1. Main Theme 05:04 2. The Whipping Of Christ 02:23 3. Eclipse 03:18 4. The Tomb 02:47 5. Intermezzo 01:55 6. The Mines 04:11 7. Arrival In Rome 01:48 8. Rome Afire 03:31 9. The Death Of Barabbas 03:00 10. Musical Examples 06:16
Barrabás é um filme épico religioso de 1961 que expande a carreira de Barrabás,
da narrativa da Paixão Cristã no Evangelho de Marcos e outros evangelhos.
Concebido como um grande épico romano, o filme foi baseado no romance homônimo de Pär Lagerkvist, vencedor do Prêmio Nobel, de 1950. O filme foi dirigido por Richard Fleischer .
e filmado em Verona e Roma sob a supervisão do produtor Dino De Laurentiis .
Incluía muitas cenas espetaculares, incluindo uma batalha de gladiadores em uma maquete da arena do estúdio de cinema Cinecittà ,
e uma cena de crucificação filmada em 15 de fevereiro de 1961, durante um eclipse total do sol. A trilha sonora é de Mario Nascimbene , regida por Franco Ferrara .
o notável maestro e palestrante sobre regência em várias academias internacionais famosas,
foi notado por seu componente experimental incomum e austero, que incluía a introdução de sons eletrônicos
alcançados pela manipulação da velocidade das fitas, como "novos sons". Mario Nascimbene (28 de novembro de 1913 – 6 de janeiro de 2002)
foi um dos compositores de trilhas sonoras de filmes italianos mais conhecidos do século XX.
Sua carreira durou seis décadas, período em que ele ganhou prêmios pelo conteúdo inovador de seu estilo de composição.
Ao longo de sua carreira, compôs trilhas sonoras para mais de 150 filmes. Nascimbene estudou composição e regência orquestral no Conservatório de Música " Giuseppe Verdi ", em Milão.
Sob a orientação de Ildebrando Pizzetti , após a formatura, escreveu diversas peças para música de câmara e balé. Foi contratado para compor a trilha sonora do filme " L'amore Canta" , de 1941.
por Ferdinando Maria Poggioli , e o sucesso deste filme abriu as portas de uma carreira inteiramente nova para ele.
Foi um dos poucos compositores na Itália cuja carreira se baseou em seu trabalho no cinema. Foi particularmente apreciado pela inovação revolucionária de incorporar os sons
de instrumentos não orquestrais como a harpa de boca ou a gaita, ruídos do dia a dia
(como o tique-taque de um relógio, o toque de uma campainha de bicicleta ou o tique-taque das máquinas de escrever em Roma às 11h ) em uma partitura musical,
com o propósito de destacar algumas cenas específicas do filme.
1. Intro 01:27 2. Anmut Des Kosmos 02:52 3. Schwarze Schwingen 03:15 4. Untermenschen 02:23 5. Kaos 04:37 6. Gift Der Götter 04:35 7. Der Dunkle Herrscher 02:02 8. Liebe Unter Willen 07:25 9. Totendämmerung 02:09 10. Herr Der Flammen 03:27 11. Outro 02:14
O Exorial foi criado em 1998 por Ruben Schmitt , também conhecido como Asmodeus (ex- Donnerkeil , ex- Sinnestäter ), como um projeto solo. No mesmo ano, ele lançou sua primeira demo, intitulada " Totendämmerung ( Die Vernichtung Der Lebensform Mensch )". De 1999 a 2002, o Exorial lançou três álbuns independentes e um split com o Kälte . O último sinal da banda foi em 2006, com o lançamento da coletânea em CD-R " Schwanengesang ".
que continha faixas retiradas de todos os lançamentos do Exorial .
O mais novo álbum de Todd Snider apresenta um homem destroçado cantando, ofegante, números esparsos, enquanto " High, Lonesome and Then Some" soa menos como um título de álbum e mais como o estado de espírito perpétuo de Snider ao longo dessas nove faixas. Conhecido por seu humor e composições perspicazes, Snider reduz tudo, entregando generalidades por meio de blues de estrada de terra com cascalho que às vezes parecem demos ou primeiras tomadas. Trabalhando com os produtores Aaron Lee Tasjan, Robbie Crowell e Joe Bisirri, o exasperado Snider emprega uma banda (Tasjan na segunda guitarra elétrica, Sterling Finlay no baixo elétrico e Robbie Crowell na bateria), mas a regula principalmente para um apoio minimalista ou para ficar à margem. Snider tenta um som pouco inspirado e menos musical...
