TRIUMVIRAT● Illusions on a Double Dimple ● 1974

Artista: TRIUMVIRAT

País: Alemanha

Gêneros: Heavy Prog, Krautrock

Álbum: Illusions on a Double Dimple

Ano: 1974

Duração: 44:21

Lançado no prolífico ano de 1973, "Illusions on a Double Dimple" é um dos magnum opus do TRIUMVIRAT junto ao "Spartacus".  Sempre recebendo comparações ao ELP, algumas das músicas têm um toque mais "Pop" do que as do trio inglês, ou talvez sejam apenas mais melódicas. Jürgen Fritz é certamente um tecladista extremamente talentoso (e com formação clássica também). "Illusions" está no mesmo nível do que o ELP produziu de melhor e não é uma imitação, e também tem a Cologne Opera House Orchestra, além de uma seção de metais de 8 instrumentos e 3 backing vocals femininos. 

Há muitos momentos excelentes de sintetizador e teclado ao longo do álbum, e algumas guitarras e baterias muito boas também. Os instrumentos, as melodias e as letras se encaixam perfeitamente para produzir um álbum clássico de Rock Progressivo/sinfônico.

O primeiro lado do vinil original leva o nome do disco (dividido em 6 partes) e mostra uma mistura soberba de todo o talento da banda. Muito cativante, mas também não muito fácil. Há as piscadelas óbvias em "Tarkus" e "Close to the Edge", portanto, se um pouco de inspiração das lendas da Inglaterra não o incomoda, aprecie o espetáculo desses alemães. A banda ouviu bastante ELP, mas o enquadramento e a produção das músicas são impecáveis. Ótimo, e quero dizer grandes obras de teclado de Fritz, que se formou no conservatório clássico de Colônia. Com Tony Banks e Van der Linden, ele está no topo da lista. Helmut Koellen é mais do que capaz como vocalista e seção rítmica. E, por fim, Hans Bathelt, Grande na bateria. O cara é uma máquina imparável. O Lado B (formato LP original) denomina-se "Mister Ten Percent", assim como a primeira parte do disco é também dividida em 6 músicas, a introdução "Maze" começa mais forte que o lado A, com um piano jazzístico apoiado por trompas, corais mas quando toda a banda entra alcança um som mais agressivo, quase violento especialmente para a bateria. Termina com uma secção que lembra um pouco "Peter Gunn", sobretudo pelo forte baixo, desta vez interpretado por Helmut Köllen.

O álbum é um dos mais claramente Progressivos já gravados, a música, produção, arranjos e habilidade dos músicos são maravilhosos, TRIUMVIRAT é uma das melhores bandas alemãs e "Illusions on a Double Dimple" está entre as grandes realizações do Rock Progressivo. Existem algumas influências óbvias, mas toda banda deve ser influenciada por alguém, então desfrute dessa maravilha.

O relançamento de 2002 é uma remasterização digital das músicas do LP original, mais quatro faixas extras: duas que eu nunca tinha ouvido antes, mais dois singles de músicas do LP original. A qualidade do som é boa.

Faixas:

01. Illusions on a Double Dimple (22:59) :

      a. Flashback (0:54)

      b. Schooldays (3:20)

      c. Triangle (6:55)

      d. Illusions (1:40)

      e. Dimplicity (5:28)

      f. Last Dance (4:42)

02. Mister Ten Percent (21:22) :

      a. Maze (3:01)

      b. Dawning (1:01)

      c. Bad Deal (1:40)

      d. Roundabout (5:49)

      e. Lucky Girl (4:32)

      f. Million Dollars (5:19)

Músicos:

● Jürgen Fritz: Hammond, piano eletrico , piano, Moog, percussão, arranjos

● Helmut Köllen: Baixo, guitarras e vocais

● Hans Bathelt: Bateria e percussão

 

GONG ● You ● 1974

 

