O Taksim Trio é um exemplo sublime do que acontece quando três dos mais admirados mestres instrumentistas da Turquia se unem e se fundem. O Taksim Trio é composto por Hüsnü Şenlendirici no clarinete e duduk, Ismail Tunçbilek no bağlama e Aytaç Doğan no kanun. Aytaç Doğan possui um estilo musical único e profundamente visceral ao tocar kanun. Doğan adquiriu uma experiência incomparável na indústria musical, trabalhando como músico de estúdio para alguns dos artistas mais famosos da Turquia, incluindo Ibrahim Tatlıses, um ícone da música turca. Ao contrário de seus colegas, que tocam o kanun em um estilo clássico turco tradicional, as influências do jazz, blues, música latina e cigana moldam a abordagem de Doğan ao instrumento. Por sua vez, o virtuoso do clarinete Mustafa Kandıralı já apontou Hüsnü Şenlendirici como seu sucessor e embaixador do clarinete turco. Şenlendirici tocou com quase todas as lendas da história da música popular turca. No final da década de 1990, fundou sua própria banda, Laço Tayfa, que, juntamente com o The Brooklyn Funk Essentials, gravou um álbum com interpretações de melodias tradicionais turcas com uma abordagem funk e acid jazz. Em 2005, Hüsnü Şenlendirici lançou seu primeiro álbum solo, Hüsn-Ü Klarnet (A Alegria do Clarinete), uma joia que instantaneamente se tornou um clássico, um disco instrumental de primeira linha. Elogiado por sua personalidade cativante, habilidade técnica e criatividade, Ismail Tunçbilek é a espinha dorsal do Taksim Trio. Em 1998, acompanhou Aytaç Doğan e Mısırlı Ahmet em turnê pelo Cairo, onde teve a oportunidade de se conectar com renomados compositores do Oriente Médio, como Ömer Hayrat, Emir Abdul Megect e Tarik Akif Yahya, e de se apresentar em concertos em parceria com a Orquestra Filarmônica Egípcia. Em 2000, viajou de Israel para a Espanha para explorar novos sons, e suas apresentações solo o ajudaram a ganhar reconhecimento e convites para acompanhar mestres como o guitarrista Paco de Lucía, o saxofonista Jorge Pardo e o baixista Carles Benavent. Talvez sejam esses os motivos pelos quais o Taksim Trio seja o veículo perfeito para esses virtuosos demonstrarem sua maior força: uma compreensão inata de seus instrumentos, que se revela por meio de suas improvisações inventivas, ou "taksims". Sua música carrega uma marca distintiva, mesclando diversos estilos musicais (arabesco, jazz e música clássica otomana). Com o Taksim TrioAs personalidades fortes dos seus membros e as suas incríveis improvisações transportam o ouvinte para o coração de Istambul. Para o Taksim Trio a música é sagrada e isso fica bem evidente neste álbum, destinado a se tornar um clássico atemporal.
Lista de faixas : 01. Biçare. 02. Gozüm. 03. Baglama solo. 04. Derdin ne. 05. Güle yel değdi. 06. Solo de clarinete. 07. Gitti de giti. 08. Kanun sozinho. 09. Belalim. 10. Use oyun havasi. 11. Muhayyer kürdi saz semaisi.
O grupo Totó la Momposina y Sus Tambores é um processo constante de aprendizado e observação, interpretando o espírito da música e dos sons transmitidos pelo povo da Colômbia. La Bodega é o nono álbum desta cantora colombiana aclamada internacionalmente (Sonia Bazanta). Assim como a saborosa culinária da Colômbia, este álbum foi elaborado com paciência, cuidado, ingredientes de qualidade e tempo ao longo de três anos de produção, e foi lançado por sua própria gravadora, Astar. As chamadas bodegas na Colômbia eram grandes armazéns onde os comerciantes descarregavam suas mercadorias diretamente dos navios, e onde nasceram as primeiras bandas do Caribe colombiano. Ali, gaitas e millos indígenas se misturavam com os tambores, maracas, marímbulas e guacharacas de africanos escravizados, bem como com o violão espanhol (que na Colômbia evoluiu para o tiple e a bandola), o acordeão alemão e clarinetes, trompetes, eufônios e outros instrumentos de sopro da Europa. La Bodega , portanto, é uma obra na qual Totó resgatou os sons herdados de um legado popular tão rico. Ele viajou no tempo para mergulhar completamente nos lugares que testemunharam o nascimento da música popular colombiana.
