Empire - Chasing Shadows [2007]

 

O guitarrista alemão Rolf Munkes sempre contou com músicos da primeira linha do Rock pesado em seu projeto Empire. Já passaram pela formação do grupo, entre outros, figuras de folha corrida incontestável, como Tony Martin, Mark Boals, Don Airey e Anders Johansson. Mas após alguns discos, o músico decidiu dar um tempo na empreitada, passando a se dedicar a outras atividades – entre elas, a participação na banda tr00 Majesty. O retorno, com The Raven Ride, apesar de toda a qualidade, não rendeu tão bons frutos como nos trabalhos anteriores. Era necessária uma mudança de ares e isso começaria por algumas mudanças no line-up.

Para gravar o novo trabalho, apenas o baixista Neil Murray (Black Sabbath, Whitesnake, Brian May Band) permanecia ao lado de Rolf. Mas os novos recrutados também eram do mais alto gabarito. E seria necessário mais que um parágrafo para colocarmos o currículo de Doogie White e Mike Terrana no post, já que os figuras trocam de banda como a gente troca de roupa íntima. Sendo assim, vamos deixar essa parte de lado. De qualquer modo, a experiência dos envolvidos cai como uma luva no álbum. Chasing Shadows traz o quarteto mandando ver num Heavy Metal tradicional, potente e de execução primorosa, como já era de se esperar vindo desse grande time.

A faixa-título, com sua pegada à la Sabbão da fase Headless Cross/TYR dá uma idéia de como a coisa se desenvolve. A pegada mais técnica em “The Alter” e a indefectível melodia de “Mother Father Holy Ghost” (minha preferida) prendem a atenção do ouvinte. A semibalada “Child Of Light” parece ter saído diretamente da Escola Tony Iommi, assim como a rifferama da acelerada “Tahigwan Nights”, outro grande destaque do play. “Angel and the Gambler” mistura Hard e Heavy com classe, além de trazer um dos melhores momentos de Doogie e um refrão marcante, daqueles que a gente ouve e sai cantando junto.

Um momento mais suave em “A Story Told” prepara terreno para o encerramento com “The Rulers Of the World” e seus backing vocals perfeitamente encaixados. Só a escalação de feras já justificava a conferida. Mas, além disso, temos aqui um álbum consistente, pesado e melódico na medida certa, com vários momentos marcantes, feito por quem conhece o gênero e tem crédito. Uma bela mescla da sonoridade do passado com uma gravação atualizada. Fãs dos envolvidos não podem deixar de ter em suas coleções!

Doogie White (vocals)
Rolf Munkes (guitars, keyboards)
Neil Murray (bass)
Mike Terrana (drums)

01. Chasing Shadows
02. The Alter
03. Mother Father Holy Ghost
04. Sail Away
05. Child Of The Light
06. Tahigwan Nights
07. Manic Messiah
08. Angel And The Gambler
09. A Story Told
10. The Rulers Of The World

Morcegos - Itsu Nocte Buoi Del'animo Falls (Metadesi) - 2024

 

Gênero: Death Metal

1. Live and dream

2. Win

3. Malediction

4. Bitches of the night

5. Bats

6. The end of the world

7. Heaven

MUSICA&SOM ☝

Morcegos - Ad Hort - 2025 (EP)

 

 

Gênero: Death Metal

1. You Don't Know How To Be Free

2. So Many Thing For Nothing

3. Morcelandia

4. Idiots Keep Partying

5. I Don't Know

6. Every Second

7. Back To The Garden

MUSICA&SOM ☝

Póstuma - Pythía - 2025

 

 

Gênero: Melodic Death Metal

1. Pandora

2. Saturno

3. Prometheus

4. Dionysus

5. Minerva

6. Lotophages

7. Gaya

8. Atlas

9. Delphi

10. Vulcano

11. Magnolia

MUSICA&SOM ☝

George Harrison – Let It Roll (2009)

George Harrison faleceu em um hospital de Hollywood, em Los Angeles, no dia 29 de novembro de 2001, aos 58 anos, vítima de câncer de pulmão. Hoje, nove anos se passaram desde então, e essa é a desculpa perfeita para compartilhar este fabuloso álbum aqui no P&C
.
"Let It Roll" é a terceira coletânea da carreira de Harrison , lançada em 16 de junho de 2009, e a primeira a abranger completamente sua trajetória musical solo. Inclui canções originalmente lançadas pela EMI e pelo próprio selo de Harrison , Dark Horse Records . Todas as faixas foram remasterizadas digitalmente, e é realmente uma ótima coleção de seu trabalho.

