Resenha: Dream Theater – Awake (1994)

Disco: Awake
Ano: 1994
Selo: MCA

Faixas:
1. 6:00 – 5’31
2. Caught In A Web – 5’28
3. Innocence Faded – 5’43
A Mind Beside Itself:
4. Erotomania – 6’45
5. Voices – 9’53
6. The Silent Man – 3’48
7. The Mirror – 6’45
8. Lie – 6’34
9. Lifting Shadows Off A Dream – 6’05
10. Scarred – 11’00
11. Space-Dye Vest – 7’29

Formação:
James LaBrie – voz
John Myung – baixo
John Petrucci – guitarras e vocais
Mike Portnoy – bateria/percussão e vocais
Kevin Moore – teclados

Resenha:
1. 6:00
O disco mais obscuro do Dream Theater? Possivelmente. Mas representou um belo salto criativo da banda, abrindo espaço para outras formas de composição. Para iniciar, 6:00, uma música que não fez muito sucesso, mas que representa bem essa nova fase. Inicia com uma linha de bateria bem interessante, que abre espaço para um riff estranho mas bem interessante, bastante pesado.
Em 0:46 vozes estranhas trazem uma linha melódica plácida, que logo volta a ficar pesada, e que traz James LaBrie cantando com sua voz única. Um solo de guitarra começa em 2:37, bom, mas não excelente. As linhas melódicas a seguir possuem várias mudanças entre leveza e peso, o que dá um belo contraste à composição.

2. Caught In A Web
Primeira música do Dream Theater com uma guitarra de 7 cordas, começa com um riff bem pesado, acompanhado por uma linha de teclado excelente. Em seguida, LaBrie entra cantando, realmente um belo exemplo de como ele faz diferença dentro do conceito da banda.
Tem um pré-refrão e refrão excelentes, daqueles chiclete. Tem riff’s muito pesados durante toda a composição, e um solo muito bom de Petrucci. Em 3:34, após o solo, a bateria precisa de Portnoy segura a música, abrindo espaço para linhas melódicas muito boas de teclado, e a volta de LaBrie arrebentando.

3. Innocence Faded
Uma das mais famosas do álbum, começa com um solo de guitarra muito bom, que logo se transforma em uma linha melódica mais plácida muito boa, que serve de base para um vocal impecável. Possui mais um daqueles refrões excelentes para serem cantados ao vivo. Tem um solo bem interessante de Petrucci, com vários momentos distintos.

A Mind Beside Itself:
4. Erotomania
A melhor música instrumental do Dream Theater? Muito provável. Traz um início feito no teclado que se tornou um grande clássico da banda. Tem riff’s lick’s pesados e com tempos quebrados, com bom gosto em cada nota tocada. Tem um equilíbrio perfeito entre partes mais plácidas e calmas com outras mais pesadas e dinâmicas.
Passa por vários momentos distintos, com partes belíssimas, como a que começa em 3:04, que abre espaço para um solo de guitarra muuuito bonito, realmente um dos melhores de John Petrucci. Na minha opinião merece destaque ainda a parte que se inicia em 4:42, com um solo de guitarra com extrema influência da música clássica, que realmente surpreende na primeira vez que ouvimos a música. Termina suavemente, com Myung fazendo um belo e preciso trabalho em seu baixo, e que abre espaço para a continuação, Voices.

5. Voices
Melhor música do álbum! Simplesmente fiquei de boca aberta  a primeira vez que a ouvi. Começa com um lick de baixo impressionante, que é seguido por um riff de guitarra extremamente pesado. O peso segue até 1: 08, quando a banda para e apenas uma bela e simples linha de piano serve de base para a voz de LaBrie, que canta de forma suave e muito bonita.
O peso volta em 2:43, com um refrão I-N-C-R-Í-V-E-L, que mostra toda a capacidade vocal de LaBrie. Mescla partes mais plácidas e outras pesadas, num crescendo musical que culmina com um solo I-N-C-R-Í-V-E-L de John Petrucci em 7: 23, e que na minha opinião faz até “as pedras chorarem”. A parte vocal final também é muito boa, que é concluída com um dedilhado clássico em 9:35.

6. The Silent Man
O encerramento da A Mind Beside Itself, é baseada num dueto violão/voz, muito bonito por sinal. Tem adição de teclado em algumas partes, e um solo pequeno de violão em 2:16.

