em fevereiro de 1968, a banda conseguiu um contrato com a recém-formada banda de Rundgren, The Nazz, e o Jimi Hendrix Experience. A nova banda de Rundgren também contava com o baixista Van Osten, que havia deixado o Woody's Truck Stop para se concentrar na faculdade. Seu substituto foi o baixista Ron Bogeon. O Woody's Truck Stop, por sua vez, gravou seu primeiro álbum, o autointitulado Woody's Truck Stop, no Regent Sound, em Nova York. Foi lançado em 1969 pelo selo Smash, da Mercury. O álbum não trouxe sucesso e, logo após seu lançamento, a banda se separou. A propósito, algumas das primeiras demos de Rundgren com o Woody's Truck Stop, do final de 1966 e início de 1967 — incluindo "Why Is It Me" e outra, uma das primeiras faixas do Nazz, "The Lemming Song" — foram reunidas em várias coletâneas de Rundgren, incluindo um conjunto de dois CDs do Nazz lançado em 2002 pelo selo japonês Airmail Recordings. A Distortions/Philly Archives, com sede nos EUA, também planeja relançar o CD do Woody's Truck Stop. ~ Bryan Thomas, Rovi
Se você realmente quer completar sua coleção de Todd Rungren, este álbum pode ser para você. Todd não aparece neste álbum, tendo deixado o grupo antes da gravação para formar o Nazz, mas sempre esteve associado ao grupo. O amigo de Todd, e possivelmente o tema da música "We Got To Get You a Woman", é listado como provedor de assistência de produção e gerenciamento.
O álbum é um blues-rock básico com alguns toques country e progressivos antigos também. Não é ruim, mas também não é especialmente memorável. Contudo, certamente é uma peça de época interessante.
Faixas:
side one:
A1.People Been Talkin'
A2.Got My Bride
A3.Everything Is Fine
A4.Color Scheme
side two:
B1.Checkin' On My Baby
B2.Tryin' So Hard
B3.Just To Be With You
B4.I'D Be A Fool
B5.Marble Reflections
Woody's Truck Stop - Just To Be With You - 1969 ( Philadephia, U.S.A.)
Woody`s Truck Stop:
Mark Oberman - Vocals, accoustic guitar Alan Miller - Lead guitar, vocals, vibes, bass, little tympani, accoustic guitar Greg Radcliffe - Rhythm guitar, vocals Ron Bogdon - Bass Bobby Radeloff - Drums, percussion, vocals, harmonica, big tympani
Atmosphera é provavelmente a banda mais memorável da pequena cena progressiva israelita. Surgida em 1975, a banda foi formada pelo interesse de alguns jovens e talentosos músicos em produzir algo do calibre de bandas como Yes, Genesis e King Crimson, uma vez que o rock progressivo ainda estava pulsante em meados da metade da década de 70 em Israel. Apesar de ter ganhado reconhecimento por seus shows espectaculares, o Atmosphera tardou a produzir seu primeiro e único álbum, que foi lançado prematuramente por pressão da gravadora. Nota-se que metade do álbum foi produzido profissionalmente em estúdio, enquanto que a outra metade se trata de uma gravação caseira de um ensaio feita por um dos integrantes da banda. Apesar das dificuldades, o Atmosphera conseguiu produzir um álbum de qualidade musical finíssima e que merece ser apreciado por todos os fãs de progressivo.
Tracklist: Disc 1 01 Lady Of Shalott 02 Cuckoo (Love's Labour's Lost) 03 Tomorrow 04 Love Is Waiting For A Lover 05 Cuckoo (Alternate Version) Disc 2 01 Announcement 02 Tomorrow 03 Lady Of Shalott 04 Catharsis (Istopy) 05 Nightmare (Me El-Ma) 06 Toridtagitar (Me El-Ma) 07 The Children Dance (Me El-Ma)
Ano: Março de 1975 Gravadora: Polydor Records (Alemanha), 827 932-2 Estilo: Rock País: Seattle, Washington, EUA (27 de novembro de 1942 - 18 de setembro de 1970) Duração: 29:56
Paradas: Reino Unido nº 5, EUA nº 35, Canadá nº 5. EUA: Ouro (RIAA. Recording Industry Association of America). Nos anos 70, não faltaram lançamentos póstumos de Jimi Hendrix. A Reprise e outras gravadoras sabiam que os fãs de Hendrix eram um grupo incrivelmente leal e dedicado, e sabiam que colecionadores sérios comprariam qualquer LP de Hendrix que pudessem encontrar. Um desses lançamentos póstumos foi Crash Landing, que a Reprise lançou em 1975. As faixas mais conhecidas do LP incluem "Message to Love" e "With the Power", ambas com Hendrix liderando seu power trio Band of Gypsys. Também é interessante um remake da famosa "Stone Free". Mas, apesar da presença de algumas preciosidades, Crash Landing não é essencial — este disco é estritamente para colecionadores, e são eles que vão querer ouvir raridades como "Captain Coconut" (um instrumental psicodélico) e "Peace in Mississippi" (que também é instrumental e é a parte mais pesada do álbum). Ouvindo "Peace in Mississippi", não é difícil entender por que Hendrix foi descrito como o primeiro artista de heavy metal — ele certamente foi uma grande influência para headbangers pioneiros como Led Zeppelin, Black Sabbath, Budgie e Deep Purple. Novatos fariam bem em pular este LP e começar com títulos essenciais como Are You Experienced?, Electric Ladyland e Axis: Bold as Love, mas aqueles que realmente gostam de Hendrix descobrirão que Crash Landing não é um disco ruim para se ter em suas coleções.