Artista: GONG

País: Multi-Nacional

Gêneros: Jazz Rock, Fusion, Canterbury Sound

Álbum: You

Ano: 1974

Duração: 44:39

É preciso estar ciente de que o GONG teve duas eras distintas: os anos do Progressivo espacial/psicodélico e os anos do Fusion. "You" é o último álbum pertencente a era do Progressivo espacial/psicodélico. Em comparação com o álbum anterior, "Angel's Egg", os teclados estão mais onipresentes, espaciais e cósmicos. Os efeitos de guitarra também desempenham um papel fundamental nos arranjos. Há algumas partes de saxofone que conferem um toque jazzístico evidente ao conjunto; e os elementos canterburianos estão se tornando mais escassos. Há algumas excelentes partes de flauta, como na relaxante faixa "Thoughts for Naught", que contém vozes que lembram Zeuhl. Pierre Moerlen utiliza algumas percussões excelentes da família do xilofone, e Mireille Bauer usa essas percussões um pouco mais.

De todos os primeiros álbuns do GONG, este é o único que foi relativamente respeitado pela arte da capa (e também o único que não era uma capa dupla), mas mesmo assim a Charly Records lançou um mini-LP (pelo selo Victor, cat#61174) não apenas respeitando a arte, mas também reproduzindo a letra e as explicações sobre o final da emissão da mensagem de paz, amor e diversão do Planeta GonG pela Radio Gnome Invisible. 

Faixas:

01. Thoughts for Naught (1:30)

02. A P.H.P.'s Advice (1:37)

03. Magick Mother Invocation (2:11)

04. Master Builder (6:09)

05. A Sprinkling of Clouds (8:42)

06. Perfect Mystery (2:25)

07. The Isle of Everywhere (10:21)

08. You Never Blow Your Trip Forever (11:24)

Músicos:

• Daevid Allen: guitarra, vocais

• Steve Hillage: guitarra solo

• Christian Tritsch: slide guitar

• Gilli Smyth: vocais

• Francis Moze: sintetizador VCS3, pianos elétricos e verticais, baixo

• Tim Blake: sintetizadores Moog e EMS, Mellotron, vocais

• Didier Malherbe: saxofones soprano e tenor, flauta

• Pierre Moerlen: bateria, percussão

• Benoît Moerlen: percussão

• Rachid Houari: congas

• Mike Howlett: baixo

• Mireille Bauer: percussão

• Miquette Giraudy: vocais de apoio

GRAVY TRAIN ● Staircase To The Day ● 1974

 

Artista: GRAVY TRAIN

País: Reino Unido

Gênero: Heavy Prog, Hard Rock, Eclectic Prog

Álbum: Staircase To The Day 

Ano: 1974

Duração: 43:53

Não se pode negar, GRAVY TRAIN nunca foi considerada uma banda Progressiva "Top de prateleira", nos proporcionaram alguns momentos memoráveis. Em "Staircase To The Day", temos uma impressionante capa gatefold de Roger Dean para melhorar a experiência auditiva, que pode conter algumas deficiências vocais (Norman tem uma qualidade bastante abrasiva em sua voz, e ele costuma ser muito apaixonado em sua apresentação, isso torna sua voz bastante de um gosto adquirido).

Abrindo o álbum, a faixa dinâmica "Starbright Starlight", sugere que o ouvinte pode ter uma boa experiência com este álbum. O trabalho de sintetizador de Pete Solley é uma delícia, e a música em si é bastante memorável. "Bring My Life on Back To Me" é uma música padrão, mas Norman canta de uma forma muito emocionalmente perturbada, você quase sente sua angústia e decepção, sua dor... "Never Wanted You" é uma música excelente com mellotron (sempre enfeites Progressivos emocionantes) e terminando o primeiro lado está a bela música título de 7 minutos e meio de felicidade Progressiva, com Mary Zinovieff no sintetizador. "Going For A Quick One" começa com um riff decente que leva a uma música Hard Rock com mais trabalho de sintetizador de Solley, os backing vocals dão um toque comercial. "The Last Day" é uma música leve com um belo toque de flauta, mas carece de emoção, "Evening of my Life" é uma balada bonita com piano e a faixa de encerramento "Busted In Schenectady" é bastante épica, cheia de riffs pesados, ótima guitarra e até mesmo um violino elétrico brilhante. 