7. The Mirror
Considerada hoje como o prelúdio da AA Suite de Portnoy, tem um clima obscuro, caracterizado por riff’s mais simples e extremamente pesados, e por tempos quebrados. Tem vocais mais graves, que chegam a beirar o macabro em certas partes. Tem dedilhados bonitos, mas que estão inseridos no conceito da música, ou seja: obscuridade.

8. Lie
É a continuação da anterior, e forma uma música mais ampla, embora sejam separadas (o que já aconteceu com a A Mind Beside Itself). É bastante pesada, mas traz um tom mais vibrante que a anterior. Tem um solo de guitarra bem interessante (o que reforça a idéia dessa ser a continuação da anterior (que não tinha solo). Em 5:07 o riff inicial de The Mirror volta, e é seguido por um solo de guitarra com muito wah-wah.

9. Lifting Shadows Off A Dream
Seguindo com o tom obscuro das anteriores, começa com uma linha de baixo muito boa, acompanhada em seguida pelos teclados de Moore. A linha melódica de guitarra do refrão me lembrou bastante o da música Bad, do U2. Tem um clima lento, mas muito bom.

10. Scarred
Que BAITA introdução! Tem um clima mais lento (como as anteriores), mas com um tom épico impressionante, com partes mais “alegres” a partir de 2:10. Possui uma linha vocal excelente, além de um instrumental caprichado, com solos impressionantes de Petrucci e Moore. Tem vários momentos distintos, com dedilhados e linhas mais plácidas nas estrofes e partes mais pesadas nos refrões.

11. Space-Die Vest
Composta exclusivamente pelo tecladista Kevin Moore, tem uma linha bastante obscura, sendo na maior parte da composição um dueto de piano/voz. Tem uma melodia muito bonita, com a entrada do resto da banda em 4:31, com uma guitarra de boa qualidade, e bateria mais plácida no início, e que se destaca mais na parte final. Finalmente, em 6:55, a linha de piano de Moore volta a monopolizar a composição, dando um belo final para esse álbum obscuro.

Resenha: DouBt – Never Pet A Burning Dog (2010)

 

Disco: Never Pet A Burning Dog
Ano: 2010
Selo: Moonjune Records

Faixas:
1. Corale Di San Luca – 3’04
2. Laughter – 6’25
3. Over Birkerot – 8’53
4. Sea – 7’56
5. Passing Cloud – 4’07
6. Cosmic Surgery – 6’45
7. Aeon – 7’27
8. Beppe’s Shelter – 8’16

Formação:
Alex Maguire – pianos, órgão, mellotron e sintetizadores
Michel Delville – guitarras e sintetizador
Tony Bianco – bateria

Músico convidado:
Richard Sinclair –  voz (1 e 5) e baixo (1 e 2)

Resenha:

01. Corale Di San Luca
O DouBt nos traz um disco um tanto diferente e com um convidado especial, Richard Sinclair, baixista e vocalista do Caravan. Por aqui ele dá o ar da graça também nos vocais (nas faixas 1 e 5) e como baixista nas faixas 1 e 2.Digo convidado especial pois o trio não tem baixista, a banda conta com Alex Maguire (pianos, teclados e sintetizadores), Tony Bianco (bateria) e Michel Delville (guitarras).A primeira faixa é uma introdução bonita com a igreja como tema principal, inclusive em suas melodias, mas o final é que traz realmente a essência do disco, o baixo completamente jazz de Richard Sinclair nos diz onde estamos: jazz e experimentalismo!

02. Laughter
Como eu disse, jazz e experimentalismo, essa é a essência do DouBt, free, sem limites, o free jazz com certeza é a base inspiratório para o grupo, os três músicos não tem bases ou seqüência pré-programadas, é assim que de tijolo em tijolo, por mais estranhos que possam parecer, é que Never Pet A Burning Dog (2010) é construído.

03. Over Birkerot
A terceira faixa do disco traz a guitarra de Michel Delville como instrumento principal, contraponteando melodias estranhas e desconexas entre si, e como se não fosse suficiente, os teclados de Alex Maguire são completamente atonais, a ‘bagunça’ é o elemento musical principal do DouBt.Não posso dizer que o baixo faz falta dentro do som do grupo, mas o grave é sempre uma boa pedida!

04. Sea
Sea foi composta pelo baterista Tony Bianco, e como toda composição de baterista em um grupo influenciado pelo jazz, é estranha e percussiva.Mas por aqui também está o teclado de Alex, em estranhas escalas na introdução da faixa, logo seguidas de sons da guitarra sintetizada de Michel.A faixa segue num crescendo de sons, onde os mesmos são intercalados e estranhos.

