O LP Pyramid, do The Alan Parsons Project, foi lançado em 1978 e é uma verdadeira viagem sonora que mistura rock progressivo, pop sofisticado e uma pitada de mistério cósmico. Criado por Alan Parsons e Eric Woolfson, o álbum gira em torno do fascínio humano pelas pirâmides do Egito, explorando temas como poder, eternidade e o desconhecido.
Com uma produção impecável e cheia de camadas, Pyramid aposta em arranjos ricos, sintetizadores atmosféricos e vocais variados — uma marca registrada do projeto. Faixas como “Voyager” e “What Goes Up...” mostram bem esse equilíbrio entre o instrumental etéreo e o pop acessível, enquanto “In the Lap of the Gods” carrega um peso mais dramático e reflexivo.
O disco mantém aquele clima quase “arqueológico futurista”, como se cada música fosse uma câmara secreta sendo aberta aos poucos. Não é apenas um álbum para ouvir — é para explorar, como um labirinto musical onde cada detalhe revela algo novo.
Pyramid consolidou ainda mais o sucesso do grupo no fim dos anos 70, mostrando que eles sabiam transformar conceitos complexos em músicas envolventes e elegantes, sem perder o apelo popular. Um verdadeiro monumento sonoro erguido com precisão milimétrica.
O LP Ignition, de John Waite, foi lançado em 1982 e marca o início da carreira solo do artista após sua passagem pela banda The Babys. É um disco que já nasce com espírito de arrancada, como o próprio título sugere, misturando energia e emoção em doses bem equilibradas.
Musicalmente, Ignition navega entre o rock melódico e o pop rock típico do início dos anos 80, com guitarras marcantes, sintetizadores discretos e refrões que grudam fácil na memória. A voz de John Waite é o grande destaque: rouca na medida certa, carregada de sentimento, especialmente nas faixas mais introspectivas.
Entre os principais momentos do álbum está “Change”, canção que ganhou bastante visibilidade e se tornou um dos primeiros sucessos de sua carreira solo. O disco alterna faixas mais intensas com baladas que revelam um lado mais sensível do cantor, criando uma dinâmica envolvente do começo ao fim.
Ignition pode ser visto como a faísca inicial de uma trajetória solo bem-sucedida, que mais tarde renderia hits ainda maiores para John Waite. Um álbum que captura perfeitamente o clima de transição entre o rock dos anos 70 e a estética sonora dos anos 80..
"Night Time Is The Right Time" é um clássico do rhythm and blues gravado pela primeira vez pelo lendário pianista, cantor e compositor de blues Roosevelt Sykes, também conhecido como "The Honeydripper", em 1937. Ele compôs a música em parceria com o também músico de blues Jimmy Oden. Melodicamente, a canção é semelhante a "When The Sun Goes Down", de Leroy Carr, lançada em 1935. Ela foi descrita como um "blues de 12 compassos em andamento moderado", com Roosevelt nos vocais e piano. Segundo alguns historiadores da música, a canção foi "inspirada na antiga tradição do vaudeville". A música fala sobre a saudade da companhia e do amor de um parceiro romântico à noite, além de celebrar a conexão íntima que dois amantes compartilham nessas horas da madrugada.
Em 1938, o pioneiro do blues Big Bill Bronzy gravou "Night Time Is the Right Time No. 2", que apresenta uma letra ligeiramente diferente e mais sugestiva. Nesse mesmo ano, Roosevelt gravou uma nova versão, também com uma letra um pouco diferente.
Ao longo dos anos, diversos artistas talentosos fizeram covers de “Night Time is the Right Time” . Compilei uma lista com minhas sete versões favoritas desse clássico . Aqui está a lista, sem ordem específica:
Fralda Brown (1957)
O influente cantor de R&B e blues Nappy Brown gravou uma versão incrível da música em 1957, intitulada "The Right Time", lançada pela Savoy Records. Ele a transformou completamente em uma canção vibrante, com influências gospel, incluindo vocais de chamada e resposta , piano sensual e saxofone. Brown entrega uma performance vocal principal arrebatadora. Essa grande reformulação da faixa aumentou significativamente sua energia sexual e impacto emocional. Esta versão apresenta letras adicionais com vocais de apoio respondendo aos versos. Brown reivindicou os créditos de composição de sua versão, dividindo-os com seu chefe de gravadora, Herman Lubinsky (sob o pseudônimo de "Lew Herman"), e o produtor musical Ozzie Cadena. Os músicos que participaram da gravação foram Buster Cooper (trombone), Hilton Jefferson (saxofone alto), Budd Johnson (saxofone tenor), Kelly Owens (piano), Skeeter Best (guitarra), Leonard Gaskin (baixo) e Bobby Donaldson (bateria). A versão de Brown para o clássico não conseguiu entrar nas paradas nacionais.
