Em 1975, o cantor, pianista e compositor Uday Vellozo, mais conhecido como Benito di Paula, lançou seu quinto álbum e solidificou o que preconizava em seu terceiro disco: “Um Novo Samba”. Suas músicas tinham base no piano que ele “batucava” com maestria. O sucesso incomodou os mais puristas e gerou críticas até de Paulinho da Viola, nos versos do samba Argumento lançado naquele mesmo ano:
“Tá legal Tá legal Eu aceito o argumento Mas não me altere o samba tanto assim Olha que a rapaziada está sentindo a falta De um cavaco, de um pandeiro Ou de um tamborim”
Benito di Paula e Luiz Gonzaga. Fonte: Facebook de Benito di Paula
O álbum, chamado apenas “Benito di Paula”, cujo maior sucesso foi a música Vai Ficar na Saudade, traz entre suas faixas a canção Sanfona Branca. A música é uma homenagem ao Rei do Baião, Luiz Gonzaga, que Benito afirma ser uma de suas maiores influências. Luiz Gonzaga inspirou também Raul Seixas e até o grego Demis Roussos. Este último gravou White Wings, versão em inglês para a obra-prima do Rei do Baião: Asa Branca, em seu álbum de 1975.
Sanfona Branca já começa exaltando Gonzaga:
“Aquela sanfona branca Aquele chapéu de couro É quem meu povo proclama Luiz Gonzaga de ouro”
A resposta de Lua, apelido de Luiz Gonzaga dado por Dino 7 Cordas – devido ao rosto arredondado e um largo sorriso – veio dois anos depois em uma faixa do álbum “Chá Cutuba”, a canção Chapéu de Couro e Gratidão, na qual agradece a Benito di Paula:
“Aquela sanfona branca Aquele chapéu de couro… Como é bonito Benito Quem é poeta e que ver Como é bonito Benito Poetas como você”
Vale notar que na introdução de Sanfona Branca, de Benito, há uma citação à música Asa Branca ao piano. Já na resposta de Lua, Chapéu de Couro e Gratidão, temos uma citação dos dois primeiros versos de Sanfona Branca, também em sua introdução.
Faz muito tempo que não resenho nada da gravadora Bad Elephant Music. Em 2013, ouvi um dos artistas mais impressionantes que surgiram por ela, chamado Tom Slatter. Seu terceiro álbum de estúdio, Three Rows of Teeth, era uma mistura do Genesis do início da carreira, Caravan e William D. Drake. E fiz uma resenha muito positiva, assim como de seus outros dois álbuns: Through These Veins e Black Water. Depois disso, me esqueci completamente dele. Até agora.
Seu lançamento mais recente deste ano , Escape, aborda o escapismo. Slatter se inspirou em histórias em quadrinhos, romances de ficção científica, jogos de computador e em sua infância confinada em casa. Slatter está trazendo mais histórias à vida, como um filme imaginativo que ganha vida. Então, já faz um tempo? Ah, sim. Então, vamos direto ao seu novo álbum.
Desde o momento em que "Time Stands Still" abre o álbum, você ouve esses sons estáticos vindos da TV enquanto riffs de guitarra intensos canalizam um ataque frenético em um arranjo de andamento médio. Isso remete ao único álbum homônimo do Diagonal, que Tom escolheu como inspiração para suas histórias misteriosas, com a adição de Mellotrons que surgem no momento certo.
A música percorre uma valsa à la Ayn Rand, canalizando tanto " A Nascente" quanto "A Revolta de Atlas", com uma seção intermediária folk-distópica, enquanto as máquinas dominam o planeta. Em seguida, retorna ao primeiro plano metálico com uma vibração orquestral, enquanto Tom presta sua homenagem ao início do Black Sabbath e aos dois primeiros álbuns do Iron Maiden, com texturas arpejadas que ganham vida.
Too Many Secrets apresenta efeitos eletrônicos caóticos e descontrolados enquanto narra a história de um grupo de soldados em uma nave espacial rumo a outro planeta, lutando em uma das guerras mais sangrentas da atualidade. E a pergunta que permanece é: vale a pena lutar nessa guerra estúpida? Sem mencionar a atmosfera sombria e opressiva que ele traz para a mesa de jantar.
Let's All Pretend evoca uma mistura de William D. Drake, Present e Palepoli de Osanna . É o Rock Progressivo Italiano encontrando o movimento Rock In Opposition, com uma homenagem à seção de guitarra do saudoso e genial Roger Trigaux, enquanto Rats assume uma atitude Punk-Folk.
Bateria acelerada seguida por melodia de guitarra, as mudanças inesperadas de ritmo percorrem toda a sala de estar. É possível ouvir Tom canalizando a era "Outside " de Bowie enquanto retoma a história de onde o detetive Nathan Adler parou. "Collateral" é uma dança psicodélica de garage rock. Ela se transforma em uma dança mortal entre as sessões de "Futurama " do Be-Bop Deluxe , enquanto embarca no trem do Gentle Giant a 800 km/h.
"Going Nowhere" é uma ópera de ficção científica de 19 minutos que ganha vida. É possível ouvir uma introdução ao estilo de Eric Beefheart que transforma o trem de Tom em uma abertura em alta velocidade. Há algumas estruturas poéticas que remetem a Edgar Allan Poe para a morte do personagem principal, com sons de guitarra e órgão que são completamente inesperados, mas funcionam muito bem.