05. Passing Cloud
Essa faixa traz novamente a presença de Richard Sinclair (Caravan) nos vocais, o que é um deleite aos ouvidos. Gostaria que o álbum tivesse mais faixas como essa.Desde o tempo cadenciado de bateria às leves linhas melódicas de teclados e órgãos a faixa é bela e tem os vocais de Richard brilhantemente gravados. Infelizmente a segunda faixa mais curta do disco (se contarmos a introdução).

06. Cosmic Surgery
Essa introdução é brilhantemente ‘surrupiada’ de Gentle Giant, porém a faixa tem mais peso. Os riffs rápidos e quebrados são um encanto. Uma influência vívida em ‘Cosmic Surgery’ é também o Nektar, principalmente em faixas como ‘Nelly, The Elephant’. Grande faixa, arrisco a dizer que a melhor do disco, e também, a mais musical e progressiva.

07. Aeon
‘Aeon’ vem logo na seqüência, mas perde o pique, e faz o disco cair na mesmice. O que a sexta faixa ‘Cosmic Surgery’ tem de interessante, ‘Aeon’ tem de pedante.

08. Beppe’s Shelter
A menos percussiva do disco, com mais paradas, mas as guitarras continuam dissonantes e sem nexo, e longa.Como surpresa uma flauta (ou uma sintetização de flauta) permeia a segunda metade da música. A sensação é ainda mais estranha.

O disco foi gravado em dois dias e ao vivo em Agosto de 2009, o que demonstra a intenção da banda de ter o som mais livre possível.Os amantes do jazz ficarão extasiados com Never Pet A Burning Dog (2010), eu, particularmente, prefiro as canções e as melodias, gosto de vocais também, por isso meu entusiasmo com a quinta faixa ‘Passing Cloud’

Pianista e cantor, Luiz Otávio lança “Essa Maré”

 

Tecladista e cavaquinista da banda de Mart’nália, Luiz Otávio vinha se mostrando à vontade nos vocais que fazia de improviso nos shows. “Ele tem uma voz bonitona, fazia uns djubidjubi que não é qualquer músico que faz”, descreve a cantora, com sua irreverência característica. Atenta, ela o chamou para cantarem juntos uma música do roteiro e, não demorou, começou a provocá-lo com a ideia de um disco solo dele, soltando a garganta. Assim nasceu “Essa maré” (Biscoito Fino), que chega às plataformas de streaming com produção da madrinha Mart’nália.

Mergulhado numa sonoridade black suburbana, que remonta à elegância quente de bailes da Zona Norte e da Zona Oeste, “Essa maré” traz sete faixas. Três são releituras de canções de Djavan, Arlindo Cruz e Don Beto – pistas de algumas das filiações do artista. As outras quatro são composições próprias de Luiz Otávio – uma delas em parceria com Tom Karabachian.

Ambrosia Pianista e cantor, Luiz Otávio lança "Essa Maré" 7

Apesar de “Essa maré” ter sido concebido nos últimos meses, a partir da sugestão de Mart’nália, sua história começa bem antes. Na verdade, ela tem origem ainda na infância do músico, no subúrbio carioca (?) de Campo Grande, na década de 1990. O músico de 33 anos lembra: “Ganhei um tecladinho de brinquedo dos meus pais e, com 4, 5 anos já estava tirando músicas que ouvia no rádio”. Sua família ouvia muito samba e pagode, uma das influências centrais nesse primeiro momento. “Minha lembrança mais antiga sou eu tocando ‘Essa tal liberdade’, do Só Pra Contrariar”, conta.

Outros sons o interessavam. Deficiente visual desde o nascimento, mantinha os ouvidos atentos a tudo: o Raul Seixas que seu tio adorava e que ele passou a adorar também; o jazz do Sexteto Onze e Meia, banda que ele ouvia na TV entre as entrevistas do programa de Jô Soares; a MPB nas trilhas de novelas, em especial a bossa nova que acompanha as tramas de Manoel Carlos. Essas e outras referências entram no caldeirão que une qualidade musical e apelo popular e que Luiz Otávio revela agora em “Essa maré”.

O calor da rua que sua música traz não é um acaso. Luiz Otávio rodou diversos cantos do Rio, de Copacabana a São Gonçalo, para tocar – sem valorizar as dificuldades por ser deficiente visual e por morar num bairro afastado de onde apareciam as chances de trabalhar. “As pessoas falavam: ‘Infelizmente não posso te chamar pra tocar porque não tenho carro pra te buscar’. Eu dizia: ‘Não tem problema, eu vou de ônibus’. E ia, levando teclado, guarda-chuva, bengala…”, recorda.

