Bread – Bread (LP 1969)

MUSICA&SOM ☝

Bread – Bread (LP Elektra – EKS-74044, Setembro de 1969).

Produção: Bread.

Género: Soft Rock, Pop Rock.

“Bread” é o álbum de estreia da banda americana de soft rock Bread, gravado no estúdio Elektra, em Hollywood, California/EUA e lançado em Setembro de 1969, através do selo Elektra Records. O LP alcançou a posição nº 127 na parada de álbuns pop da Billboard. A faixa "It Don't Matter to Me" foi lançada como single após o lançamento do segundo álbum dos Bread, “On the Waters”, que continha o sucesso número 1 de "Make It with You", no Verão de 1970. O tema "It Don't Matter to Me" alcançou a posição nº 2 e nº 10 nas paradas Adult Contemporary e Pop Singles da Billboard, respectivamente. A capa do álbum, com fotos dos membros da banda em papel-moeda, refere-se à gíria contemporânea que iguala "pão"(bread) a dinheiro.

Bread foi uma banda norte-americana que iniciou as suas atividades como um conjunto de apoio para a realização de gravações em estúdio de trabalhos fonográficos em 1968 na cidade de Los Angeles, Califórnia/EUA. Alguns elementos dos Bread já se conheciam desde o início dos anos 60. A partir do encontro entre David Gates e Jimmy Griffin, acrescidos da presença de Robb Royer, o grupo começou a tocar nos bares de Los Angeles, tendo sido contratado pela gravadora Warner/Elektra, inicialmente apenas para ser uma banda de estúdio. O baterista Mike Botts juntou-se a eles em seguida. O soft rock da banda ganhou destaque e começou a enfileirar uma série de sucessos com o seu estilo melodioso. Bread foi um grupo bastante popular no início da década de 70. Tiveram 13 canções nas paradas da Billboard Hot 100 entre 1970 e 1977. O primeiro single da banda, "Make It with You", alcançou o primeiro lugar da parada norte-americana da Billboard, em 1970. O sucesso inesperado com o álbum de estreia que aqui apresentamos "Bread", de 1969, fez com que o grupo começasse a realizar apresentações ao vivo pelos Estados Unidos, com muito sucesso. No entanto, criou-se um conflito entre os seus componentes Gates e Griffin. A banda terminou em 1973. Três anos mais tarde, reencontraram-se para lançar um último trabalho, "Lost Without Your Love", muito bem recebido pela crítica e público. Em 1996, resolvidas as suas diferenças, eles reuniram os Bread para a bem-sucedida “25th Anniversary Tour” nos EUA, África do Sul, Europa e Ásia. Essa digressão foi prolongada até 1997, que seria o último ano em que os membros do Bread iriam actuar juntos. Gates e os outros elementos regressaram às suas carreiras individuais. No dia 11 de janeiro de 2005, James Griffin, membro fundador do Bread, faleceu de cancro de pulmão aos 61 anos. Mike Botts faleceu no dia 9 de dezembro em Burbank, Califórnia, na sequência de um cancro no cólon. Knechtel faleceu no dia 20 de agosto de 2009, aos 69 anos de idade, de um aparente ataque cardíaco. Gates aposentou-se da música, Royer lançou um álbum de homenagem a Jimmy Griffin, em 2010, com temas seus e de Griffin. A banda esteve em actividade de 1968 a 1973, de 1976 a 1977 e em 1996/7. O grupo foi introduzido como intérprete no Hall of Fame em 2006.

