C.D Japón 2007 - Air Mail Recordings - AIRAC-1340.
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terça-feira, 17 de fevereiro de 2026
As 10 melhores músicas do Buffalo Springfield de todos os tempos
Qualquer banda que tenha Stephen Stills e Neil Young está destinada ao sucesso. O Buffalo Springfield não só contou com o S e o Y do CSNY, como também com Bruce Palmer, Dewey Martin e Richie Furay. Eles não ficaram juntos por muito tempo, mas nos dois anos em que estiveram juntos, criaram algumas das músicas de rock mais influentes do século XX. Stills, Young e Furay alcançariam ainda mais sucesso no futuro, mas foi aqui que tudo começou. Estas são as 10 melhores músicas do Buffalo Springfield de todos os tempos.
10. On the Way Home
Last Time Around foi o fim anticlimático de uma carreira breve, porém gloriosa. O último álbum da banda foi uma coletânea heterogênea de músicas reaproveitadas de suas últimas sessões de gravação. Faltava coesão e algumas faixas são, na melhor das hipóteses, irregulares e, na pior, decepcionantes. Mesmo assim, há pérolas suficientes para torná-lo audível. On the Way Home é um dos destaques. Composta por Neil Young, cantada por Richie Furay e com uma performance explosiva de Stills, é uma delícia.
9. Rock & Roll Woman
"Rock & Roll Woman" pode não ser a melhor música que Stephen Stills já escreveu com o Buffalo Springfield, mas ainda assim é sublime. Embora a banda às vezes fosse rotulada como folk-rock , eles nunca foram realmente. Young tinha muita acidez correndo em suas veias para permitir isso, e todos os integrantes eram inteligentes demais para serem definidos tão facilmente. Eles sabiam quando mudar o ritmo, quando alterar a cadência e quando mudar o andamento, evitando assim o território do folk-rock e criando obras-primas como essa deliciosa preciosidade.
8. Kind Woman
O último álbum da banda dividiu opiniões. Até mesmo seus fãs mais fiéis tiveram dificuldade em compreender sua dinâmica complexa. Mas o pior álbum do Buffalo Springfield ainda é melhor do que os melhores álbuns da maioria das bandas, e Last Time Around não deixou de ter seus encantos. Sua faixa de destaque é Kind Woman, uma balada belíssima com uma ternura irresistível. Pode não ter a mesma força de alguns dos maiores sucessos da banda, mas sua delicadeza a torna um clássico.
7. Sad Memory
Pode ser uma das joias menos conhecidas da banda, mas "Sad Memory" ainda figura entre as melhores composições do Buffalo Springfield. Para ser justo, Furay não se esforça muito liricamente ( como aponta a Billboard , com versos como "Você já amou uma garota/ Que simplesmente te pisoteou?/ Você deveria saber exatamente como me sinto", disputando a atenção no mesmo álbum que "Broken Arrow" e "Mr. Soul" de Young, fica bem claro quem era o John e quem era o Paul). Mas não importa – os arranjos minimalistas da música, os vocais cristalinos de Furay e as melodias suntuosas mais do que compensam.
6. Flying On The Ground Is Wrong
Considerada uma das melhores canções de todos os tempos do Buffalo Springfield pela Classic Rock History, "Flying On The Ground Is Wrong" é uma verdadeira obra de arte. Richie Furay interpreta a letra de Neil Young com uma sensibilidade e sabedoria que nem mesmo as performances solo ao vivo do próprio Neil conseguem superar. O arranjo elegante e contido só contribui para a qualidade da obra. Do início ao fim, é magistral.
5. Down To The Wire
"Down to the Wire" é um enigma. A primeira vez que até mesmo o fã mais fervoroso do Buffalo Springfield a ouviu foi na coletânea de 2001, "Buffalo Springfield Box". Por que o Buffalo Springfield optou por não lançá-la enquanto estava na ativa é um mistério. É também uma tragédia. Com Neil cantando com toda a sua alma, Stills em sua melhor forma na guitarra, e o resto da banda fazendo um trabalho excepcional para acompanhar, ela se classifica como uma de suas melhores canções.