Este é, de longe, o álbum mais bem-sucedido do GRAVY TRAIN, embora, considerando tanto "Gravy Train" quanto "(A Ballad Of) A Peaceful Man", na verdade não seja um grande feito. Ainda assim, "Staircase To The Day", apesar do título um pouco duvidoso, mostra um grupo aprendendo com seus erros e produzindo um Rock Progressivo genuinamente agradável. Bom disco, mas talvez, não essencial.

Faixas:

01. Starbright Starlight (4:28)

02. Bring My Life On Back To Me (5:48)

03. Never Wanted You (4:04)

04. Staircase To The Day (7:31)

05. Going For A Quick One (5:16)

06. The Last Day (5:36)

07. Evening Of My Life (2:59)

08. Busted In Schenectady (8:11)

Músicos:

- Norman Barratt: guitarras acústicas e elétricas, vocais

- George Lynon: guitarras acústicas e elétricas

- J. D. Hughes: flauta, piano, piano eletrônico, órgão, clavinete, Mellotron

- Lester Williams: baixo

- Russell Cordwell: bateria

Com:

- Mary Zinovieff: sintetizador (faixa 4), violino elétrico (faixa 8)

- Peter Solley: sintetizador (faixas 1,5)

- Jim Frank: bateria e percussão (faixas 1,5), harpa (faixa 3)

- Patricia Cole: backing vocal (faixa 8)

- Gospel Ayres: backing vocal faixa (5)

- Bobby Harrison: backing vocal (faixas 2,5,8)

GREENSLADE ● Spyglass Guest ● 1974

Artista: GREENSLADE

Paíse: Reino Unido

Gênero: Symphonic Prog

Álbum: Spyglass Guest

Ano: 1974

Duração: 38:40

Músicos:

● Dave Greenslade: teclados (faixas 1,4,5,7,8)

● Dave Lawson: teclados e vocais (exceto faixa 1)

● Tony Reeves: baixo (faixas 1,2,4,5,7,8)

● Andy McCulloch: bateria e percussão

Músicos convidados:

● Clem Clemson: guitarras (faixas 2,4)

● Jeremy Ensor: gravação de campo (faixa 3)

● Andy Roberts: guitarra acústica (faixa 4)

● Graham Smith: violino (faixa 5)

● Gregg Jackman: gravação de campo (faixa 5)

Apresentando uma qualidade musical equivalente aos dois álbuns anteriores "Spyglass Guest" (gravado no Morgan Studios Nr. 3. na cidade de Londres, em agosto de 1974), foi o mais bem sucedido trabalho do GREENSLADE, chegando ao 34º lugar nas paradas musicais do Reino Unido.

Nesse álbum a banda conta com alguns convidados especiais: o guitarrista Dave Clem Clempson (ex COLOSSEUM e HUMBLE PIE), o violinista escocês Graham Smith (membro do STRING DRIVEN THING e que participa apenas na faixa ""Joie de Vivre") e o guitarrista Andy Roberts. Ambos colaboraram em algumas composições deixando as suas marcas registradas nesse grandioso álbum, considerado com uma dos melhores da curta carreira do GREENSLADE.