Faixas / Tracklist:

A1. Dismal Day (David Gates) - 2:19

A2. London Bridge (Gates) - 2:30

A3. Could I (James Griffin, Robb Royer) - 3:29

A4. Look At Me (Gates) - 2:42

A5. The Last Time (Griffin, Royer) - 4:09

A6. Any Way You Want Me (Griffin, Cliff Owens, Royer, Aaron Schroeder) - 3:12

B1. Move Over (Griffin) - 2:35

B2. Don't Shut Me Out (Gates) - 2:39

09. You Can't Measure The Cost (Gates) - 3:21

10. Family Doctor (Griffin, Royer) - 2:13

11. It Don't Matter to Me (Gates) - 2:41

12. Friends and Lovers (Griffin, Tim Hallinan, Royer) - 3:51

Músicos / Musicians:

David Gates – vocalista, órgão Hammond, baixo, guitarra, percussão, teclados, violino, sintetizador Moog, compositor

James Griffin – vocalista, guitarra, percussão, teclados, compositor

Robb Royer – guitarra, percussão, piano e piano eléctrico, flauta, baixo, voz de apoio, compositor

Músicos Adicionais / Additional Personnel:

Jim Gordon – bateria

Ron Edgar – bateria

Third Ear Band - Third Ear Band

 O que é Third Ear Band? A Third Ear Band surgiu em Canterbury e começou como uma banda psicodélica chamada The Giant Sun Trolley, tocando regularmente em clubes do sul de Londres, com longas improvisações. Eventualmente, mudaram seu nome para The Hydrogen Jukebox, gravando um álbum ao vivo com a percussão de Sweeney, que consistia no som de tesouras cortando (com o microfone preso a elas), enquanto ele progressivamente despia sua namorada, cortando seu vestido durante o show (recortes eram muito populares na época). Após terminarem a gravação do show, descobriram que todo o seu equipamento havia sido roubado. Assim, por pura coincidência e óbvia necessidade, tornaram-se uma banda acústica, adotando o nome Third Ear Band . Muitos os consideram os pioneiros do termo "world music". Lançado no final dos anos 60, o álbum "Alchemy" é visto como um marco da música de fusão étnica, incluindo muitos elementos de improvisação e claras influências orientais e medievais. Eles utilizavam muitos instrumentos "raga", graças a padrões cíclicos e dançantes de oboé e percussão de tabla. Frequentemente, incorporavam partes de rock com influências de jazz ao lado de música espiritual indiana. Estilisticamente, esta é uma banda que trouxe à tona um tipo de música "transcultural". Seu impressionante e cultuado primeiro trabalho foi seguido pelo que podemos considerar o ápice de sua carreira. Seu álbum homônimo, gravado em 1970, é uma coleção excepcional de improvisações étnicas etéreas, totalmente flutuantes, extáticas e, consequentemente, direcionadas a um alto nível de consciência. Uma verdadeira viagem por paisagens oníricas sugestivas e imaginativas. A música é executada com genialidade e sempre orientada em favor de diversas experimentações acústicas. Originalmente lançado em 1972 para o filme de Roman Polanski, seu álbum seguinte, "Macbeth", dá continuidade a essa intensa e psicodélica aventura musical, mas enfatiza as estruturas acústicas folclóricas e medievais (incluindo, pela primeira vez, vocais). As atmosferas são por vezes assustadoras e sinistras, admitindo linhas de guitarra estranhas e melódicas. A música é menos improvisada e se volta para atmosferas eficientes, encantadoras, melancólicas e medievais. Este é reconhecido como o trabalho mais popular da banda. Após um longo hiato, a banda gravou em 1988 o álbum "Live Ghost" com uma nova formação, dando continuidade a uma experiência musical similar, sempre fundindo um estilo raga/étnico sensível com poderosas improvisações de rock jazzístico. Seus trabalhos seguintes, "Magic Music" (1990) e "Brain Waves" (1993), incluem arranjos eletrônicos mais evidentes e uma combinação mística de jazz/rock étnico. Este é o segundo álbum da banda britânica Third Ear Band, uma  mistura de raga indiano, folk psicodélico e música medieval.