Cumbia, zambapalo, merengue, abozao, chocó, porro palitiao e ritmos afro-colombianos ressoam ao longo das nove faixas deste álbum, exibindo as diversas expressões do vasto universo musical e cultural da Colômbia. La Bodega é um álbum que não perde nada de sua identidade e tradição, mas, como em quase toda a obra da cantora colombiana, explora as possibilidades e a amplitude da música tradicional. Uma nova adição ao álbum é a canção "Dueña de los Jardines", escrita pela própria Totó. As demais composições foram escritas por Abel Antonio Villa, Toño Fernández, Mañe Mendoza, Adriano Salas, Mario Gareña, Antonio María Peñaloza, Pablo Florez C. e Paulino Salgado. Mais uma vez, Totó La Momposina entrega um álbum completo e saboroso (como uma refeição requintada), tão grandioso quanto sua merecida reputação.
lista de faixas : 01. Manita Uribe (cumbia) 02. Margarita (zambapalo) 03. Sueño Español (merengue) 04. Yo Me Llamo Cumbia (cumbia) 05. Tembandumba (afro) 06. Fidelina (abozao) 07. Cosas Pa´Pensar (cumbia) 08. Dueña de los Jardines (sexteto palenquero) 09. Fiesta Vieja (porro palitiao)
"Cinema". É a estreia deles, embora já viessem aprimorando seu talento, e soa como um divisor de águas; um dos melhores álbuns daquele ano em todo o mundo. Começamos a semana com um daqueles discos menos conhecidos, mas altamente recomendados, porque se você está procurando uma viagem no tempo com Wi-Fi, a banda espanhola Regna entregou uma obra-prima absoluta com este álbum. Esses caras de Barcelona realmente elevaram o nível e criaram uma experiência sonora cinematográfica que não tem medo de um toque vintage; é um álbum que cheira a vinil recém-aberto e sintetizadores envolventes, enquanto simultaneamente bebe das fontes mais puras do rock progressivo sinfônico dos anos 70. Não é uma imitação barata, é uma homenagem com muita personalidade. Além disso, é um álbum com um som nítido e limpo e uma produção excelente. Talvez se este álbum tivesse sido lançado em 1974, seria um clássico indiscutível hoje ao lado de "Foxtrot", mas como isso permanece puramente hipotético, tudo o que podemos fazer é começar a semana apreciando esta grande obra que estamos analisando hoje. Altamente recomendado! Sinfônico, emotivo e de um requinte excepcional.
Artista: Regna Álbum: Cinema Ano: 2023 Gênero: Heavy Metal Progressivo Sinfônico Duração: 46:24 Referência: Discogs Nacionalidade: Espanha
É como fechar os olhos e se imaginar em um cinema antigo assistindo a um filme que ainda nem foi feito. Mas vamos à análise propriamente dita do álbum, para que você tenha uma boa ideia do que se trata...
