Arifa significa "mulher bonita, brilhante, cheia de sabedoria" em árabe. E Anatolian Alchemy é o segundo álbum deste grupo holandês, "uma ponte sonora entre o Oriente e o Ocidente". A tradição musical do Oriente Médio e dos Bálcãs se mistura com o jazz mais contemporâneo. Um álbum que respira o vento, o espaço, o tempo e o infinito. Beyond Babylon (2010) foi seu álbum de estreia, aclamado internacionalmente pela crítica. O segredo do Arifa reside na química criativa entre seus quatro membros. Vindos da Romênia, Turquia, Holanda e Alemanha, sua música é tão diversa quanto suas origens, transitando da tradição turca e balcânica ao jazz e à música clássica.
O resultado é maior que a soma das partes, uma jornada ao reino mágico da imaginação. Uma obra com uma qualidade onírica e uma evocação de paisagens sonoras exuberantes, ricas em detalhes e mudanças sutis de ritmo e clima. Belíssimas composições (escritas por Alex Simu) executadas com absoluta precisão pelo quarteto, cada nota tocada serve ao todo. Um exemplo primoroso de interculturalidade.
Em sua terra natal, a África do Sul, o cantor, compositor e poeta Vusi Mahlasela é carinhosamente conhecido como "A Voz". Sua compatriota, a escritora Nadine Gordimer, disse certa vez sobre ele: "Vusi Mahlasela canta como um pássaro: em plena resposta ao fato de estar vivo ." Além de seu notável talento como compositor, Mahlasela foi abençoado com uma das vozes mais distintas da música contemporânea. Nascido e criado no gueto de Mamelodi, nos arredores de Pretória, desde a adolescência, Vusi Mahlasela testemunhou a crueldade do regime do Apartheid em seu país. De fato, ele testemunhou o massacre de Soweto em 1976, que o marcou profundamente e o levou a usar sua música como instrumento de protesto. Quando gravou seu primeiro álbum, na década de 1980, passou a ser monitorado pela polícia e sofreu prisões. Ele não tem permissão para se apresentar, mas não se importa; toca sua música em funerais, vigílias, manifestações... para fazer sua mensagem ser ouvida. Sua entrada no Congresso de Escritores Sul-Africanos em 1988 marcou um marco em sua maturidade artística. Além de iniciar sua colaboração com o poeta Lesego Rampolokeng, explorou o jazz e a música tradicional sul-africana, bem como a obra do cantor e compositor chileno Víctor Jara, que — em sua opinião — foi sua maior influência. Seu grande dia chegou quando foi convidado a participar do concerto que se seguiu à posse de Nelson Mandela como Presidente da África do Sul em 1994, onde interpretou "Thula Mama", dedicado a todas as mulheres sul-africanas e, especialmente, à sua avó (que o criou), que demonstrou uma coragem perturbadora diante da opressão policial durante a era do Apartheid. Vusi Mahlasela foi um líder na luta contra o apartheid e continua a defender a igualdade de todos os seres humanos. Suas canções falam de amor, paz, esperança, orgulho de quem se é e, claro, da luta pela liberdade, sem mencionar o perdão e a reconciliação.
"Say Africa" é o décimo primeiro álbum de sua carreira, uma coletânea de canções que falam de liberdade, revolução, amor e vida. Letras poéticas e otimistas também são interpretadas por Angélique Kidjo ("Nakupenda Africa"), JB Ntuli ("Umalume") e Taj Mahal ("In Anyway"), que também proporcionam uma bela produção. Um belo álbum com uma mensagem central capturada na letra de "Say Africa" (que Vusi Mahlasela interpretou no show de abertura da inesquecível Copa do Mundo de 2010): a nostalgia dos africanos que precisam viver fora de seu país, a grandeza do continente e o desejo por Ubuntu (paz) e esperança.