1. Air (10:29)
2. Earth (9:52)
3. Fire (9:19)
4. Water (7:04)

"Air" começa com sons de vento. Em seguida, entram o violino e o oboé, juntamente com a tabla. Mais tarde, um instrumento de cordas com som peculiar toca de forma dissonante. No meio da música, as tablas ficam mais altas e intensas, criando um som monótono. Os sons de vento retornam e a música desaparece lentamente. Ao contrário das outras três faixas, 

"Earth" apresenta algumas mudanças de tonalidade/acordes. Começa com bandolim, seguido por oboé e outro instrumento de sopro. Há um instrumento de corda dedilhada e batidas constantes em um instrumento de percussão. A música aumenta gradualmente de ritmo, ficando mais rápida e intensa. Tudo se acalma na metade e então recomeça. Por fim, a música desaparece gradualmente.

"Fire" é muito hipnótica. A música não muda muito ao longo de seus 9 minutos de duração. Termina com o que soa como um forte toque de trompete. 

"Water" talvez seja a melhor música aqui. Ela começa lentamente, acompanhada pelo som das ondas. A música inicia devagar e depois acelera com a tabla. Há um belo som grave do violoncelo. Ótima execução do oboé. Termina com sons de ondas.

Este é o primeiro álbum que gostaria de recomendar para nossa jornada musical. Boa audição!

PERFIS - CULTURA MOD - THE SMALL FACES: "Tudo ou Nada"

 

Para aqueles que já não são tão jovens, o nome de STEVE MARRIOTT permanece e permanecerá, antes de tudo, intimamente ligado ao SMALL FACES, mesmo antes do HUMBLE PIE, um conjunto maravilhoso que esteve ativo entre o final dos anos 60 e o início dos anos 70. Steve Marriott faleceu em 1991, com apenas 43 anos, e não por causas naturais: um destino trágico.
É um tema recorrente entre alguns de nossos jovens heróis: quando não se trata de drogas ou álcool, são circunstâncias violentas ou bizarras, como neste caso, o incêndio na casa de campo de Marriott. Uma morte que Steve certamente não merecia; ele trabalhou, gravou e se apresentou até o fim, sempre movido por uma paixão insana por música poderosa e visceral, principalmente blues e R&B, que o consumia desde que era um dos mods mais queridos da Swinging London. Inconfundível, única, aquela voz de adolescente perpetuamente revoltado, levada ao limite de suas possibilidades tonais, quase histérica; mas ele também sabia ser melancólico, carinhoso, como Roger Faltrey, Eric Burdon, Mick Jagger, Steve Winwood; como eles, Steve expressava plenamente, com sua expressividade exasperada, as frustrações e a raiva da geração inglesa dos anos sessenta,