O lendário cantor de soul Ray Charles lançou sua versão, intitulada "(Night Time) Is The Right Time", no final de 1958 pela Atlantic Records. Ele utiliza o arranjo de Nappy Brown, mas a interpreta em um andamento mais rápido. Charles traz seu talento e energia característicos para a faixa. Ele é acompanhado nos vocais por Margie Hendrix, membro fundadora do grupo feminino The Raelettes, que eram backing vocals de Charles. Hendrix eleva a música significativamente com sua performance vocal poderosa e impactante. E as Raelettes arrasam nos vocais de apoio. Em uma entrevista de 2002 para a revista Charlotte Magazine , Nappy Brown discutiu as diferenças entre sua versão e a de Charles da música:
"A diferença entre a minha versão e a do Ray Charles, 'Night Time Is the Right Time', é que a dele era animada, com a Mary Ann e as outras cantoras atrás dele — as Raelettes [as backing vocals femininas de Charles]. A minha era lenta, com um grupo gospel me acompanhando. Esse era o meu grupo gospel. Mas ele reproduziu tudo exatamente como eu, nota por nota."
A versão de Charles foi um sucesso, alcançando o 5º lugar na parada de singles de R&B dos EUA e o 95º lugar na parada pop. A canção foi incluída nos álbuns Ray Charles in Person (1960) e The Genius Sings The Blues (1961). É amplamente considerada a versão definitiva da música e se tornou um clássico do rhythm and blues. A canção também foi apresentada no icônico sitcom The Bill Cosby Show , no terceiro episódio da segunda temporada, intitulado "Happy Anniversary", que foi ao ar originalmente em 19 de outubro de 1985. A família Huxtable dubla a música para comemorar o 49º aniversário de casamento dos pais de Cliff Huxtable. Rudy Huxtable, de seis anos (interpretada por Keshia Knight Pulliam), rouba a cena com sua hilária e exagerada performance dos vocais roucos de Margie Hendrix. A cena é considerada um dos melhores momentos musicais da história da televisão.
Eis a formação completa da banda para a música: Ray Charles (vocal/piano elétrico), The Raelettes (Margie Hendricks, Darlene McCrea, Mary Ann Fisher e Patricia Lyles) nos vocais, com instrumentação de Bennie Crawford (saxofone barítono), David "Fathead" Newman (saxofone tenor), Lee Harper (trompete), Ed Willis (baixo) e Teagle Fleming (bateria).
O elenco do programa "The Bill Cosby Show" interpreta "(Night Time Is) The Right Time".
A Rainha do Soul gravou uma versão incrível de “Night Time Is The Right Time” para seu décimo terceiro álbum, Aretha Now , certificado com Disco de Ouro e lançado em 13 de junho de 1968 pela Atlantic Records. Como de costume, Aretha faz a música ser sua, imprimindo sua marca sonora inconfundível a este clássico. A lendária artista traz sua incomparável magia vocal para esta faixa, bem como suas impressionantes habilidades no piano. Ela arrasa nas teclas! A faixa também conta com um fantástico arranjo de metais. Aqui está a formação completa da música: Aretha (vocal principal e piano), Jerry Jemmott (baixo), Roger Hawkins (bateria), Wayne Jackson (trompete), The Sweet Inspirations (vocais de apoio), Willie Bridges e Floyd Newman (saxofone barítono).
A célebre banda de rock Creedence Clearwater Revival traz sua poderosa marca de blues rock para esta empolgante versão do clássico do R&B. John Fogerty brilha na faixa com uma performance vocal visceral e um trabalho de guitarra incrível. E o resto da banda CCR também não decepciona. Esta faixa está incluída no aclamado terceiro álbum de estúdio da banda, Green River , lançado em 7 de agosto de 1969. Os músicos nesta faixa são John Fogerty (vocal principal e de apoio, guitarra solo), Stu Cook (baixo), Doug Clifford (bateria) e Tom Fogerty (guitarra rítmica).
