PEROLAS DO ROCK N´ROLL - PROG/ PSYCH ROCK - MARKHEIM - Same - 1991 (1972)

Pérola de vida curta formada na Suíça em 1972, na região de Ticino (Suíça Italiana). O quarteto Markheim gravou algumas músicas nesse mesmo ano na Itália, mas as demos não foram lançadas na época. A banda se desfez no fim de 72 por falta de recursos, apenas em 1991 essas antigas gravações foram remasterizadas e finalmente lançadas, forma independente e em vinil de apenas 200 cópias!
O homônimo é dividido em 10 faixas curtas e com qualidade não muito boa. Trazendo uma interessante mistura de rock progressivo, psicodélico, folk e alguns momentos de hard (como na música de abertura "Dirty Woman"). Todas as canções são cantadas em inglês e contam com belas passagens de piano e alguns riffs mais pesados na guitarra. Quanto as faixas, destaque para "Dirty Woman", "Long Way to Go" e "Anniversary".
Nada de matador ou novo, mas som recomendado para fãs de rock anos 70.

MUSICA&SOM ☝

Andreas "Brian" Wyden (baixo)
Trevor Thoms (guitarra)
Enzo "Heinz" Geninazza (bateria, percussão)
Phillip Reeves (piano)

01 Dirty Woman 2:44
02 Birdman 2:58
03 Lonely Traveller 3:20
04 Long Way To Go 3:39
05 Gold Dust In Your Eyes 2:42
06 Boering 2:05
07 Anniversary 3:30
08 No Tytle (Stale Bread And Water) 4:35
09 Whore House 3:42
10 New Day 2:36

Poco - From The Inside 1971

 

From the Inside  é  o disco mais peculiar do  Poco , e um que a banda – especialmente o fundador Richie Furay , cujas canções foram meio que relegadas ao segundo plano – acabou não gostando muito. Mas, mesmo assim, foi um ótimo disco, produzido em Memphis pelo lendário guitarrista  Steve Cropper  e apresentando o grupo com um som mais enxuto, despojado e com uma pegada blues. As harmonias são menos vibrantes e as guitarras mais contidas, e o clima também um pouco mais tranquilo do que o habitual. Mas o som que eles conseguem ainda é atraente, o vocal mais reflexivo e um pouco mais próximo do R&B do que do country-rock pós- Byrds  pelo qual eram conhecidos – as canções são bonitas, e, em termos de audição,  a bateria de  George Grantham e o baixo de Timothy B. Schmit se destacam na mixagem, e as guitarras têm uma presença marcante, mesmo com o volume mais baixo.  "Bad Weather", de Paul Cotton, foi a música mais bem avaliada, mas outros destaques foram "You Are the One", "Hoe Down", "Railroad Days" (talvez a mais roqueira deles) e "Ol' Forgiver"

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Strawberry Window - Strawberry Window 1967

 

A banda Strawberry Window surgiu na cena musical da East Bay, na área da Baía de São Francisco, em meados dos anos 60, e foi verdadeiramente uma das pioneiras e inovadoras a criar seu próprio estilo distinto de rock and roll. Eles tocavam em um estilo heavy-psicodélico-garage, com um som que lembrava, em certa medida, Jefferson Airplane, Mad River (do início da carreira), Buffalo Springfield, Quicksilver Messenger Service e Frumious Bandersnatch. Essas gravações inéditas sobreviveram por quatro décadas guardadas em uma caixa no armário de um dos integrantes da banda. Um cuidado meticuloso e atenção aos detalhes foram dedicados à masterização dessas gravações, com uma abordagem fresca e aberta, garantindo que o som e a integridade das músicas originais permanecessem intactos. A incrível música desse quarteto de guitarras varia de cativantes canções folk elétricas e garage rock da Costa Oeste a jams ácidas e energéticas com mais de 10 minutos de duração. Você ficará impressionado com a excelente qualidade de som estéreo em todas as dez faixas originais, sem mencionar a versão alucinante de "Tobacco Road", de JD Loudermilk. É uma pena que esse grupo talentoso não tenha assinado um contrato com uma gravadora na época. Contém 65 minutos de performances intensas e melódicas, e acompanha um livreto colorido de 16 páginas que te levará de volta aos dias dourados do Verão do Amor. Em 1968, eles trocaram de guitarrista, adicionaram uma vocalista e mudaram o nome para Dandelion Wine. Uma verdadeira obra-prima!

