KOECHLIN

 

Charles Louis Eugène Koechlin nasceu em Paris no dia 27 de Novembro de 1867, e foi o filho caçula de uma família grande. Foi um compositor, musicólogo, crítico musical e escritor francês. Foi mais conhecido como teórico e professor do que como compositor, apesar de possuir um vasto catálogo de obras, que vêm sendo mais valorizadas em décadas recentes do que durante a vida do compositor.

A origem materna de sua família era a Alsácia, região com a qual ele se identificava. 

Seu avô materno tinha sido o filantropo e fabricante têxtil, dele Charles Koechlin herdou sua consciência social fortemente desenvolvida.

Seu pai morreu quando ele tinha 14. Seu interesse pessoal era pela música, mas a sua família queria que ele tornasse um engenheiro.

Ele entrou na École Polytechnique, em 1887, mas no ano seguinte foi diagnosticado com tuberculose e teve de passar seis meses se recuperando na Argélia. Viu-se obrigado a repetir seu primeiro ano na École e formou-se apenas com notas medíocres.

Os professores: Lefebvre, Taudou, Massenet, Gedalge, Ducoudray (da esquerda para a direita)

Passou a ter aulas particulares de música com Charles Lefebvre, após uma luta com sua família, por fim, entrou para o Conservatório de Paris, em 1890, estudou harmonia com Antoine Taudou. Em 1892, teve aulas de composição com Massenet, de fuga e contraponto com André Gedalge, e com Louis Bourgault-Ducoudray história musical.

Os colegas: Enescu, Hahn, d'Ollone, Rabaub e Schmitt (da esquerda para direita)

Entre os seus colegas de classe estavam George Enescu, Reynaldo Hahn, Max d'Ollone, Henri Rabaud, e Florent Schmitt.

Fauré

A partir de 1896, foi aluno de Gabriel Fauré, tendo como colegas de aulas Maurice Ravel (presente no blog) e Jean Roger-Ducasse. Fauré teve uma grande influência sobre Koechlin, que escreveu a primeira biografia de Fauré, em 1927.

Ravel e Ducasse

Em 1898, orquestrou a suíte Pelléas e Mélisande de Fauré, e em 1900 assistiu o compositor na produção do drama Prometeu ao ar livre.

Após sua graduação Koechlin tornou-se um compositor freelance e professor.

Em 1903 se casou com Suzanne Pierrard.

Começou a trabalhar regularmente como crítico e 1909 para o Chronique des Arts, no ano seguinte foi um dos fundadores, juntamente com Maurice Ravel, do Société Musicale Indépendante.

Desde a sua criação no início dos anos 1930 a sua morte, foi um defensor apaixonado da Sociedade Internacional de Música Contemporânea, tornando-se presidente de sua seção francesa. A partir de 1937, ele foi eleito presidente da Federação Musicale Populaire.

Ele dividia seu tempo entre Paris e casas de campo em Villers-sur-Mer e da Côte d'Azur, mas após o início da I Guerra Mundial, as circunstâncias o forçaram a vender uma de suas casas.

Por ser um vigoroso defensor dos compositores mais jovens e dos novos estilos musicais, ele nunca foi bem sucedido em suas tentativas de obter um cargo de professor, apesar de ser examinador de muitas instituições (por exemplo, os Conservatórios de Bruxelas, Rheims e Marselha).

Roussel - Emmanuel

Ele foi rejeitado para o cargo de professor de contraponto e fuga no Conservatório de Paris em 1926 por 20 votos a dois (os dois sendo Albert Roussel e Maurice Emmanuel), mas a partir de 1935 a 1939, ele foi autorizado a ensinar fuga e polifonia modal no Schola Cantorum.

Goossens

Visitou os Estados Unidos quatro vezes para palestras e lecionar entre 1918-19, 1928, 1929 e 1937. Na segunda e terceira visitas lecionou na Universidade da Califórnia, Berkeley. Em 1929 seu poema sinfônico La Joie Païenne ganhou o Prêmio Hollywood Bowl para Composição e foi apresentado na ocasião sob a batuta de Eugene Goossens.