Tina Turner oferece uma performance vocal feroz e emocionante nesta versão explosiva. Ela eleva o clássico a um novo patamar com sua voz formidável. Esta interpretação foi incluída no terceiro álbum solo de Turner, Rough , lançado em setembro de 1978 pela EMI no Reino Unido, pela Ariola Records na Alemanha Ocidental e pela United Artists Records nos Estados Unidos. Foi seu primeiro álbum solo desde que finalizou seu divórcio de Ike Turner em 29 de março de 1978. Em seus dois álbuns anteriores, Tina Turns the Country On! (1974) e Acid Queen (1975), ela ainda era membro da Ike & Tina Turner Revue. A formação nesta versão é composta por Tina Turner (vocal principal), Ron Stockert (piano), Ed Greene (bateria), Dennis Belfield (baixo), Lenny Macaluso (guitarra elétrica), William Smith (órgão Hammond B-3), Airto Moreira (percussão), metais: The LA Horns (Rick Kellis, Dennis Faris, Jeff "Dino" Deane). Cordas: The Gerald Lee String Company.
Tina Turner interpreta "Night Time Is The Right Time" em um programa de televisão alemão em 1979.
O lendário Padrinho do Soul lançou esta versão matadora do clássico do R&B em 1983, sob o título "The Night Time Is The Right Time (To Be With the One That You Love)". Ele carrega sua voz com muita alma e estilo, e sua banda mantém a energia lá em cima com sua execução impecável. Brown até mesmo dá um toque de órgão nesta faixa incrível. Foi lançada como lado B do single "Bring It On...Bring It On" pela gravadora independente Churchill/Augusta. A versão de Brown para o clássico alcançou a posição #73 na parada de singles de R&B da Billboard. Também está incluída em seu 52º álbum de estúdio, Bring it On!, lançado em maio de 1983. Os músicos que acompanharam Brown em "The Night Time Is The Right Time (To Be With the One That You Love)" incluíram Jimmy Nolen (guitarra), Arthur Dickson (bateria) e o grupo JB's Internationals. A vocalista que acompanhava Brown era sua backing vocal, Kathy Jordan, que fez um trabalho excepcional. Ela é a segunda esposa do líder dos direitos civis, Reverendo Al Sharpton. Eles se conheceram em 1971, durante uma turnê com James Brown, e se casaram em 1980. Quando Sharpton era adolescente, Brown foi um mentor e uma figura paterna para ele. Ele trabalhou como empresário de turnê de Brown entre 1973 e 1980.
The Rolling Stones (2006)
Os Rolling Stones incendiaram o palco com uma performance eletrizante de “The Night Time (Is The Right Time)” durante seu histórico show gratuito de 2006 na Praia de Copacabana, no Rio de Janeiro, Brasil. Mick Jagger estava em plena forma, dominando a atenção do público sem esforço com sua voz crua e rouca e seus característicos passos de dança sinuosos. Ele dividiu os vocais principais com a cantora Lisa Fischer, que entregou uma performance dinâmica e memorável. A química entre ela e Jagger no palco era incrível. Keith Richards, Charlie Watts e Ronnie Wood também deram tudo de si nessa apresentação arrasadora. Suas performances foram intensas, viscerais e extremamente cheias de alma. E eles receberam um forte apoio destes músicos adicionais: Darryl Jones (baixo), Chuck Leavell (teclados, backing vocals), Bobby Keys (saxofone), Blondie Chaplin (percussão, backing vocals), Michael Davis (trombone), Tim Ries (saxofone), Kent Smith (trompete) e Bernard Fowler (backing vocals).
O concerto no Rio aconteceu em 18 de fevereiro de 2006, fazendo parte da turnê A Bigger Bang dos Rolling Stones. Estima-se que 1,5 milhão de pessoas compareceram ao evento, tornando-o um dos maiores shows da história.
Yellow Submarine Songtrack foi o nome dado ao álbum de compilação com a trilha sonora dosBeatles para o relançamento de 1999 do filmeYellow Submarinede 1968. O filme foi relançado em 13 de setembro de 1999 no Reino Unido e no dia seguinte nos Estados Unidos. Em nítido contraste com outras remasterizações dos Beatles disponíveis, as músicas foram totalmente remixadas por Peter Cobbin em Abbey Road a partir das fitas multipistas originais, algo não feito para o lançamento do CD original do catálogo dos Beatles no final dos anos 1980, nem os álbuns remasterizados de 2009. Trinta anos depois do lançamento original do filme, foi decidido que ele seria restaurado e também seria feita a digitalização da trilha sonora. Este álbum é o resultado dessa remasterização.