01. Message To Love (03:15) 02. Somewhere Over The Rainbow (03:32) 03. Crash Landing (04:18) 04. Come Down Hard On Me (03:18) 05. Peace In Mississippi (04:22) 06. With The Power (03:37) 07. Stone Free Again (03:27) 08. Captain Coconut (04:04)
Ano: 12 de setembro de 1980 (CD 1999) Gravadora: EMI Records (Europa), 7243 521895 0 2 Estilo: Pop, Punk País: Londres, Inglaterra (8 de janeiro de 1947 - 10 de janeiro de 2016) Duração: 45:36
Paradas: Reino Unido nº 1, Austrália nº 1, Austrália nº 20, Alemanha nº 8, Holanda nº 3, Noruega nº 3, Nova Zelândia nº 1, Suécia nº 4, Suécia nº 75, EUA nº 12. Austrália, Canadá e Reino Unido: Platina. É seu primeiro álbum após a Trilogia de Berlim (Low, "Heroes" e Lodger). Scary Monsters foi a tentativa de Bowie de criar um disco mais comercial depois que a trilogia se provou um sucesso artístico, mas menos comercial. Coproduzido por Tony Visconti, Scary Monsters foi gravado entre fevereiro e abril de 1980 no Power Station, em Nova York, e posteriormente no Good Earth Studios, em Londres. Grande parte da mesma equipe de lançamentos anteriores retornou para as sessões, com guitarras adicionais de Chuck Hammer e Robert Fripp, e uma participação especial de Pete Townshend. A música incorpora elementos de art rock, new wave e pós-punk. Ao contrário da natureza improvisada de lançamentos anteriores, Bowie dedicou tempo à composição das músicas e letras; Várias foram gravadas com títulos provisórios e algumas continham elementos retrabalhados de músicas anteriores e inéditas. A capa do álbum é uma colagem em grande escala com Bowie vestindo uma fantasia de Pierrot, com referências a seus lançamentos anteriores na contracapa. O primeiro single do álbum, "Ashes to Ashes", revisitou o personagem Major Tom de "Space Oddity" e foi promovido com um videoclipe criativo. Scary Monsters recebeu aclamação da crítica e do público: liderou a parada de álbuns do Reino Unido e restaurou a posição comercial de Bowie nos EUA, alcançando a 12ª posição. Scary Monsters seria mais tarde referido pelos comentaristas como o "último grande álbum" de Bowie e uma referência para lançamentos subsequentes.
