segunda-feira, 3 de novembro de 2025

Lou Rawls – 1970 – You’ve Made Me So Very Happy

 



Lou Rawls poderia facilmente ser confundido com o próprio Sr. Lady Love, aquele cara que espera te ver quando chegar e quer que você se sente para conversar com ele. Considerando a obra do artista como um todo, pensar nele apenas como um possível candidato para o episódio da próxima semana de Ally McBeal não é totalmente preciso.

Embora sua contribuição para a era disco do final dos anos 70 possa considerá-lo um companheiro de Barry Whites e Manilows deste mundo, Rawls começou sua carreira como cantor de R&B com influências gospel. 

Faixas
A1 All God’s Children 3:50
A2 Yesterday’s Dream 2:54
A3 Mama Told Me (Not To Come) 2:25
A4 A Whole Lotta Sunlight 2:46
A5 Feelin’ Alright 2:59
B1 You’ve Made Me So Very Happy 4:23
B2 Hurtin’ 3:40
B3 Let’s Burn Down The Cornfield 3:00
B4 How Can That Be 3:03

Em termos de sucesso nas paradas musicais, ele definitivamente foi uma força importante por trás da soul music da Filadélfia. Mas os pioneiros Gamble & Huff ainda estavam longe quando ele gravou seus primeiros discos com influências de blues e jazz. Em meados da década de 60, Rawls uniu forças com um jovem gênio chamado David Axelrod. "Mr. Most Wanted Breaks" produziu e compôs alguns dos vinis mais procurados pelos fãs de hip-hop que garimpavam discos. Entre esses discos, havia algumas colaborações com Rawls, com quem Axelrod gravou mais de uma dúzia de álbuns entre 1965 e 1970. Como na maioria desses álbuns, o repertório de " You've Made Me So Very Happy" consistia quase inteiramente de canções de diferentes compositores, já que Rawls era conhecido principalmente como intérprete.

Os discos evoluíram gradualmente do jazz para o soul e, com este, eles se aventuraram em um território mais voltado para o rock. Faixas como “ Mama Told Me (Not to Come) ” e “ You've Made Me So Very Happy ” são bem executadas, mas já haviam sido imortalizadas por Three Dog Night e Blood, Sweat & Tears. A introdução de piano envolvente desta última foi sampleada por De La Soul (em “I Am I Be”) e a canção inegavelmente herda o toque mágico de Axelrod. Rawls/Axelrod são imbatíveis na releitura de “ Feelin' Alright ”, do Traffic, uma faixa de destaque, juntamente com a interpretação sutil de “ Let's Burn Down the Cornfield ”. Por fim, há a belíssima “ How Can That Be ”, que Axelrod e Rawls compuseram juntos; embora não seja tão memorável quanto “ Dead End Street ”, de 1967, ainda assim é um exemplo do que eles eram capazes de fazer.

 

Após este álbum, a frutífera colaboração entre eles seria interrompida por mais de 30 anos. Graças a " Loved Boy ", a faixa de encerramento que Rawls compôs para o álbum de retorno de Axelrod em 2001, não se pode dizer que suas mentes tenham se separado em nenhum momento.

MUSICA&SOM ☝


Debris - Static Disposal (1976, US, heavyfreakyprotopunkpsych)

 



O álbum "Static Disposal" do Debris é um marco fundamental surgido em meados da década de 70 no submundo das gravadoras independentes americanas, um disco que inspirou artistas como The Screamers e Nurse With Wound (NWW). Uma reedição lendária aclamada em publicações como Ugly Things, The Acid Archives e Mojo.

Gravado em 10 e 16 de dezembro de 1975 no Benson Sound Studio, em Oklahoma City, Oklahoma, e lançado em 20 de janeiro de 1976, antes do primeiro LP dos Ramones, e com a faixa de abertura "One Way Spit", o Debris pode hoje ser considerado a banda proto-punk mais importante, frequentemente ignorada por "historiadores do punk" que não querem admitir que precisam reescrever seus modelos históricos. O LP soa quase contemporâneo hoje em dia, com sua agressividade, angústia, sintetizadores analógicos selvagens, guitarras e experimentação vocal, além de uma qualidade de gravação superenergética e avant-garde psicodélica.

Bem... vamos voar um pouco no reino dos contos de fadas agora e falar sobre o Debris, um grupo americano cuja energia é capaz de fazer até os mortos se levantarem.