Oportunidades aumentaram quando Luiz Otávio foi apadrinhado pelo pianista Fernando Merlino, seu professor, e pelo baixista Arthur Maia, com quem tocou por oito anos. Foi Arthur, amigo de Mart’nália, que o apresentou à cantora. Nos últimos anos, tocou com Marcelo D2 e gravou nos discos mais recentes de Martinho da Vila e Elza Soares (esse ainda inédito).

“Essa maré” é o segundo disco de Luiz Otávio, e o primeiro de canções. Sua estreia em álbum foi instrumental, e era esse o caminho que ele parecia que ia trilhar em sua carreira. Mas quando a ideia do disco começou a ganhar força, o músico achou que devia compor. Começou a escrever melodias e, numa noite de insônia, escreveu letra para duas delas. Gostou da brincadeira e fez uma leva, da qual selecionou as quatro autorais do disco.

Em seu método de compor, sempre faz a letra a partir da melodia, buscando as palavras que se encaixam melhor naquelas notas. A parceria com Tom Karabachian, “Custe o que custar”, é exceção – ele fez a música para os versos do parceiro.

Nas letras, Luiz Otávio explora o amor em diversas formas. “Quem disse” é uma cantada desencanada e alegre; “Já tô” faz pedido de desculpas sedutor; “Custe o que custar” destila o lamento e a superação pelo fim do amor; “Essa maré” declara a paixão e convida ‘Vambora, simbora comigo/ Agora não tem mais perigo/ Se deixe envolver/ e deixa acontecer”.

As três regravações, pérolas escondidas do repertório de seus compositores, seguem o mesmo espírito suingado e romântico. São elas “Pensando nela”, de Don Beto; “Não penso em mais nada”, de Arlindo Cruz; e “Meu”, de Djavan. Nesta última, Luiz Otávio tem a participação de Mart’nália, com quem faz um dueto.

A banda de alto nível que acompanha Luiz Otávio (voz, piano e teclados) no disco é formada por amigos com quem já toca há algum tempo – a intimidade e a qualidade transparecem no resultado. A formação tem Thiago Silva (bateria); André Siqueira (percussão); João Rafael e Alexandre Katatau (dividindo-se nos baixos); Julio Raposo (guitarra); Marcelo Martins (sax, flauta e arranjos de sopros); Diogo Gomes (trompete); e Rafael Rocha (trombone).

É o próprio Luiz Otávio que amarra a definição da sonoridade de “Essa maré”, usando o mesmo balanço com que toca e compõe: “É uma mistura muito natural de soul, samba, balada, MPB, pop, uma pitada de funk e rap…  Enfim, é um disco carioca”.

Claudio mergulha no amor tropical com single “Canga Estendida”

O entardecer de um amor vivido numa praia. Este é o ponto de partida de “Canga Estendida”, novo single do cantor, compositor e ator Claudio, que chega às plataformas digitais. 

A canção, composição própria, mergulha em elementos do Neosoul e nos violões da Bossa Nova para materializar o clima tropical em seu apogeu, o verão, nos instrumentos e em vocais já moldados pelas suas referências negras do Gospel. Este é o quarto single da carreira do cantor e inaugura uma série de lançamentos para o seu primeiro EP, “Pra Molhar”, previsto para este trimestre.

– Eu tenho um carinho por esse som porque ele foi construído minimamente, dos violões à percussão. Estou construindo positivamente uma imagem que só agora a mídia entendeu que deve fazer. O amor entre pessoas negras existe e eu quero contar essas histórias – conta.

Capa de “Canga Estendida”

A produção musical é de Pedro Guinu, que toca com Baco Exu do Blues e já realizou projetos em parceria com Russo Passapusso, da banda BaianaSystem. As imagens são do fotógrafo Cristian Maciel e a direção de vídeo é de Joyce Prado, premiada pelo WME em 2018 e 2021, com produção da Oxalá Produções, que assina trabalhos como “Bom Mesmo é Estar Debaixo D’Água”, de Luedji Luna.

Sentimentos invisibilizados

Carioca da Taquara, bairro da Zona Oeste do Rio de Janeiro, Claudio se lançou na música em 2019 e imprime em suas letras e melodias a fusão da música preta cosmopolita com os ritmos brasileiros. As suas composições têm presença marcante da percussão e do violão embalando letras românticas que exploram a subjetividade de um homem negro que fala de amor e criam espaços para refletir sobre a invisibilidade dos sentimentos de um homem negro LGBTQIAP+. Para isso, Claudio escolhe destacar trabalhadores da praia, negros em sua maioria, que têm suas histórias apagadas.