Não tínhamos notícias do Regna desde 2015. Naquela época, a banda de Barcelona lançou um EP magnífico e verdadeiramente promissor, com uma certa tensão estilística entre o prog clássico e o contemporâneo. Agora, a mesma formação (e isso é uma grande conquista!) nos oferece seu primeiro álbum completo, "Cinema". São eles: Alejandro Domínguez e Xavier Martínez (guitarras), Arturo García (baixo), Miquel González (teclados), Eric Lavado (bateria) e Marc Illa (vocal principal). Oito anos se passaram, tempo suficiente para repensar sua abordagem e aprender coisas novas. Seu filme sonoro único começa com "Opening Credits", um instrumental de quase um minuto em um estilo de filme B que remete aos anos 70, como Jess Franco. Esqueçam as "plataformas". Vamos voltar ao cinema. Em seguida, vem "Return to..." (6:30), que eu encerraria com "os anos 70". É pura energia prog nórdica do final dos anos 90. Como aquelas bandas esquecidas como Black Bonzo, Kerrs Pink, Ageness, Galleon ou Manticore. Claro, esses grupos já tinham uma forte influência britânica dos anos 70, sem a melancolia típica daquela região. Sabe, um dia cinzento e chuvoso, mas aconchegante visto do pub. Exatamente o que "Spyglass" (8:16) sugere, com um trabalho de órgão louvável ao estilo de Hugh Banton e uma certa emoção à la Genesis que até lembra os tempos de "Trespass". A seção instrumental, com um solo de sintetizador memorável sobre uma base melotrônica e arpejos ao estilo de Anthony Phillips, é simplesmente irresistível. Não deve haver um fã de prog que se preze no planeta que não goste disso. "Tangent" (8:38) começa com uma introdução ao estilo Gentle Giant, completa com ritmos sincopados e guitarras plangentes. Marc Illa transmite emoção sem a necessidade de floreios operísticos ou timbres castratos. Imagine-os no som britânico dos anos 70 de bandas como Camel, Gnidrolog, Public Foot the Roman, England, ARC ou Van Der Graaf Generator. Outro belo interlúdio de Mellotron, "Dramatis Personae" (1:31), abre as portas para o tesouro sonoro que é "Accolade" (20:27). O som deste álbum é um deleite. A masterização de José Luis Cattaneo (engenheiro e mixador) e Pete Maher em Londres é um bônus adicional, um pacote luxuoso que não deve ser ignorado. Nesta macro-suíte, Regna se solta ainda mais, oferecendo uma aula magistral de prog clássico (que eu estenderia ao início dos anos 80) em termos de influências e atmosfera. Tudo está perfeitamente no lugar. Eles compõem com a organização estratégica de músicos experientes em Risk. E não perdem tempo com exibições hipertécnicas e circenses. Eles se concentram no tema, na composição e em sua harmonia, e na sensação que ela pode evocar no ouvinte. Eles fazem o difícil parecer natural. Isso se chama ser bom, ponto final. E "Cinema" é uma maravilha que recria o prog dos anos 70 com o respeito e a devoção que essa música sagrada exige.
E bem, não há nada melhor do que ouvir o que está sendo dito...
Este é o álbum perfeito para quem diz que não se faz mais música como antigamente. Toque este álbum para essa pessoa e diga para ela guardar o RG na carteira. É ideal para ouvir enquanto você toma um drinque relaxante e tenta decifrar todas as referências a bandas clássicas. E vamos encerrar este post com outra opinião que ecoa esse sentimento sobre o álbum...
Sinceramente, achei que eles tivessem desaparecido. Depois de me chamarem a atenção com o EP Meridian em 2015, não ouvi mais nada dessa banda de Barcelona até dezembro passado, quando soube que haviam lançado seu primeiro álbum completo. E a espera, embora involuntária, definitivamente valeu a pena; Cinema é um magnífico álbum de rock progressivo que mistura uma gama de influências — clássicas e contemporâneas — para, em última análise, revelar sua própria identidade distinta e bem definida. As influências já evidentes no EP mencionado — Riverside, Spock's Beard, Landberk e grande parte do prog britânico dos anos 70 — ainda estão presentes, mas há um claro avanço em termos de som e personalidade. O órgão Hammond que domina "Return To…", os tons acústicos na primeira metade de "Spyglass" e a interação harmônica em "Tangent" (os irmãos Shulman unindo forças com Andrew Latimer) se desdobram com doses iguais de lógica e emoção, guiando o álbum até os vinte minutos finais de "Accolade", um ponto alto em que toda a banda assume o protagonismo, tanto individual quanto coletivamente. Numa época em que um certo segmento do rock progressivo busca uma complexidade cada vez maior, entrelaçando suas ideias a limites excessivamente abstratos, o (re)surgimento de uma banda como Regna só pode ser recebido com júbilo. O sexteto — que manteve sua formação original — não esconde suas raízes clássicas nem seu virtuosismo, mas transmite ambos sem ostentação ou exibicionismo, com aquela naturalidade e confiança que sempre foram, em última análise, a marca registrada de todas as grandes bandas. E embora seja cedo para afirmar com certeza, essa grandeza é evidente em cada música do álbum. Teremos que ficar de olho neles em breve para vê-los ao vivo e conferir como eles dão vida a este esplêndido álbum em um show. O único inconveniente — se é que podemos chamar assim — é que foi lançado tarde demais para entrar nas listas de melhores de 2023; mas acredite, mesmo que apenas em retrospectiva, é lá que ele deveria estar.