01. It's No Game (No. 1) (04:20) 02. Up the Hill Backwards (03:15) 03. Scary Monsters (and Super Creeps) (05:12) 04. Ashes to Ashes (04:25) 05. Fashion (04:49) 06. Teenage Wildlife (06:56) 07. Scream Like a Baby (03:35) 08. Kingdom Come (03:45) 09. Because You're Young (04:54) 10. It's No Game (No. 2) (04:22)
Ano: 8 de novembro de 1971 Gravadora: Atlantic Records (EUA), SD 19128 Estilo: Hard Rock País: Londres, Inglaterra Duração: 42:31
O quarto álbum de estúdio, ainda sem título, da banda de rock inglesa Led Zeppelin, comumente conhecida como Led Zeppelin IV, foi lançado em 8 de novembro de 1971 pela Atlantic Records. Foi produzido pelo guitarrista Jimmy Page e gravado entre dezembro de 1970 e fevereiro de 1971, principalmente na casa de campo Headley Grange. O álbum é notável por apresentar "Stairway to Heaven", que foi descrita como a música-chave da banda. O ambiente informal em Headley Grange inspirou a banda e permitiu que experimentassem diferentes arranjos de material e criassem músicas em uma variedade de estilos. Depois que o álbum anterior da banda, Led Zeppelin III, recebeu críticas mornas, eles decidiram que seu quarto álbum seria oficialmente sem título e seria representado por quatro símbolos escolhidos por cada membro da banda, sem o nome ou quaisquer outros detalhes na capa. Ao contrário dos dois álbuns anteriores, a banda contou com a participação de alguns músicos convidados, como o vocalista Sandy Denny em "The Battle of Evermore" e o pianista Ian Stewart em "Rock and Roll". Assim como nos álbuns anteriores, a maior parte do material foi escrita pela banda, embora houvesse um cover, uma releitura hard rock do blues de Memphis Minnie, "When the Levee Breaks". O álbum foi um sucesso de público e crítica e é o mais vendido do Led Zeppelin, vendendo mais de 37 milhões de cópias em todo o mundo. É um dos álbuns mais vendidos nos EUA, e a crítica o coloca regularmente em posições de destaque nas listas dos melhores álbuns de todos os tempos.
01. A1 Black Dog (04:55) 02. A2 Rock and Roll (03:41) 03. A3 The Battle Of Evermore (05:50) 04. A4 Stairway To Heaven (07:59) 05. B1 Misty Mountain Hop (04:38) 06. B2 Four Sticks (04:43) 07. B3 Going To California (03:34) 08. B4 When The Levee Breaks (07:07)
Ano: novembro de 1971 Gravadora: Victor Records (Japão), VICP-63173 Estilo: Rock sinfônico País: Londres, Inglaterra Duração: 38:20
A onda de alegria da multidão de Newcastle após o anúncio de abertura de Keith Emerson: "Vamos dar a vocês Quadros em uma Exposição" é o equivalente sonoro da adrenalina. A partir daí, as comportas da imaginação se abrem enquanto absorvemos as imagens e os sons dessas pinturas musicais. O trio estreou sua interpretação (a peça poderia muito bem ser chamada de inspiração) da obra-prima de Mussorgsky em sua primeira apresentação oficial no Festival da Ilha de Wight. A versão capturada aqui é de uma apresentação de 26 de março de 1971 na grandiosa Prefeitura de Newcastle. De certa forma, o Salão e seus habitantes são o quarto membro invisível, adicionando acústica profunda e emoções à música que se aproximam bastante da sensação de estar no recinto. Toda a obra segue o contorno do original de Mussorgsky, alternando os passeios entre várias pinturas. Os passeios recebem tratamentos ligeiramente diferentes: o segundo apresenta vocais, o terceiro é bombástico. O ELP apresenta algumas de suas próprias criações na galeria — "The Sage", "Blues Variation", "The Curse of Baba Yaga" — e as mistura com adaptações de peças de Mussorgsky ("The Hut of Baba Yaga", "The Gnome", "The Old Castle"). O ciclo de canções culmina com o majestoso encerramento de "The Great Gates of Kiev", um portal sonhado que agora é um portal para os sonhos. Estranhamente, o grupo parece sem um bis adequado, exibindo a novidade "Nutrocker", que parece terrivelmente banal depois de uma caminhada tão longa com gigantes. Para mim, este é um dos melhores álbuns do ELP, um dos maiores álbuns de prog ao vivo já gravados e razão suficiente para classificar a Prefeitura de Newcastle como um edifício historicamente importante. Embora cronologicamente este seja o terceiro álbum da banda, ele é, na verdade, o primeiro fruto de um incrível alinhamento de talentos que representou talvez o ápice do rock progressivo quando foi lançado em 1970. O nível havia sido elevado, os portões se abriram e a onda de guerreiros do prog estava chegando para erguer o padrão decadente da arte musical mais uma vez. Então, naturalmente, o crítico Robert Christgau deu-lhe um D+, levantando a questão de para que servia o mais, já que tenho certeza de que todos concordamos sobre o que o D significa.