4. Bluebird
Quando David Crosby mencionou a possibilidade de convidar Neil Young para se juntar ao CSN com Graham Nash, Nash hesitou inicialmente. Ele acabou concordando com uma reunião, durante a qual perguntou a Young por que deveria aceitar a ideia. A resposta de Young foi rápida e direta. Ele perguntou se Nash já tinha ouvido Young e Stills tocarem juntos. Nash já tinha, então, ponto final. Pode soar como uma resposta arrogante. Mas não foi. Quando Young e Stills tocam juntos, a magia acontece, como acontece aqui e em tantas outras canções. "Bluebird" pode não ser a mais conhecida da banda, mas a interação divina entre Stills e Young a torna, sem dúvida, uma das melhores.
3. Expecting To Fly
Composta por Neil Young, "Expecting to Fly" tem tudo... letras enigmáticas, vocais arrebatadores e um arranjo orquestral sublime, cortesia de Jack Nitzsche, músico de apoio de Phil Spector. Como observa a Wikipédia , a canção marca a transição das composições da banda, antes focadas no grupo, para performances mais individualizadas. Em outra banda, essa mudança talvez não tivesse funcionado. Mas o Buffalo Springfield tinha Neil Young. Tinha Stephen Stills. Não tinha como dar errado, como esta beleza etérea e frágil demonstra com maestria.
2. Mr. Soul
Composta por Neil Young , "Mr. Soul" é rock and roll em sua essência. Tem o rock, o roll e os riffs. Acima de tudo, tem Young, que domina completamente a música com suas letras maravilhosamente obscuras, sua guitarra distorcida e seus vocais poderosos. Quando saiu da banda, levou a música consigo. Não importa quantas vezes ele a toque ao vivo, ela nunca perde seu encanto.
1. For What It’s Worth
Em 1966, a Guerra do Vietnã já ceifava vidas demais há muito tempo, e Stephen Stills, por exemplo, não aguentava mais. Então, ele escreveu "For What It's Worth", uma das canções de protesto mais incendiárias da época. Só que não. Bem, é uma canção de protesto, sim, mas não é contra a guerra que Stills se insurge, e sim contra o tratamento brutal que a polícia dispensava a seus amigos hippies na Sunset Strip. No fim das contas, pouco importa se a música era sobre a guerra ou sobre os hippies. Como diz a Rolling Stone , este foi o grande sucesso da banda, a canção que consolidou sua reputação e lançou as carreiras de Stills e Young. É um clássico, e não importa quantas vezes seja usada em filmes, programas de TV e comerciais, um clássico ela sempre será.
Interloper - Carbon Based Lifeforms
Carbon Based Lifeforms (CBL) é um duo sueco de música eletrônica, reconhecido como um dos nomes mais importantes nos gêneros ambient, chillout e psybient (uma combinação de psicodelia e ambient). O grupo é formado por Johannes Hedberg e Daniel Vadestrid (anteriormente Segerstad), ambos nascidos em 1976 e originários de Gotemburgo, no sudoeste da Suécia. A colaboração entre Hedberg e Vadestrid começou quando se conheceram aos 15 anos e formaram o CBL em 1996 como um desdobramento de outros projetos musicais. Rapidamente, o projeto se tornou seu foco principal, culminando em seu primeiro lançamento no mp3.com em 1998 sob o nome "Notch", com o álbum *The Path* (embora posteriormente tenha sido creditado a CBL). Sua música é caracterizada por uma atmosfera rica, texturizada e imersiva que frequentemente combina elementos da natureza e da tecnologia, buscando fundir a terra e o espaço em seu som. O nome do grupo, "Carbon-Based Life Forms" (Formas de Vida à Base de Carbono), reflete essa inspiração, representando tanto os efeitos positivos quanto os negativos que tal colaboração pode gerar. Em 2002, a dupla assinou com a aclamada gravadora francesa Ultimae Records, com quem lançou vários de seus álbuns mais conhecidos, incluindo Hydroponic Garden (2003) e o influente World of Sleepers (2006), um marco do gênero. Tornaram-se independentes em 2014, mas continuaram lançando músicas e mantendo seu som característico. O CBL é presença constante em festivais de psytrance e ambient por toda a Europa e o mundo. Sua discografia inclui diversos álbuns de estúdio e trilhas sonoras, consolidando seu status como mestres em paisagens sonoras imersivas e atmosféricas.