Nada menos que do Pink Floyd, um disco verdadeiramente controverso, já que discutir "The Division Bell" (1994) significa mergulhar na era David Gilmour no comando. Após o denso "The Final Cut" e um longo hiato desde "A Momentary Lapse of Reason", este álbum soa como abrir uma janela para deixar entrar ar fresco, com seu conceito girando em torno da falta de comunicação (ironicamente, algo que eles tinham de sobra naquela época, quando Gilmour e Waters não se suportavam). Mas este álbum também representa uma justiça poética para Rick Wright, que foi reintegrado como membro efetivo da banda. Seus teclados mais uma vez fornecem a base para todo o som, e fica claro que, sem Rick, o Pink Floyd é apenas uma banda de rock, mas com ele, é uma viagem espacial, resultando em um álbum que soa muito mais como um trabalho de banda, com um som mais orgânico, caloroso e atmosférico.
Artista: Pink Floyd Álbum: The Division Bell Ano: 1994 Gênero: Rock Progressivo Duração: 66:24 Referência: Discogs Nacionalidade: Inglaterra
Lançado em 1994, The Division Bell é o décimo quarto álbum de estúdio do Pink Floyd e o segundo sem Roger Waters. Ao contrário de seu antecessor, este álbum foi um trabalho muito mais colaborativo, com contribuições significativas do tecladista Richard Wright. Só para garantir, vou copiar um comentário sobre o álbum...
32 anos de 'The Division Bell', o último grande suspiro do Pink Floyd com Richard Wright. Após um longo hiato desde "A Momentary Lapse of Reason", Gilmour e Wright retornaram para uma última grande obra. Em 28 de março de 1994, o mundo do rock parou para ouvir o décimo quarto capítulo da história do Pink Floyd. Após a recepção morna de "A Momentary Lapse of Reason", David Gilmour decidiu que era hora de retornar às suas raízes: a improvisação conjunta. O resultado foi "The Division Bell", um álbum que não apenas explorou a falta de comunicação humana, mas também serviu como o testamento musical do lendário tecladista Richard Wright. O retorno da harmonia e as letras de Polly Samson. O que torna este LP especial é a recuperação do espírito da banda. Foi o primeiro trabalho desde o icônico "The Dark Side of the Moon" em que Wright voltou a assumir um papel de liderança, não apenas nas texturas de sintetizador, mas também como vocalista principal. No entanto, a maior surpresa veio de Polly Samson. A então noiva de Gilmour e aclamada romancista trouxe uma sensibilidade lírica que ajudou David a canalizar os conceitos de isolamento e diálogo que permeiam o álbum. De Astoria às paradas de sucesso, a produção foi uma demonstração de engenharia e paisagens sonoras. Dos estúdios Britannia Row à mística Astoria (a casa flutuante de Gilmour convertida em estúdio), o álbum contou com a magia de velhos conhecidos como o produtor Bob Ezrin, o engenheiro Andy Jackson, o inconfundível saxofone de Dick Parry e o baixo sólido de Guy Pratt. Embora a crítica da época tenha sido mista (muitos ainda sentiam falta do cinismo de Waters), o público deu um veredicto diferente. O álbum estreou no Top 10 em dezenas de países, alcançando o primeiro lugar nos EUA e no Reino Unido, onde conquistou o status de platina dupla no mesmo ano de seu lançamento e platina tripla no final da década de 1990. O fechamento de uma porta e um legado eterno : 'The Division Bell' marcou um hiato de duas décadas para o Pink Floyd. Seria o último álbum de estúdio com a formação completa de Gilmour-Mason-Wright antes da morte de Richard em 2008. Quando a banda retornou em 2014 com The Endless River, eles usaram gravações deste mesmo álbum como uma homenagem póstuma a Wright, confirmando que a magia daquelas gravações de 1994 era inesgotável.