– Tenho feito música com a preocupação de eternizar minhas narrativas, não só seguindo o que é tendência, mas construindo a minha identidade. E isso tem acontecido de forma gradativa. Eu ainda sou um artista em início de carreira e tudo o que tenho disponível para minhas entregas é tempo. Não existe cobrança de lançamentos rápidos. Por isso, aproveito esse tempo para produzir com excelência – revela.

Carreira como ator

Formado pela escola pública de teatro mais antiga da América Latina, a Escola Técnica Estadual de Teatro Martins Penna, Claudio teve um rico aprendizado integrando as artes dramáticas, canto, música, cenografia, figurino, história da arte, expressão corporal e muitas outras matérias.

A partir daí, estrelou diversas peças e curtas, como “De Jangada, a Maresia”, filme exibido no Festival de Cannes. Na TV, foi um dos integrantes do programa Amor & Sexo, da Rede Globo, onde foi apadrinhado por Gloria Groove. A sua próxima empreitada na atuação será em “A Vida Pela Frente”, série que chega ao Globoplay em 2023.

Gabrielle Aplin lança “Skylight” em dueto com Zeeba

A cantora e compositora inglesa Gabrielle Aplin se une ao brasileiro Zeeba em uma nova versão de seu hit “Skylight”, trilha sonora da novela “Todas as Flores”, do Globoplay e faixa de abertura de seu recém-lançado álbum “Phosphorescent”. O pop alternativo e intimista da versão original ganha novos contornos de cumplicidade e aconchego ao se tornar um dueto. 

“Estou empolgada de voltar ao Brasil neste mês para um show e para lançar essa versão de ‘Skylight’ com Zeeba. Amei o que ele trouxe para a música e espero que as pessoas gostem tanto quanto eu fiz”, conta ela. Ao que ele conclui: “O que mais gostei neste projeto foi de termos ficado livres para escolher qual música seria esse dueto. A partir disso, nossa parceria fluiu demais, acabei escrevendo um verso novo para a ‘Skylight’, que já é uma música romântica, e ficou uma conversa bonita entre eu e a Gabrielle. Estou muito feliz de fazer parte disso”.

Com este lançamento, Gabrielle reforça sua conexão com o público brasileiro – a artista desembarca em São Paulo nesta semana para uma exposição de arte e um show intimista apresentando o universo de “Phosphorescent” para seus fãs.

Sabe qual é a música mais triste do mundo?

 

Aposto que se lhe perguntarmos qual a música mais triste que conhece nos vai sugerir meia dúzia de nomes de músicas realmente tristes, associadas possivelmente a momentos menos felizes da sua vida. Porém, neste post, não vamos falar das músicas que são mais tristes para si: mas sim daquela que é universalmente relembrada como a mais triste de sempre.

Curiosamente, é até à Hungria que viajamos para encontrar esta música. De todos os cantos do mundo, há quem continue a eleger este tema como como o mais deprimente de que há história. Chama-se Gloomy Sunday, foi composto por Rezso Seress e está associada a mais de 100 casos de suicídio em várias partes do mundo. Curiosamente, o próprio compositor pôs termo à sua vida.

Não acha que tudo isto já dá mais do que motivos para que Gloomy Sunday (Domingo Sombrio) possa ser considerada a música mais triste do mundo? Neste post, contamos a história desta música e do seu compositor.

A história da música mais triste do mundo

Começamos então por Rezso Seress, o compositor húngaro que compôs Gloomy Sunday. Nascido a 3 de novembro de 1899, aprendeu de forma autodidata a tocar piano. Estes primeiros passos pelo mundo da música acabaram por levá-lo a assumir um interesse pela composição.

Em 1933, depois de terminar uma relação com a sua namorada, ficou de tal forma deprimido que transpôs o que lhe ia na cabeça (e no coração) para a música Gloomy Sunday. Para este desabafo musical, que se tornou um sucesso anos mais tarde, contou com a ajuda dos seus amigos que lhe disseram como podia tornar alguns dos versos mais poéticos.

Hoje, alguns especialistas em música acreditam na possibilidade de Seress não ter composto a música para a namorada. A inspiração, acreditam, veio sim da tristeza que sentia para com toda a situação social do mundo, desde guerras às visões apocalípticas apontadas por alguns.