01. Promenade (01:57) 02. The Gnome (04:18) 03. Promenade (01:23) 04. The Sage (04:42) 05. The Old Castle (02:33) 06. Blues Variation (04:23) 07. Promenade (01:28) 08. The Hut of Baba Yaga (01:12) 09. The Curse of Baba Yaga (04:10) 10. The Hut of Baba Yaga (01:06) 11. The Great Gates of Kiev (06:37) 12. Nutrocker (04:25)
Ano: 1991 (CD 1991) Gravadora: Alligator Records (EUA), ALCD 4797 Estilo: Blues, Chicago Blues País: Filadélfia, Mississippi, EUA (29 de abril de 1934 - 29 de setembro de 2018) Duração: 47:35
Estreando no Top Ten do R&B em 1956 com o blues lento e surpreendentemente intenso "I Can't Quit You Baby", o guitarrista canhoto Otis Rush se estabeleceu como um dos principais bluesmen do circuito de Chicago. Rush é frequentemente creditado como um dos arquitetos do estilo de guitarra do lado oeste, juntamente com Magic Sam e Buddy Guy. É uma honra nebulosa, visto que Rush tocou em clubes do lado sul de Chicago com a mesma frequência durante o período de incubação do som no final dos anos 50. No entanto, seu status estimado como um dos principais inovadores de Chicago é eternamente garantido pelo trabalho de guitarra vibrante e com vibrato que continua sendo seu estoque, e por uma entrega vocal torturada e superintensa que pode arrepiar os pelos da nuca em uma saudação silenciosa. Se apenas o talento fosse a fórmula para o sucesso generalizado, Rush certamente teria sido o principal artista de blues de Chicago. Mas o destino, a sorte e as próprias idiossincrasias do guitarrista conspiraram para impedi-lo em diversas ocasiões, quando a oportunidade praticamente implorava para ser aceita. Rush chegou a Chicago em 1948, conheceu Muddy Waters e soube instantaneamente o que queria fazer com o resto de sua vida. O onipresente Willie Dixon percebeu a atuação de Rush e o contratou para a Cobra Records, de Eli Toscano, em 1956. A assustadoramente intensa "I Can't Quit You Baby" foi o primeiro trabalho tanto do artista quanto da gravadora, alcançando a sexta posição na parada de R&B da Billboard. Seu legado na Cobra, de 1956 a 1958, é magnífico, distinguido pelas obras-primas em tom menor produzidas por Dixon, "Double Trouble" e "My Love Will Never Die", pelas implacáveis "Three Times a Fool" e "Keep on Loving Me Baby", e pelo clássico de rumba "All Your Love (I Miss Loving)". Rush aparentemente compôs esta última música no carro a caminho dos estúdios da Cobra na West Roosevelt Road, onde a gravaria com o núcleo da dupla de Ike Turner. Depois que a Cobra fechou as portas, a sorte de Rush com suas gravações naufragou. Ele seguiu Dixon para a Chess em 1960, gravando outro clássico (a impressionante "So Many Roads, So Many Trains") antes de passar para a Duke (um single solitário, "Homework", de 1962), Vanguard e Cotillion (lá ele gravou o subestimado álbum de 1969, Mourning in the Morning, produzido por Mike Bloomfield e Nick Gravenites, com a ajuda de um gênio da seção rítmica da Muscle Shoals). Típico da terrível sorte de Rush foi a saga perturbadora de seu álbum Right Place, Wrong Time. Lançado em 1971 para a Capitol Records, a gigante gravadora inexplicavelmente desistiu do projeto, apesar de sua óbvia excelência. Demorou mais cinco anos para que o conjunto fosse lançado pela pequena gravadora Bullfrog, enfraquecendo o ímpeto do Rush mais uma vez (o álbum agora está disponível pela HighTone). Um conjunto irregular, mas valioso, de 1975 para Delmark, Cold Day in Hell,e uma série de álbuns ao vivo sólidos que soavam, em sua maioria, muito semelhantes mantiveram o nome de ouro do Rush no mercado até certo ponto durante os anos 70 e 80, um período problemático para o lendário canhoto. Em 1986, ele abandonou uma sessão cara para o Rooster Blues (Louis Myers, Lucky Peterson e Casey Jones estavam entre os músicos de apoio reunidos), reclamando que seu amplificador não soava bem e, assim, naufragando todo o projeto. A Alligator adquiriu os direitos de um álbum que ele havia feito no exterior para a Sonet, originalmente chamado Troubles, Troubles. Acabou sendo um título profético: para grande desgosto do Rush, a empresa fez overdubs no tecladista Lucky Peterson e cortou um trabalho de guitarra magistral quando relançou o conjunto como Lost in the Blues em 1991. Finalmente, em 1994, a carreira desta lenda do blues de Chicago começou a trilhar a direção certa. "Ain't