E, só para garantir, aqui está o vídeo do álbum completo...
O som de "The Division Bell" representa um retorno ao rock progressivo e ambiente dos anos 70, mas com uma produção moderna e refinada. O álbum possui um tom predominantemente melancólico e reflexivo. A interação entre a guitarra de Gilmour e os teclados de Wright é o cerne do som do disco, remetendo à química entre os membros do Pink Floyd em álbuns como "Wish You Were Here".
As críticas foram muito mais favoráveis do que as do seu antecessor. Foi elogiado pela sua coesão, maturidade e som mais orgânico. Foi visto como uma vindicação do Pink Floyd liderado por Gilmour . Durante 20 anos, "The Division Bell" foi considerado o canto do cisne da banda, um fim apropriado e melancólico para uma das carreiras mais extraordinárias da música. "The Division Bell" é um álbum nítido, belo e profundamente melódico. É o álbum perfeito para testar aquelas caixas de som caras que você acabou de comprar. Não é "Dark Side of the Moon", mas é o abraço reconfortante de que precisávamos nos anos 90...
E não acho que seja preciso acrescentar muito mais, não é?
Lista de faixas: 1. Cluster One (5:58) 2. What Do You Want from Me (4:21) 3. Poles Apart (7:04) 4. Marooned (5:28) 5. A Great Day for Freedom (4:18) 6. Wearing the Inside Out (6:48) 7. Take It Back (6:12) 8. Coming Back to Life (6:19) 9. Keep Talking (6:11) 10. Lost for Words (5:14) 11. High Hopes (8:31)
Formação: - David Gilmour / guitarras elétrica e acústica, e-bow (7), teclados, baixo, vocal principal, talk box, programação, co-produtor - Richard Wright / teclados, piano, vocais (6) - Nick Mason / bateria, percussão Com: - Tim Renwick / guitarras - Jon Carin / teclados, programação, vocais - Bob Ezrin / teclados, percussão, co-produtor - Dick Parry / saxofone tenor (6) - Guy Pratt / baixo, vocais - Gary Wallis / percussão acústica e eletrônica - Sam Brown / vocais de apoio - Carol Kanyon / vocais de apoio - Rebecca Leigh-White / vocais de apoio - Durga McBroom / vocais de apoio - Jackie Sheridan / vocais de apoio - Stephen Hawkins / voz sintetizada (9) - Michael Kamen / arranjos orquestrais - Edward Shearmur / orquestrações
Outra excelente opção israelense — muito teatral, original e alegre — é um surpreendente álbum de estreia de uma banda com vocais proeminentes (masculinos e femininos), piano, teclados e uma seção rítmica formidável, tudo sem guitarras. Uma crítica deste álbum diz que é como se Dave Stewart, Barbara Gaskin e Bill Bruford tivessem viajado para o céu para formar um novo supergrupo com Keith Emerson e Pekka Pohjola. Pianos de cauda, vocais teatrais, arranjos interessantes para uma música muito ousada — uma mistura de Gentle Giant, ELP, Genesis, National Health, Steely Dan, Phideaux e música circense... Quer se surpreender? Acha que já ouviu de tudo? Aqui está uma nova maneira de fazer rock progressivo! Chama-se Anakdota e vem de Israel. Apresentamos a vocês a resenha deste álbum altamente recomendado.