Lançado em 1999, "Yellow Submarine Songtrack" foi o primeiro disco dos Beatles a passar por remixagem digital e, ainda mais significativo, a trilha sonora que ocupava o lado B foi descartada em favor da maioria das músicas usadas no filme e não incluídas no LP original.
Esta remixagem das faixas é, sem dúvida, o grande destaque desse lançamento. Na época em que os Beatles gravaram estas músicas, eles tinha acesso apenas a gravadores de quatro canais; Por volta do final da década de 1990, a tecnologia digital e a gravação em 24, 32 e até mesmo 48 canais possibilitou a remasterização do material dos Beatles, que em muitos casos revelou detalhes até então ocultos nas profundezas sonoras. A diferença mais óbvia para o ouvinte que compara essas gravações com as originais é a ausência da peculiar intercalação dos canais esquerdo e direito do estéreo, que colocava alguns vocais apenas em um canal. As novas mixagens centralizam os vocais e "espalham" os instrumentos ao redor. "Yellow Submarine Songtrack" entrou nas paradas britânicas em 25 de setembro de 1999 e lá permaneceu por cinco semanas, chegando a atingir a oitava posição. O álbum chegou aos 20 Mais da revista Billboard, ocupando a 15ª posição por 15 semanas, com vendas de mais de meio milhão de cópias em menos de dois meses no mercado.
Para quem não sabe, o escocês Donovan Leitch era amigo dos Beatles, foi com eles para a Índia, partcipou da criação de diversas canções e ensinou John e Paul a dedilharem os violões. "Mellow Yellow" foi composta e gravada porele em 1966. Nos EUA, alcançou a 2ª posição na Billboard Hot 100. No Reino Unido, a 8ª no início de 1967. Houve rumores de que a música era sobre fumar cascas de banana secas, que se acreditava ser uma droga alucinógena naquela época, embora isso tenha sido desmascarado desde então. Segundo as notas de Donovan, que acompanham o álbum Donovan's Greatest Hits, o boato de que alguém poderia ficar chapado fumando cascas de banana secas foi iniciado por Country Joe McDonald em 1966, e Donovan ouviu o boato três semanas antes de "Mellow Yellow" ser lançada como single.
De acordo com a Enciclopédia Ilustrada de Rock and Roll da Rolling Stone, ele admitiu mais tarde que a música fazia referência a um vibrador; uma "banana elétrica" conforme mencionado na letra. "Eu estava lendo um jornal e no verso havia um anúncio de um vibrador amarelo chamado amarelo suave". E é sobre isso que a música fala. Trata-se de ser descolado, descontraído e também das bananas elétricas que apareciam em cena - que eram os vibradores femininose viraram moda”. Paul McCartneypode ser ouvido como um dos foliões de fundo nesta faixa, mas as linhas sussurrantes "com toda a razão" no refrão não são de McCartney, mas sim do próprio Donovan, que teve uma pequena participação na criação da letra de "Yellow Submarine", e McCartney tocou baixo (sem créditos) em partes do álbum Mellow Yellow de Donovan.
"Paint It Black" foi composta pela dupla Jagger-Richards e gravada pelos Rolling Stonesem 1966. É uma canção raga rock com influências indianas, do Oriente Médio e do Leste Europeu e letra sobre luto e perda. A London Recordslançou como single em 7 de maio de 1966 nos Estados Unidos, e a Decca Records em 13 de maio no Reino Unido. Dois meses depois, a London Records a incluiu como faixa de abertura da versão americana do álbum de estúdio da banda de 1966, Aftermath, embora não esteja no lançamento original no Reino Unido.