Interloper é o terceiro lançamento da dupla e o escolhido para o artigo desta semana, apresentando Carbon Based Lifeforms, um álbum de alta qualidade, porém complexo, caracterizado por atmosferas e ritmos repetitivos, evolutivos e relaxantes, sendo provavelmente o mais consistente até o momento. A dupla de Gotemburgo incorpora elementos de seus álbuns anteriores, fundindo-os com o som minimalista do SYNC24, o techno-ambient do Solar Fields (um som tão revigorante para o estilo habitual da Ultimava que praticamente todos os artistas da gravadora o adotaram), o som primal do Notch e uma forte influência chill-pop (a estrutura de Interloper lembra bastante as compilações chillout da Telstar TV da série "Euphoria"). Inicialmente, é um tanto intimidador, até mesmo desconcertante; somente depois, quando as impressões iniciais se dissipam, é que se começa a discernir algo mais profundo, algo oculto sob a superfície. E, aos poucos, começa-se a perceber que Interloper é simplesmente um passo além do formato habitual da gravadora, que está perdendo cada vez mais seguidores (aguardaremos Asura e Solar Fields).
Agora começa uma série de faixas com uma pegada mais ambiente, com "Euphotic" mergulhando em linhas de piano emotivas e reverberantes que (como algumas faixas anteriores do CBL) remetem ao produtor downtempo injustamente subestimado Hiatus, que também poderia ter composto o ritmo suave e o loop vocal feminino que conduz a segunda metade da faixa. "Frog" introduz sons aquáticos e texturas orgânicas que evocam um ambiente úmido e sereno, talvez um lago ou um ecossistema noturno repleto de vida. Os sintetizadores se desdobram lentamente, criando uma atmosfera hipnótica, quase líquida, na qual o ouvinte pode perder a noção do tempo. Diferentemente de outras faixas mais estruturadas do álbum, "Frog" abraça a fluidez: não há uma melodia clara, mas sim um conjunto de camadas sonoras que respiram e se expandem como um organismo vivo. O ritmo urgente, oculto sob os solos de flauta na mixagem de " M ", adiciona um toque de drama que aumenta sutilmente a energia, explodindo no que poderia muito bem ser chamado de clímax pós-rock, com bateria poderosa e sintetizadores ambientais elevando-se majestosamente. No entanto, a atmosfera relaxa rapidamente com a abertura de " 20 Minutes ", uma das melhores obras de CBL de todos os tempos e uma das composições mais emotivas e expansivas do álbum. Com quase sete minutos de duração, a faixa combina a profundidade atmosférica do ambient com uma pulsação rítmica suave e constante que convida à contemplação. Desde o início, estabelece-se uma ambiência hipnótica, onde camadas de sintetizadores se entrelaçam com sons envolventes e uma linha de baixo calorosa que fornece estrutura sem quebrar a sensação de flutuação. O título sugere uma medida de tempo, mas, ironicamente, a música parece suspendê-lo: seu fluxo lento e envolvente cria a impressão de estar fora de toda cronologia, como se vinte minutos estivessem se expandindo para a eternidade. A faixa reflete um dos principais pontos fortes do Carbon Based Lifeforms: sua capacidade de transformar música eletrônica em uma experiência emocional, quase espiritual. “20 Minutes” pode ser interpretada como uma jornada interior, uma meditação sonora que transporta o ouvinte para um estado de quietude e clareza. No contexto de Interloper, ela serve como prelúdio para a faixa de encerramento do álbum, oferecendo um momento de equilíbrio entre a introspecção humana e a imensidão cósmica do som. Ouvir Polyrytmi em seguida , apreciando seus tons retrô e relaxantes, parece uma escolha sábia, em vez de tentar superar “20 Minutes” em um estilo similar; os ritmos de sintetizador em camadas da faixa final culminam em um clímax trip-hop caloroso e dramático, proporcionando um final apropriado para o álbum.