O álbum começa fantasticamente com o grande tema instrumental "Spirit of the Dance" utilizando de uma extravagância orientada ao teclado em um estilo similar ao de Emerson. Lake & Palmer Na segunda faixa as coisas já tomam um outro rumo, "Little Red Fry-Up" é um número peculiar, com um vocal que lembra um pouco GENTLE GIANT. "Rainbow" é um número vocal "nebuloso" e lento, muito melodioso e agradável, é uma peça curta. "Siam Seesaw" é outro tema instrumental suave com violões de bom gosto criados pelo convidado Andy Roberts, bem como a guitarra elétrica de Clem Clemson. Mais uma vez, a presença de guitarras é uma surpresa muito agradável. "Joie de vivre" com seus 8 minutos e meio, muitas vezes considerada a peça central do disco, possui um belo som de órgão tubular de igreja feito por Greg Jackman combinando perfeitamente com o lindíssimo violino de Graham Smith, que lembra ligeiramente do som do KANSAS. "Red Light" começa lenta e descontraída, mas, em seguida, se transforma em algo mais agitado. "Melancholic Race" evolui para algo mais jazzístico e finalmente, o álbum termina com uma versão cover de "Theme For An Imaginary Western", sendo um final extraordinário para esse álbum.

Faixas:

01. Spirit of the Dance (5:08)

02. Little red Fry-up (5:11)

03. Rainbow (4:20)

04. Siam Seesaw (4:43)

05. Joie de Vivre (8:25)

06. Red Light (2:47)

07. Melancolic Race (4:15)

08. Theme for an Imaginary Western (3:51)

GROBSCHNITT ● Ballermann ● 1974

Artista: GROBSCHNITT

País: Alemanha

Gênero: Symphonic Prog

Álbum: Ballermann

Ano: 1974

Duração: 73:26

Depois de sua excelente estreia, o GROBSCHNITT retornaria com um álbum duplo chamado "Ballermann". Cinco músicas compreendendo o primeiro LP e o segundo disco nos oferecendo a primeira versão de sua masterpiece, uma versão de estúdio da fantástica "Solar Music" que se tornaria muito popular cinco anos mais tarde com o álbum "Solar Music Live".

Algumas mudanças de staff ocorreram após o lançamento de seu primeiro álbum como Eroc sendo o único baterista agora e Volker Kährs apelidado de Mist assumindo os teclados. Tal como o primeiro álbum, "Ballerman" é uma mistura de diversos estilos de música, uma nova grande experiência. A banda inclui desde canções com atmosfera de um grupo de bêbados numa festa ao mais delicado Progressivo Sinfônico.

O som é mais moderado do que em sua estréia furiosa com ritmos de groovy do Santana e sons de guitarra soltos, tudo isso desapareceu em virtude de uma abordagem mais polida, mais progressista. No entanto, o sentido típico do humor do GROBSCHNITT é bem presente com a abertura, a hilariante "Sahara". Não que essa música vai ganhar nenhum prêmio Prog, mas pelo menos é engraçada com Eroc narrando como um bêbado com um forte sotaque alemão. Quem disse que os alemães não são divertidos? pelo menos os membros de GROBSCHNITT são. 

"Nickel-Odeon" nos traz de volta a banda inicial, com uma boa guitarra forte ajudado pelo background de um órgão exuberante, em seguida, um poderoso vocal de Wildschein segue ajudado pela guitarra de muito bom gosto. Wildschwein canta expondo seu coração, gritando de forma muito comovente. Ele soa como se estivesse pronto para cometer suicídio ou que tivesse perdido tudo o que lhe era querido. Não é uma canção para animar com certeza! mas uma bela mostra de que a banda também pode entregar emoções e som grave. O tecladista é grandioso e ajudou a música soar mais rica do que antes, mais uma vez o guitarrista Lupo é o herói que vai do Hard Rock frenético à introspecção melancólica.

Segue-se, "Drummers Dream" soa mais como futuro GROBSCHNITT no período de "Rockpommel's Land", uma balada mid-tempo com arranjos sinfônicos. Lupo e Mist novamente fazem um bom trabalho com seus respectivos instrumentos. 

A quarta faixa, "Morning Song" segue o mesmo padrão da faixa anterior, uma balada psicodélica muito bucólica com guitarra acústica, clavinet e vocais.