   

Como apontamos acima, esta foi uma música que se tornou popular na Hungria… apesar de ter levado o seu tempo. Passaram-se dois anos até Gloomy Sunday, então gravada novamente por Pál Kálmar, atingir uma certa popularidade. Mas eis então que acontece algo muito curioso: começam a acontecer suicídios na Hungria, todos eles associados de alguma forma à música de Seress.

Esta coincidência conduziu por isso a medidas mais drásticas: à censura da música na Hungria. Como é natural, a censura provocou exatamente o efeito oposto: o aumento da popularidade da música. Em 1936, Gloomy Sunday tinha sido traduzida para inglês e gravada pela voz de outros artistas. Foi assim que, em 1941, Bille Holliday interpretou o tema… apesar da BBC ter considerado meses mais tarde que era triste demais para ser reproduzido na rádio!

O mais triste de toda esta história será, provavelmente, o facto de Seress se ter suicidado anos mais tarde. Antes desse fatídico dia, em novembro de 1968, a vida de Seress provou ser complicada e dramática, chegando a ser levado para um campo de concentração nazi do qual fugiu. Anos depois, quando foi finalmente reconhecido pelo seu trabalho musical, Seress tentou reconciliar-se com a sua ex-namorada… Que se tinha suicidado através de consumo de veneno.

Terá sido este um dos traumas a motivar que saltasse da janela do prédio onde vivia, em Budapeste. Mesmo que a queda não tenha sido fatal, o compositor foi levado para o hospital onde acabou por se enforcar com uma corda que encontrou.

Tordo Eremita: o pássaro que consegue reproduzir a escala musical

 

Todos os músicos sabem que a escala musical começa a partir de uma nota base às quais se sucedem outras notas que, gradualmente, aumentam de tom, partindo sempre da nota original. Foi a partir do conceito de escala musical que uma equipa de investigadores da Smithsonian comprovou que cerca de 70% das canções de um certo pássaro, o tordo eremita, seguem a escala musical.

O tordo eremita do sexo masculino (Catharus guttatus) consegue cantar entre 6 a 10 tipos de música, que tendem a contar com sons mais agudos e rápidas. Além do mais, estas músicas começam normalmente com um assobiar muito baixinho que vai aumentando gradualmente. A partir desta primeira análise, a Dra. Emily Doolittle, compositora do Cornish College of the Arts em Seattle e  o biólogo Tecumseh Fitch, da Universidade de Vienna, iniciaram uma investigação que é no mínimo interessante.

No total, esta dupla de investigadores analisou 144 tipos de músicas diferentes produzidas por 14 tordos eremitas masculinos. A partir desta análise meticulosa, os investigadores concluíram então que 70% das músicas do Tordo Eremita podiam ser associadas à escala musical humana, ou seja, tais composições criadas pelos pássaros eram semelhantes às composições que podiam ser de facto feitas por compositores humanos.

“Ouvindo as músicas à velocidade normal, percebemos que eram muito atraentes, mas não tínhamos qualquer indício de que pudessem beber da escala musical”, disse a Dr. Doolittle, referindo-se à fase que antecedeu à investigação.

Uma vez que iniciaram a análise, começando então por abrandar as músicas, os especialistas  conseguiram então detetar padrões da escala musical que eram, na verdade, bastante claros. Apenas 5% das músicas analisadas parecia ser composta meramente por notas aleatórias.

Os investigadores estão agora curiosos para saber por que razão consegue o tordo eremita cantar melodicamente, uma vez que o trato vocal de um pássaro não é especialmente concebido para produzir notas específicas de uma escala musical.

Na mesma investigação, a Dr. Doolittle enfatizou que os pássaros, ainda que componham as suas músicas deliberadamente usando escalas musicais, costumam no entanto usar intervalos e pausas que podem ser também encontradas na música humana.

Por exemplo, investigações anteriores mostraram que galinhas domésticas costumam usar notas consonantes – uma combinação de notas que parecem agradáveis quando tocadas ao mesmo tempo.

“A escala musical é, acima de tudo, um fenómeno físico, não uma construção culturalmente específica, por isso faz sentido que possa ser encontrada em canções de uma variedade de espécies diferentes”, escreve a Dr. Doolittle na investigação.

A investigadora acredita ainda que, uma vez que os seres humanos partilham características musicais com outras espécies, pode haver algo na nossa biologia que faz com que certas combinações de notas sejam de facto mais atraentes que outras.