do The Small Faces e da cena Mod inglesa , e
do The Small Faces, a banda rival do The Who, que dominava a parte de Londres oposta, a leste, onde Marriott e companhia viviam e atuavam, detalhes que descobrimos mais tarde: na Itália, nós, que nos beneficiamos da revolução musical e de estilo de vida anglo-saxônica beat, não dávamos muita atenção aos rótulos e à diferenciação das franjas da juventude rebelde em mods, rockers, teddy boys, muito fortes no Reino Unido (como mais tarde estigmatizado por filmes como "Quadrophenia" ). Na Itália, a cultura beat padronizou tudo um pouco e foi vivenciada (nem sempre) sobretudo em termos de vestuário e novos cortes de cabelo — curtos, compridos —, aspectos sem dúvida importantes também para a cultura mod inglesa: riscas de giz, gravatas estreitas e camisas de gola redonda eram as favoritas de Townshend, Daltrey, Marriott e Lane, uma certa elegância clássica de origem humilde ou média, como a origem social de muitos deles. Alguns anos depois, tudo seria varrido pelos trapos multicoloridos dos hippies! O único que se deu ao trabalho de nos informar oficialmente sobre a existência dos mods foi um certo Ricky Shayne, que alcançou algum sucesso na Itália com uma música intitulada, precisamente, " One of the Mods ". Outras características geracionais da cultura mod, como o amor pelas anfetaminas e pelo rhythm & blues americano, o som de Detroit da Tamla Motown, permaneceram quase completamente desconhecidas na Itália. Um forte elo umbilical com a Itália na década de 1960, no entanto, foi a adoção oficial, pelos mods, de Lambrettas e Vespas caseiras como meio de transporte, apropriadamente e obsessivamente equipadas com dezenas de espelhos retrovisores, uma marca registrada que resistiria tenazmente nas décadas seguintes, paralelamente aos repetidos ressurgimentos do movimento mod.Portanto, na primeira metade da década de 60, The Who e Small Faces foram os fundadores mais poderosos e qualificados do som mod, profundamente influenciados pela música negra, especialmente rhythm & blues e soul, mas, na verdade, 99,9% das bandas anglo-saxônicas da primeira metade da década de 60 o eram. No lado mod, havia naturalmente, e de outras maneiras, os Kinks dos irmãos Ray e Dave Davies, que quase imediatamente se voltaram para o lado da sátira social: outras bandas excelentes ou boas, certamente menores em comparação com os líderes, The Poets, Amen Corner, Timebox, Eyes Of Blue, Mockingbirds, The Attack e outras incursões no campo do freak beat, como Birds de Ron Wood, The Creation, Mark Four, The Syn, The Fairytale, Loose Ends, foram reconhecidas por seu valor, reabilitadas e reimpressas algum tempo depois, graças ao árduo trabalho de pessoas influentes, entusiastas e bandas neo-mod anglo-saxônicas (Jam, Merton Parkas, Secret Affair, Chords, Purple Hearts) que, do final dos anos 1970 ao início dos anos 1980, deram origem a animados revivals mod. Para uma visão abrangente e bem coordenada da extrema fertilidade e criatividade musical da Inglaterra dos anos 60, recomendamos a reedição de 1998 em 5 CDs da Deram dos Decca Originals, dividida em “The Mod Scene”, “The Freakbeat Scene”, “The Northern Soul Scene”, “The R&B Scene” e “The Beat Scene” , 125 faixas no total acompanhadas de excelentes notas de encarte, todas editadas por Dorian Wathen, John Reed e Phil Smee: algumas das bandas envolvidas aparecem em diferentes subdivisões da cena, o que demonstra como era e é impossível enquadrá-las em um gênero preciso, e como naquela cena fantástica havia uma troca contínua e fluida de abordagens e influências musicais.

Small Faces: O Período Decca.
Um fio condutor liga as diferentes gerações mod: o início do The Who, por exemplo, gravou "Please Please Please " e " I Don't Mind " de James Brown em seu primeiro álbum, "My Generation" (Decca, 1965); a gloriosa " Heat Wave " de Martha & The Vandellas, um dos hinos da Tamla Motown: uma canção que foi revisitada pelo The Jam de Paul Weller (fortemente continuadores da tradição mod) em seu álbum "Setting Sons " (Polydor, 1979), eletrificada à perfeição e executada com fúria viril. Mas já em seu segundo álbum, "This Is The Modern World" (Polydor, 1977), o The Jam havia ressuscitado outro sucesso indestrutível do R&B da escola Stax, "In The Midnight Hour " de Wilson Pickett. Por sua vez, os Small Faces violentaram furiosamente a elegante " Shake" de Sam Cooke em "Small Faces" (Decca, 1979).", 33 rpm com selo Decca (1966): e não estou exagerando, porque a fúria iconoclasta que caracterizou os Small Faces em 65-66 era incomparável e os levou a introduzir na tradição toda uma gama de guitarras e órgãos estridentes, ritmos precisos de tirar o fôlego, superando em tribalismo e violência expressiva o próprio The Who, que em alguns casos (e assumo total responsabilidade pelo que escrevo) parecia fraco em comparação a eles. Há alguns episódios no primeiro 33 rpm do SF que são absolutamente selvagens, às vezes tocados em um ou dois acordes martelados até a exaustão, como " Come On Children, Don't Stop What You Are Doing" , em que Marriott parece o mestre de cerimônias de um rito branco frenético, em alta temperatura, com picos e quedas inefáveis ​​de energia suada. Seus companheiros de banda, Ronnie Lane, Ian McLagan e Kenny Jones, atuavam como uma caixa de ressonância para os chamados possuídos de Marriott, para os impulsos constantes de se mover, Fazer sexo, viver de forma rebelde! O baixo pulsante de Ronnie 'Plonk' Lane, o órgão inquieto e aventureiro de Ian McLagan, a bateria estonteante de Kenny Jones eram absolutamente funcionais para a garra intransigente e a guitarra cortante de Steve Marriott. É importante ressaltar o papel de liderança do órgão de McLagan, quente e envolvente, o principal criador das atmosferas tórridas do mod-rock de muitas músicas, até mesmo instrumentais, como You Need Loving, Tin Soldier, Own Up, What'cha Gonna About It, Itchicoo Park ; é graças a artistas como McLagan e Brian Auger que o órgão (modificado em alguns casos com efeitos como o Leslie) encontrou seu lugar preciso, suas coordenadas claras, no panorama da música rock e pop dos anos 60, 70 até os dias atuais. O primeiro belo álbum homônimo pela Decca foi seguido por uma série de maravilhosos compactos (todos grandes sucessos), como... Watcha Gonna Do About It? (65), os famosos Sha Lala La Lee, Hey Girl, All Or Nothing (nº 1 nas paradas), My Mind's Eye (todos de 67), Here Comes The Nice (67) e o álbum “From The Beginning” (67), que tem o grande mérito de reunir todos os singles de sucesso lançados entre 65 e 67.

