CRONICA - OTIS REDDING | Otis Blue: Otis Redding Sings Soul (1965)

 

Se vou falar com vocês sobre esse disco, é por dois motivos. A primeira é que me permitiu ter um interesse sério pela música de Otis Redding. Os poucos títulos que eu tinha ouvido antes me lembravam “  Gaston Ya le Téléphon Qui son et… ”. Francamente, nada para ficar animado. Mas isso me parece muito simplista para um homem de alma com grande reputação. Então estou procurando o disco da revelação. Eu procuro e sempre procuro. Então me deparei com algumas críticas bastante lisonjeiras sobre Otis Blue: Otis Redding Sings Soul , 3ª obra de Otis Redding. Disco que tem o diferencial da obra precedente não é uma massa de singles mas sim um álbum feito com coerência.

A segunda razão é este título que mudou tudo: “Ole Man Trouble”. Quando falamos sobre Otis Blue: Otis Redding canta a almanós glorificamos corretamente canções como “Respect”, onde Otis Redding proclama sua necessidade de respeito por parte das mulheres. Aretha Franklin passará esse título para a posteridade ao inverter os papéis no ano seguinte. Há esta magnífica capa de Sam Cooke, então assassinado no ano anterior, "Change Gonna Come" para uma mensagem política, escrita em um contexto tenso ligado ao racismo, à segregação e ao movimento pelos direitos civis. Otis Redding fez de Sam Cooke seu ídolo a ponto de também fazer covers de "Shake" e "Wonderful World". Os outros covers explosivos são "My Girl" dos Temptations, "Rock Me Baby" de BB King e especialmente "Satisfaction" dos Rolling Stones. Em suma, Otis Redding assina um clássico que vai além do soul ao surfar com blues e rock, o melhor de tudo por si só que quebra barreiras étnicas.

Mas curiosamente pouco é dito sobre “Ole Man Trouble” exceto para apontar que ela abre este disco atemporal. No entanto, este "Ole Man Trouble" é muito mais do que isso. Assim que coloquei no meu toca-discos, ele tirou meu cabelo do meu cabelo! Este é um excelente começo! Para que ? Porque eu amo o hard rock do final dos anos 60! De fato o guitarrista Steve Crooper, em um andamento lento, nos lança um riff pesado pra caralho, quase doentio e levemente saturado. Isaac Hayes com seu órgão cavernoso traz profundidade. O bronze traz a quantidade certa de alma. Tudo veste perfeitamente o verbo raivoso da cantora que evoca um homem atormentado pela dúvida e pelo medo. Uau!!! caras como eu, com um título como esse, rapidamente se tornam fãs de Otis Redding, que sem saber acabou de inventar o soul rock pesado.

Até hoje eu sempre me pergunto: por que bandas precursoras do hard rock como o Cream não fizeram covers dessa faixa infernal! 

Títulos:
1. Ole Man Trouble
2. Respect
3. Change Gonna Come
4. Down In The Valley
5. I’ve Been Loving You Too Long
6. Shake
7. My Girl
8. Wonderful World
9. Rock Me Baby
10. Satisfaction
11. You Don’t Miss Your Water

Músicos:
Otis Redding: vocais
Booker T. Jones: teclados, piano
Isaac Hayes: teclados, piano
Steve Cropper: guitarra
Pato Donald Dunn: baixo
Al Jackson Jr.: bateria
Wayne Jackson: trompete
Gene Miller: trompete
Andrew Love: saxofone tenor
Floyd Newman: saxofone barítono
William Bell, Earl Sims: backing vocals

Produtores  : Jim Stewart, Isaac Hayes, David Porter

Resenha: Half Past Four – Rabbit In The Vestibule (2008)

Disco: Rabbit In The Vestibule
Ano: 2008
Selo: Independente

Faixas:
1. Missing Sevenths – 2’37
2. Johnny – 2’54
3. Poisoned Tune – 7’53
4. Southern Boogie – 4’15
5. Twelve Little Words – 5’18
6. Underwater – 4’58
7. Lullaby – 4’20
8. Strangest Dream – 6’29
9. Biel – 8’14
10. The Ballad Of Dwayne’s Plane – 4’53
11. Salome – 2’45
12. Bamboo – 2’41
13. Rabbit – 6’08

Integrantes:
Kyree Vibrant – voz
Constantin Necrasov – guitarras, violões, mandolim, baixo e vocais
Dmitry Lesov – baixo, violão e vocais
Igor Kurtzman – teclados e efeitos

Músicos convidados:
Art Pisanski – bateria e percussão
Ashot Grigorian – saxofone
Sahra Featherstone – flauta e violino
The Burlington Seniors Four Part Harmony Choir – coral (9)
Dylan Goodhue – backing vocals (9)

Resenha:
O Half Past Four surgiu em 2005 baseado na proposta de unir técnicas e complexidades musicais com outros campos artísticos, como poesia, teatro e cinema, dando origem ao seu som extremamente influenciado por trilhas sonoras e bandas da década de 60 e 70, com uma equilibrada injeção moderna. Não a toa, ao longo desses anos, os canadenses criaram uma boa reputação graças as suas apresentações ao vivo, que são nada mais nada menos do que uma experiência artística completa, em termos sonoros e visuais.

Tendo isso em vista, o debut da banda Rabbit In The Vestibule (2008) (se não contarmos as trilhas sonoras composta para filmes) traz todos esses elementos com um conceito por trás: imagine-se em uma ante-sala com várias portas, cada uma dessas portas levam a um local diferente e inimaginável. Cada porta leva a uma música onde diferentes conceitos próprios são explorados, viajando pelas influências incrivelmente variadas dos membros da banda.