O primeiro (e único, pelo menos por enquanto) álbum desta banda israelense é uma jornada repleta de cores e emoções, uma música que mescla melodias incríveis com estruturas complexas, resultando em um som brilhante. Alguns elementos remetem a clássicos como Gentle Giant e Genesis , mas com uma abordagem fresca e moderna — fácil de ouvir, porém complexa. Vocais masculinos e femininos e uma instrumentação impressionante dão vida a canções novas, empolgantes e modernas, repletas de melodia e humor, onde emoção e conceito se fundem com solos incríveis. Perfeito para amantes do rock progressivo clássico, mas também para aqueles que estão descobrindo o gênero. A formação instrumental única da banda, utilizando apenas piano, baixo e bateria, inevitavelmente evoca comparações com Emerson, Lake & Palmer , mas com harmonias vocais, contraponto e polifonia que lembram Gentle Giant , e uma atmosfera teatral, porém acessível.
Na escola de rock, estamos discutindo sobre Israel, num verdadeiro show de fogos de artifício de ideias musicais estranhas, o suficiente para encerrar mais uma semana no blog...
Mas é melhor eu me calar e deixar vocês ouvirem a banda...
Fundado em 2013, este grupo israelense traz uma lufada de ar fresco ao mundo do rock progressivo. Seu estilo, que lembra Gentle Giant , Genesis , ELP e Steely Dan , é habilmente misturado com um toque de jazz-rock e uma pitada de música cômica. "Overloading" é um álbum que anuncia um futuro muito promissor para o grupo. Aparentemente, a banda evoluiu de um fascinante projeto vocal israelense chamado Quinta.5 , que apresentamos no vídeo a seguir. Portanto, desde o início, sabemos que certamente haverá vocais fortes, uma mudança bem-vinda, já que os vocais costumam ser o ponto fraco na cena do rock progressivo.
Mas atenção, a parte instrumental é brilhante, já que este grupo também deriva de outro grande grupo chamado Project RnL , músicos magníficos que fazem parte da mesma cena, transitando entre vários grupos... aqui apresentamos este último ao público:
"Overloading" é o álbum de estreia da banda, cujo nome vem da palavra hebraica "Anekdota", que significa "Anekdoten"... não, não... significa "Anedota". A banda adicionou seu toque cômico ao nome, transformando-o em Anakdota . Eles fazem música muito original. Se observarmos a formação, duas coisas chamarão nossa atenção: primeiro, não há guitarrista na formação (há um solo em uma faixa onde se pode ouvir um músico convidado tocando guitarra), o que poderia nos levar a pensar que seu som lembra a banda italiana Syndone, que também é voltada para teclados e não tem guitarrista, mas a verdade é que são completamente diferentes. A segunda coisa a notar é que a banda tem vocalistas masculinos e femininos, e embora os vocais frequentemente ocupem o centro do palco, o pianista/tecladista é, na verdade, a força motriz por trás do Anakdota . O responsável pela música, letras e arranjos é Erez Aviram, e seu talento instrumental transparece, então preste atenção neste nome.
O álbum abre com a música "One More Day", e as influências do jazz são imediatamente perceptíveis, assim como o papel de destaque do piano na música do Anakdota . Esses elementos jazzísticos se misturam com harmonias vocais melódicas e solos de sintetizador agradáveis, criando uma ótima faixa que já revela a qualidade musical da banda — uma canção que lembra Gentle Giant fundido com Steely Dan e com um toque de jazz. A música seguinte, "Different Views", irá convencê-lo disso: com estruturas complexas e performances brilhantes do baterista e tecladista, sem mencionar o baixista sempre presente. "Different Views" é uma obra-prima musical e o primeiro destaque deste álbum notável. A faixa "Late" demonstra não apenas a qualidade musical, mas também o humor da banda nas letras, melodias vocais e escolhas musicais peculiares. "Late" lembra mais o estilo do Gentle Giant , mas com um toque de Glass Hammer e um pouco de ELP ; rítmico e muito agradável de ouvir.