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Larry Coryell - Live At The Village Gate 1971

 

Quando se trata de fusão jazz-rock, o guitarrista  Larry Coryell  foi um dos pioneiros do estilo, embora um tanto subestimado, na época de seu surgimento, nos anos 1960 e início dos 1970.  Coryell  foi membro do  influente grupo de fusão de  Gary Burton (antecipando até mesmo o álbum "  In a Silent Way " de Miles Davis ) e também gravou uma quantidade considerável de trabalhos solo no gênero. Esta gravação ao vivo de 1971 mostra  Coryell  em sua fase mais voltada para o rock, talvez em homenagem ao falecimento recente do deus da guitarra  Jimi Hendrix .  "Live at the Village Gate"  apresenta  Coryell  e sua banda de baixo e bateria explorando cinco faixas (incluindo um  cover de Jack Bruce  ), mesclando a brutalidade do rock com a destreza do jazz

Allen Toussaint - The Wild Sound of New Orleans 1957

 

Estas doze faixas representam  as primeiras gravações solo de  Allen Toussaint para a RCA Records, por volta de 1958. Toussaint  foi essencialmente descoberto por  Danny Kessler  — uma versão inicial do que hoje seria considerado um olheiro de gravadoras. Foi durante a gravação de outro artista — com  Toussaint  como pianista acompanhante — que  Kessler  o ouviu pela primeira vez e o convidou  para  preparar algumas peças instrumentais próprias. Em 29 de janeiro de 1958,  Toussaint  (piano) juntou-se a uma banda local que incluía  Alvin "Red" Taylor  (saxofone barítono),  Nat Perrilliat  (saxofone tenor) ou  Lee Allen  (saxofone tenor),  Justin Adams  (guitarra) ou  Roy Montrell  (guitarra),  Frank Fields  (baixo) e  Charles "Hungry" Williams  (bateria).  Como mencionado acima, a formação exata da banda é debatida há muito tempo.  Kessler  produziu um trabalho que rendeu o blues contagiante e animado "Whirlaway" e a  faixa "Happy Times", inspirada em Ray Charles, uma mistura de gospel, barrelhouse e swing.  Kessler  transformou as duas em singles de sucesso local e ficou tão animado com os resultados que, menos de um mês depois, o mesmo grupo se reuniu para gravar o restante do que seria o  álbum Wild Sound of New Orleans  (1958). A comovente "Up the Creek" é uma valsa sombria com  os solos de teclado emocionantes de Toussaint enfatizando o refrão marcante. No extremo oposto do espectro emocional, a vibrante "Tim Tam" é impulsionada pela  batida forte e pesada de  Williams , com Allen  dando tudo de si. Outro contraste surge com a divertida "Me and You". A melodia é adornada com um toque clássico do pop do início do século XX, enquanto o acompanhamento percussivo, que remete a um sapateador executando um passo de sapateado clássico, é ainda mais impressionante. Imediatamente,  a expressividade de Toussaint nos teclados em "Bono" e "Nashua" elogia o estilo de performance do  Professor Longhair  antes de se estabelecer em seus respectivos ritmos cativantes e de andamento médio. Os metais têm bastante espaço para mostrar seu talento e a sincopação da última faixa imediatamente remete ao Mardi Gras. Talvez a música mais conhecida do álbum seja a animada "Java", que ganhou nova vida graças a um remake de sucesso de  Al Hirt.O trompetista transformou-a em seu tema não oficial, construindo uma carreira de mais de 30 anos em torno dela. "Wham Tousan" e "Pelican Parade" aceleram rapidamente a todo vapor, com os saxofones enfrentando e competindo com os solos vibrantes de  Toussaint nos tambores de 88 rotações. A importação alemã da gravadora  Bear Family , Complete "Tousan" Sessions  (1992), é uma ótima maneira de obter as 12 músicas presentes aqui. Ela também inclui o material completo e mais raro gravado pelo artista no selo Seville sob o pseudônimo "Al Tousan".