Koechlin tinha que pagar a preparação das peças orquestrais, e em 1930, ele gastou a maior parte de suas economias na organização de performances de algumas de suas obras orquestrais.

Kipling

Na década de 1940, no entanto, o departamento de música da Rádio belga assumiu a sua causa e transmitiu várias estreias importantes, incluindo a primeira apresentação completa do ciclo Jungle Book.

Durante a sua vida escreveu uma ópera, quatro ballets, corais dentre eles O Livro da Selva, baseado na obra de Kipling, três sinfonias, poemas sinfônicos, numerosas peças para piano.

Conhecido predominantemente como um miniaturista, privilegiando a melodia, com clareza e beleza, em relação aos esquemas formais. 

Suas obras compostas para flauta consistem numa das mais importantes heranças deixadas ao repertório desse instrumento. Obras como as 14 peças para flauta e piano Opus 157 demonstram a sua grande habilidade na concepção de linhas melódicas e seu interesse por texturas monofônicas.

Os alunos: Tailleferre, Désormière, Poulenc, Sauguet e Porter  (da esquerda para direita)

Na lista dos compositores que estudaram com ele temos Germaine Tailleferre, Roger Désormière, Francis Poulenc e Henri Sauguet. Cole Porter estudou orquestração com ele em 1923-24. 

Milhaud

Darius Milhaud, embora nunca tenha sido seu aluno, tornou-se um amigo próximo e considerava que aprendeu mais com Koechlin do que com qualquer outro pedagogo. Koechlin escreveu três livros de texto resumido: um sobre Harmonia (três volumes, 1923-26), um de teoria musical (1932-1934) e um grande tratado sobre o assunto de orquestração (quatro volumes, 1935-1943). Ele também escreveu uma série de trabalhos didáticos menores.

Koechlin era uma figura amada e venerada no meio musical francês, sua longa barba que flui contribuindo para a sua imagem patriarcal. 

Após a descoberta de sua tuberculose em 1888, com a necessidade de construir a sua força levou a se tornar um alpinista, nadador e tenista entusiasta. 

Foi um astrônomo amador e um fotógrafo realizado. Foi um dos grandes místicos entre os compositores franceses, cujo credo pessoal era panteísta, em vez de cristão.

Ele faleceu em 31 de Dezembro de 1950, aos 83 anos de idade, e seu corpo foi sepultado, em sua casa de campo em Le Canadel, Var, na França. 

Na sua sepultura está escrito em francês: “O espírito do meu trabalho e de toda a minha vida é acima de tudo um espírito de liberdade.”

Koechlin disse uma vez: "O artista precisa de uma torre de marfim, não como uma fuga do mundo, mas como um lugar onde ele possa ver o mundo e ser ele mesmo, esta torre é para o artista como um farol que brilha em todo o mundo”.

Para apreciar e baixar...

As 10 melhores músicas dos The Black Keys de todos os tempos

 

Em 2001, Dan Auerbach e Patrick Carney uniram forças para formar o Black Keys. Nos primeiros anos da banda, eles gravaram faixas punk-blues lo-fi e despojadas em porões, quartos e galpões vazios. A produção era risível, os vocais roucos, e se alguém disser que entende uma única palavra do que Auerbach canta nos quatro primeiros álbuns, está mentindo. Mas funcionou. Depois de assinarem com uma grande gravadora, eles se juntaram a Danger Mouse em 2008 para produzir o aclamado pela crítica "Attack & Release". Desde então, tornaram-se uma das bandas de garage rock mais populares da atualidade. Seu som evoluiu ao longo dos anos, mas eles nunca perderam aquela essência blues que os tornou uma lufada de ar fresco desde o início. Aqui, listamos as 10 melhores músicas do Black Keys de todos os tempos.