A banda foi formada no verão de 1975 em Chickasaw, uma pequena cidade provinciana no estado de Oklahoma. O líder era Charles Ivey, que havia tocado anteriormente em bandas locais como Misfits e Airless Regime, e que fundou The Quiet. A ele se juntaram Olivier Charles Ivey e Johnny Gregg Powers, formando a banda Debris. Nessa formação, embora tenham feito apenas quatro shows, o cenário era espetacular, causando, ainda mais do que a música, uma impressão negativa no público específico e indiscriminada com quem se apresentavam. Chegaram a se apresentar de smoking, com trajes de mergulho, chapéus com orelhas do Mickey Mouse, óculos de esqui ou apenas de cueca coberta com pó de fórmula infantil. As performances eram, em sua maioria, improvisadas, tanto na música quanto na letra, e tinham uma natureza sombria, ruidosa e caótica, que também se podia dizer que era influenciada pela mídia (imagens exibidas em telões de TV). Uma das apresentações aconteceu na competição local "Battle of the Bands", onde a Debris, apesar de ter participado sem muita experiência, conquistou o primeiro lugar entre 50 equipes e ganhou um moderno equipamento de som. Em 1975, a banda aproveitou um pacote promocional no valor de US$ 1.590, que incluía 10 horas de gravação em estúdio e a prensagem de 1.000 cópias em LP. A gravação foi feita em duas sessões em meados de dezembro no Benson Sound Studios, com a ajuda dos amigos Richard Davis, Dirk E. Rowntree e Deanna "D". Robb Hayes participou da sessão de gravação. O lançamento, com 1.000 cópias, chegou ao mercado local alguns meses depois, em 1976. Gravado em tão pouco tempo, o álbum tinha um som cru, não atendendo completamente à visão dos músicos, que logo começaram a buscar um novo contrato de gravação, enviando seu material para gravadoras e imprensa musical. Diante das críticas negativas, da falta de apoio ou resposta, e com menos de seis meses de existência, a banda se dissolveu. Mas logo surgiram críticas positivas e um convite para se apresentar no CBGB, em Nova York.

Isso marcou o fim de uma natureza indefinida e um tanto eclética da música do Debris, que melhor reflete a diversidade estilística da banda – diversas vertentes que podem ser encontradas em algumas definições. Entre elas, podemos citar "proto-punk", "psych-punk", "proto-punk psicótico", "psych-avant-punk", "proto-art-punk", "dada-punk-psicodélico" e "uma fusão peculiar de punk e psicodelia". A música do Debris combina elementos dessas tendências de forma brutal, adicionando uma energia extraordinária a uma expressão agressiva e uma qualidade inovadora. Garage, pesado, sujo e frequentemente acompanhado por uma infinidade de riffs caóticos de sons eletrônicos gerados por diversos sintetizadores e moduladores, rajadas agudas de saxofone, além de loops psicodélicos, distorcidos e cativantes de guitarras cacofônicas. Tudo isso serve de pano de fundo para as vozes estridentes de todos os músicos.

DEBRIS: Após a primeira reedição do CD "Static Disposal", com 21 faixas e mais de 76 minutos de gravações de 1975-76 deste lendário trio de Chickasha, Oklahoma, esta reedição inclui um livreto de 28 páginas com notas escritas pelos três membros, letras das músicas, fotos e muito mais. Utilizamos as fitas master originais do LP e adicionamos 10 gravações de ensaio inéditas e impressionantes como faixas bônus. Descobrimos que o Debris é um fenômeno único e bastante isolado, "o elo perdido" de uma forma incomum, à frente de seu tempo, apesar do completo isolamento e separação da efervescência musical de Lesions, praticamente inexistente na prática, pois quase ninguém o conhecia como "inspiração" para muitos projetos musicais futuros, uma banda de "proto-punk", que ironicamente chegou ao que muito mais tarde se tornou o círculo das bandas de "pós-punk". É a combinação perfeita da música dos anos 70 e 80. Do original em sua época, para que você possa compará-lo adequadamente com apenas dois, os mesmos odkrywczymi what e equipes provinciais, e até mesmo o Simply Saucer canadense e americano MX-80 Sound mais antigo.


