Adriana Calcanhotto nos cativa mais uma vez com seu álbum O micróbio do samba , um álbum que nos transporta ao coração da música popular brasileira por meio de belas melodias e rimas originais. Um micróbio com o qual ela diz ter nascido é uma trilha sonora constante em sua vida; mas o samba ao qual Calcanhotto dedica seu álbum é um samba por si só, longe dos ritmos frenéticos das grandes escolas de samba. Adriana diz que o título vem de uma citação do compositor gaúcho Lupicínio Rodrigues (1914–1974): “Lupicínio Rodrigues foi expulso do Colégio San Sebastián depois de apenas uma semana de aulas”, diz o encarte do álbum. “O motivo: ele passava o tempo todo tocando percussão na aula e cantando músicas que ninguém entendia.” Aqui está a citação: "Veja bem, desde pequena, eu tenho o micróbio do samba no sangue, aquele micróbio que cresceu comigo e se recusa a me deixar; quanto mais velha fico, mais ele se apega a mim ." Calcanhotto assina abaixo da citação de Rodrigues: ela também está infectada. Em entrevista em São Paulo, ela explicou: "Eu não sou sambista. Sou alguém contaminada por esse micróbio. Ele estava incubado, implícito e sub-reptício nos outros discos. Mesmo quando eu fazia baladas e tangos, dava para perceber que o samba estava lá." Assim, o samba de Calcanhotto é suave, doce e despojado, um tanto lânguido às vezes, carregado de piscadelas em seus jogos de palavras e melodia.
O violão é a base das músicas do disco. Um violão entendido como o de João Gilberto, que moderniza o samba e transforma tudo em samba. E todas as músicas são de sua autoria, começando anos atrás com "Vai saber?", samba que Marisa Monte gravou para Universo ao meu redor e que Adriana reviveu para seu disco. Ela também faz um cover de "Beijo sem", que escreveu para a sambista Teresa Cristina. Uma obra elegante em que toca violão, piano e cuíca, e na qual é acompanhada por Domênico Lancellotti (percussão) e Alberto Continentino (baixo), que já haviam participado de discos anteriores. Também participam Rodrigo Amarante (violão), Davi Moraes e Nando Duarte (cavaquinho e violão) e Moreno Veloso (percussão). Canções que passeiam pelo universo rítmico e poético do samba — ou, como se diz no Brasil, samba —, mas que se desviam da tradição rítmica e lírica. Letra sob uma perspectiva feminina e irônica: "Mais que um disco de samba, é um disco meu. Não me tornei sambista com ele; prefiro continuar sendo uma impostora musical." Resumindo, um álbum leve e silencioso, um “samba” que acalma e realça ainda mais a voz clara desta inconfundível e encantadora cantora.
tracklist : 01. Eu Vivo A Sorrir 02. Aquele Plano Para Me Esquecer 03. Pode Se Remoer 04. Mais Perfumado 05. Beijo Sem 06. Já Reparô? 07. Vai Saber? 08. Vem Ver 09. Tão Chic 10. Deixa, Gueixa 11. Você Disse Não Lembrar 12. Tá Na Minha Hora
Spiro é um grupo que desafia categorizações. Seu mérito reside em desenvolver algo inteiramente distinto, impressionante e belo. Um quarteto que toca violino, bandolim, acordeão, violão e violoncelo, eles fazem uso de melodias tradicionais inglesas em muitas de suas composições complexas. Mas eles não são uma banda folk tradicional. Influências tradicionais são "aprisionadas" (uma de suas palavras favoritas) em um estilo rítmico elaborado, aplicando o rigor modernista de compositores como Philip Glass. Não há improvisação nem trabalho solo; cada peça foi cuidadosamente elaborada com antecedência, com melodias e riffs alternando entre os diferentes instrumentos. Assim como em seus dois trabalhos anteriores, Pole Star (1997) e Lightbox (2009), Kaleidophonica toma como ponto de partida melodias tradicionais do noroeste da Inglaterra, temas e variações em complexidade rítmica e melódica com influências da música clássica e minimalista. A influência dessas formas contemporâneas fica clara na maneira como os quatro membros da banda usam instrumentos acústicos para criar ritmos requintados, mas Spiro não reinventa simplesmente o tradicional; ele descobre estruturas harmônicas que provavelmente estavam sempre esperando para serem redescobertas.
Faixas como "Rose Engine" e "Softly Robin" explodem como cascatas estremecedoras de notas; "The City and the Stars" pinta um quadro da metrópole à noite. A partir dessa base tradicional, Spiro desenvolve novas construções, composições tipicamente agridoces como a pungente "We Will Be Absorbed". Evocando uma bela melancolia tradicionalmente inglesa, mas totalmente atual, Spiro é uma raridade: "verdadeiros originais ingleses", o som de uma jornada pelas colinas e planícies verdejantes da Inglaterra.