Adriana Calcanhotto nos cativa mais uma vez com seu álbum O micróbio do samba , um álbum que nos transporta ao coração da música popular brasileira por meio de belas melodias e rimas originais. Um micróbio com o qual ela diz ter nascido é uma trilha sonora constante em sua vida; mas o samba ao qual Calcanhotto dedica seu álbum é um samba por si só, longe dos ritmos frenéticos das grandes escolas de samba. Adriana diz que o título vem de uma citação do compositor gaúcho Lupicínio Rodrigues (1914–1974): “Lupicínio Rodrigues foi expulso do Colégio San Sebastián depois de apenas uma semana de aulas”, diz o encarte do álbum. “O motivo: ele passava o tempo todo tocando percussão na aula e cantando músicas que ninguém entendia.” Aqui está a citação: "Veja bem, desde pequena, eu tenho o micróbio do samba no sangue, aquele micróbio que cresceu comigo e se recusa a me deixar; quanto mais velha fico, mais ele se apega a mim ." Calcanhotto assina abaixo da citação de Rodrigues: ela também está infectada. Em entrevista em São Paulo, ela explicou: "Eu não sou sambista. Sou alguém contaminada por esse micróbio. Ele estava incubado, implícito e sub-reptício nos outros discos. Mesmo quando eu fazia baladas e tangos, dava para perceber que o samba estava lá." Assim, o samba de Calcanhotto é suave, doce e despojado, um tanto lânguido às vezes, carregado de piscadelas em seus jogos de palavras e melodia.
O violão é a base das músicas do disco. Um violão entendido como o de João Gilberto, que moderniza o samba e transforma tudo em samba. E todas as músicas são de sua autoria, começando anos atrás com "Vai saber?", samba que Marisa Monte gravou para Universo ao meu redor e que Adriana reviveu para seu disco. Ela também faz um cover de "Beijo sem", que escreveu para a sambista Teresa Cristina. Uma obra elegante em que toca violão, piano e cuíca, e na qual é acompanhada por Domênico Lancellotti (percussão) e Alberto Continentino (baixo), que já haviam participado de discos anteriores. Também participam Rodrigo Amarante (violão), Davi Moraes e Nando Duarte (cavaquinho e violão) e Moreno Veloso (percussão). Canções que passeiam pelo universo rítmico e poético do samba — ou, como se diz no Brasil, samba —, mas que se desviam da tradição rítmica e lírica. Letra sob uma perspectiva feminina e irônica: "Mais que um disco de samba, é um disco meu. Não me tornei sambista com ele; prefiro continuar sendo uma impostora musical." Resumindo, um álbum leve e silencioso, um “samba” que acalma e realça ainda mais a voz clara desta inconfundível e encantadora cantora.
tracklist : 01. Eu Vivo A Sorrir 02. Aquele Plano Para Me Esquecer 03. Pode Se Remoer 04. Mais Perfumado 05. Beijo Sem 06. Já Reparô? 07. Vai Saber? 08. Vem Ver 09. Tão Chic 10. Deixa, Gueixa 11. Você Disse Não Lembrar 12. Tá Na Minha Hora
Spiro é um grupo que desafia categorizações. Seu mérito reside em desenvolver algo inteiramente distinto, impressionante e belo. Um quarteto que toca violino, bandolim, acordeão, violão e violoncelo, eles fazem uso de melodias tradicionais inglesas em muitas de suas composições complexas. Mas eles não são uma banda folk tradicional. Influências tradicionais são "aprisionadas" (uma de suas palavras favoritas) em um estilo rítmico elaborado, aplicando o rigor modernista de compositores como Philip Glass. Não há improvisação nem trabalho solo; cada peça foi cuidadosamente elaborada com antecedência, com melodias e riffs alternando entre os diferentes instrumentos. Assim como em seus dois trabalhos anteriores, Pole Star (1997) e Lightbox (2009), Kaleidophonica toma como ponto de partida melodias tradicionais do noroeste da Inglaterra, temas e variações em complexidade rítmica e melódica com influências da música clássica e minimalista. A influência dessas formas contemporâneas fica clara na maneira como os quatro membros da banda usam instrumentos acústicos para criar ritmos requintados, mas Spiro não reinventa simplesmente o tradicional; ele descobre estruturas harmônicas que provavelmente estavam sempre esperando para serem redescobertas.
Faixas como "Rose Engine" e "Softly Robin" explodem como cascatas estremecedoras de notas; "The City and the Stars" pinta um quadro da metrópole à noite. A partir dessa base tradicional, Spiro desenvolve novas construções, composições tipicamente agridoces como a pungente "We Will Be Absorbed". Evocando uma bela melancolia tradicionalmente inglesa, mas totalmente atual, Spiro é uma raridade: "verdadeiros originais ingleses", o som de uma jornada pelas colinas e planícies verdejantes da Inglaterra.