Não só há uma guitarra dos anos 60 em uma corda bamba, como ele continua de onde Rush parou durante uma extensão de Cygnus X-1 Livro Um: A Viagem. E então, ele transforma isso em uma caminhada alegre antes de ficar ainda mais pesado, conforme Tom dispara mais mísseis, causando mais caos do que nunca.
Tom retorna então para mais um jantar de música prog italiana, desde o período Darwin de Banco del Mutuo Soccorso até Terra in Bocca, de I Giganti. É possível ouvir o som de um órgão de carrossel ganhar vida enquanto Tom paralisa a plateia steampunk à medida que a história se torna ainda mais perigosa.
Escape é o pesadelo de Tom Slatter que ganha vida. Ele continua sendo o nosso contador de histórias, renascido, seguindo os passos de Alan Moore, Neil Gaiman, Rod Serling e Vincent Price. E espero ouvir falar mais dele nos próximos anos, durante estes tempos difíceis que estamos vivendo.
Desde o momento em que a voz feminina descreve a frase inicial, " As ondas e os padrões estão se fundindo ", a faixa de abertura do álbum, " The Waves ", dá início a um pesadelo perturbador criado por Chris Cordwell e Nick Raybould. A estrutura lembra os videogames dos anos 80, como Super Mario Bros. 2, com diferentes paralelos das pirâmides, em meio a uma atmosfera noir e ao ritmo acelerado do tempo.
Então, o barril de pólvora se transforma em um calor incandescente para aumentar a intensidade da próxima faixa, "Rat Race". Com referências a "The Bogus Man" do Roxy Music e à era " Earthling" de Bowie , é uma viagem alucinante como nenhuma outra. Cordwell e Raybould se enfrentariam em um ringue de boxe, trocando socos entre seus instrumentos. Um caos alucinante em sua melhor forma, é uma composição insana que te manterá em suspense até o fim.
Fluctuate é uma jornada para o desconhecido. Um cenário futurista e relaxante, com uma seção de cordas que você nunca viu antes, enquanto o Beatwave canaliza a era " Oh No! It's Devo" do Devo , com sua energia contagiante, para te fazer vibrar ao som de Nick e Chris, que prestam uma homenagem ao Spud Patrol com um crossover à la Vivaldi.
Mobius Trip se transforma em uma composição de escalada para a dupla. Eles sobem cada uma das escadas que se transformam em vários padrões, alcançando o topo da montanha em um ritmo desafiador, alternando entre andamentos médios e rápidos para que as guitarras deslizem de uma seção para outra.
Devoider encerra o álbum deixando os níveis de temperatura altíssimos dentro da selva. Pesadelos alucinatórios ganham vida para Thought Bubble como se eles tivessem se juntado ao Ozric Tentacles e à era Irrlicht de Klaus Schulze. É um rearranjo insano que nos leva a uma alameda repleta de cogumelos gigantes à espera de serem devorados pelo resto do mês!
'Around' , do Thought Bubble, é uma das estreias mais surpreendentes que te manterá intrigado até o fim. 'Around' será assunto nos próximos anos, nos vibrantes anos 20. E espero ouvir mais do Thought Bubble na próxima aventura que os aguarda.
Hunter S. Thompson disse certa vez: “ A música sempre foi uma questão de energia para mim, uma questão de combustível. Pessoas sentimentais chamam isso de inspiração, mas o que elas realmente querem dizer é combustível. Eu sempre precisei de combustível. Sou um consumidor voraz. Em algumas noites, acredito que um carro com o ponteiro da gasolina na reserva pode rodar mais uns oitenta quilômetros se você estiver ouvindo a música certa bem alto no rádio.”
A música sempre fará parte da sua vida, não importa por quanto tempo ela ressoe em você. Para Beledo, o retorno ao ritmo é constante, como demonstra seu mais recente lançamento pela gravadora MoonJune, Seriously Deep. A gênese por trás de seu trabalho, sucessor de Dreamland Mechanism, começou há 11 anos, quando ele e Leonardo Pavkovic se conheceram e passaram a admirar a música que compartilhavam.
O título veio do artista da gravadora ECM, Eberhard Weber, de seu lançamento de 1978 com a banda Colours, intitulado Silent Feet. Ambos admiravam a música de Weber. Mas o impacto foi enorme para Beledo quando Jorge tocou o álbum inteiro para ele, do começo ao fim, 43 anos atrás. E foi aí que a preciosidade se revelou.
Com Tony Levin, Kenny Grohowski e convidados especiais, incluindo os vocalistas Boris Salvodelli e Kearoma Rantao e o vibrafonista Jorge Camiruaga, que apresentou a música de Eberhard a Beledo há muitos anos, o projeto fecha um ciclo de amizade para o seu mais recente lançamento, que se torna uma flor pronta para desabrochar a qualquer momento.
Desde o momento em que a faixa de abertura, que dá título ao álbum, começa, você se sente como se estivesse dentro de um sonho. O piano acústico de Beledo cria paisagens oceânicas que preenchem toda a estratosfera entre Levin e as peças do quebra-cabeça de Grohowski, preenchendo o espaço vazio. Mas é a guitarra dele que, por vezes, se transforma em um pincel.