Originada de uma série de melodias improvisadas tocadas por Brian Jones na cítara, a canção apresenta todos os cinco Stones contribuindo para o arranjo final embora apenas Jagger e Richards tenham sido creditados como compositores. Em contraste com os singles anteriores dos Rolling Stones com arranjos simples, "Paint It Black" tem instrumentação não convencional, incluindo uma cítara proeminente, o órgão Hammond e castanholas . Esta experimentação instrumental combina com outras músicas do Aftermath. A música foi influente para o florescente gênero psicodélico como o primeiro single no topo das paradas a apresentar a cítara, e ampliou o público do instrumento. As resenhas da canção na época foram mistas, e alguns críticos acreditaram que o uso da cítara era uma tentativa de imitar os Beatles, enquanto outros criticaram seu estilo experimental e duvidaram de seu potencial comercial. Erraram! "Paint It Black" foi um grande sucesso dos Rolling Stonesnas paradas, permanecendo 11 semanas (incluindo duas no primeiro lugar) na Billboard Hot 100 dos EUA e 10 semanas (incluindo uma no topo) na parada da Record Retailer no Reino Unido. Após uma reedição em 2007, reentrou no UK Singles Chart por 11 semanas. Foi o terceiro single número 1 da banda nos EUA e o sexto no Reino Unido. A música também liderou as paradas no Canadá e na Holanda. Recebeu a certificação de platina no Reino Unido da British Phonographic Industry (BPI) e da Federazione Industria Musicale Italiana (FIMI)da Itália
Guitar Man foi o quinto álbum da banda Bread, lançado em outubro de 1972. O álbum emplacou três singles no Top 20 dos EUA - "The Guitar Man" (#11), "Sweet Surrender" (#15) e "Aubrey" (#15). O álbum alcançou a posição 18 na Billboard 200. A canção "The Guitar Man" foi composta por David Gatese é uma mistura dos sons do soft rock, incluindo cordas e violão, e a adição de uma guitarra elétrica proeminente com efeito wah-wah, tocada por Larry Knechtel. Alcançou a posição 11 na Billboard Hot 100 nos Estados Unidos e foi seu terceiro hit número 1 na Easy Listen, seguindo "If" e "Baby I'm-a Want You". A Record World chamou-a de "superhit superfino" com uma melodia bonita, letra adequada, produção completa e rica. A Cash Box disse que esta balada provava a versatilidade do Bread e a capacidade de lidar com uma letra que diz um pouco mais do que 'eu te amo'.
Ao longo de mais de 40 anos de carreira, Gary Wright é aquele típico roqueiro bacana, gente boa com um talento extraordinário e que todo mundo gosta dele. Quando era menino, chegou a aparecer no programa do Ed Sullivan como ator mirim e viu os Beatles em 1965 tocando no Carnegie Hall. Foi membro-fundador original da banda ‘Spooky Tooth’ até iniciar uma carreira solo. Wright também foi responsável por introduzir o sintetizador no rock e na música pop. Através de Klaus Voorman, foi convidado por George Harrison para tocar piano em ‘All Things Must Pass’ e a partir daí, estabeleceram uma forte e duradoura amizade. Gary tocou em quase todos os discos de Harrison.
Gary Wright nunca foi um popstar, muito pelo contrário. A crença na cultura indiana fortalecia sua amizade com Harrison. Alguns de seus álbuns fizeram sucesso, como “The Dream Weaver” de 1975, mas é quase sempre como convidado que Wright aparece mais. Também tocou com os mais famosos músicos de sua época. Participou de vários álbuns de Ringo e fez parte da “All Starr Band” em 2010/11, época que eu tive o privilégio de vê-lo ao vivo quando a banda passou aqui por Brasília. Esse vídeo que a gente confere agora, foi gravado no programa “The Dick Cavett Show” em 23 de novembro de 1971 e conta com a participação de alguém muito especial.
O disco Maria Coisa, lançado em 1965 por Marinês e Sua Gente pela RCA Victor, é uma obra fundamental de sua discografia, consolidando a cantora como "Rainha do Xaxado". O álbum mistura baiões, toadas e xaxados, com destaque para composições de João Silva, Onildo Almeida e Antônio Barros.
Neste trabalho, produzido por Guto Graça Melo, em 1987, Biafra, mais uma vez, investiu alto no seu lado compositor. Das dez canções deste disco, oito são de autoria de Biafra com parceiros de longa data, como Marco Valença e Nilo Pinta, embora o grande sucesso do 9º disco de sua carreira tenha sido “Estrelas No Ar”, composição dos mesmos autores de “Sonho de Icaro”, Piska e Rabello. Além desta música, Biafra também colocou nas rádios os sucessos “Até o Fim”, com participação especial de Sandra de Sá, “Não Mais” e “A Dama e o Vagabundo”, músicas que abrilhantaram o disco que mereceu, inclusive, um especial de televisão, apresentado por Amaury Junior e exibido na Rede Bandeirantes.
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