Lo´Jo , grupo francês e um dos mais prestigiados artistas de "fusão global" do mundo, celebra trinta anos de carreira com o lançamento do álbum Cinéma el Mundo (2012). Quinze peças que são "a projeção da vida na tela grande. Não o mundo da música, mas um mundo repleto de imagens, cores, sons e histórias " . Fundado em Anger (uma região pacífica localizada no oeste da França) por Denis Péan e o violinista Richard Bourreau, o Lo´Jo desenvolve desde 1982 um projeto baseado em chanson francesa, dub reggae, sons árabes, africanos e balcânicos, com uma sensibilidade poética e jazzística.
Cinéma le Monde é o décimo terceiro álbum do grupo e reúne experiências de suas viagens pelo mundo: do sul do Saara — onde organizaram o primeiro Festival do Deserto em 2001, lançando a banda tuaregue Tinariwen — ao Cáucaso e à Ilha da Reunião (Oceano Índico), passando por cidades de vários continentes, incluindo Agadir, Adelaide, Chicago, Nova York, Buenos Aires e Katmandu. Como o título sugere, o álbum apresenta a vida em ritmo cinematográfico em uma produção única, com um arranjo sonoro que captura o brilho melódico e o calor de ritmos de todo o mundo, bem como a ternura de suas letras e a profundidade de uma poesia que ecoa os tempos. Somam-se a isso a perfeição de suas vozes e instrumentos, e as contribuições de artistas como Robert Wyatt, Vincent Segal e Ibrahim, do Tinariwen. Peças luminosas, ritmos quentes, melodias que envolvem a poesia das palavras... O resultado: um álbum inesquecível.
tracks list 01. At the Beginning 02. Tout est fragile 03. La Marseillaise en créole 04. Deux Bâtons 05. Magnétik 06. Au temps qui passe 07. Cinema El Mundo 08. Zetwal 09. Alger 10. Lila 11. El cabo blanco 12. Comète algébrique 13. Vientiane 14. African Dub crossing The Fantôms of an Opera 15. Au début
Quantas vezes descobrimos percursos de músicos e já as suas carreiras contam com alguns discos à nossa frente?… Há dois anos, por exemplo, dei por mim a acertar o passo com uma banda de Brooklyn que ia no terceiro passo mas que, naquele momento, chegava aos meus ouvidos com o sabor da descoberta. E que descoberta! Na berlinda estava então “Strange Disciple”, terceiro álbum num percurso que tomava heranças da pop electrónica e de escolas indie dos anos para, num rumo diferente aos das rotas da nostalgia, procurar definir uma identidade que procurava então juntar mais tensão, sombras e significados a uma música que então se destacava, mais do que nos dois álbuns anteriores, dos ecos diretamente herdados da new wave e da pop dos oitentas.
Convenhamos que era natural que esse tivesse sido o seu ponto de partida, até porque a ideia na base do percurso dos Nation Of Language começou a ganhar forma no dia em que Ian Devaney reencontrou uma velha cassete do pai que em tempos fazia a banda sonora das viagens de carro em família. Os OMD, que ali se ouviam, semearam então a genética que, ao convocar Michael Sue-Poi, o conduziu ao núcleo inicial do qual nasceriam os Nation of Language.
Agora seis anos depois de um álbum de estreia ainda profundamente marcado pelos ecos diretos do berço da ideia, os Nation of Language assinam em “Dance Called Memory” um álbum que confirma em pleno os sinais de transição já ensaiados em “Strange Disciple”. Sem perderem as marcas de uma identidade desenhada por um fascínio pelos sons das electrónicas dos oitentas, juntam às canções o discreto músculo de um baixo de escola Joy Division e também guitarras que por vezes emergem com maior evidência, fazendo pontes com heranças de uns My Bloody Valentine (mas com uma corrente de menor amperagem). São mais eles mesmos e não uma soma da música que os ensinou a ser quem são. A voz continua fiel às palavras que sublinham o tom melancólico que cruza o disco, em canções com cenografia mais elaborada e produção mais apurada. Elegância é palavra que se ajuste que nem uma luva a canções como “Silhouette” ou “Inept Apollo”, duas pérolas entre um alinhamento que faz deste um dos mais recomendáveis títulos vindos este ano de terreno indie.
“Dance Called Memory”, dos Nation Of Language, está disponível em LP, CD e Nad plataformas digitais, numa edição da Sub Pop