Beledo pinta nos estilos de Bob Ross e Jackson Pollock. Ele cria tanto o misticismo quanto as imagens visuais que dão vida ao seu retrato. A cada cor que ele aplica na tela, Levin e Grohowski estão lá para ajudá-lo sempre que possível, preenchendo mais das árvores gigantescas ou um pôr do sol para completar o espaço em branco.
Kenny toca sua bateria com muita precisão. Ele cria a selvageria do rio em sua bateria, enquanto Beledo expressa cada nota com maestria, dobrando as cordas de forma primorosa antes de embarcar nessa mudança inesperada na composição de Weber.
O baixo de Levin acompanha os dois numa perseguição acirrada, como se ele estivesse preparando ovos mexidos para o café da manhã, temperando-os com uma quantidade enorme de molho Tabasco em seu contrabaixo para adicionar aquele sabor picante extra. Uma introdução e tanto para começar com tudo.
Mama D é uma viagem ao universo do King Crimson com uma pitada de National Health, onde os vocais de Rantao criam texturas românticas e a seção rítmica prepara as mudanças de tempo para Grohowski, que acompanha seus vocais em um solo melódico vibrante. Coasting Zone é um passeio por uma pista de dança da Broadway, criada pelo trio no estilo de um barril de pólvora prestes a explodir.
Entre Grohowski e Beledo acendendo o pavio, o resultado é inacreditável, com linhas ainda mais intensas criadas por Levin para acalmar o clima. "Maggie's Sunrise" dá ao trio a chance de relaxar enquanto assistem ao pôr do sol, como se estivessem brindando uns aos outros com daiquiris por um trabalho bem feito.
Sabendo que eles têm algo maravilhoso reservado, é uma experiência reveladora presenciar um momento caloroso e relaxante, vendo a bola de luz seguindo para o oeste com o vibrafone de Camiruaga adornando as texturas à la Gershwin, culminando em uma festa no final. Knocking Waves é uma composição futurista criada por Beledo.
Ele dá a Tony a oportunidade de brilhar na composição, adicionando um ritmo duplo em seu contrabaixo para preparar a seção intermediária, onde Beledo canaliza os arranjos de Steve Howe em " Close to the Edge" do Yes. Ele evoca a visão de Steve ao contemplar as cachoeiras que despencam rapidamente pelas montanhas vulcânicas idealizadas pelo ilustrador do Yes, Roger Dean.
Mas é Levin quem adiciona mais paisagens aquáticas, subindo e descendo uma escada em espiral que aguarda seus ouvintes para ver onde a próxima porta paralela nos levará. Beledo martela tudo com um arranjo brutal de wah-wah enquanto alterna entre os grooves de caixa de Grohowski, que se assemelham a uma serpente rastejando para devorar sua próxima presa.
Em "A Temple in the Valley" , Boris improvisa vocalmente, mergulhando numa visão serena do mundo. Beledo cria esses tempos melódicos para ele, enquanto transita de arranjos vocais agudos a médios, escalando as montanhas mais altas e improvisando como ninguém! Há algo muito à la Zappa nesta faixa.
Na parte central, Beldeo e Boris adentram o território dos Hot Rats , dando continuidade à extensão de Peaches En Regalia, em homenagem ao Grand Wazoo lá no céu. É uma façanha e tanto Beldeo canalizar a genialidade do músico ao entrar nesse mistério blues, permitindo que Kenny acelere na bateria antes de Levin impor sua autoridade mais uma vez.
Quem sabe o que o trio vai inventar em seguida? Um efeito de tsunami? Erupções vulcânicas? Cabe a você decidir o que o trio vai criar neste final cheio de suspense. O final com pegada funk de " Into the Spirals" traz Levin canalizando Bootsy Collins ao embarcar na nave-mãe enquanto eles incorporam o estilo de " Give Up The Funk (Tear The Roof Off The Sucker)" do Parliament.
Beledo presta uma homenagem incrível não só a Bootsy, mas também a George Clinton. Seriously Deep é um lançamento espetacular da gravadora MoonJune este ano. Beledo transmite muita força e esperança em toda a estrutura do álbum. E espero ouvir mais dele nos próximos anos.
O Power Metal é um subgênero do heavy metal que se destaca por sua combinação de melodias rápidas, vocais agudos e letras com temas épicos. Surgiu na década de 1980 e é frequentemente associado a uma atmosfera “feliz” e grandiosa, por vezes ironicamente chamado de “metal espadinha”.
As características musicais do power metal incluem:
Velocidade: Ritmos acelerados, com o uso frequente de pedal duplo na bateria, herança do speed metal.
Melodia e Virtuosismo: Harmonias elaboradas, com solos de guitarra virtuosos e a inclusão de teclados e arranjos orquestrais, influenciados pela música clássica.
Vocais: Os vocais são tipicamente agudos e limpos, muitas vezes com coros grandiosos que reforçam o clima épico.
Letras: Os temas líricos são centrados em fantasia, mitologia, batalhas medievais, heroísmo e ficção científica, o que contribui para a imagem “poderosa” do gênero.
Bandas como Helloween, Blind Guardian, Stratovarius, Angra, Gamma Ray e DragonForce são consideradas pioneiras e representantes do power metal.