De Static Disposal 1976
A cidade de Chickasa, Oklahoma, pode parecer um berço improvável para uma banda experimental proto-art-punk seminal, determinada a expandir os limites do rock. Diante da indiferença, e até mesmo da hostilidade de alguns caipiras, e com uma duração de apenas um ano, o Debris' forjou um pequeno legado com sua ética "faça você mesmo" e estilo improvisado. Charles Ivey e Oliver Powers tocaram vários instrumentos em diversas bandas por vários anos antes do verão de 1975, quando convidaram o baterista Johnny Gregg para formar uma nova banda. O Debris' foi lançado rapidamente e, em setembro, já havia realizado o primeiro dos quatro shows ao vivo de sua curta existência. Seu estilo de performance caótico e som sombrio e peculiar — influenciado por Velvet Underground, The Stooges, Captain Beefheart, bem como pelo glam rock inglês — não os tornaram populares entre o público da região de Oklahoma City. Em um desses shows, uma competição de bandas onde 50 bandas disputavam um novo sistema de som, o Debris' ficou em último lugar, enquanto uma banda cover levou o prêmio para casa. Ao mesmo tempo, aproveitaram um pacote promocional de 1.590 dólares de um estúdio de gravação, que incluía dez horas de gravação e uma tiragem de 1.000 LPs. Com a ambiciosa meta de "gravar o disco definitivo da década", gravaram material em duas sessões em meados de dezembro e o disco foi prensado alguns meses depois (lançado posteriormente em CD como Static Disposal, com muito material bônus). A banda começou a enviar o material para diversas gravadoras e revistas de rock como uma demo, na esperança de conseguir um contrato e concretizar seu projeto. Com críticas negativas iniciais e sem apoio local, o Debris se separou, precipitado e no lugar errado. Dentro de um ano, surgiram críticas mais favoráveis ​​e o CBGB chegou a oferecer um show e a oportunidade de lucrar com a crescente cena punk de Nova York, mas já era tarde demais.


A pré-história do punk rock geralmente se concentra em áreas urbanas cosmopolitas e descoladas. O Velvet Underground, o New York Dolls e o The Dictators eram de Nova York; o MC5 e o The Stooges, de Ann Arbor, Michigan (nos arredores de Detroit); Pere Ubu, Devo e Rocket from the Tombs, de Cleveland; e o The Modern Lovers, de Boston. Esses grupos, que estavam longe de ser populares em sua época (com exceção do Devo), foram posteriormente elevados ao patamar de lendários graças a um grupo perspicaz de historiadores do rock e críticos culturais que foram fortemente influenciados por esses artistas vibrantes, perspicazes e proféticos. Graças, em parte, a textos como a antologia póstuma de Lester Bangs, Psychotic Reactions and Carburetor Dung (1988), e Please Kill Me (1997), de Legs McNeil e Gillian McCain, esses grupos, antes obscuros, foram canonizados sem que se percebesse e agora são mencionados casualmente por alguns aficionados do rock and roll no mesmo patamar que os Beatles, Led Zeppelin e Black Sabbath. Um grupo, porém, sobre o qual você não lerá nessas histórias é o Debris, de Chickasha, Oklahoma (sim, há um apóstrofo intencional depois do "s" em seu nome). Seu álbum de estreia homônimo, lançado em uma tiragem privada de 1.000 cópias em 1976, argumenta que eles deveriam ser canonizados.

Para quem não sabe, Chickasha, Oklahoma, é uma pequena cidade localizada a cerca de 65 quilômetros a sudoeste de Oklahoma City. Antes do sucesso do The Flaming Lips, o orgulho de Oklahoma City, no início dos anos 90, a cidade não era exatamente conhecida por sua cena punk rock. Com isso em mente, a mera existência de um grupo como o Debris deveria parecer uma espécie de milagre proto-punk rock. A alta qualidade da música e as inúmeras semelhanças com bandas lendárias daquela época reforçam essa tese. Formado por Charles ("Chuck Poison") Ivey, O. (Oliver) Powers (ambos assumindo diversas funções na guitarra, baixo e sintetizador) e o baterista Johnny Gregg, o trio — com a ajuda de um saxofonista, um baterista e uma vocalista de apoio — teria gravado esse material bem ensaiado em "seis horas e 59 minutos", segundo consta na contracapa do álbum. Nesse período relativamente curto, dividido em duas sessões diferentes em dezembro de 1975 e janeiro de 1976, eles incorporam suas influências (que o grupo menciona em sua página no MySpace, incluindo "The Velvet Underground, The Stooges, Captain Beefheart e o glam rock inglês") e produzem sons e gritos vocais comparáveis ​​aos de Richard Hell and the Voidoids, Alan Vega do Suicide (ambos ainda sem nenhum lançamento) e David Thomas do Pere Ubu. Os ritmos entrecortados de suas guitarras, as texturas de free jazz do saxofone do músico de estúdio Richard Davis e as explosões agudas de ruído que emanam de seus sintetizadores trazem comparações imediatas com o já mencionado Pere Ubu, Robert Quine do Voidoids, o Devo do início do "hardcore" e The Silver Apples. Graças ao colecionador de discos Karl Ikola, fundador da Anopheles Records, o álbum "Debris" foi relançado (e rebatizado como Static Disposal, nome da gravadora de curta duração do grupo) pela primeira vez em 1999 em CD (com diversas faixas bônus) e novamente em vinil em 2008.