10. Your Touch

Abrindo nossa lista das 10 melhores músicas do The Black Keys de todos os tempos está “Your Touch”. Os riffs de guitarra funky e distorcidos de Dan Auerbach soam como se tivessem saído diretamente de uma banda de garage rock de 1964 – assim como, aliás, o resto dessa obra-prima do rock and roll. Como diz o azcentral.com , se o The Mummies tivesse escrito “Seven Nation Army”, soaria assim.

9. I’ll Be Your Man

Era 2002 e o mundo estava prestes a conhecer o The Black Keys. A apresentação aconteceu com o álbum "The Big Come Up". Gravado em um gravador de fita de 8 canais no porão de Patrick Carney, o disco apresenta uma mistura de covers e músicas originais, todas com o estilo cru e cheio de atitude característico da dupla. "I'll Be Your Man" é um dos destaques, com Auerbach fazendo sua melhor imitação de um urso pardo enquanto canta com sua voz rouca letras que abordam a santíssima trindade do amor, das mulheres e dos relacionamentos.

8. Gold On The Ceiling

Como diz o site longafterdark.net , "Gold on the Ceiling" estava em todo lugar em 2012. A menos que você tenha passado o ano vivendo em uma caverna, você se lembra dela tocando em todas as rádios, em todos os comerciais e em todos os filmes que você assistiu. Felizmente, ela conseguiu sobreviver à exposição intacta e ainda soa tão atual e cativante hoje quanto soava naquela época.

7. Thickfreakness

Como diz a revista Paste , há um motivo para o The Black Keys abrir seus shows ao vivo com “Thickfreakness” por anos: do primeiro ao último acorde de guitarra, é pura perfeição. Os vocais são insanos (não no sentido de “incrivelmente bons”, mas sim no sentido de que ninguém consegue entender o que Auerbach está cantando), mas isso não importa – a letra é secundária, os vocais são indiferentes… esta é uma música feita simplesmente para tocar com mais intensidade e volume do que qualquer outra na sua playlist. E consegue.

6. Too Afraid To Love You

No início da carreira, o The Black Keys não sabia muito bem como gravar vocais. Em 2010, essa preocupação já não existia mais. A voz rouca e melancólica de Dan Auerbach transforma "Too Afraid To Love You", uma canção um tanto peculiar com escolhas instrumentais ainda mais estranhas (quem teve a ideia de adicionar um cravo era um gênio incompreendido ou um completo lunático), em uma obra de arte. Quando ele canta "Eu simplesmente não sei o que fazer / Tenho muito medo de te amar", chega a ser de partir o coração.

5. Strange Times

Os Black Keys já tinham quatro álbuns na carreira quando decidiram que era hora de parar de gravar em porões e dar um toque de profissionalismo ao seu som. Em "Attack & Release", eles não só migraram para um estúdio profissional, como também entregaram a produção a Danger Mouse. Foi uma decisão acertada. O álbum é excepcional, com "Strange Times" se destacando como um dos seus pontos altos. Os riffs de guitarra característicos da banda, que arrepiam os cabelos, e os pratos dissonantes ainda estão presentes, mas Danger Mouse adiciona a dose certa de polimento para suavizar as arestas da banda de rock .

4. Little Black Submarines

Os Black Keys não costumam fazer solos de guitarra de tirar o fôlego, mas em "Little Black Submarines" eles fazem, e é imenso. O mesmo se aplica aos vocais de Dan Auerbach (que, para nossa rara alegria, podemos ouvir de fato) e à bateria soberbamente apaixonada de Patrick Carney. A música começa de forma suave, mas, na metade, o violão dá lugar a um rock de garagem clássico, daqueles que fazem bater o pé e vibrar. O Led Zeppelin ficaria orgulhoso.

3. Everlasting Light

The Black Keys não são, nunca foram e provavelmente nunca serão uma banda pop. Mas em "Everlasting Light", do álbum "Brothers" de 2011, eles definitivamente soam como uma. Claro, não é o tipo de pop que a maioria de nós reconheceria, e se você ouvir esperando vocais alegres e batidas que elevam o astral, vai se decepcionar. Mas o tom, o clima e o ritmo são todos enraizados no pop. Não é o que você esperaria deles, mas funciona espetacularmente bem.