Equals (ou simplesmente “=”) é o quarto álbum de estúdio do Ed Sheeran, lançado em 2021. Ele faz parte da série de álbuns com símbolos matemáticos que o artista vinha construindo desde o início da carreira, e aqui marca um momento mais pessoal e reflexivo na trajetória dele.
O disco foi criado em meio a grandes mudanças na vida de Sheeran, com casamento, paternidade e até perdas pessoais, e isso aparece bastante nas letras. Diferente do clima mais festivo de trabalhos anteriores, como ÷ (Divide), Equals tem uma pegada mais emocional e introspectiva, equilibrando baladas românticas com algumas faixas mais pop e radiofônicas. Músicas como “Bad Habits” e “Shivers” mostram o lado mais comercial, enquanto outras exploram temas de amor, família e amadurecimento.
Na sonoridade, o álbum mistura pop contemporâneo com elementos eletrônicos e acústicos, mantendo a marca registrada de Sheeran: melodias acessíveis e letras diretas. A produção é polida, com bastante atenção aos detalhes, e reforça o posicionamento dele como um dos maiores nomes do pop mundial da década.
No fim, Equals funciona como um retrato de transição, menos sobre hits imediatos e mais sobre construção de legado. É um disco que aproxima o ouvinte da vida pessoal do artista, mostrando um Ed Sheeran mais maduro, sem abandonar totalmente o apelo popular que o levou ao topo das paradas.
O álbum “Willy and the Poor Boys” (1969), da Creedence Clearwater Revival, é um dos pontos mais altos da carreira do grupo e um retrato direto e potente do espírito dos Estados Unidos no fim dos anos 60. Lançado no mesmo ano de “Green River”, o disco reforça a impressionante produtividade da banda, liderada por John Fogerty, e consolida seu som baseado em rock, blues, country e swamp rock.
O trabalho equilibra músicas festivas e acessíveis com canções de forte teor político. De um lado, há faixas como “Down on the Corner”, com clima leve e quase folk, evocando músicos de rua, os “Willy and the Poor Boys” do título. Do outro, surgem clássicos como “Fortunate Son”, uma crítica direta às desigualdades sociais e ao recrutamento durante a Guerra do Vietnã, e “It Came Out of the Sky”, com seu tom satírico. O álbum ainda inclui uma versão surpreendente de “Cotton Fields”, que mostra a habilidade da banda em reinterpretar músicas tradicionais americanas.
Gravado com produção enxuta e sem excessos, o disco destaca a força das composições e a pegada direta da banda, sem firulas de estúdio. “Willy and the Poor Boys” é considerado um dos grandes álbuns do rock clássico, justamente por sua combinação de simplicidade, identidade e relevância social. É um trabalho essencial para entender não só o Creedence Clearwater Revival, mas também o clima cultural e político de sua época
Quando se pensa em Tom Waits, a ideia de colaboração geralmente não é uma prioridade. Ele já dividiu créditos com outros artistas no passado, claro – principalmente com Crystal Gayle na trilha sonora de 'One For The Vine' – mas é mais provável encontrá-lo assumindo o controle e seguindo seu próprio ritmo inconfundível. No entanto, em 'Boots On The Ground', ele se junta ao lendário Massive Attack para uma gravação opressiva e repleta de batidas que funciona muito bem.
Desde o início, a faixa não hesita em anunciar um andamento médio, com uma batida marcante acompanhada por um groove quase mecânico, martelando lentamente um refrão musical repetitivo. Soando como uma reminiscência de partes de "Mule Variations" e "Real Gone", certamente lembra mais Tom Waits do que Massive Attack à primeira vista. Por trás da voz rouca característica de Tom, no entanto, o arranjo lento, porém implacável, também compartilha alguns floreios interessantes: uma leve melodia de piano – que lembra uma das trilhas sonoras de filmes do ex-integrante Craig Armstrong – e uma camada de ondas sonoras eletrônicas são inconfundivelmente a marca do Massive Attack revisitando alguns dos sons mais sombrios de seu passado.
Com elementos rítmicos intercalados por lamentos assombrosos e tambores militaristas, a gravação assume um tom ainda mais sinistro em alguns momentos, e isso antes mesmo de considerarmos a letra. Uma denúncia veemente da espiral de ódio e trevas que assolou os Estados Unidos nos últimos seis anos, esta é uma obra verdadeiramente impactante e perturbadora. Marcando seu retorno aos estúdios após quinze anos, Tom não poderia ter contribuído para criar algo mais impactante.
Formada pelo casal Carl e Kat Mann, a dupla de dream pop Shapes Like People, de Wiltshire, surgiu como um projeto paralelo à banda indie de Carl, The Shop Window. Kat já havia participado como backing vocal no LP "Daydream", mas, segundo consta, Carl não havia considerado Kat para seu novo projeto na época. Dizem, em tom de brincadeira, que o Shapes Like People surgiu por acaso, mas, como muitos acidentes felizes, os resultados foram impressionantes. Seu álbum de estreia, "Ticking Haze", soava como uma declaração de amor definitiva à gravadora 4AD de 1991, e embora todo o disco fosse agradável, entre as valsas de "A New Crown", a harmonia de "Fireworks" e a influência de Johnny Marr em "Head Spun", ele oferecia uma trilogia de faixas fortes o suficiente para colocar o Shapes Like People entre os principais nomes do dream pop com sonoridade retrô.