A doce faixa de 13 minutos "Magic Train" abre com um belo solo de piano clássico de Mist, um prazer divino cortado pela aparência dos vocais de Wildshwein e quebras de guitarra de Lupo e uma longa jornada atmosférica, Alguns fãs atribuem uma forte influência do GENESIS nessa canção.

O destaque do álbum é, naturalmente, a versão de estúdio de "Solar Music" que dura 33 minutos, ainda longe dos 80 minutos ao vivo do disco de 1978. Todos os temas principais desta fantástica peça de música estão presentes aqui, mas é de modo algum a versão definitiva como seria posteriormente. No entanto, esta é uma boa maneira de começar com "Solar Music", se você não tinha ouvido falar dela ainda! Esta é uma viagem espacial com todos os elementos que fazem o Rock Progressivo grandioso. 

Faixas:

Disc 1

01. Sahara (5:33) 

02. Nickel-odeon (9:14)

03. Drummer's dream (6:11)

04. Morning song (5:42)

05. Magic train (13:20)
Duração: 40:00

Disc 2

6. Solar-music part 1 (17:28)

7. Solar-music part 2 (15:58)

Duração: 33:26

Músicos:

● Stefan Danielak (Wildschwein): Vocal e guitarras

● Joachim Ehrig (Eroc): Bateria, percussão, voz (1) e efeitos eletrônicos

● Volker Kahrs (Névoa): Teclados

● Gerd-Otto Kühn (Lupo): Guitarra solo

● Bernhard Uhlemann (Bär): Baixo

KING CRIMSON ● Red ● 1974

Artista: KING CRIMSON

País: Reino Unido

Gêneros: Eclectic Prog, Heavy Prog

Álbum: Red

Ano: 1974

Duração: 39:57

Lançado em 1º de outubro de 1974 pela Island Records no Reino Unido e Atlantic Records na América do Norte e Japão, "Red" é o sétimo álbum de estúdio da banda inglesa KING CRIMSON, produzido pela própria banda. "Red" é um álbum de Rock Progressivo com um som visivelmente mais pesado do que os álbuns anteriores; E isso foi conseguido com as performances de apenas três membros da banda: o guitarrista Robert Fripp, o baixista e vocalista John Wetton e o baterista Bill Bruford. O som denso do álbum foi criado pelo uso de camadas significativas, vários overdubs de guitarra e participações importantes de músicos, incluindo o membro fundador do KING CRIMSON, Ian McDonald, o oboísta clássico Robin Miller e o trompetista de Jazz inglês Mark Charig.

Aproximadamente duas semanas antes do lançamento do álbum, a banda se desintegrou, o que afetou "Red", que acabou sendo o álbum de menor sucesso na época, passando apenas uma semana na UK Albums Chart na posição 45 e na Billboard 200 dos EUA na posição 66. No entanto, foi bem recebido entre fãs e críticos, e recebeu mais elogios retrospectivamente, sendo reconhecido como um dos melhores trabalhos da banda, e reeditado diversas vezes. Perto da conclusão da turnê de 1974 do KING CRIMSON pelos Estados Unidos e Canadá, foi tomada a decisão de pedir a David Cross para deixar a banda. EG, o empresário da banda, pediu a Fripp que não contasse a Cross antes da data final da turnê, mas ele não seria capaz de fazer isso de qualquer maneira, já que Fripp não retornaria dos EUA até que Cross retornasse à Europa. Fripp concordou que a administração da EG contaria a Cross, "desde que [Cross] fosse informado de que eu me opus a não contar a ele pessoalmente". No entanto, EG não informou Cross, esperando até 7 de julho, um dia antes do início da gravação de "Red". As gravações ocorream no estúdio 2 do Olympic Studios em Barnes, Londres. A banda se reuniu com o engenheiro de gravação George Chkiantz, que já havia trabalhado com eles em "Starless and Bible Black". Chkiantz lembrou-se de Fripp colocando a si mesmo e seu amplificador de guitarra na cabine do baterista, "sentado em um banquinho com a luz apagada, possivelmente com a porta fechada, basicamente tocando quando o material estava contado". Necessário no estúdio, ele foi de bicicleta para casa, deixando Wetton e Chkiantz para gravar os vocais. Com as faixas de apoio canceladas a banda trouxe de volta vários colaboradores de álbuns anteriores no lugar de Cross: Robin Miller no oboé Mark Charig na corneta os ex-membros do KING CRIMSON Ian McDonald e Mel Collins nos saxofones bem como músicos não creditados no violoncelo e contrabaixo.