2. Tighten Up

"Brothers" está entre os melhores álbuns da banda, e "Tighten Up", seu single principal, está entre suas melhores músicas de todos os tempos. Com Danger Mouse na produção e Auerbach e Carney em sua melhor forma, com uma pegada blues e cheia de atitude, é pura dinamite do começo ao fim. Os fãs claramente concordaram, comprando cópias suficientes para levar o álbum ao 87º lugar na Billboard Hot 100 – a primeira entrada do The Black Keys na parada.

1. I Got Mine

Se a banda já havia flertado com diferentes gêneros antes de “Attack & Release”, este foi o álbum que os viu abraçá-los por completo. Mas em meio ao folk e à psicodelia, há clássicos do blues-rock suficientes para satisfazer até os puristas. Dentre eles, “I Got Mine” é o destaque. Com seus riffs explosivos e som lo-fi, a música condensa tudo de bom e grandioso que a banda tem a oferecer em 4 minutos de puro prazer sonoro. Mais de 13 anos após seu lançamento original, ela ainda é presença constante nos shows ao vivo. Se você quer descobrir o porquê, dê uma ouvida.

As 10 melhores músicas dos Black Crowes de todos os tempos

 

Os Black Crowes foram uma banda que nasceu na hora errada. Quando se formaram, em 1989, o rock and roll não era moderno. Mal existia. Metal, new wave, pop e até house dominavam as casas noturnas e as paradas musicais, deixando pouco espaço para o rock tradicional e consagrado dos Black Crowes. Mas, de alguma forma, eles encontraram uma brecha e conseguiram se firmar. Talvez nunca tenham sido considerados descolados, mas isso não os impediu de vender 30 milhões de álbuns ou de serem eleitos a "Melhor Nova Banda Americana" em 1990 pela Rolling Stone. Seu auge (pelo menos em termos de fama e vendas de discos) foi entre 1990 e 1995. Embora sua última fase nunca tenha recebido o reconhecimento que merece, ainda nos presenteou com muita música boa. Para descobrir quais de seus momentos se classificam como os melhores, confira nossa contagem regressiva das 10 melhores músicas dos Black Crowes de todos os tempos.

10. Wee Who See the Deep

 

No final dos anos 90, para muita gente, o Black Crowes havia se tornado irrelevante. E isso é uma pena. Eles podem não ter lançado mais hits como "Remedy" e "She Talks to Angels", mas haviam crescido, amadurecido e ainda eram capazes de surpreender de uma forma que poucos de seus contemporâneos conseguiam. Em 2008, provaram mais uma vez por que não estavam prontos para serem relegados às páginas da história com "Wee Who See the Deep". Como o beatsway.com bem observa , a faixa tem um groove incrível, com os vocais de apoio adicionando um toque de glamour e a guitarra vibrante de Luther Dickinson mantendo a pegada blues.

9. Kickin’ My Heart Around

Se Chris Robinson não estiver exausto ao final desta próxima música, então ele é mais forte do que a maioria. "Kickin' My Heart Around" são três minutos e meio de pura energia desenfreada. Seu ritmo implacável certamente fará seus pés baterem no ritmo, mas você certamente precisará deitar-se ao final dela.

8. My Morning Song

Em 1992, o The Black Crowes lançou seu segundo álbum , "Southern Harmony and Musical Companion". Comercialmente, não alcançou o mesmo sucesso de "Shake Your Money Maker". Musicalmente, a banda tinha mais profundidade e diversidade do que nunca – foi uma pena que o público não se identificasse mais com o álbum anterior. Mas, embora os sucessos nas paradas tenham sido escassos, o álbum ainda apresentou algumas músicas incríveis. "My Morning Song" é uma faixa cheia de alma e energia que, assim como o resto do álbum, não recebeu o reconhecimento que merecia na época, mas que desde então se tornou uma das favoritas dos fãs.