Procol Harum - A Salty Dog 1969

 

Este álbum, o terceiro da banda, mostrou a amplitude de seus talentos no panorama musical, do blues ao R&B e ao rock clássico. Em contraste com seu álbum de estreia, gravado às pressas, e seu sucessor, com o objetivo de expandir seus horizontes de performance e composição, "  A Salty Dog"  foi gravado em um tempo razoável, permitindo que a banda desenvolvesse plenamente suas ideias. A faixa-título é uma das melhores canções já produzidas pelo  Procol Harum  e um dos melhores exemplos de rock progressivo já ouvidos, além de ser um exemplo conciso com menos de cinco minutos de duração — a letra e a música se combinam para criar uma atmosfera perfeita, e a performance é ousada e sutil ao mesmo tempo, tanto na execução quanto no canto. A variedade de sons no restante do álbum inclui "Juicy John Pink", uma magnífica canção country blues no estilo pré-Segunda Guerra Mundial, enquanto "Crucifiction Lane" é uma faixa soul matadora  no estilo de Otis Redding , e "Pilgrim's Progress" é um virtuoso exercício de teclado. [ O álbum A Salty Dog  foi relançado pela Repertoire Records em 1997 com som aprimorado e o lado B perdido "Long Gone Geek", um   excelente trabalho de guitarra de Robin Trower .] 

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Kubero Diaz - Kubero Diaz Y La Pesada 1973

 

Kubero Diaz é uma lenda da viola do rock argentino. Nascido em Entre Ríos, estabeleceu-se em La Plata no final da década de 60, onde integrou a banda La Cofradia de la Flor Solar. Com ela, gravou um único álbum em 1971 (disponível no blog). Após a separação da La Cofradia, juntou-se à La Pesada del Rock and Roll, participando de diversas gravações importantes. Também participou dos álbuns "Conesa", de Pedro y Pablo, e "Sur", de Miguel Cantilo.

Em 1973, lançou seu próprio álbum solo, que apresentamos hoje aqui na La Nave del Rock Argento, acompanhado por seus companheiros da La Pesada del Rock. Entre os músicos convidados estavam: Alejandro Medina no baixo e voz na canção "Todo es rock", Claudio Gabis na guitarra, Jorge Pinchevsky no violino, Miguel Cantilo nos vocais ("Something is about to happen" e "A way to get there") e Billy Bond nos vocais de apoio. As canções foram compostas por Kubero e o álbum produzido por Billy Bond.

Algum tempo depois, ele viajou para a Europa, estabelecendo-se em Ibiza, onde integrou diversos grupos. Dez anos mais tarde, retornou à Argentina e juntou-se ao seu velho amigo Miguel Abuelo naquela que foi a última formação de Los Abuelos de La Nada.

Após a morte de Miguel Abuelo, no final dos anos oitenta, que automaticamente encerrou o grupo, Kubero se estabeleceu em Búzios (Brasil), onde viveu por 15 anos, embora tenha retornado à Argentina em diversas ocasiões, inclusive para se reintegrar à Cofradía de la Flor Solar, junto com Skay Beilinson. Após sua experiência brasileira, ele retornou à Argentina e se juntou ao grupo de Leon Gieco, enquanto formava sua própria banda: KubeDíaz Trío.

pass: naveargenta.blogspot 

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Kraftwerk ~ Germany

 

Kraftwerk (1970)

Depois de ouvir Kraftwerk 2 pela primeira vez em muitos anos, como me parece o álbum de estreia? Sempre o considerei a obra-prima deles, um álbum que esteve na vanguarda do movimento Krautrock, um gênero do qual a banda se afastou rapidamente. 