O álbum segue a direção estabelecida por seus dois álbuns anteriores, "Larks' Tongues in Aspic" (1973) e Starless and Bible Black" (1974), mas em contraste com esses álbuns, "Red" apresenta uma produção mais em camadas com múltiplos overdubs, também como o retorno da instrumentação anterior dos músicos convidados. O tom mais pesado de "Red" foi em grande parte devido à influência da seção rítmica de Wetton e Bruford, a quem Fripp chamou de "uma parede de tijolos voadora". Durante a gravação do álbum, Fripp, cada vez mais inseguro sobre a direção do grupo, ficou em segundo plano ao tomar grandes decisões, deixando Wetton e Bruford decidindo o conteúdo final. Wetton e Bruford acreditavam que Fripp estava apenas "puxando outro temperamental", mas na semana anterior à gravação, Fripp descobriu as obras do místico John G. Bennett e decidiu tirar "um ano sabático ... no Bennett's Institute". Fripp ofereceu a EG a ideia de McDonald voltar à banda em sua ausência. Quando esta idéia foi recebida com falta de interesse, Fripp dissolveu abruptamente o KING CRIMSON em 24 de setembro de 1974, e "Red" foi lançado duas semanas depois.

Muito do material de "Red" tem origem na improvisação. Os motivos que eventualmente seriam usados ​​​​em "Fallen Angel" foram tocados pela primeira vez por Fripp em 1972 como parte de improvisações realizadas com a formação do quinteto que gravou "Larks' Tongues in Aspic". Essas improvisações estão documentadas como "Fallen Angel" e "Fallen Angel Hullabaloo" no box set "Larks' Tongues in Aspic: The Complete Recordings", bem como lançamentos independentes de seus respectivos shows. A introdução distinta de "One More Red Nightmare" foi implantada por Wetton e Fripp em várias improvisações ao longo de 1974, que podem ser ouvidas nos box sets "Starless and The Road to Red". Por último, "Providence" em si foi uma improvisação, retirada do show do grupo em 30 de junho de 1974 em Providence, Rhode Island. Foi lançado sem cortes em vários lançamentos, como o box set "The Great Deceiver" e a edição do 40º aniversário do álbum. "Red" foi composta exclusivamente por Fripp. Em uma análise da peça do compositor Andrew Keeling, ele descreve "Red" como "uma peça instrumental com trilha sonora para guitarra elétrica (multi-track em três camadas), baixo e bateria", bem como "uma das peças mais musculosas de Robert Fripp, em particular a implantação de cordas abertas e baixo e bateria fortemente atacados e sincopados."Em um diário online de 2012, Fripp escreveu sobre seu desenvolvimento: "Um motivo; movido de [a peça que falta]" Azul para "Red": o tema de abertura e encerramento de "Red" em si. A figura motriz e implacável que o segue, e a figura intermediária tocada pelos baixos, não foram suficientes para uma peça completa." A faixa foi cancelada. Fripp relembrou: "Nós a reproduzimos e Bill disse: 'Não entendi, mas se você me disser que é bom, confio em você.' ... Eu disse: "Não precisamos usá-lo." John não teve dúvidas: "Vamos usá-lo." "[14] Uma variação não utilizada da seção intermediária da música surgiria mais tarde nos ensaios de composição de "Three of a Perfect Pair" (1984). Embora não tenha sido utilizada, finalmente viu luz como a seção intermediária do instrumental "VROOOM VROOOM" em "THRAK" (1995).