George Harrison – Wonderwall Music (1968)

George Harrison foi o primeiro Beatle a alcançar o primeiro lugar nas paradas com um álbum solo em 1970 com "My Sweet Lord". Ele demonstrou naquele exato momento o que muitos de seus fãs já sabiam com músicas como "Something": seu talento como compositor estava no mesmo nível dos dois gigantes do grupo, Lennon e McCartney.

Wonderwall Music é o primeiro álbum solo de George Harrison e a trilha sonora do filme Wonderwall. A maioria das faixas é instrumental, com exceção de alguns vocais indianos e uma faixa que inclui diálogos falados. Foi gravado em parte em dezembro de 1967 na Inglaterra e em parte em Bombaim, Índia, em janeiro de 1968. Wonderwall Music é notável por ser o primeiro trabalho solo de um Beatle, embora em junho de 1967 Paul McCartney tenha composto a trilha sonora do filme The Family Way, que contém música de fundo e não é considerada um álbum oficial.
Enquanto a maioria dos músicos indianos é creditada com seus nomes reais, Eric Clapton, Ringo Starr e Peter Tork, entre outros, são listados com pseudônimos. Harrison também é creditado como produtor, compositor e arranjador.
Além do álbum, a canção "The Inner Light", que apareceria como lado B do single "Lady Madonna" e seria o último lançamento pela gravadora Parlophone no Reino Unido e pela Capitol Records nos Estados Unidos, foi gravada aproveitando a presença de músicos indianos nos estúdios de gravação. Assim, Wonderwall Music também representa o primeiro álbum de um Beatle lançado pela gravadora Apple Records, criado pelo grupo semanas antes do lançamento do Álbum Branco.

Apesar de não ter entrado nas paradas britânicas, Wonderwall Music alcançou a posição #49 nas paradas americanas no início de 1969.

As faixas 2, 5, 8, 10, 11, 14, 16 e 18 foram gravadas na Inglaterra, enquanto as faixas 1, 3, 4, 6, 7, 9, 12, 13, 15, 17 e 19 foram gravadas na Índia.

Músicos:
Inglaterra (dezembro de 1967)

John Barham: piano e flugelhorn;
Colin Manley: guitarra e steel guitar;
Tony Ashton: piano e órgão;
Philip Rogers: baixo;
Roy Dyke: bateria;
Tommy Reilly: gaita;
Peter Tork: banjo;
Eddie Clayton (Eric Clapton): guitarra;
Richie Snare (Ringo Starr): bateria

Índia (janeiro de 1968)

Aashish Khan: sarod
Mahapurush Misra: tabla e pakhavaj|pakavaj
Sharad Jadev: shehnai
Hanuman Jadev: shehnai
Shambu-Das: cítara
Indril Bhattacharya: cítara
Shankar Ghosh: cítara
Chandra Shekhar: sur-bahar
Shiv Kumar Sharma: santoor
SR Kenkare: flauta
Vinaik Vora: thar-shehnai
Rij Ram Desad: harmônio e tabla-tarang

Tracklist:

01. Microbes
02. Reed lady too
03. Tabla and Pakavaj
04. In the park
05. Drilling a Home
06. Guru Vandana
07. Greasy Legs
08. Ski-ing
09. Gat kirwani
10. Dream Scene
11. Party seacombe
12. Love Scene
13. Crying
14. Cowboy Music
15. Fantasy Sequins
16. On the bed
17. Glass Box
18. Wonderwall to be here
19. Simging Om

Ella Fitzgerald & Louis Armstrong – Porgy & Bess (1975)

O nome original de Gershwin era Jacob Gershovitz. Ele era filho de imigrantes judeus russos, Moris e Rose, que se casaram nos Estados Unidos. Nascido no Brooklyn em 1898, ele nunca concluiu o ensino médio e viveu em tamanha pobreza que contraiu poliomielite.
Mas o aspecto mais notável de sua biografia é que ele criou uma peça sobre trabalhadores negros na Carolina do Sul em 1920, que mais tarde se tornaria "a ópera americana".
Porgy and Bess nem sempre foi bem recebida pela crítica. Alguns especialistas e defensores dos direitos humanos a criticaram duramente por "refletir estereótipos antigos e falsos sobre os afro-americanos".