Por mais empolgante que tudo isso pareça, não devemos confundir a importância histórica da existência anômala deste álbum com a qualidade do material nele contido. Como álbum, ele é, na maioria das vezes, bom, às vezes ótimo. Frequentemente, ele divaga, especialmente nas faixas mais longas. Da mesma forma, algumas das músicas simplesmente não são tão fortes ("Witness" e "Boy Friend", por exemplo). Dito isso, há muito o que apreciar aqui. A faixa de abertura, "One Way Spit", começa com Charles Ivey vomitando no microfone enquanto conta o início da música. Esta é uma introdução apropriada para o álbum, prenunciando os sons espasmódicos que se seguiriam, garantindo sua obscuridade, especialmente por se tratar de uma banda de rock de Oklahoma, em 1976. Outro destaque é a densa "Tricia", uma canção de amor tão desesperada quanto se possa imaginar, completa com o uso de uma ferramenta elétrica para criar textura adicional (e muito antes de Eddie Van Halen, vale ressaltar!). O Lado Um termina com outra favorita, "Leisurely Waiting", que apresenta uma sequência pulsante de dois acordes que se torna ainda mais perturbadora com os vocais de Ivey. O Lado Dois começa com a faixa mais acessível do álbum, "New Smooth Lunch/Manhattan", uma divertida brincadeira que prenuncia algo como "Gut Feeling" do álbum de estreia do Devo, e consegue se manter surpreendentemente cativante apesar dos solos de guitarra frenéticos e estridentes dignos de figurar em Trout Mask Replica, do Captain Beefheart. Depois de duas faixas decentes, "Tell Me" e "Flight Taken", o álbum infelizmente termina com sua música mais fraca, "Blue Girls", que também é, sem surpresa, a mais lenta do disco. Em última análise, Debris pode parecer uma mera curiosidade para aqueles ouvintes com uma concepção inflexível de proto-punk. No entanto, é mais do que apenas uma curiosidade. É uma peça interessante de música de fora para fora, que é surpreendentemente relevante, muito mais do que foi para os habitantes de Oklahoma que tiveram a (in)sorte de ouvi-la em 1976.




Tracks:
this side:
A1. One Way Spit
A2. Female Tracks
A3. Witness
A4. Tricia
A5. Boy Friend
A6. Leisurely Waiting
that side:
B1. New Smooth Lunch
B2. Manhattan
B3. Flight Taken
B4. Tell Me
B5. Blue Girls
Bonus Track
B6. Real Cool Time (The Stooges)


Debris:
Charles "Chuck Poison" Ivey - Low frequency modulators. synthesizers, detonic guitar  on B3, sequential screams and marvelous moans
Johnny Gregg - Drum, drums, visceral vocals and gorgeous grunts
O. Powers (Rectomo) - Vibraharp, variable multi-stringed electronic exasperator coupled with various  electronic special operations devices, b-flat coronet, vericose verbalizations and                              gruesome groans

Assisted by:
Richard Davis - Sax, organ and 8" circular saw
Dirk E. Rowntree - Percussion and `Lizard King` on B3
deanna `D` - Sensuous mouthings B3







Second Sign - Second Sign (1975 uk rare progressive rock)

 




Saudações a todos, bem, como o meu baú de jóias britânicas continua aberto, trago hoje para vocês uma banda totalmente obscura, onde eu posso destacar o vocal feminino de Irene Menasche e também o fantástico trabalho de guitarra, que nesse álbum é feito por um francês; ou seja, como a vida costuma ser irônica, desfrutemos desse maravilhoso presente que nos foi proporcionado pela união franco-inglesa!