Interloper, o terceiro álbum de estúdio da dupla sueca Carbon Based Lifeforms, é uma obra-prima da música ambiente contemporânea que explora a conexão entre biologia, tecnologia e consciência. Lançado em 2010, o álbum solidifica o estilo característico do grupo: paisagens sonoras profundas, harmonias envolventes e um equilíbrio orgânico entre o sintético e o natural. O título Interloper — que significa "intruso" ou "forasteiro" — sugere uma reflexão sobre a presença humana como um elemento estranho na vasta tapeçaria da natureza e do cosmos. O Carbon Based Lifeforms consegue transformar essa ideia em som: sua música soa como a voz de uma consciência que observa, aprende e se adapta. Cada composição é cuidadosamente elaborada para criar uma atmosfera imersiva, sustentada por frequências graves suaves, reverberações espaciais e produção cristalina. O resultado é um álbum que não é apenas ouvido, mas vivenciado como um estado de espírito. Interloper transcende o conceito de música eletrônica para se tornar uma experiência sensorial e filosófica: um lembrete de que, embora sejamos "formas de vida baseadas em carbono", também somos seres capazes de perceber a infinitude do universo através do som.
Please Don't Go - KC & The Sunshine Band
Crescendo nos anos 80, lembro-me de ouvir pessoas zombando da disco music e tratando-a como uma piada. Acho que ela ganhou essa reputação principalmente por causa de sua saturação nas paradas musicais no final dos anos 70 e por como as músicas lançadas no final da era disco soavam cada vez mais convencionais e previsíveis. Infelizmente para KC & The Sunshine Band, eles acabaram sendo fortemente associados à disco music, o que dificultou que alcançassem mais sucesso no pop depois que a disco "morreu" no mainstream. É irônico que KC & The Sunshine Band, um grupo de disco music, tenha lançado uma balada justamente no dia em que milhares e milhares de cópias do som disco estavam sendo destruídas. Houve um momento em 1979 em que a disco music dominava tudo; qualquer artista que quisesse ter sucesso tinha que fazer disco music ou flertar com ela. Artistas como Barbra Streisand, Barry Manilow, The Rolling Stones e outros abraçaram a disco music para competir com os Bee Gees, Donna Summer, Gloria Gaynor e KC & The Sunshine Band. A música disco vinha ganhando terreno desde o início dos anos 1970, gradualmente ultrapassando o rock a tal ponto que, quando varreu o Grammy em fevereiro de 1979, parecia estar devorando o rock, e para alguns, isso foi demais. Os filmes "Os Embalos de Sábado à Noite" e John Travolta eram amplamente odiados, exemplificando o triunfo da branquitude e da heterossexualidade em uma sociedade que mudava a cada cinco minutos. A verdade é que, a partir do final de 1979, a disco começou a desaparecer do léxico musical, e as gravadoras passaram a chamá-la de música dance para evitar mais reações negativas.