A abertura com ecos de flautas e uma batida hipnótica de bateria (bateria de verdade, neste ponto) que aumenta gradualmente o ritmo, é o começo perfeito. A marca de Conny Plank está por toda parte, com efeitos de phasing em abundância, quase definindo o termo Krautrock para nós diante de nossos próprios olhos e ouvidos. Após essa abertura eletrizante, a verdadeira experimentação começa com "Stratovarius". Depois da introdução de música concreta, somos presenteados com uma guitarra psicodélica no mesmo estilo ousado de "Electronic Meditation" do Tangerine Dream, algo que normalmente não se associaria ao Kraftwerk. "Megaherz" é uma peça ambiente construída em torno do órgão, pavimentando o caminho para um subgênero que ainda levaria anos para se concretizar. A faixa de encerramento, "Von Himmel Hoch", tem a atmosfera eletrônica sombria perfeita do Krautrock, que leva a um meio vibrante. Em seguida, retorna a um trecho experimental antes de explodir em teclados (algum tipo de sintetizador antigo), baixo distorcido e bateria funky.

No geral, o álbum me lembra a empolgação em torno da exploração de novas músicas dentro de um contexto rock. O underground alemão de 1969 a 1972 é o ápice dessa mentalidade. O álbum de estreia do Kraftwerk é um desses pilares.

Kraftwerk 2 (1972)

O segundo álbum do Kraftwerk não é um disco que me tenha agradado inicialmente, apesar de o conhecer há 30 anos. Suspeito que seja porque, pelo menos para os meus ouvidos, é muito diferente do seu álbum de estreia, que considero um clássico do Krautrock (veja acima). Por isso, em vez de os ouvir na ordem do LP duplo que tenho atualmente, inverti a sequência para ver como reagiria.

Muito melhor, devo dizer. O lado A tem o som vibrante e repetitivo característico da banda, com flauta e guitarra, ancorando-o ao circuito Krautrock. O lado B é bem experimental, no nível de Cluster (1971) e Zeit, do Tangerine Dream. Não é uma audição fácil, mas funciona bem se você estiver em um estado de espírito tranquilo.

É interessante notar que muitos fãs consideram este o pior álbum da banda. Certamente é o menos acessível.

 

Autobahn (1974)

Provavelmente o mais famoso dos álbuns de música eletrônica do início dos anos 70, Autobahn, do Kraftwerk, conseguiu popularizar um estilo que não era necessariamente voltado para as massas. Não tenho certeza se Autobahn também era voltado para isso, mas o fato é que foi um grande sucesso na época. Talvez mais impulsionado pela novidade do que baseado em um estudo crítico sério. É tentador descartar Autobahn como música eletrônica simplista de ensino fundamental. Uma preparação para os álbuns mais sérios do Tangerine Dream e de Klaus Schulze. Mas isso é puro esnobismo. O Kraftwerk tinha uma perspectiva diferente, talvez pioneira, mesmo tendo começado como os outros, como uma banda de Krautrock selvagem e desgrenhada. Honestamente, dá para perceber o próprio Tangerine Dream copiando os conceitos deste álbum no início dos anos 80. Os caras do Cluster certamente prestaram atenção nele. Se deixarmos o contexto histórico de lado, Autobahn é uma audição agradável, ironicamente nada muito impactante ou marcante.