A faixa que fecha o disco, "Starless" foi originalmente escrita por Wetton, com a intenção de ser a faixa-título de "Starless and Bible Black". Na época, a peça consistia apenas na seção vocal da música, e Wetton afirma que teve uma "recepção fria" de Fripp e Bruford. Mais tarde, um tema introdutório foi concebido por Fripp e tocado no violino por Cross, e duas seções adicionais foram adicionadas após o vocal, uma delas com contribuição de Bruford. A seção final reprisa vários temas ouvidos anteriormente na música, e também reutiliza uma parte do baixo que foi originalmente escrita para "Fracture" em "Starless and Bible Black". Este arranjo inicial de "Fracture" pode ser ouvido no box set "Starless", bem como nos lançamentos independentes de seus respectivos shows. A letra passou por várias iterações, com um verso inicial posteriormente incluído por Wetton em "Caesar's Palace Blues", uma música que ele tocaria com U.K. Como o título "Starless and Bible Black" já foi usado para uma improvisação no álbum anterior do grupo, o título da música foi abreviado para "Starless". No álbum, "Starless" é creditado ao quarteto, assim como ao letrista Richard Palmer-James.

Um álbum muito forte e embora mais simplificado em algumas partes, "Red" tem a distinção de também ser provavelmente o álbum mais popular do KC. Pode não ser o melhor álbum, mas é excelente, e essencial pelo simples fato de conter "Starless", uma música que todo Proghead precisa ouvir. Um grande exemplo de Rock Progressivo. 

Faixas:

01. Red (6:17)

02. Fallen Angel (6:03)

03. One More Red Nightmare (7:10)

04. Providence (8:10) *

05. Starless (12:17)

* Instrumental improv recorded at Palace Theatre, Providence, Rhode Island, US, June 30, 1974

Músicos:

- Robert Fripp: guitars, Mellotron

- John Wetton:  bass, vocals

- Bill Bruford: drums & percussion

Com:

- David Cross:  violin (4,Video1-4), Mellotron (Video1-4)

- Mark Charig: cornet (2), double bass (1)

- Mel Collins: soprano saxophone (5)

- Ian McDonald: alto saxophone (3,5)

- Robin Miller: oboe (2)

DE Under Review Copy (DOYO)

Projecto de um disco só, editado numa fase em que todos tinham direito a gravar e a editar. Formado por alguns ex-elementos dos Beatnicks - Fernando (aka Doio Kaosos, teclas), Luis Araújo (bateria), Joca Sacadura (aka Jedo, guitarra) e Ramiro Martins (aka Rollo, baixo) -, os Doyo faziam musica anacrónica e desinteressante, o que provocou más críticas e completo desinteresse por parte do público. O mau gosto acabou por ser extensível a todo o produto, incluindo a imagem da banda e a capa do disco editado pela Polygram. Face às reacções adversas, o projecto teve uma vida extremamente curta. Ramiro Paulo Martins fez também parte dos Trains In A Station e foi o autor da música da série "Filmezinhos do Sam" de 1988. Ramiro Martins faleceu em 1998.

DISCOGRAFIA

 
...A QUEM DOER [LP, Polygram, 1981]

ROCK ART

 

Nº1 Please Hammer Don’t Hurt ‘Em – M.C. Hammer, Junho 9, 1990

 Producer: M.C. Hammer

Track listing: Here Comes the Hammer / U Can’t Touch This Have You Seen Her / On Your Face Help the Children / Dancin’ Machine / Pray / Crime Story / She’s Sort and Wet / Lets Go Deeper

9 de junho de 1990,
21 semanas (não consecutivas)

Em 1989, o estilo pop do rap de MC Hammer já havia se provado um sucesso. Seu álbum de estreia pela Capitol Records, Let's Get It Started , alcançou o topo da parada Top Black Albums e chegou ao 30º lugar na lista Top Pop Albums, gerando dois singles no Top 5 da Hot Rap: “Pump It Up” e “Turn This Mutha Out”. No entanto, poucos poderiam prever o enorme sucesso de seu álbum seguinte, Please Hammer Don't Hurt 'Em .