Quem acompanha as cenas indie, shoegaze e dream pop do Reino Unido no início de 2026 provavelmente já descobriu "Find Me There", um single fantástico que, na verdade, eclipsou a maior parte dos trabalhos anteriores da dupla. Um dos destaques deste álbum, com suas linhas de guitarra cintilantes inspiradas no Cocteau Twins e vocais limpos, a música compreende perfeitamente os elementos necessários para fazer um bom dream pop decolar. A combinação de teclados etéreos e guitarra dedilhada com força que forma a base da gravação traz imediatamente à tona memórias muito positivas dos anos 90, mas a vibe retrô não termina aí. A transição do som semiacústico para o brilho da guitarra elétrica contribui para criar uma homenagem perfeita ao indie/jangle pop, algo entre uma brilhante homenagem à gravadora 4AD e uma faixa menos conhecida do The Sundays, com uma melodia tão familiar, mas que soa muito bem-vinda. Ao longo desses três minutos, Carl e Kat provam ser uma dupla perfeita. O estilo vocal etéreo de Kat se encaixa naturalmente na música maravilhosamente leve, e a forma como o som da guitarra de Carl se desenvolve em cada verso contribui para criar uma atmosfera que, em mãos menos talentosas, poderia soar um pouco etérea demais. Esta faixa é um pouco mais suave do que alguns dos trabalhos anteriores do Shapes Like People, mas talvez isso a torne ainda melhor; após algumas audições, o refrão sutil de "Find Me There" começa a brilhar. Se você nunca ouviu Shapes Like People, procure por esta faixa para sua primeira audição. Ela está escondida na metade do álbum, ao lado de uma faixa com um som bem mais agitado, mas continua sendo a música perfeita do SLP.
Quase tão impactante quanto "Find Me There", "Daisy" sobrepõe uma guitarra elétrica vibrante a um violão dedilhado com força, criando uma sonoridade complexa, descomplicada e, ao mesmo tempo, com uma vibe bem veranil. Com a entrada da bateria e do baixo no final do primeiro verso, a música ganha uma qualidade mais sólida que "Find Me There", mas os vocais de Kat mantêm o mesmo tom etéreo, o que garante certa consistência. O ritmo mais proeminente realmente permite que Carl assuma um papel maior, e apesar de ser uma música curta, ele contribui para um ar épico, finalizando com um solo de guitarra que adiciona um toque indie old school, sem comprometer a atmosfera onírica. Melhor ainda é a melodia principal: embora seja claramente Kat quem a conduz, há uma forte influência do estilo clássico de Kirsty MacColl em sua essência, criando algo familiar; algo que pode ajudar a levar a dupla a um público mais amplo.
Uma das faixas menos conhecidas do álbum é, na verdade, usada como faixa de abertura. "Spiral Back In Time" combina orquestração de sintetizador com um riff de guitarra simples, soando inicialmente muito mais "faça você mesmo" do que algumas das melhores músicas do SLP, mas aos poucos, com o tempo, oferece ao ouvinte muito o que apreciar. É somente quando uma suave linha de bateria entra no primeiro refrão que os elementos da faixa realmente se unem, e mesmo assim, se comparada a "Find Me There", ainda parece um pouco mais "demo", mas, olhando além da qualidade do áudio, os vocais em múltiplas camadas são simplesmente encantadores, e os breves momentos de guitarra elétrica vibrante de Carl adicionam uma ótima atmosfera à melodia principal da música. Em uma leve mudança de clima, trocando os aspectos obviamente oníricos por uma pegada indie mais agitada, "Life of Time" coloca a seção rítmica um pouco mais em evidência na mixagem final para impulsionar uma melodia especialmente vibrante, fazendo com que o resultado soe como uma mistura de The Sundays com um Primitives mais pop. Embora tudo esteja muito mais agitado, o senso de melodia permanece tão forte quanto antes, permitindo que a voz de Kat flua pela música com facilidade, e em termos de refrões cativantes, este é um dos destaques do álbum.
"Lately", por sua vez, começa com um acorde de guitarra poderoso e um timbre vibrante que imediatamente revela o interesse indie retrô de Carl, mas a partir daí, a música se ramifica em uma melodia ainda mais retrô quando os vocais entram. Adotando um tom fluido e uma ótima harmonia, essa performance oferece um som que transmite uma atmosfera maravilhosamente onírica e uma melodia quase ensolarada. É como se o Boo Radleys tivesse encontrado uma antiga música dos Everly Brothers e a trazido para meados dos anos 90 para completar um dos melhores lados B de todos os tempos. A combinação dos vocais dos Manns no verso mais calmo é soberba. Embora os registros mais leves de Kat, naturalmente, pareçam ocupar o centro do palco, a faixa foi mixada de forma que o senso melódico natural de Carl também desempenha um papel vital, e quando a banda se estende para um refrão mais alto, ele realmente se destaca em um som mais voltado para o indie. Adicione a isso um solo de guitarra descomplicado, porém perfeitamente afinado, e a sensação de que, quando chega à sua última aparição, o refrão soa ainda maior, e temos tudo para que essa música se torne uma das favoritas dos fãs com o tempo.