...o figurino aventureiro de Tom Waits, apresentando "The Human Condition" com guitarra simples, percussão leve e backing vocals. O blues lento e calhambeque de "Unforgivable (Worst Story Ever Told)" e o estrondo despojado e falado de "One, Four Five Blues" parecem hesitantes até se esgotarem completamente. "It's Hard to Be Happy (Y Is for Redneck)" traz mais instrumentação para tentar melhorar o som, mas os vocais de Snider podem falhar em alguns momentos, mal alcançando o microfone. Essas letras, que eram a espinha dorsal das músicas de Snider, também parecem limitadas, como na versão monofônica de "Older Woman". A desequilibrada "Stoner Yodel #2 (Raelyn Nelson)" é intrigante, mas os vocais letárgicos mal se mantêm acordados nessa oscilação do blues.
O disco não é só sonolento; quando a banda completa se envolve, as músicas melhoram drasticamente. Coescrita com Chris Robinson, "While We Still Have A Chance" usa piano, um groove maravilhoso, guitarra distorcida e vocais de fundo florais com excelente efeito, resultando em um destaque excepcional do álbum. A faixa-título traz um toque country rock que funciona bem, enquanto a faixa que encerra o álbum, "The Temptation to Exist", permite que a banda se expanda um pouco, enquanto Snider segue seu próprio conselho e vive um pouco.
Snider foi duramente atingido nos últimos anos por términos de relacionamentos, graves problemas de saúde e a morte de vários amigos e mentores, incluindo Kris Kristtoferson, John Prine e Jimmy Buffett. Como uma mudança artística sombria em relação à sua vertente folk americana, o álbum é um produto completo, mas não muito envolvente. Todd Snider parece estar em transição com este disco. Esperamos que ele encontre o caminho de volta da fase " High, Lonesome and Then Some"
O quarto CD da notável série de gravações de trio de piano de Zorn explorando formas clássicas, Nocturnes é um deleite absoluto. Precedido por Suíte para Piano (2022), Baladas (2024) e Impromptus (2025), Nocturnes é a abordagem pessoal de Zorn à bela tradição da música noturna. Tocando Chopin, Scriabin, Debussy, Berg e outros, a música é um paraíso de sutileza — onírica, flutuante e absolutamente envolvente. Brian, Jorge e Ches, três dos colaboradores mais próximos e confiáveis de Zorn, se apresentam com sua interação telepática característica e um senso inusitado de surpresa e criatividade. Com um virtuosismo impressionante que está sempre a serviço da música, o trio abre novas portas a cada gravação sucessiva.
A música de Faten Kanaan tem uma qualidade transportadora difícil de definir. A repetição manual de sua abordagem — executando partes de teclado em loop inteiramente à mão — confere às suas composições eletrônicas um toque humano, assim como sua escolha de sons e timbres com viés orgânico. Mas há sempre algo sobrenatural nelas, uma abstração que sugere um mundo natural brilhando fora de alcance. Diary of a Candle , o sexto álbum de Kanaan e o terceiro pela gravadora indie britânica Fire Records, pode ser seu lançamento mais enigmático até o momento. Sua mística é inegável — cada peça se desenrola como um capítulo de um conto de fadas sombrio que não leva a lugar nenhum e a todos os lugares. Faixas como "Afternoon" e "Celadon" têm uma natureza curiosa e questionadora, embora não seja clara...
…independentemente de suas jornadas se estenderem além da mente. A primaveril "Acorns" é outro destaque que enfatiza a propensão de Kanaan para fundir sons orgânicos e sintéticos com um efeito brilhante. Suas referências são ecléticas e específicas, remetendo ao clássico da nova era de Hiroshi Yoshimura, "Music for Nine Post Cards" , bem como à música barroca e antiga, ao folclore do leste asiático e ao minimalismo moderno. Como em todos os seus álbuns, há também uma base sinistra de trilhas sonoras clássicas dos anos 70 e 80, particularmente do gênero terror.