Álbum de rock progressivo raríssimo e inédito, gravado no Escape Studios em Kent, em meados da década de 70.

Extraído das fitas master originais, este misterioso grupo apresentava os encantadores vocais femininos de Irene Menasche, tão impressionantes quanto os de Barbara Gaskin, do Spirogyra, e Pauline, de Nárnia, com quem parte deste material é comparável.

O guitarrista francês Francis Voignier adiciona um toque mais pesado a algumas das músicas, incluindo melodias rápidas e cativantes, enquanto contribui com uma flauta envolvente na sinuosa "Mad River", que também apresenta os vocais fascinantes de Irene.

A obra-prima do Second Sign, Golden Age, é uma epopeia de rock progressivo de nove minutos repleta de harmonias deslumbrantes, ótimos solos de guitarra, um maravilhoso órgão Hammond e mudanças de ritmo emocionantes.

Imagine o som clássico do Fruupp com vocais femininos sublimes e você terá uma ideia. Acompanha o álbum a história completa da banda, detalhando o interessante relato por trás dessa joia esquecida.










Michael Murphey - Cosmic Cowboy Souvenir (1973)

 



Ano: 1973 (CD 2004)
Gravadora: Raven Records (Austrália), RVCD-192
Estilo: Country Progressivo, Country Rock
País: Dallas, Texas, EUA (14 de março de 1945)
Duração: 71:57


Revelando as tendências filosóficas de Michael Martin Murphey, bem como sua preferência por canções profundas e reflexivas, Cosmic Cowboy Souvenir revela o tipo de artista que Murphey realmente é. O material de Cosmic Cowboy Souvenir beira o romantismo, mas o álbum não se torna excessivamente complexo, intrincado ou comercial, conseguindo manter intactos sua simplicidade e charme rústico. Faixas como "Cosmic Cowboy, Pt. 1", "Alleys of Austin" e a bela "South Canadian River Song" misturam uma certa ingenuidade com a pungência urbana característica de Murphey, consolidando sua marca registrada como um artista de música country "não tradicional". As canções se mostram genuínas e maravilhosamente despretensiosas, explorando a imagem descontraída de Murphey e usando-a para conferir ao seu material uma qualidade errante e nômade, tanto nas letras quanto na ampla variedade de arranjos de cordas. Mesmo faixas como "Prometheus Busted" e "Drunken Lady of the Morning" impedem que a atmosfera desinibida do álbum soe convencional ou exagerada sem muito esforço. Embora não tenha gerado nenhum grande sucesso, Cosmic Cowboy Souvenir é o álbum que discretamente consagrou Murphey como um artista de country progressivo, mesmo que o material que se seguiria levasse esse estilo a patamares ainda maiores. O álbum alcançou a posição 196 na Billboard 200.

01. Cosmic Cowboy (Part One) (03:57)
02. Alleys of Austin (05:06)
03. South Canadian River Song (07:18)
04. Blessing in Disguise (03:35)
05. Temperature Train (03:54)
06. Drunken Lady of the Morning (04:25)
07. Prometheus Busted (03:44)
08. Honolulu (04:25)
09. Rolling Hills (04:24)
10. Michael Angelo's Blues (Live) (05:07)
11. What Am I Doin' Hangin' Around? (Live) (03:23)
12. Seasons Change (Live) (05:33)
13. Natchez Trace (Live) (09:45)
14. Wildfire (Live) (07:16)

Michael-Murphey73-Cosmic-01 Michael-Murphey73-Cosmic-02 Michael-Murphey73-Cosmic-back Michael-Murphey73-Cosmic-back-in





Roger Glover and The Guilty Party (Deep Purple) - Snapshot (2002)

 



Ano: 5 de novembro de 2002 (CD 2002)
Gravadora: Eagle Records (Alemanha), EAGCD229, GAS 0000229 EAG
Estilo: Blues Rock
País: Brecon, País de Gales (30 de novembro de 1945)
Duração: 54:34