A faixa-título faz ótimo uso de uma linha de baixo pulsante e sons de guitarra oscilantes, que à primeira vista soam um pouco mais sombrios, musicalmente falando. Uma linha de bateria incisiva, quase militarista, acentua essa pegada mais agressiva, e um dedilhado estrondoso à la Smiths oferece uma conexão mais próxima com algo de "The Shop Window". Mesmo assim, nunca parece deslocada aqui, já que os tons mais suaves de Kat trazem à tona uma atmosfera onírica à la Sundays. De certa forma, a mudança tonal a torna mais uma forte candidata a conquistar novos ouvintes, e depois de algumas audições, torna-se uma das faixas mais cativantes do álbum, enquanto aqueles que buscam descobrir outras ótimas opções indie provavelmente vão adorar "Crushing Silence", com seus riffs marcantes, som de baixo mais impactante e camadas de guitarra envolventes quase shoegaze. Como em grande parte do material do Shapes, a originalidade genuína não é uma prioridade aqui, mas em termos de execução e capacidade de criar ótimas melodias, é mais um sucesso.
Em outra faixa, "Be OK" introduz linhas de piano incisivas, criando algo com um som bem diferente do habitual do Shapes Like People, mas a voz levemente filtrada de Kat soa muito à vontade em um arranjo realmente esparso. Mesmo quando o violão assume o protagonismo, ele possui uma qualidade caseira que proporciona uma sensação mais intimista, e adicionando um pouco mais de variedade ao álbum, "First Version of You" injeta um elemento de diversão, graças a um ritmo mais acelerado sem sacrificar o dedilhado característico. É quase como se os músicos tivessem voltado ao universo de bandas como The Mighty Lemon Drops, o que, aliado às ótimas harmonias vocais masculinas e femininas, resulta em algo que realmente brilha. Apesar de serem faixas contrastantes, ambas oferecem algo que a maioria dos fãs do Shapes Like People vai adorar desde o início, o que demonstra a qualidade geral deste álbum.
Para conquistar novos ouvintes, o Shapes Like People aposta tudo — e também em uma rede de segurança relativa — com uma versão brilhantemente escolhida. Uma versão com inversão de gênero de "Superman" ("Supergirl") soa mais como uma declaração de intenções do que a gravação original do The Clique, ou a versão mais conhecida do REM. Algo que antes era uma música com uma postura um tanto egocêntrica, agora soa como um grito de guerra pela união e força, e seu arranjo simples e vibrante, claramente inspirado em Stipe e companhia, é reproduzido aqui, praticamente inalterado, exceto por um som de guitarra muito mais brilhante. Combina perfeitamente com os Manns e seus amigos.
Há pouquíssimas faixas dispensáveis neste álbum de doze músicas. Quando a faixa de abertura acaba sendo o elo mais fraco e o restante do lado A, em geral, demonstra uma melhora significativa em termos de qualidade, temos um disco que realmente recompensa audições repetidas. O som geral não é necessariamente contemporâneo para a época do lançamento, mas as músicas são, em sua maioria, ótimas, e quando o Shapes Like People acerta em cheio – o que acontece com muita frequência – "Under The Rainbow" traz algo encantador: nostalgia sem parecer preguiçoso. Este é genuinamente o trabalho de músicos que claramente amam o que fazem, e uma audição altamente recomendada.
Chickenfoot é o álbum de estreia da banda norte-americana de mesmo nome, ou seja, a Chickenfoot. O lançamento oficial aconteceu em 5 de junho de 2009, através dos selos Redline, EAR Music e WHD Entertainment. As gravações ocorreram entre janeiro e fevereiro de 2009, no estúdio Skywalker Sound, em Marin County, nos Estados Unidos. A produção ficou a cargo de Andy Johns e da própria banda.
O Chickenfoot é um supergrupo de hard rock formado pelo vocalista Sammy Hagar (ex-Van Halen e Montrose), o baixista Michael Anthony (também ex-Van Halen), o guitarrista Joe Satriani e o baterista Chad Smith (Red Hot Chili Peppers).
Formação
De acordo com o vocalista Sammy Hagar: "O Chickenfoot começou comigo, Michael Anthony e Chad Smith tocando em meu clube, Cabo Wabo, no México. Então as pessoas começaram a nos perguntar quando íamos fazer uma turnê, gravar um disco, etc. disse que se vamos fazer isso corretamente, vamos ter que conseguir um guitarrista, então vamos falar com Joe Satriani. No que me diz respeito, ele é o melhor guitarrista do mundo. "
Hagar, Anthony e Satriani haviam colaborado anteriormente em 2002 com o nome de Planet Us. A banda também apareceu em um episódio do Aqua Teen Hunger Force.
Embora o nome e o logotipo da banda sejam um termo depreciativo para o símbolo da paz, a "pegada da galinha", o baixista Michael Anthony afirma que o nome se originou de sessões de jam iniciais entre Hagar, Smith e ele mesmo: "há três garras em um pé de galinha e somos três".
Sammy Hagar
Anthony afirmou mais tarde: "era para ser um nome besteira que tínhamos usado por um tempo, e então [quando] os rumores sobre a banda se espalharam, todos usaram esse nome e então pensamos, 'foda-se, vamos chamá-lo de Chickenfoot' - tudo se resume à música de qualquer maneira".