Small Faces: o período Immediate.
Mas em 1967, o ponto de virada: eles assinaram com a gravadora Immediate , fundada e administrada por Mick Jagger, Keith Richards e Andrew Loog Oldham, pela qual artistas como Chris Farlowe gravaram e lançaram um compacto de 33 rpm repleto de violões, cravo, mellotron, pianos e instrumentos de sopro. Em 2002, foi lançado “THE SMALL FACES: First Immediate LP, 35th Anniversary Edition” . (Castle Music - Sanctuary Record) e, portanto, o aniversário é comemorado em grande estilo. Recomendo a leitura do meu artigo escrito naquele ano. Lançado nos Estados Unidos com o título "There Are But Four Small Faces", o álbum marcou verdadeiramente uma virada na visão musical tipicamente mod-R&B com a qual os quatro alcançaram sucesso no período da Decca, entre 1965 e 1966. A violência dos primeiros tempos foi atenuada em favor de canções tristes, baladas melancólicas e alguns lampejos psicodélicos, um sinal dos tempos que se aproximavam. O álbum, lançado em 23 de junho de 1967, é uma primeira tentativa de Steve Marriott e companhia de criar um álbum conceitual e uma psicodelia suave, através das melodias cativantes e expansivas de " Feeling Lonely", "Become Like You", "Eddie's Dreaming", "Up The Wooden Hills To Bedfordshire" e "Green Circles ". David Wells escreve nas preciosas notas do livreto completo desta imperdível reedição: "Em 1967, os Small Faces, cansados ​​dos clichês de 'mods irresponsáveis' em que a Decca os havia aprisionado e dos desentendimentos/mal-entendidos com os gerentes da poderosa gravadora, Don Arden e Tito Burns, assinaram com a então nascente Immediate, seguindo os passos de outros artistas como Chris Farlowe e Amen Corner. Uma declaração de renovado sentimento positivo após a depressão que havia tomado conta da banda no fim de sua relação artística com a Decca, os Small Faces se revitalizaram e voltaram a funcionar a todo vapor . " É o imenso e inovador trabalho de teclado de Ian McLagan, um mestre em todos os sentidos, que auxilia Marriott, e vocalmente o poderoso baixista Ronnie "Plonk" Lane com uma abordagem delicada e sarcástica em muitas faixas (as mencionadas acima). A antiga e pouco saudável paixão de Steve pelo R&B ainda transparece com força em "Have You Ever Seen Me" e "Talk To You ", dois outros grandes sucessos do gênero; seu inconfundível ardor pelo rock marcou clássicos autênticos como "My Way Of Giving" e "Get Yourself Together ", que foram regravados nas décadas seguintes por bandas essenciais como Only Ones e The Jam. " Get Yourself Together ", reinterpretada pelo The Jam em sua juventude, pode ser ouvida na coletânea "Extras ". O charme, o carisma discreto, porém irresistível, a influência deste álbum se estende até os anos 90, em algumas produções garageiras americanas de In The Red Records (Now Time Delegation) e Estrus. Um exemplo claro é a eficaz versão instrumental de "Happy Boys Happy " feita por um mestre do garage americano, Tim Kerr, no álbum "Total Sound Group", com o alegre Hammond de McLagan desempenhando fielmente o papel principal. Os Small Faces sobreviveriam por mais dois anos, até 1969:Uma música fundamental na sua evolução artística foi Itchicoo Park.