Na juventude, Stanley Kirk Burrell tinha duas paixões: beisebol e música. Ele idolatrava James Brown, mas foi sua paixão pelo beisebol que o levou ao Oakland Coliseum para assistir aos jogos do A's. Certo dia, o dono do A's, Charlie Finley, viu Burrell, então com 11 anos, executando uma coreografia no estilo de James Brown no estacionamento do estádio. Finley ficou tão impressionado que o convidou para trabalhar como apanhador de bolas. Burrell logo ganhou o apelido de "Little Hammer" (Pequeno Martelo) por sua semelhança com o rei dos home runs, "Hammerin'" Hank Aaron.

Embora os sonhos de Hammer de se tornar jogador profissional de beisebol não tenham se concretizado, sua ligação com o Oakland Athletics o ajudou a lançar sua carreira musical. Dois jogadores do A's investiram US$ 20.000, permitindo que ele lançasse sua gravadora, a Bustin' Records. Ele vendeu seu primeiro single, "Ring 'Em", no porta-malas do carro e, eventualmente, gravou um álbum chamado Feel My Power . O álbum e as performances de Hammer nas pistas de dança foram suficientes para garantir um contrato com a Capitol Records, que adiantou a Hammer US$ 750.000 para gravar músicas adicionais. O álbum, com as novas canções, foi renomeado para Let's Get It Started .

Please Hammer Don't Hurt 'Em foi gravado no Bus-Estúdio Móvel Bust It enquanto Hammer estava em turnê para promover Let's Get It Started . "Gravamos quando podíamos", diz Hammer, "durante o dia, enquanto viajávamos, e à noite, depois dos shows. Foi um trabalho em andamento, feito na América, de cidade em cidade, de estado em estado."

Para a base musical de várias canções do álbum, Hammer recorreu a seus ídolos. Ele gravou versões rap de “Have You Seen Her”, do Chi-Lites, “On Your Face”, do Earth, Wind & Fire, e “Dancing Machine”, dos Jackson 5. Em outras faixas, ele sampleou Prince e Marvin Gaye de forma tão significativa que lhes concedeu créditos de coautoria. “São todos músicos que eu considero excelentes”, diz Hammer.

No entanto, foi a versão de Hammer para o sucesso de Rick James de 1981, "Super Freak", intitulada "U Can't Touch This", que impulsionou Please Hammer Don't Hurt 'Em nas paradas de álbuns. Hammer obteve a autorização dos advogados de James para usar o sample da faixa. Contudo, James, que era contra o uso de samples de sua música, só soube do uso por Hammer quando ouviu a canção no rádio. Nessa altura, já era tarde demais. "U Can't Touch This" alcançou o oitavo lugar uma semana depois de Please Hammer Don't Hurt 'Em chegar ao topo das paradas de álbuns, já que a Capitol retirou o single da lista para impulsionar as vendas do álbum.

Com “Have You Seen Her” e “Pray” posteriormente se tornando sucessos entre os cinco primeiros, Please Hammer Don't Hurt 'Em se tornou o grande sucesso do rapper, acumulando o maior número de semanas em primeiro lugar desde Purple Rain , de Prince .

OS CINCO MELHORES
Semana de 9 de junho de 1990

1. Please Hammer Don't Hurt , 'Em MC Hammer
2. I Do Not Want What I Haven't Got , Sinead O'Connor
3. Brigade , Heart
4. Pretty Woman , trilha sonora
5. Poison , Bell Biv Devoe