A primeira apresentação da banda foi em fevereiro de 2008 em um show de Hagar, no The Pearl Concert Theatre, no The Palms Casino Resort, em Las Vegas. O show incluiu um conjunto de três canções que incluíam "Rock and Roll" do Led Zeppelin, "Dear Mr. Fantasy" do Traffic e "Going Down", uma canção frequentemente interpretada por Hagar e Anthony em sua outra banda, Los Tres Gusanos.
Durante os intervalos na agenda de turnês de Satriani, o quarteto se reuniu na casa de Hagar para gravar demos e, finalmente, gravou um álbum completo no Skywalker Sound.
Michael Anthony e Chad Smith
Álbum de Estreia
Em 20 de março de 2009, a banda lançou duas músicas, "Soap on a Rope" e "Down the Drain" em seu site oficial. O primeiro single da banda, "Oh Yeah", foi lançado para rádios de todo os EUA, bem como em seu site oficial, em 13 de abril de 2009.
Sobre o produtor Andy Johns, o baixista Michael Anthony afirma:
“Ele é um grande engenheiro e um grande produtor. Ele realmente era o quinto membro da banda. Ele estava no estúdio conosco, dando sugestões e tudo. Ele sabia quando tínhamos uma chance. Ele dizia: 'Toque quantas vezes quiser, mas é essa aí.' Ele saía, fumava um cigarro e dizia: 'Avisem-me quando vocês terminarem de brincar porque este é o take que estamos usando”.
Nas impressões atuais do álbum, a capa e a contracapa são impressas com tinta sensível ao calor que muda de aparência acima e abaixo de 29 graus Celsius.
Joe Satriani
Quando abaixo de 29°C, aparece apenas um logotipo Chickenfoot branco (que não é impresso com tinta sensível ao calor) em um fundo preto. Quando acima de 29°C, é o logotipo com quatro zonas quadradas com cada membro da banda em cada uma.
Vamos às faixas:
AVENIDA REVOLUCION
“Avenida Revolucion” abre o disco de modo mais cadenciado, com boa dose de peso.
A letra se refere à imigração mexicana:
Now this is where Juan left his family
You can still smell the blood in his tracks
Yeah, and this is where we found the baby, oh
From here, there ain't no turnin' back
SOPE ON A ROPE
“Sope On a Rope” é um Hard Blues Rock bem caprichado, com destaque para as guitarras de Satriani.
A letra possui cunho sexual:
Woah, don't forget to bring your rockin' shoes
Grab a toothbrush, soap and a comb
And pick up a little taste, get your favorite buzz on
And you can leave the rest at home, woah yeah
SEXY LITTLE THING
“Sexy Little Thing” se aproxima daquilo que Hagar e Anthony faziam no Van Halen e a faixa é baseada em um bom riff.
A letra novamente é sexual:
I wanna roll all up in it
Get my sticky fingers all squeaky clean, wooh
It's stretched out and how it fit
I got my buttons poppin' off my chest
OH YEAH
Talvez a canção mais conhecida do grupo, “Oh Yeah” tem bons vocais de Hagar e uma guitarra afiada de Satriani.
A letra é sobre envelhecer:
Hey
I'm praying on my knees
My soul is what I prove
Hey I just want to be your hootchie cootchie man
to get you in and out of my head
“Oh Yeah” foi lançada como single, mas não repercutiu na principal parada norte-americana desta natureza.
Em um vídeo no site da banda, Joe Satriani disse que era "o arranjo típico do Chickenfoot, onde a música começa com um riff e a banda entra em ação, depois passa por todas essas mudanças e quando o riff principal começa novamente, os ouvintes esqueceram isso por causa da jornada musical".
Ele também disse que tudo começou muito simples, com ele e Sammy falando sobre velhas canções e artistas de blues, e que seria ótimo se eles pudessem fazer uma função entre o que eles faziam naturalmente como uma banda com composições antigas de blues.
O videoclipe do single estreou no YouTube em 11 de junho de 2009. O vídeo mostra a banda se apresentando em uma cena e em um estúdio. Há também fotos da banda tocando em uma quadra de basquete. Satriani brincou dizendo que o vídeo iria ganhar vários prêmios como "melhor vídeo de churrasco".
RUNNIN’ OUT
“Runnin’ Out” é um Hard Rock mais direto, com evidentes referências à carreira solo de Sammy.
A letra é em tom de falta de esperança:
Long after the mud has settled
You left us with a dirty man, hey
Trying to wash hisself clean
Trying to get blood off his hands
GET IT UP
Em “Get It Up”, o destaque vai para o groove implementado pelo baixo de Anthony que eleva o nível da música.
A letra fala sobre crenças:
Building your own temple
Earth, wood and stone
Wrap your feet in velvet
Walking east back home
DOWN THE DRAIN
“Down The Drain” é bem cadenciada e com muito peso, em uma das faixas mais pesadas do conjunto.
A letra fala sobre um futuro ruim:
But all that's changed
My whole world's been changin'
And it's a low down, dirty shame
'Cause it's all down the drain
MY KINDA GIRL
“My Kinda Girl” é um ótimo Hard Rock, contando com ótimas intervenções de Satriani e vocais inspirados de Hagar.
A letra fala sobre uma mulher:
Yeah, she just a-bit roughed out, turbo classy
All dressed up, she looks so s-s-s-sassy
Hey bartender, come down here
Watch her blow the head off a tall, blonde beer
LEARNING TO FALL
“Learning To Fall” é uma balada, bem introspectiva, na qual Sammy Hagar demonstra porque sempre foi um grande vocalista.