"Ogden 's Nut Gone Flake", um enorme sucesso nos EUA, muito original, demonstrando a classe suprema alcançada pela dupla Marriott-Lane. O refrão da música era belo e psicodélico, com a novidade do "phasing" aplicado aos vocais, órgão e bateria. Mas o maior presente que os Small Faces deram aos seus fãs veio em 1968 com o álbum "Ogden's Nut Gone Flake " , impecável em todos os aspectos e uma demonstração do alto nível artístico/inspiracional/sonoro que eles haviam alcançado em um curto período de tempo. "Ogden's Nut Gone Flake" foi um dos primeiros álbuns conceituais, uma tendência que se espalharia rapidamente, narrando aventuras juvenis bizarras com uma dose pronunciada de ironia grotesca. Também entrou para a história por sua capa circular em formato de caixa de rapé. O som da banda nessas faixas é devastador, porém refinado: em primeiro lugar, a famosa "Lazy Sunday" , que parece uma continuação de "Itchicoo Park", uma performance espirituosa e insolente de Steve que entrou para a história. A introdução instrumental "Ogden's Nut Gone Flake ", com seu sabor psicodélico (ou freak beat, se preferir), completa com cordas, é seguida pela violenta e apaixonada "Afterglow" e pela balada quase insana "Rene " . " Song Of A Baker " traz uma intensidade incrível que atesta o poder instrumental dos Small Faces em seus últimos anos. Ela encontra eco com igual impacto emocional no outro lado, "Rollin' Over ". O segundo lado é uma sucessão altamente criativa de soluções acústicas e belas imagens pop. Em 1969, o ápice, o lançamento do vinil duplo "Autumn Stone ", uma espécie de coletânea de maiores sucessos, contendo também duas faixas ao vivo gravadas na Alemanha. Logo após a saída de Steve Marriott, outra aventura emocionante começou: a do HUMBLE PIE, que abordaremos em detalhes em outro momento. Ian McLagan, Kenny Jones e Ronnie Lane juntaram-se a Rod Stewart e Ron Wood (do Jeff Beck Group) e formaram o FACES, outra banda inglesa fundamental dos anos 70. A década de 70 também viu o retorno do Small Faces e o lançamento de dois álbuns razoáveis, “Playmates” (1977) e “78 In The Shade” , mas nada além disso.

Para o período da Decca, recomendamos os 2 CDs de “The Decca Anthology 1965-1967” (Decca, 29 de abril de 1996), enquanto para o período da Immediate, o imperdível box de 4 CDs “Immediate Years” (Charly Records, 23 de fevereiro de 1995) é essencial.