Mais uma prova da diversidade de talentos dentro da família DEEP PURPLE. Com este álbum, Roger demonstra que cria música atemporal, seja ela dos anos 70, 80, 90 ou do século XXI. Ótimo para ouvir em detalhes, mas também como música para tocar em segundo plano com outras pessoas.
Como eu espero que o bom e velho Roger ajude seu amigo Jon Lord a realizar o sonho de ter todas as formações do DEEP PURPLE tocando juntas, por exemplo, por uma hora. Uma introdução poderia ser meia hora com cada membro apresentando seus solos. Este álbum terá ótimas músicas, especialmente "It's Only Life" e "Nothing Else" para esta ocasião.
Obrigado Rog por fazer este álbum relaxante e de alta qualidade, um prazer de ouvir.
(rogerglover.com/discography/snapshot/snapshot-reviews/) Resenha por Rob Berting. 20 de setembro de 2002

Os álbuns solo são um meio para Roger Glover expor lados de si mesmo que nem sequer são vislumbrados no rock complexo e impactante que ele toca com o Deep Purple. Ele admite que o Purple, a banda que se tornou um "estilo de vida" desde que se juntou a eles como baixista em 1969, ainda guarda a chave para muita magia musical em sua vida. Mas ele também faz questão de ressaltar que é "um compositor antes de tudo". Junto com o vocalista Ian Gillan, Glover escreveu a maior parte das letras do Deep Purple, incluindo as de "Smoke On the Water", um dos hinos do hard rock de toda uma geração. Snapshot, o novo álbum que ele credita a si mesmo e ao Guilty Party com Randall Bramblett, apresenta algumas das melhores músicas que Glover já escreveu, em sua própria interpretação. E ele afirma que nem sequer estava realmente procurando fazer um álbum solo. "Eu tinha um monte de músicas no porão", disse ele em tom de brincadeira, "com as quais eu não sabia o que fazer. É a minha vida secreta, por assim dizer. Eu desço ao porão tarde da noite e escrevo músicas que não têm futuro."

01. MyTurn (03:28)
02. Burn Me Up Slowly (04:01)
03. Beyond Emily (04:02)
04. Queen Of England (04:20)
05. No Place To Go (03:30)
06. The Bargain Basement (03:19)
07. What You Don't Say (03:43)
08. Nothing Else (04:08)
09. Could Have Ben Me (03:21)
10. The More I Find (02:43)
11. When It Comes To You (03:31)
12. Some Hope (05:04)
13. If I Could Fly (04:12)
14. It's Only Life (05:05)

Roger-Glover2002-Snapshot-01 Roger-Glover2002-Snapshot-02 Roger-Glover2002-Snapshot-06 Roger-Glover2002-Snapshot-back




Manny Oquendo and Libre - On The Move! (!Muevete!) (1996)

 



Ano: 1996 (CD 1996)
Gravadora: Milestone Records (EUA), MCD-9263-2
Estilo: Jazz Afro-Cubano, Salsa, Jazz Latino, Tropical
País: EUA (1 de janeiro de 1931 – 25 de março de 2009)
Duração: 70:22


Manny Oquendo (1 de janeiro de 1931 - 25 de março de 2009) foi um percussionista americano de ascendência porto-riquenha. Seus principais instrumentos eram os timbales e os bongôs.[1]
Ele foi membro de longa data do Conjunto La Perfecta de Eddie Palmieri, grupo que deixou na década de 1970 para co-liderar o Conjunto Libre.
(en.wikipedia.org/wiki/Manny_Oquendo)
Manny Oquendo iniciou seus estudos de percussão em 1945 e adquiriu experiência tocando bateria com as bandas de Carlos Valero, Luis del Campo, Juan “Un Youngster” Torres, José Budet, Juanito Sanabria, Marcelino Guerra, José Curbelo e Pupi Campo, antes de se tornar o percussionista de bongô de Tito Puente em 1950. Quatro anos depois, em 1955, Oquendo tocou com Tito Rodríguez e Vicentico Valdés. Nos seis anos seguintes, Oquendo trabalhou como músico freelancer e gravou para as principais bandas de Nova York. Em 1962, juntou-se à orquestra de Eddie Palmieri. Antes do final de 1974, formou o Conjunto Libre de Oquendo. Oquendo alcançou reconhecimento internacional em 1983 com sua gravação de “Small Sunflower”, considerada uma das melhores gravações daquele ano.