7. Soul Singing

Como escreve o classicrockhistory.com , "Soul Singing" sempre foi uma das favoritas dos fãs, e com razão. A performance vocal de Chris Robinson é extraordinária. Com influências de blues, visceralidade e alguns toques de gospel, é possivelmente a melhor de toda a sua discografia. Apesar de ter sido lançada vários anos após o auge da banda, essa pérola de 2001 mostra os Crowes em plena forma.

6. Evergreen

Se você sempre gostou da pegada blues do Black Crowes, mas gostaria que eles tivessem explorado mais esse estilo, ouça “Evergreen”. Com o guitarrista Luther Dickinson emprestando seu estilo inconfundível de blues sulista à faixa e Robinson entregando uma performance impecável como nunca antes, são 4 minutos e 22 segundos de puro prazer auditivo.

5. Twice As Hard

Em 1990, o The Black Crowes fez sua entrada triunfal na cena musical com seu álbum de estreia, "Shake Your Money Maker", produzido por George Drakoulias. Não demorou muito para que eles nos mostrassem do que eram capazes. A faixa de abertura do álbum, "Twice As Hard", inspirada no Led Zeppelin, é uma música excelente que não esconde o amor da banda pelo rock clássico. Rick Robinson faz uma ótima imitação de Jimmy Page, com um riff pesado e deslizante que se encaixa perfeitamente sobre a bateria estrondosa – considerando que ele tinha apenas 20 anos na época, o nível de habilidade é impressionante. O resto da banda também não fica atrás.

4. She Talks to Angels

Depois de definir o tom do seu álbum de estreia com a faixa retrô "Twice as Hard", no estilo dos anos 70, a banda não olhou para o futuro em nenhum momento. Mesmo soando como uma banda fora de época, eles ainda conseguiam se conectar com o público dos anos 90, como prova a sublime balada acústica "She Talks to Angels". Inspirada por uma garota gótica que Chris Robinson conheceu em Atlanta, com gosto por heroína e encontros sobrenaturais, "She Talks to Angels" levou a banda ao primeiro lugar na parada US Album Rock Track e ao 30º lugar na US Hot 100.

3. Hard to Handle

A versão de "Hard to Handle" de Otis Redding feita pelo The Black Crowes pode não ter alcançado o mesmo nível de glória da original, mas chegou o mais perto possível. Lançada em 1990, levou o The Black Crowes direto ao primeiro lugar na parada de rock da Billboard. Até hoje, continua sendo uma das melhores músicas da banda.

2. Jealous Again

"Jealous Again" é um clássico absoluto. Retirada do álbum de estreia da banda, "Shake Your Money Maker", é grandiosa, visceral e possivelmente a música mais cativante que o Black Crowes já fez. Se alguma vez uma banda dos anos 90 entregou um número de blues rock tão poderoso que poderia rivalizar até mesmo com o Led Zeppelin, o Black Crowes fez isso aqui.

1. Remedy

Nem toda a música dos anos 90 resistiu ao teste do tempo. Aliás, muita coisa era melhor ignorar na época e é melhor esquecer agora. Mas algumas das músicas que surgiram naquela década não eram apenas boas, eram atemporais. "Remedy" é um exemplo brilhante disso. Quase 30 anos depois de ter chegado ao primeiro lugar das paradas, ela ainda soa tão fresca e relevante como sempre (mesmo que as escolhas de estilo de Chris Robinson no videoclipe não contribuam para isso). Do riff de guitarra cativante que forma a base da música aos vocais cheios de estilo de Robinson, é uma delícia do começo ao fim.