Interpretada brilhantemente por Louis Armstrong e Ella Fitzgerald, a ópera consiste em canções individuais e cenas corais, conectadas por diálogos e texto falado. Algumas das canções que se tornaram sucessos musicais incluem “Summertime”, “I Got Plenty O' Nuttin'” e “It Ain't Necessarily So”.

Em 1926, Gershwin leu o romance Porgy, de DuBose Heyward, escrito por um nativo de Charleston, Carolina do Sul, e imediatamente escreveu ao autor sugerindo uma colaboração em uma ópera folclórica baseada no romance. No entanto, foi somente em 1934, após anos de correspondência, que George e Ira Gershwin se encontraram com DuBose Heyward em Charleston para escrever a ópera que vinha germinando na imaginação do compositor havia vários anos.
O romance de Heyward foi inspirado por um artigo de jornal da época que contava a história de um homem negro com deficiência que cometeu um crime em um momento de paixão. O artigo era baseado na história de um personagem da vida real, bastante popular na época, chamado "Sammy, o Bode". Sammy não conseguia ficar em pé e era obrigado a ser transportado em uma carroça puxada por um bode.
Mais tarde, Sammy se tornaria Porgy, um homem negro com deficiência capaz de tudo por seu amor por Bess. Ele a ama, mas ela é seduzida por outro morador da vila, um oportunista negro e meio vigarista que Bess segue até Nova York. Na cena final, Porgy, ao saber que sua amada partiu, pega sua carroça e dirige desesperadamente para encontrá-la.

Para contar essa história dramática e ao mesmo tempo bem-humorada, George, Ira e Heyward passaram um verão inteiro em Folly Beach, uma ilha a 15 quilômetros de Charleston, de onde podiam observar os Gullahs, um grupo isolado de pessoas negras que viviam na Ilha de James. Eles se inspiraram neles para retratar os moradores de Catfish Row que aparecem na ópera.

“Jamais me esquecerei da noite em que, em uma reunião de pessoas negras em uma ilha remota, Gershwin começou a gritar com elas. E, para espanto de todos, ele se tornou o ‘campeão dos gritos’” (gritar é um ritmo originário da África, obtido batendo palmas e pés para acompanhar cânticos espirituais), disse Heyward, descrevendo a interação do compositor com as pessoas que inspirariam sua obra.
A ópera se passa em Catfish Row, um assentamento negro em Charleston, Carolina do Sul. Gershwin acreditava firmemente que ela deveria ser interpretada por pessoas negras, mas, na época, era difícil encontrar artistas negros com experiência em ópera.
Gershwin esteve envolvido em todo o processo de seleção do elenco e produção de sua ópera. Todd Duncan, o primeiro Porgy, lembra que o compositor “percorreu o país inteiro em busca de seu Porgy”. Ele também observa que, quando finalmente decidiram contratá-lo, disseram-lhe que ele só precisaria cantar duas ou três músicas na audição, mas, na realidade, o fizeram cantar por mais de uma hora e meia. “Foi incrível. Em certo momento, George e Ira arrancaram a partitura da minha mão e começaram a cantar eles mesmos com suas vozes horríveis e envelhecidas, mas com tanta emoção que me fizeram chorar”, relembra o primeiro intérprete de Porgy.

A ópera estreou em Boston em setembro de 1935 e foi recebida com entusiasmo tanto pelo público quanto pela crítica. Com algumas alterações, foi remontada em Nova York em 10 de outubro de 1935. Houve apenas 124 apresentações de Porgy and Bess na Broadway, e levou vários anos para recuperar o investimento. Nunca foi muito bem recebida. Um grande número de críticos e compositores negros, como Duke Ellington, criticaram a ópera. "Nenhum homem negro seria enganado por Porgy", disse Ellington em um artigo de jornal.
Dois anos após a estreia, Gershwin morreu de um tumor cerebral, pouco antes de completar 39 anos. Em 1959, uma versão cinematográfica produzida por Samuel Goldwyn e dirigida por Otto Preminger foi duramente criticada por retratar estereótipos. Durante anos, Porgy and Bess fez mais sucesso na Europa, onde era considerada "a verdadeira ópera americana", do que nos Estados Unidos.