01. Chaquilla Ideal (Montuno) (09:46)
02. Lester Leaps In (Mambo Jazz) (09:46)
03. Oquendo y Libre (Descarga) (08:12)
04. Piel Canela (Cha cha cha) (07:09)
05. No Cuentes (Guaracha Rumba) (09:01)
06. Medley (Por qu./No critiques/Vengo sabroso) (17:23)
07. Muevete Un Poco (Salsa Jam) (09:01)

Manny-Oquendo96-On-The-Move-01 Manny-Oquendo96-On-The-Move-02 Manny-Oquendo96-On-The-Move-back




1959 - Nina Simone at Town Hall

 



01. "Black Is the Color of My True Love's Hair" (Traditional)
02. "Exactly Like You" (Jimmy McHugh, Dorothy Fields)
03. "The Other Woman" (Simone, Jessie Mae Robinson)
04. "Under the Lowest" (Simone)
05. "You Can Have Him" (David Enloe)
06."Summertime (Instr.)" (George Gershwin, Ira Gershwin, DuBose Heyward)
07. "Summertime (Vocal)"
08. "Cotton-Eyed Joe" (Traditional)
09. "Return Home" (Simone)
10. "Wild is the Wind" (Dimitri Tiomkin, Ned Washington)
11. "Fine and Mellow" (Billie Holiday, Arthur Herzog, Jr.)




1979 - Jessye Norman - Spirituals

 



01. I Couldn't Hear Nobody Pray
02. My Lord, What A Morning
03. Do Lawd, Oh Do Lawd
04. There's A Man Going Round
05. Ev'ry Time I Feel De Spirit
06. There Is Balm In Gilead
07. Gospel Train
08. Great Day
09. Mary Had A Baby
10. Live A Humble
11. Walk Together Children
12. Were You There
13. Hush! Somebody's Callin' My Name
14. Soon Ah Will Be Done
15. Give Me Jesus





Shawn Lee's Ping Pong Orchestra • World Of Funk 2011

 


Artista: Shawn Lee's Ping Pong Orchestra
País: EUA
Título do Álbum: World Of Funk
Ano de Lançamento: 2011
Gênero: Jazz, Funk, Soul, Trip Hop
Duração: 00:52:00
MUSICA&SOM ☝

Sean Lee (nascido Sean Lee Mahan) é um músico, produtor, compositor e instrumentista versátil americano que trocou sua ensolarada terra natal norte-americana pela atmosfera úmida e nebulosa da capital da ilha Reich.

A Ping Pong Orchestra é um de seus muitos projetos musicais e criativos, com o qual gravou uma dúzia de álbuns. Dentro desse grupo, Shawn Lee mistura uma grande variedade de estilos musicais, do pop banal e soul sentimental e afetado ao trip-hop, funk, jazz, ambient e rock alternativo. Entre

as conexões pouco favoráveis ​​do músico, apenas suas colaborações com Lana Del Rey, Amy Winehouse, Alicia Keys, Princess Superstar e outras figuras duvidosas merecem menção. Bem, um homem comete erros — acontece com todo mundo...


Faixas:
• 01. Bina
• 02. Ghost In The Rain (feat. Clutchy Hopkins & Chhom Nimol)
• 03. Ethio (feat. Michael Leonhart)
• 04. Cairo Cairo (feat. Natacha Atlas)
• 05. Nao Vacila (feat. Curumin)
• 06. La Eterna Felicidad (feat. Bardo Martinez)
• 07. Nanny Jee (feat. Nanny G)
• 08. Iceberg (feat. Elliot Bergman do NOMO)
• 09. Booya (feat. Michael Leonhart)
• 10. The Mighty Atlas (feat. Natacha Atlas)
• 11. Mi Ilusion (feat. Cava)
• 12. Accelerate
• 13. Tablacadabra
• 14. Hairy Krishner







The Johny Louis Trio • The In Crowd 1965

 


Artista: The Johny Louis Trio
País: EUA
Título do álbum: The In Crowd
Ano de lançamento: 1965
Gravadora: Crown Records
Gênero: Jazz, Rhythm'n'Blues
Duração: 00:26:10

MUSICA&SOM ☝


Um trio rítmico de jazz-blues (ou talvez até blues-jazz) liderado por Joni (com um "n") Louis. Ele vem de algum lugar no interior da Costa Oeste dos Estados Unidos. É difícil dizer com certeza, pois as informações sobre ele e sua banda são extremamente escassas e fragmentadas. É quase como o famoso poema de Samuil Yakovlevich Marshak: "Bombeiros procuram, / A polícia procura, / Fotógrafos procuram / Em nossa capital, / Eles procuram há muito tempo, / Mas não conseguem encontrar / Um cara / De uns vinte anos. <…> Além disso, / De onde ele é / E que tipo de pássaro é ele / O cara / Que / A capital / Está procurando? / O que ele fez / E do que ele é culpado?"