Discografia do Small Faces # Recomendado por Distortions Singles Álbuns # Small Faces (1966) # From the Beginning (1967) # Small Faces (1967) # There Are But Four Small Faces (1968) (edição americana de 1967 de Small Faces) # Ogdens' Nut Gone Flake (1968) # The Autumn Stone (1969)  Playmates (1977) 78 in the Shade (1978)Ao Vivo Live UK 1969 (1978) BBC Sessions: 1965-1968 (2000)° Autumn Stone (2000) Nice (2001)Coletâneas The Autumn Stone (1969) In Memoriam (1970) Wham Bam (1970) Early Faces (1972) A História do Small Faces (1972) Arquétipos (1974) Amen Corner & Small Faces (1975) Raízes do Rock (1976) # Box Anos Imediatos 4 CDs (1995) # A Antologia Decca 1965-1967 2 CDs (1996)  Parque Itchycoo (1999) 

VIL ROUGE: “Immacolato caos” (Uscita: 10 ottobre 2011, Horus/Audioglobe)

 

Sobre a leveza. Este poderia ser o título de um tratado imaginário sobre a obra de estreia de Vil Rouge, caso alguém se aventurasse em uma tarefa caligráfica tão absurda. Mas, numa análise mais atenta, o onírico e o imaginativo permeiam as letras da jovem cantora e compositora toscana, que usa essa chave para abrir ao ouvinte uma janela para seus sentimentos íntimos e genuínos. E ela consegue convencer: suas raízes são firmes.
de uma nova planta que nasce na cena musical, um caminho composicional que certamente pode amadurecer em frutos vermelhos e suculentos. Calibrando-me na onda de "Immacolato caos" e pensando em uma imagem que a descreva, deixei-me inspirar por uma Alice no País das Maravilhas que, perseguindo o Coelho Branco, acabou em uma floresta de cristal, onde é preciso se mover discretamente para não quebrar tudo , mas, ao mesmo tempo, se você ouvir com atenção, poderá ouvir o sino de vento tocar cada pétala. E a música, meticulosamente escolhida em suas escolhas expressivas e execução, desempenha um papel fundamental nesta obra, como uma trilha sonora de filme que apoia a descrição dos diversos cenários. Então, em Effetto domino, as peças realmente se encaixam, assim como as ilusões: "Era uma vez uma menina que caminhava na floresta, à noite, de mãos dadas com seu lobo. Ela não viveu feliz para sempre, mas viveu . "
Entender que contos de fadas não existem e que os medos precisam ser enfrentados é quase uma descoberta agradável, se for a voz pura de Vil que nos diz isso em Il lupo . De repente, porém, o tom se suaviza e um abajur se acende na privacidade do seu próprio quarto, onde você recorta pedaços de fotos antigas para construir memórias, com Nina Simone sentada na beira da cama.

Se dormir é difícil porque estamos muito estressados ​​com o que não precisamos, tente sintonizar a canção de ninar de René : uma sereia nos tranquilizará, dizendo que tudo está bem, afinal. A faixa mais penetrante do álbum, na minha opinião; ela também pode ser encontrada como uma faixa fantasma em uma versão mais crua. Após Controgravità, Immacolato caos , a faixa-título com pinceladas marcantes, deixa um rastro jazzístico que se torna cada vez mais sombrio, elétrico e com uma pegada rock. Unimpressive , a única música em inglês escrita, tocada e cantada por Sir Rick Bowman, irmão de Vil, com quem ele faz um dueto, nos leva a Leggenda di Natale , uma versão de uma canção menos conhecida de De Andrè: comparar-se a ele é sempre uma empreitada ousada, mas a escolha é acertada, e a voz funciona bem, enriquecendo-a com um toque voluptuoso. Burocrazia emotionale é outro destaque do álbum, com musicalidade envolvente e boa letra:
"Deitado no centro do mundo, você só vê o contorno, você é apenas uma projeção destinada a viver no fundo, como uma assinatura que garante toda essa burocracia emocional . "
Para finalizar em silêncio, "As Últimas Palavras que Tenho para Você", uma balada clássica. Um álbum muito feminino de Vil Rouge, também conhecida como Valeria Caliandro, que desde as primeiras notas me fez lembrar da atitude de Cristina Donà, assim como de Mara Redeghieri em seus tempos de Üstmamò. Os músicos da banda, Jacopo Ciani, Luca Cantasano, Cristiano Bottai e Elvira Muratore, que participou como convidada em algumas faixas, dão uma contribuição significativa. Onze instantâneos pendurados por um fio para nos dizer que até as bonecas crescem.