A primeira versão completa de Porgy and Bess em seu país de origem foi encenada em Houston, em 1970, sob a regência de John de Main e com grande aclamação. A ópera foi finalmente produzida no Metropolitan Opera cerca de 50 anos depois da estreia. O aspecto notável de Porgy and Bess é que se trata da única ópera baseada no jazz das décadas de 1920 e 30 a sobreviver ao período pós-guerra, quando os compositores começaram a usar o jazz de forma satírica.

Por meio dessas obras, e de Porgy and Bess, Gershwin tornou-se, sem dúvida, o pianista e compositor americano que combinou com maior sucesso elementos do jazz e melodias populares americanas, abordando alguns dos temas mais profundos da condição humana.

Tracklist:

01. Overture
02. Summertime
03. I Wants To Stay Here
04. My Man’s Gone Now
05. I Got Plenty O’ Nuttin’
06. Buzzard Song
07. Bess, You Is My Women Now
08. It Ain’t Necesarily So
09. What You Want Wid Bess?
10. A Woman Is A Sometime Thing
11. Oh, Doctor Jesus
12. Medley: Here Come De Honey Man; Crab Man; Oh, Dey’s So Fresh
13. There’s A Boat Dat’s Leavin’ Soon For New York
14. Bess, Oh Where’s My Bess?
15. Oh Lawd, I’m On My Way

George Benson – Give Me The Night (1980)

George Benson nasceu em Pittsburgh em 22 de março de 1943. Ele é um dos guitarristas e vocalistas de jazz mais populares das últimas décadas, com um domínio magistral da velocidade e do swing.  Benson começou sua carreira artística como cantor, apresentando-se em casas noturnas aos oito anos de idade e gravando quatro singles para a RCA em 1954. Ouvir Christian Montgomery e Charlie Parker despertou seu interesse pelo jazz e, por volta de 1962, ele começou a tocar na banda de Brother Jack McDuff . Ele lançou seu primeiro álbum solo aos 21 anos e, gradualmente, suas gravações o transformaram em uma estrela no mundo do jazz, mas ele só começou a alcançar popularidade generalizada depois de assinar com a Warner em 1976. Seu primeiro álbum por esta gravadora, * Breezin' *, tornou-se o álbum de jazz mais vendido de todos os tempos.

***

Este álbum marca o auge da popularidade de George Benson . Um disco soberbo, tanto pelas canções quanto pela performance, produzido por Quincy Jones e sua equipe: o engenheiro de som Bruce Swedien e o compositor Rod Temperton.

Há algumas faixas verdadeiramente excepcionais, como "Moody's Mood", que por si só já basta para colocar Benson entre os melhores vocalistas de jazz. "Dinorah, Dinorah ", do brasileiro Ivan Lins , é outro destaque. E, claro, há a faixa-título: um verdadeiro clássico.

A guitarra de Benson fica em segundo plano (apenas duas faixas são instrumentais), mas a produção é tão boa que até isso se torna quase irrelevante. Um álbum que vale seu peso em ouro.

Jacques Siroul - Dance, Jazz, Funk & Harmonica (Belgium)

 

Jacques Siroul já teve suas obras tocadas em programas da NTS, incluindo Acid Memories com Astral Vibes, com a música Escupo sendo executada pela primeira vez em 13 de julho de 2014. Pianista e gaitista, fascinado por sintetizadores, Jacques Siroul nasceu em 3 de junho de 1952 em Bruxelas e compôs mais de 350 obras para mídia, publicidade, animação, filmes corporativos e musicais. Hoje, ele se dedica principalmente à composição de música sob encomenda. Foi um dos pioneiros a despertar o interesse de artistas pela onda digital no campo da edição musical, sendo hoje considerado um especialista na área.

Jacques Siroul - Harmonicart

MUSICA&SOM 

OPHIUCUS - Crossover Prog • France

 

A banda francesa OPHIUCUS foi formada em 1971, composta pelos irmãos Alain e Bernard Labacci, Jean-Pierre Pouret e Michel Bonnecarrere. O quarteto escolheu a pequena cidade de Flagy como sua base de operações, onde compuseram material considerado interessante o suficiente para conseguirem um contrato com a gravadora Barclay Records. Seu álbum de estreia, Ophiucus, foi lançado no mesmo ano, mas uma versão em inglês planejada acabou engavetada. Essas versões em outros idiomas seriam posteriormente lançadas como faixas bônus em reedições.

Ophiucus lançou mais um álbum, Salade Chinoise, em 1973. Não há registros de atividades da banda após esse período, e presume-se que ela tenha se dissolvido logo depois.

1971 - Ophiucus

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