ROCK ART

 

Inade – Aldebaran (1996)

 

Country: Germany

Tracklist

1. Signals From 68 Dimensions 11:21
2. Signals From 68 Dimensions 07:01
3. The Conquest Of Being Separated 10:54
4. The Conquest Of Being Separated 04:49
5. The Crushing Of Earthly Foundations 09:09
6. The Crushing Of Earthly Foundations 05:46
7. The End Of The Beginning 07:45
8. The End Of The Beginning 06:01

 

 Dupla alemã formada por  Knut Enderlein e René Lehmann

Especializada em sons distorcidos, estranhos e hipnóticos desde 1991,
" Aldebaran " é o primeiro pilar da Mitologia Sonora de Inade , com paredes de ondas sonoras sólidas e pulsantes.

explosões esmagadoras de ruídos estelares, lamentos e vozes arrancadas das próprias profundezas do espaço. 

juntamente com extensas faixas de ruídos atonais noturnos que ecoam em catedrais escuras.
O álbum se concentra nos mitos da sociedade alemã Vril de " Aldebaran ",

O sol negro do conhecimento secreto, do qual se diz originar a espiritualidade universal.
O documento definitivo do dark ambient profundo e cavernoso.

MUSICA&SOM ☝

Parca Pace – Parca Pace (1999)

 

Country: Sweden

 

Tracklist

1.  Parca Pace 50:00

 

Parca Pace foi um projeto solo de Jan Carleklev, do Sanctum  , criado no final dos anos 90.
Este lançamento foi originalmente concebido como trilha sonora para uma instalação multimídia.

sobre o fechamento de uma fábrica e os efeitos na comunidade vizinha.
Eventualmente, a ideia se transformou em um álbum completo, e partes dele também seriam incorporadas aos shows ao vivo do Sanctum posteriormente.
Produzido por Samuel Durling, do Mental Destruction , Parca Pace oferece uma variedade de sons industriais.

que se desenrolam numa atmosfera dark ambient, unidas por batidas tribais e passagens neoclássicas hipnóticas.

MUSICA&SOM ☝

EnGrave – Polaris (1997)

 

Country: United States

 

Tracklist

1. Recoil 04:31
2. Into Your Iris (A Longing For Home) 03:30
3. Northeast (Loneliness) 06:56
4. Electron Plasma 04:55
5. Forged In Fire 05:32
6. Eiserner Vorhang 06:11
7. Lebensgefahr 03:17
8. Euro-Span 05:40
9. Soul Probe 05:52
10. Intercession 04:07

Projeto solo de Nathan Morris (também integrante do Novä Sphere ), cofundador da gravadora Velvet Empire , que atuou de meados ao final da década de 90.
Nathan passou a maior parte da vida no Chipre e, em 1989, mudou-se para a Alemanha antes de viver nos Estados Unidos.

onde fundou o Velvet Empire e compôs, em 1996, a primeira demo em cassete do EnGrave  , intitulada " Benediction ".
Sua música é fortemente influenciada pela música europeia e por sua paixão por sons sintetizados.

"Polaris" é uma coleção de músicas escritas entre 1996 e 1997.

(4 novas, 2 retiradas de coletâneas e as 4 músicas da demo " Benediction ")

e capturar o melhor de uma mistura híbrida entre ambient e electro darkwave.
Um segundo álbum estava planejado para lançamento na primavera de 1999, mas isso nunca aconteceu.

MUSICA&SOM ☝

ROCK AOR - Anthony and The Anamals - Moving Emotions (1991)

 

País: Estados Unidos
Estilo: AOR
Ano: 1991

Integrantes:

Anthony - lead vocals, bass, keyboards, guitars
Tim Pfeifer - drums, vocals, sax, harmonica
Randy Flowers - lead guitars, vocals, rhythm guitars

Músicos Adicionados:

Danny Pfeifer - vocals on tracks 8 and 10
Kelly Gesch - vocals on tracks 2, 3 and 10
Terry Wright - vocals on track 8

Tracklist:

01. Refugee
02. Moving Emotions
03. Screamin'
04. Andie
05. Summer Nights
06. The Locomotion
07. Angie
08. All of my Love
09. Lovin' Me Tonight
10. You Stand Strong