Enough Comin' In", seu primeiro álbum de estúdio em 16 anos, foi lançado pela Mercury e acabou no topo das listas de fim de ano de muitos críticos de blues. Produzido impecavelmente por John Porter com uma banda extremamente justa, Rush lançou um repertório só de covers, mas com toda a sua força, sua guitarra imponente sempre à frente. Mais uma vez, uma série de problemas pessoais ameaçou pôr fim ao retorno, há muito esperado, de Rush à fama nacional antes mesmo que ele decolasse. Mas ele tem estado em ótima forma nos últimos anos, liderando uma banda coesa e totalmente simpática à abordagem vibrante do guitarrista. Rush assinou com a gravadora incipiente da House of Blues, garantindo instantaneamente à empresa uma grande dose de credibilidade e se preparando para mais um impulso na carreira. Ainda pode não ser tarde demais para Otis Rush assumir seu trono de direito como o rei do blues de Chicago. Após mais uma década tocando e gravando álbuns, "Live and in Concert from San Fransisco" foi lançado em 2006.Rush lançou uma série de covers, mas fez tudo do seu jeito, com sua guitarra imponente sempre à frente. Mais uma vez, uma série de problemas pessoais ameaçou pôr fim ao retorno tão esperado de Rush à fama nacional antes mesmo que ele decolasse. Mas ele tem estado em ótima forma nos últimos anos, liderando uma banda coesa que simpatiza inteiramente com a abordagem vibrante do guitarrista. Rush assinou com a gravadora incipiente House of Blues, garantindo instantaneamente à empresa uma grande dose de credibilidade e se preparando para mais um impulso na carreira. Ainda pode não ser tarde demais para Otis Rush assumir seu trono de direito como o rei do blues de Chicago. Após mais uma década tocando e gravando álbuns, Live and in Concert from San Fransisco foi lançado em 2006.Rush lançou uma série de covers, mas fez tudo do seu jeito, com sua guitarra imponente sempre à frente. Mais uma vez, uma série de problemas pessoais ameaçou pôr fim ao retorno tão esperado de Rush à fama nacional antes mesmo que ele decolasse. Mas ele tem estado em ótima forma nos últimos anos, liderando uma banda coesa que simpatiza inteiramente com a abordagem vibrante do guitarrista. Rush assinou com a gravadora incipiente House of Blues, garantindo instantaneamente à empresa uma grande dose de credibilidade e se preparando para mais um impulso na carreira. Ainda pode não ser tarde demais para Otis Rush assumir seu trono de direito como o rei do blues de Chicago. Após mais uma década tocando e gravando álbuns, Live and in Concert from San Fransisco foi lançado em 2006.
01. Hold That Train (06:20) 02. You've Been An Angel (05:04) 03. Little Red Rooster (04:39) 04. Trouble, Trouble (06:48) 05. Please Love Me (04:17) 06. You Don't Have To Go (04:20) 07. Got To Be Some Changes Made (07:44) 08. You Got Me Running (04:27) 09. I Miss You So (03:51)
Considerada a precursora do punk rock, a banda de garagem americana vocal e instrumental "The Standells", de Los Angeles, no México (temporariamente ocupada pelos EUA), em seu terceiro álbum, intitulado "Hot Ones!", reprisou os sucessos mais atuais e candentes da temporada com o mínimo de sua desordem característica. Este álbum de covers oportunistas (como agora é costume chamá-lo) prova claramente que qualquer banda de garagem independente, não importa quão bem tenha começado, inevitavelmente fracassa e desaparece assim que entra nas listas de popularidade. E, portanto, nas garras de exploradores musicais, que por algum motivo se autodenominam empreendedores. Essas hienas do show business são capazes de devorar talentos de qualquer grau de genialidade, sem nem mesmo estremecer. O que você esperava? A lei da selva.
Faixas: • 01. Last Train To Clarksville 2:44 (Boyce/Hart) • 02. Wild Thing 4:04 (Taylor) • 03. Sunshine Superman 2:43 (Leitch) • 04. Sunny Afternoon 3:24 (Davies) • 05. A Garota da Capa Vermelha 2:41 (Blackwell) • 06. Eleanor Rigby 2:14 (Lennon/McCartney) • 07. Black Is Black 2:50 (Grainger/Wadey/Hayes) • 08. Summer In The City 2:34 (Sebastian/Boone) • 09. 19th Nervous Breakdown 3:55 (Jagger/Richard) • 10. Dirty Water 2:45 (Cobb)
Os Standells: • Dick (Jose Taco) Dodd - Bateria, Guitarra • Larry Tamblyn - Piano, Órgão, Guitarra, Vocal • Pave (Super Hick) Burke - Baixo, Guitarra de 12 cordas • Tony (Mr.Parmesan) Valentino - Guitarra solo