O interessante sobre "Please Don't Go" é que, embora tenha muitos dos instrumentos e produção associados à disco music, essa música era mais uma balada do que um hino para as pistas de dança. Além disso, para um grupo mais conhecido por seus números disco animados, "Please Don't Go" provavelmente teria surpreendido o público pop da época. Existem baladas "disco"? Se sim, essa se encaixaria nessa categoria, mas acho que o fato de ser uma balada, em vez de apenas mais uma música animada do KC and The Sunshine Band, ajudou a atrair mais atenção tanto das rádios quanto dos ouvintes de música pop, especialmente porque foi lançada logo após a infame "Noite da Demolição da Disco", geralmente considerada um dos eventos que contribuíram para o declínio da disco music. Embora eu não me lembre de "Please Don't Go" de seu lançamento original e a tenha conhecido primeiro através da versão do KWS, acho que a versão original do KC and The Sunshine Band é uma balada pop poderosa para a sua época. Embora ainda esteja um pouco surpreso por ter chegado ao primeiro lugar, considerando como era o cenário pop na época, é uma música poderosa e boa que se manteve relevante ao longo do tempo.
Rock Lobster - The B-52'S
No final da década de 70, a cena musical dominada pelo niilismo agressivo do punk e pela frieza calculada da new wave, um som tão excêntrico e colorido quanto um coquetel tropical surgiu. Era a voz do The B-52's, uma banda que soava como uma festa de garagem dos anos 60, perdida no espaço. E se fosse preciso escolher um hino que encapsulasse seu espírito surreal e festivo, seria sem dúvida " Rock Lobster ". Lançada originalmente em 1978 em seu álbum de estreia e relançada com sucesso em 1979, essa música não é apenas uma faixa; é uma experiência sensorial, uma viagem psicodélica a uma praia de outro mundo.
Desde o primeiro compasso, " Rock Lobster " estabelece seu DNA único. O riff de guitarra surf, vibrante e incisivo de Ricky Wilson, soa como se Dick Dale tivesse sido abduzido por alienígenas. É instantaneamente reconhecível e cria uma atmosfera de ansiedade festiva. A linha de baixo insistente, quase mecânica, age como o motor que impulsiona a nave, enquanto os vocais impassíveis e quase narrativos de Fred Schneider nos guiam pelo delírio. Mas a verdadeira sacada genial vem com os vocais de apoio de Cindy Wilson e Kate Pierson, cujos "oohs" e "aahs" não são meros enfeites, mas sim sereias cantando das rochas de um mar de plástico.
A letra é um catálogo de absurdos marinhos que desafia qualquer interpretação literal. Não é um protesto ambiental nem uma história de amor; é arte pop sonora. Passamos de ver uma garota em uma linha de pesca a testemunhar uma dança frenética de criaturas como lagostas, enguias, polvos e peixes-vidro. A genialidade reside em como a música reflete esse caos controlado. A canção é construída sobre um ritmo hipnótico e repetitivo, mas os detalhes — o glissando do teclado, os efeitos sonoros, os gritos — se acumulam, criando uma tensão crescente. É uma festa na piscina que de repente se enche de fauna pré-histórica.
O clímax da música é um dos momentos mais gloriosamente bizarros da história do pop. As vozes de Wilson e Pierson explodem em um desfile de imitações de animais: gritos de golfinhos, cacarejos, guinchos. O que poderia ter sido simplesmente ridículo se transforma em pura euforia. Diz-se que John Lennon, ao ouvir essa parte em uma discoteca, reconheceu em seu espírito livre e absurdo um eco do surrealismo dos primeiros Beatles e sentiu que o rock ainda tinha espaço para a imaginação — um impulso que influenciaria seu próprio retorno à música.
" Rock Lobster " é, em essência, a personificação perfeita da filosofia do The B-52's : a ideia de que a música pop pode ser inteligente, inovadora e profundamente absurda ao mesmo tempo. Não é uma contradição, mas uma celebração. Quebrou as regras sem a arrogância do punk, abrindo as portas para a new wave americana e pavimentando o caminho para toda uma legião de artistas que não tinham medo de ser diferentes e divertidos. Não é apenas uma música; é uma viagem de seis minutos para um universo paralelo onde o sol sempre brilha, o mar é vinil e lagostas roqueiras são as rainhas da pista de dança. Uma obra-prima do absurdo que, décadas depois, ainda soa tão fresca e vibrante quanto no dia em que foi lançada.
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