Lo´Jo , grupo francês e um dos mais prestigiados artistas de "fusão global" do mundo, celebra trinta anos de carreira com o lançamento do álbum Cinéma el Mundo (2012). Quinze peças que são "a projeção da vida na tela grande. Não o mundo da música, mas um mundo repleto de imagens, cores, sons e histórias " . Fundado em Anger (uma região pacífica localizada no oeste da França) por Denis Péan e o violinista Richard Bourreau, o Lo´Jo desenvolve desde 1982 um projeto baseado em chanson francesa, dub reggae, sons árabes, africanos e balcânicos, com uma sensibilidade poética e jazzística.
Cinéma le Monde é o décimo terceiro álbum do grupo e reúne experiências de suas viagens pelo mundo: do sul do Saara — onde organizaram o primeiro Festival do Deserto em 2001, lançando a banda tuaregue Tinariwen — ao Cáucaso e à Ilha da Reunião (Oceano Índico), passando por cidades de vários continentes, incluindo Agadir, Adelaide, Chicago, Nova York, Buenos Aires e Katmandu. Como o título sugere, o álbum apresenta a vida em ritmo cinematográfico em uma produção única, com um arranjo sonoro que captura o brilho melódico e o calor de ritmos de todo o mundo, bem como a ternura de suas letras e a profundidade de uma poesia que ecoa os tempos. Somam-se a isso a perfeição de suas vozes e instrumentos, e as contribuições de artistas como Robert Wyatt, Vincent Segal e Ibrahim, do Tinariwen. Peças luminosas, ritmos quentes, melodias que envolvem a poesia das palavras... O resultado: um álbum inesquecível.
tracks list 01. At the Beginning 02. Tout est fragile 03. La Marseillaise en créole 04. Deux Bâtons 05. Magnétik 06. Au temps qui passe 07. Cinema El Mundo 08. Zetwal 09. Alger 10. Lila 11. El cabo blanco 12. Comète algébrique 13. Vientiane 14. African Dub crossing The Fantôms of an Opera 15. Au début
Quantas vezes descobrimos percursos de músicos e já as suas carreiras contam com alguns discos à nossa frente?… Há dois anos, por exemplo, dei por mim a acertar o passo com uma banda de Brooklyn que ia no terceiro passo mas que, naquele momento, chegava aos meus ouvidos com o sabor da descoberta. E que descoberta! Na berlinda estava então “Strange Disciple”, terceiro álbum num percurso que tomava heranças da pop electrónica e de escolas indie dos anos para, num rumo diferente aos das rotas da nostalgia, procurar definir uma identidade que procurava então juntar mais tensão, sombras e significados a uma música que então se destacava, mais do que nos dois álbuns anteriores, dos ecos diretamente herdados da new wave e da pop dos oitentas.
Convenhamos que era natural que esse tivesse sido o seu ponto de partida, até porque a ideia na base do percurso dos Nation Of Language começou a ganhar forma no dia em que Ian Devaney reencontrou uma velha cassete do pai que em tempos fazia a banda sonora das viagens de carro em família. Os OMD, que ali se ouviam, semearam então a genética que, ao convocar Michael Sue-Poi, o conduziu ao núcleo inicial do qual nasceriam os Nation of Language.
Agora seis anos depois de um álbum de estreia ainda profundamente marcado pelos ecos diretos do berço da ideia, os Nation of Language assinam em “Dance Called Memory” um álbum que confirma em pleno os sinais de transição já ensaiados em “Strange Disciple”. Sem perderem as marcas de uma identidade desenhada por um fascínio pelos sons das electrónicas dos oitentas, juntam às canções o discreto músculo de um baixo de escola Joy Division e também guitarras que por vezes emergem com maior evidência, fazendo pontes com heranças de uns My Bloody Valentine (mas com uma corrente de menor amperagem). São mais eles mesmos e não uma soma da música que os ensinou a ser quem são. A voz continua fiel às palavras que sublinham o tom melancólico que cruza o disco, em canções com cenografia mais elaborada e produção mais apurada. Elegância é palavra que se ajuste que nem uma luva a canções como “Silhouette” ou “Inept Apollo”, duas pérolas entre um alinhamento que faz deste um dos mais recomendáveis títulos vindos este ano de terreno indie.
“Dance Called Memory”, dos Nation Of Language, está disponível em LP, CD e Nad plataformas digitais, numa edição da Sub Pop
A única coisa incrível na maioria dos supergrupos é o título. Bad Company foi uma exceção. Juntos, o vocalista do Free, Paul Rodgers, o guitarrista do Mott the Hopple,Mick Ralphs, o baterista do Free, Simon Kirke, e o baixista do King Crimson,Boz Burrel, formaram uma das melhores bandas britânicas da década de 1970. O tipo de rock em que se especializaram foi sempre quente, pesado e pesado. Não havia excessos, nem truques de produção e, Deus nos livre, nenhuma referência ao prog. Era rock and roll em sua forma mais elementar, com uma ameaça agitada e um machismo arrogante que acabou definindo o rock dos álbuns dos anos 70. Estas são as 10 melhores músicas do Bad Company de todos os tempos.