D.F.A. (Duty Free Area) ~ Italy

 

4th (2008)

O quarto álbum é mais um daqueles que não ouvi desde que o adquiri. Este acabou sendo o último álbum do DFA devido a uma tragédia. É possível que eles retornem, mas nada aconteceu até agora. O título do álbum é um pouco enganoso, já que o terceiro álbum deles foi um trabalho ao vivo compilado a partir dos dois álbuns anteriores. 

Falando desses dois álbuns, o quarto álbum os toma como base e é possível perceber o quanto eles evoluíram profissionalmente. O que torna o DFA tão excepcional é a sua capacidade de criar melodias memoráveis ​​dentro do trabalho instrumental intenso e ousado. Eles oferecem um rock analógico cru e distorcido dentro dos limites do jazz fusion, tornando-o mais voltado para o rock progressivo do que o que normalmente ouvimos vindo da escola de jazz. Adoro o timbre ácido da guitarra de Silvio Minella. Há também bastante órgão Hammond e flauta de Alberto Bonomi, que contribuem para a sua adoção do som dos anos 70. O contraponto mencionado abaixo ainda está presente em toda a sua força. Este é um álbum emocionante e imprevisível. O tipo de rock progressivo que capturou minha imaginação aos 15 anos e que, 46 anos depois, ainda amo e aprecio.

Os três álbuns de estúdio lançados pela DFA provaram ser obras brilhantes. Não sei o que mais a banda ainda tinha a provar, embora eu saiba que eles gostariam de ter encerrado a carreira em seus próprios termos.

 

Lavori in Corso (1996)

Quando este álbum foi lançado, foi uma maravilha. Um dos lançamentos mais empolgantes da Itália, e na verdade não tem nada a ver com o prog italiano clássico. Pelo contrário, está enraizado em uma fusão complexa com nuances de hard rock. Isso demonstra que ter um som digital não significa que o álbum tenha que ser ruim. A DFA (Duty Free Area) — assim como outras bandas dos anos 90 — provou isso. A música aqui é vibrante, melódica, cinética e constantemente desafiadora. Eu o tenho desde o lançamento e, 24 anos depois, soa tão bem quanto sempre. Não perca, se esta é a primeira vez que você ouve falar da DFA.

Duty Free Area (1999)

O DFA toca o que eu chamaria de fusão contrapontística com uma pegada de space rock. Eles deveriam registrar sua marca, pois não consigo pensar em ninguém que soe exatamente como eles. Um  pouco  como Deus Ex Machina, talvez, em suas seções instrumentais mais intensas. Os ritmos frequentemente irregulares parecem criar uma sensação de urgência, quando na verdade é apenas uma fachada. Mas é um truque genial, e me mantém completamente imerso na música. Para completar, solos ferozes, típicos do space rock, talvez até com uma pegada moderna à la Ozric Tentacles.

Ary Lobo – Ary Lobo 1962

 

Colaboração do Jonathas Pasternack, de São Paulo – SP

Raríssimo LP do Ary Lobo.

Destaque para o clássico “Eu Vou Pra Lua” de Ary Lobo e Luiz de França.

Ary Lobo – Ary Lobo
1962 – RCA Victor

01. Moça de Hoje (Jacinto Silva / Ary Lobo)
02. Minha Promessa (Luiz Boquinha / Ari Monteiro)
03. Eu Vou Pra Lua (Ary Lobo / Luiz de França)
04. Movimento da Cidade (Luiz Boquinha / Ari Monteiro)
05. Se o Passado Voltasse (Luiz Boquinha / Ary Lobo)
06. Zé Negreiro (Ary Lobo / Marcos Aguiar)
07. Mulher de Saia Justa (Luis Boquinha / Delmiro Ramos)
08. Planeta Plutão (Ari Monteiro)
09. Baião do Acre (Luiz Boquinha / Ari Monteiro)
10. Pedida a São Jorge (Ari Monteiro)
11. É O Cosme E Damião (Ary Lobo / Luis Boquinha)
12. Garganta de Cera (Assunção Correia / Avelar Júnior)

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