Sua culpa reside no fato de que, em 1965, ele lançou um disco de vinil bastante curioso chamado "The In Crowd", pela gravadora Crown Records. Essa gravadora foi fundada em 1957 como uma subsidiária de baixo orçamento da Modern Records. O principal objetivo dessa cooperativa fonográfica era produzir música com responsabilidade social e custos de produção reduzidos.

Primeiro, a música tinha que ser gravada rapidamente, com o mínimo de tempo de estúdio, que era caro. Isso só poderia ser alcançado por profissionais experientes e habilidosos que dominassem a tarefa de improviso. Os fenomenais Beatles de Liverpool, que precisavam de dezenas de takes para gravar suas músicas, claramente estariam além de tal missão. Mas, como diz o ditado, "Jedem das Seine

" (Todos no Sena). Segundo, as despesas com publicidade para esse tipo de produto de áudio eram completamente imprevistas, e a gravadora Crown (e muitas outras semelhantes) operava como peixes-ventosa, usando suas ventosas na cabeça para se fixar na boca de predadores experientes como tubarões, devorando as migalhas de sua refeição sangrenta.

Para o show business capitalista, tal comparação não é um exagero. Gravadoras de baixo orçamento e pequenas empresas monitoram de perto a produção das gigantescas gravadoras. E assim que veem algo lucrativo, lançam imediatamente seu próprio disco, aproveitando o sucesso da gravação anterior e colhendo as migalhas financeiras deixadas pelo best-seller. Compreensivelmente, nesse cenário, os predadores da indústria musical arcam com os custos de publicidade

. Em junho de 1965, o pianista de jazz Ramsey Lewis, vencedor do Grammy em Chicago, lançou uma versão instrumental do sucesso de Billy Page, "The 'In' Crowd", em vinil, sob o nome artístico "The Ramsey Lewis Trio". A gravação se tornou mais popular que a original, alcançando o 5º lugar na Billboard Hot 100 e o 2º lugar na parada de R&B.

A história de como esse sucesso instrumental surgiu é bastante curiosa. Os músicos do Ramsey Lewis Trio se encontraram em uma lanchonete para discutir seu repertório musical atual. A garçonete, atendendo aos seus caprichos gastronômicos, interrompeu a conversa deles sem cerimônia, sugerindo que cantassem a popular canção "The 'In' Crowd". Nenhum dos três conhecia a música, então colocaram uma moeda na jukebox para conferir. E ficaram encantados. Para sua versão, Ramsey Lewis criou um arranjo musical único, com harmonias alteradas e um ritmo mais acelerado.

A artista Joni Louis (supostamente um pseudônimo, foneticamente semelhante a Ramsey Lewis) seguiu o sucesso de outros artistas e gravou um álbum, cuja faixa-título era, naturalmente, "The 'In' Crowd".

O disco imita descaradamente o estilo musical de Ramsey Lewis, mas, no geral, soa bem, então sua derivação estilística pode ser basicamente ignorada – quem sabe quem copiou quem e quando? Os Beatles, por exemplo, certa vez copiaram os estilos de Elvis Presley e Little Richard. O amadorismo deles era realmente horrível, então eles começaram a compor suas próprias músicas. E queriam ganhar um dinheiro extra. E, sem querer, ficaram famosos. Iluminadores maçônicos, juntamente com os serviços secretos, também tiveram participação nesse processo, desencadeando a reação em cadeia da chamada Beatlemania. Mas a dublagem de Johnny Louis era decente, até profissional, então a empresa americana de três letras não o incomodou. Assim, ele viveu feliz para sempre, e ninguém quis lhe dar uma bronca.





Destaque

The Who

  Biografia The Who é uma banda de rock britânica surgida em 1964. A formação original era composta por Pete Townshend (guitarra), Roger D...