10. Burnin’ Sky
Logo no estrondo inicial, Burnin' Sky chia com uma ameaça sombria e sinistra. A letra foi, na verdade, escrita às pressas: Paul Rodgers chegou ao estúdio com acordes e algumas ideias básicas para o refrão, mas ainda não tinha escrito uma palavra para acompanhá-los. A banda gravou a música em uma única tomada e Rodgers foi inventando a letra à medida que avançava. Nas mãos de uma banda menor, isso poderia ter sido desastroso. Nas mãos da Bad Company, foi épico.
9. Electricland
Comparado aos seus trabalhos anteriores, o último álbum do quarteto original, Rough Diamonds, foi uma decepção. Mas não na íntegra – explore a escória e ainda encontrará muitas preciosidades a serem exploradas. Electricland é um sucesso descontraído, com uma performance suave de Rodgers e uma guitarra maravilhosamente suave de Mick Ralphs. A banda nunca conseguiu replicar o sucesso dos anos 70 depois disso, mas foi mágico enquanto durou.
8. Silver, Blue and Gold
Como observa o ultimateclassicrock.com , "Silver, Blue and Gold" pode nunca ter sido lançado como single, mas isso não o impediu de se tornar um favorito dos fãs. O tema da letra pode ser um pouco previsível (amor bom se torna ruim, amante rejeitado anseia por um retorno aos bons tempos), mas não há nada de previsível na voz comovente de Rodger.
7. Ready For Love
Ready for Love foi gravada pela primeira vez por Mick Ralphs durante sua época com o Mott the Hoople. A versão do Bad Company é mais melancólica e machista que a original, com Rodgers injetando muita arrogância nas letras com sua voz soul. Como todas as melhores músicas do Bad Company, Ready For Love é um exercício de simplicidade. Não há jams enroladas nem floreios desnecessários – é apenas o som de quatro caras indo direto ao ponto e entregando um rock and roll clássico e direto .
6. Good Lovin’ Gone Bad
Good Lovin' Gone Bad é uma peça estridente e comovente de rock and roll sobre a confusão de se estar em um relacionamento com uma mulher volúvel. Transbordando arrogância de bar, traz alguns cantos incrivelmente comoventes de Rodgers e alguns riffs igualmente eficazes de Ralphs. Lançada como faixa principal e primeiro single do segundo álbum do Bad Company, Straight Shooter, consolidou a reputação da banda como rock good e provou que, independentemente do que seu álbum de estreia tenha sido, não foi um acaso.
5. Rock ‘N’ Roll Fantasy
"Rock 'N' Roll Fantasy" é um pouco descolado, um pouco chamativo e extremamente afiado. Escrito sobre a vida de um astro do rock and roll, não rendeu à banda a posição mais alta nas paradas, mas acabou vendendo mais cópias do que qualquer outro single, recebendo disco de ouro pela RIAA.
4. Can’t Get Enough
Como escreve o Louder Sound , Can't Get Enough é uma das músicas mais reconhecidas tanto da carreira do Bad Company quanto da época em que ele surgiu. A primeira música do primeiro álbum da banda nos apresentou a uma banda que soava tão confiante em suas habilidades quanto Rodgers em conquistar a garota ("bem, eu pego o que eu quiser / e baby, eu quero você"). Construída em torno de uma melodia clássica de blues, um riff arrastado e um vocal impecável, ela deu à banda sua posição mais alta nas paradas e uma de suas músicas mais populares e duradouras.
3. Shooting Star
Como escreve o rocksoffmag.com , "Shooting Star" nunca foi lançada como single, mas ainda assim se tornou uma das músicas mais populares da banda. Escrita numa época em que o vício ceifava cada vez mais vidas na indústria musical, muitas vezes em uma idade tragicamente jovem, a canção narra a ascensão e queda de um astro do rock, uma estrela cadente cuja luz se apaga por uma garrafa de uísque e alguns comprimidos para dormir
2. Feel Like Makin’ Love
Straight Shooter produziu uma tonelada de sucessos, com Feel Like Makin' Love classificado como um dos maiores e melhores. Rodgers havia começado a escrever a letra anos antes, enquanto ainda estava em turnê com o Free. Quando a tocou para o resto da banda, Mick Ralphs adicionou um padrão de guitarra estupendo que instantaneamente transformou a música de uma balada country comum em um rock de tirar o fôlego. Lançada em 1975, rendeu à banda a 10ª posição nos EUA e a 20ª no Reino Unido.
1. Bad Company
Há muito tempo correm rumores de que Paul Rodgers batizou Bad Company em homenagem ao filme homônimo de Jeff Bridges. Segundo o próprio autor, a inspiração veio de um livro de moral vitoriana, que mostra a imagem de uma criança olhando para um vagabundo encostado em um poste de luz, com a legenda "cuidado com as más companhias". Rodgers achou que seria um bom nome para uma banda; o empresário e a gravadora discordaram. Rodgers finalmente conseguiu o que queria. Em uma espécie de homenagem discreta aos figurões que disseram que era um "nome terrível", ele também decidiu usá-lo como título para o álbum de estreia da banda e sua música principal. Com seu tema western e sua icônica abertura de piano, Bad Company rapidamente se tornou a música característica da banda. Foi quase monumental, criando um novo modelo para o blues-rock que ressoa tanto hoje quanto em 1975.