"Mourning" é uma faixa especial e uma das minhas favoritas, onde a doçura do piano inicial dá lugar à primeira aparição da voz feminina, criando uma bela balada com vocais encantadores acompanhados por delicados toques atmosféricos de piano e baixo, tudo executado com extrema sensibilidade. É também o primeiro e bem-vindo respiro do álbum, apresentando melodias vocais que lembram os vocais de Barbara Gaskins nos primeiros álbuns do Hatfield and the North e do National Health . Em seguida, a faixa-título leva as coisas um passo adiante com a magia do piano e dos vocais masculinos. Aqui, já se pode perceber que a força da música do Anakdota reside na maneira como estruturas instrumentais complexas são combinadas com belas melodias vocais e letras divertidas, tornando-a fácil de ouvir porque o resultado final não soa excessivamente complexo ou pesado, mas sim leve, fresco e moderno. A alternância entre vocais masculinos e femininos também confere ao álbum a diversidade necessária. Então, na próxima música, "Staying Up Late", começa com boas linhas de baixo às quais se adicionam o piano e a voz feminina, desta vez com mais variações em uma canção que poderia ser de Phideaux , e é definitivamente também uma das minhas favoritas, uma mistura sentimental, complexa, doce, mutável, onde a bela voz de Ayala Fossfeld brilha como nenhuma outra e onde, a partir do meio da música, uma importante seção jazzística se abre em uma complexidade infinita, mas sempre a serviço da melodia e do bom gosto.
Enquanto isso, "Girl Next Door" começa com um piano que evoca muito da magia de Emerson, mas é acompanhado por uma voz masculina divertida que alivia o clima em uma faixa incrível, rítmica e com toques de jazz, embora talvez um pouco repetitiva desta vez. A banda diminui o ritmo e tudo desacelera um pouco com a chegada da faixa final, "End Of The Show". Delicadas harmonias vocais femininas e masculinas mais uma vez remetem ao grande Gentle Giant , começando com uma introdução vocal feminina lenta e bela que inclui alguns versos da balada anterior, "Mourning", antes da entrada da voz masculina. "End Of The Show" encerra o álbum com os dois cantores se apresentando juntos ou alternadamente, algo que eles deveriam explorar mais — estou me referindo aos duetos — porque é realmente um prazer ouvir suas vozes. Outra das minhas favoritas! E uma excelente maneira de encerrar este álbum maravilhoso.
Essa mistura especial de estruturas musicais complexas e melodias vocais arrebatadoras, essa magia do piano, essas estruturas intrincadas usadas para transmitir humor, sensibilidade e emoção, suas letras divertidas — tudo isso confere ao álbum uma diversidade que às vezes pode soar um pouco desconexa, mas é sempre muito agradável e divertida. É frequentemente responsável pelo respiro necessário na música do Anakdota , que de outra forma poderia se tornar opressiva. O álbum soa fantástico, com uma clareza cristalina; os vocais são maravilhosos, a performance, soberba. O que mais se poderia esperar de um álbum de estreia? O Anakdota impressiona com seu talento musical e sua abordagem original e moderna. Altamente recomendado!
E agora, quando digo que você deve prestar atenção em bandas vindas de um determinado país, acredite em mim. Esta é apenas uma das muitas novas ofertas musicais de Israel, mas não é a única. Você pode ouvir este ótimo álbum na página deles no Bancamp e também pode comprá-lo lá, se desejar.
Lista de faixas: 1. One More Day 2. Different Views 3. Late 4. Mourning 5. Overloading 6. Staying Up Late 7. Girl Next Door 8. End of the Show
Formação: - Ray Livnat / vocais - Ayala Fossfeld / vocais - Erez Aviram / piano e teclados - Guy Bernfield / baixo - Yogev Gabay / bateria Participação especial: Yoel Genin / guitarra em Mourning