A letra possui um sentido de superação:
Now I've gotta sort out these dreams
Feels like watching your life on a big screen
And morning comes early again, yeah
Only to find us two as one
TURNIN’ LEFT
“Turnin’ Left” possui um ótimo riff inicial e uma certa dose de swing, construindo uma canção bem interessante.
A letra fala sobre carros:
Flat foot, headlights
Top gear headin' down the highway
Full speed, straight line
Can you tell me where you're really goin'
Two lanes but one way, yeah wooh
Faster past the red line
FUTURE IN THE PAST
“Future in the Past” encerra o disco em um clima mais swingado, com, novamente, boa performance de Satriani.
A letra fala sobre perspectivas:
I got a funky, funky feeling
Somethwere in the past
Still everyday believin'
Oh, I'm believin'
Considerações Finais
O álbum Chickenfoot foi bem em termos de paradas de sucesso. Ficou com a 23ª posição da principal parada britânica e com a 4ª colocação de sua correspondente norte-americana.
A crítica especializada recebeu o disco de maneira morna. Em perspectiva, Stephen Thomas Erlewine, do AllMusic, dá à obra uma nota 2 (em 5), apontando: “Esses quatro músicos estão unidos por seus muitos anos tocando nas trincheiras de rock de arena, um circuito que não necessariamente produz um terreno musical comum, embora dê a seus veteranos um certo talento para agradar as multidões. Essa ansiedade é evidente na estreia homônima da banda em 2009, o que não deve ser nenhuma surpresa, visto que Sammy Hagar nunca viu uma festa que ele não pudesse agitar, mas essa mentalidade não combina com a forma imaculada e rigidamente controlada de tocar de Satriani”.
O crítico ainda resume seu pensamento: “Satch sempre parece querer explodir, mas não consegue deixar de se apoiar na precisão, um problema que é o oposto da filosofia (de deixar tudo sair) de Hagar, e essa dicotomia se reflete na seção rítmica, onde o baixo estridente de Anthony não preenche bem as lacunas que Smith deixa”.
Chickenfoot, foi lançado em 4 de junho de 2009. Em sua data de lançamento, o Chickenfoot cantou o single "Oh Yeah!" no The Tonight Show com Conan O'Brien. O Chickenfoot posteriormente começou a fazer turnês pela Europa e América.
Em outubro de 2009, Smith se reuniu novamente com o Red Hot Chili Peppers para começar a trabalhar em seu décimo álbum de estúdio, fazendo com que o Chickenfoot entrasse em um hiato temporário.
Apesar disso, a banda ainda apareceu na televisão mais uma vez para apresentar "Sexy Little Thing" e "Oh Yeah" na transmissão de 6 de novembro de 2009 do Jimmy Kimmel Live! (gravado em 5 de novembro).
Em 3 de setembro de 2010, o Chickenfoot anunciou que estava se preparando para gravar seu segundo álbum. Chickenfoot III foi lançado em 27 de setembro de 2011.
Formação:
Sammy Hagar - Vocal, Guitarra base
Joe Satriani - Guitarra solo, Teclados
Michael Anthony - Baixo, Backing Vocals
Chad Smith - Bateria, Percussão
Faixas:
01. Avenida Revolucion (Hagar/Satriani) - 5:56
02. Soap on a Rope (Hagar/Satriani) - 5:32
03. Sexy Little Thing (Hagar/Satriani) - 4:14
04. Oh Yeah (Hagar/Satriani) - 4:54
05. Runnin' Out (Hagar/Satriani) - 3:52
06. Get It Up (Hagar/Satriani) - 4:41
07. Down the Drain (Hagar/Satriani/Anthony/Smith) - 6:17
08. My Kinda Girl (Hagar/Satriani) - 4:32
09. Learning to Fall (Hagar/Satriani) - 5:13
10. Turnin' Left (Hagar/Satriani) - 5:48
11. Future in the Past (Hagar/Satriani/Anthony/Smith) - 6:38
Neste setembro de 2021, o Rock: Álbuns Clássicos focou seus posts em 2 álbuns de supergrupos.
Na estreia homônima do Chickenfoot, não se pode duvidar da alta qualidade dos músicos envolvidos. Satriani é uma referência quando o assunto é guitarra, Sammy e Anthony se consagraram no Van Halen e Smith também se tornou conhecido no Red Hot Chili Peppers.
Mas, o sentimento que permaneceu durante toda a audição do disco é o de que está faltando alguma coisa. Enquanto há algumas faixas realmente contagiantes, existem outras que decepcionam como “Avenida Revolucion” e “Future in the Past”.
Claro, a sonoridade base é o Hard Rock e as letras são no nível médio do Rock ‘n’ Roll. Como destaque escolhe-se “Sexy Little Thing” e “My Kinda Girl”.
Enfim, não que Chickenfoot seja um disco ruim, bem longe disto, mas é inegável o sentimento de decepção. O álbum não atinge o nível de expectativa gerado pelos nomes consagrados que compõem o conjunto. Mesmo assim, o site recomenda, como de praxe, que o leitor ouça o trabalho e tire suas próprias conclusões.