De alguma forma, Diary of a Candle reúne essas influências e cria seu próprio gênero, um gênero que Kanaan já havia sugerido antes, mas nunca unificado tão completamente. Dentro de seus limites, o álbum consegue transitar entre a melancolia e a alegria, evocando romance, fantasia, mistério e natureza. O que é ainda mais notável é a facilidade com que tudo se encaixa. É o repertório mais coeso de Kanaan até hoje e um dos mais encantadores.
“Care”, a primeira música do novo álbum do Laveda , Love, Darla , abre apropriadamente com um ruído de feedback áspero. É uma maneira adequada para esta banda de quatro integrantes começar o disco. Originário de Albany, o quarteto – Ali Genevich, Jacob Brooks, Dan Carr e Joe Taroune – mudou-se para o Queens, e o cenário urbano áspero é crucial para sua composição. Os riffs thrash e as declarações vocais de Genevich – “I don't care, I don't care” – evocam lindamente uma estética punk niilista de Nova York. O Laveda é uma banda que contém multidões. O groove simples da linha de baixo em “Cellphone” evoca a sensação melodiosa, porém primitiva, dos Pixies vintage, e as guitarras vibrantes de “Heaven” e a melancólica “Highway Meditation” são bons exemplos do dream pop em sua melhor forma. Enquanto seu primeiro…
…o álbum completo, What Happens After (2020), foi gravado como uma dupla durante o lockdown da COVID, apenas com Genevich e Brooks (antes de Carr e Taroune se juntarem à banda). A Place You Grew Up In (2023) é uma abordagem mais ambiciosa e widescreen do som indie rock. Love, Darla mostra Laveda atingindo seu auge, optando por arranjos mais simples que resultam em um som mais direto e visceral.
A abordagem motorizada e com batidas pesadas de "I Wish" e "Cellphone" cria um groove que funciona espetacularmente ao vivo, mas o Laveda também se destaca ao construir suas músicas suavemente ao longo do tempo, como na incendiária "Bonehead" e na última faixa do álbum, "Lullaby", que começa calmamente e termina em um caos catártico. A explosão direta de "Strawberry" é um quarteto em movimento implacável, mas "Tim Burton's Tower" adota uma abordagem mais multifacetada, com um som de bateria mais funk e teclados sutis que permitem à banda se expandir com inteligência.
Love, Darla é impressionante e efetivamente une os sons do punk dos anos 1980 com o grunge dos anos 1990, o resultado de quatro músicos que não abrem mão de sua estética simples, mas também estão totalmente abertos a explorar sons que complementam perfeitamente suas composições
Embora o Living Hour sempre tenha operado em uma encruzilhada estilística, misturando dream pop com psicodelia e shoegaze com indie rock angular, eles expandem seus limites ainda mais em Internal Drone Infinity , o quarto álbum do grupo de Winnipeg. Aventura-se no ruído direto na breve primeira faixa, "Stainless Steel Dream", cuja abertura eletrostática se transforma em um lânguido alt-rock lo-fi antes de finalmente aumentar os amplificadores e pisar nos pedais de distorção — um pequeno aperitivo do amplo espectro indie que está por vir. É uma introdução inesperada de crash-boom-bang para sua estreia no selo Keeled Scales, uma gravadora conhecida neste momento por sua clientela indie folk artística. Dito isso, um dos destaques aqui é o lento "Texting", de quase seis minutos, um arrastado...
...faixa lo-fi/folk-rock de fluxo de consciência que explora o zumbido constante de ansiedade dos tempos modernos, capturado em cenas da estrada ("a tela de um laptop de hotel refletida por outra", "Little Caesar's to-go cup"). Essa música faz parte do terço final do álbum, mais voltado para o slowcore, mas essa seção é precedida por canções como a psicodélica e confusa "Best I Did It" (sobre encarar a doença mental de frente), a exuberante e imponente "Wheel" (sobre comprar um carro em um marketplace de mídia social) e a animada "Big Shadow", que combina elementos de shoegaze e power pop clássico. A linha mestra é um descontentamento constante expresso por meio de melodias cadenciadas e vocais rachados do cantor/letrista Sam Sarty, bem como uma paleta sonora volátil que inclui a cacofonia suspirante e desafinada. Quanto à sua perspectiva de longo prazo, Internal Drone Infinity fecha com a resignada canção cantada em grupo ao redor da lareira, “Things Will Remain”, que contempla a certeza da morte e das mudanças tectônicas