E o clima setentista já aparece de forma marcante na abertura de ‘Missing Seventh’, soando como um elo perdido entre o Rock e o Metal Progressivo com elementos quase teatrias/operísticos, graças à bem pensada interação entre os vocais. A novamente curta ‘Johnny’ já emenda sem descanso, arriscando um pouco em levadas jazzísticas e dando passagem para a ótima ‘Poisoned Tune’, estampado na cara do ouvinte as fortes influências de Genesis e Yes, além de boas doses do conterrâneo Rush (reparem nas melodias criadas pela vocalista Kyree), em 8 minutos de um belíssimo passeio pelo Rock Progressivo. ‘Southern Boogie’, em seguida, uma música bem atmosférica e com um ritmo marcante, consegue roubar a cena pelas belíssimas linhas instrumentais criadas e pela ótima inserção do saxofone de Ashot Gigoran, criando um diferencial enorme, ao passo que ‘Twelve Little Words’ puxa abruptamente o ouvinte para uma viagem por um ritmo meio latino, funkeado, salseado, que mesclado a boas doses de Prog Metal geraram um resultado perfeito. E para confundir ainda mais e abrir um sorriso pela qualidade, ‘Underwater’, traz um andamento quase “brasileiro” e boas doses modernas e alternativas, enquanto a instrumental ‘Lullaby’ chega quase a lembrar o riff de ‘Livin’ On A Prayer’ (do Bon Jovi). Exageros a parte, o equilíbrio entre passagens atmosféricas e o ritmo Hard Rock da faixa tornam uma idéia simples em um momento deveras interessante.

‘Strangest Dream’ é uma das músicas cujo título melhor define o seu conteúdo, afinal de contas, é impossível não se sentir flutuando enquanto as esquisitíssimas melodias carregam o ouvinte por um lugar um tanto quanto confuso. Continuando a jornada pelas portas, ‘Biel’ é um dos mais belos momentos do álbum, apesar de ser basicamente um Prog Metal até simples, e ‘The Ballad Of Dwayne’s Plane’, resgatando mais da mistura entre Rock e passagens teatrais, com um resultado perfeitamente descompromissado e livre, sendo ai onde exatamente mora o seu requinte. E por falar em descompromisso, ‘Bamboo’ traz novamente bons toques de Hard Rock e Metal, com uma letra sem nenhum sentido, e podemos considerá-la a única mais “bobinha” do disco. Fechando o disco, a curta instrumental ‘Salome’ e mais nuances puramente Progressivas de ‘Rabbit’ completam o ciclo e o experimento que a banda se propôs nesse álbum. Bem construídas, explorando suas influências e colocando em prática a sua “necessidade” de fazer música.

O som de portas abrindo e fechando incluídas ao fim de cada música com o intuito de transportar o ouvinte para o universo criado pela banda é o conceito perfeito para toda a versatilidade musical e singularidade que cada faixa aqui neste trabalho apresenta. Fica mais do que evidente como a qualidade dos músicos é colocada a prova em cada momento e em cada experimentalismo. Prova da qual eles se saem muito bem, aliás, mas, sejamos sinceros, a voz de Kyree rouba a cena diversas vezes, pela interpretação única em cada momento.

Uma verdadeira obra de arte, infelizmente ainda perdida do público.

Resenha: Haken – Affinity (2016)

 

Artist: Haken
Disco: Affinity
Data de lançamento: 29 de Abril  de 2016
Selo: InsideOut
Tempo total: 61:26
Disponível em: CD, LP & Digital

‘In The Court Of The Crimson King’, 1969. ‘Aqualung’, 1971. 1972 e 73? Nem vou entrar nesse mérito. ‘Wish You Were Here’, 1975. ‘A Farewell To Kings’, 1977. ‘The Wall’, 1979.
Sem delongas, bastam poucos exemplos para notar que a era de ouro do rock progressivo foi a sua primeira década de vida (um pouco mais, o gênero nasceu em 1967).

E 1980? Aí o rock progressivo morreu. Uma morte prematura.

NÃO SEJA TOLO

Se você concordou com a minha última afirmação, não seja tolo. O Haken, não foi.

“Você pode até dizer que o prog dos anos 80 se limitou a Marillion e Rush. Mas quantas outras bandas dos anos 80 você tentou ouvir? Faça uma reflexão. Não é porque você não conhece que não existam outras opções.”

Justamente sobre essa ideia do prog ter morrido na década de 80, o Haken decidiu ousar e fazer um álbum inspirado nesse período. Conforme dito pelo próprio vocalista, Jennings, as pessoas precisam se lembrar que foi uma era essencial para a sonoridade evoluir e chegar aos níveis atuais.

Essa motivação pelo passado inspirou a banda a mudar bastante sua sonoridade em comparação com trabalhos anteriores. Se você espera algo como o ‘The Mountain’, pode esperar sentado.
Tejeida deitou e rolou nos sintetizadores e confessou usar como principal influência os trabalhos de Vince DiCola, autor de trilhas sonoras como Rocky IV e Transformers.

Rocky IV, filme mediano e trilha sonora épica!

O NASCIMENTO DOS COMPUTADORES

Pela primeira vez o Haken escreveu todas as músicas em conjunto, nos outros álbuns essa tarefa era quase exclusividade do guitarrista Richard Henshall.

A capa com design retrô é novamente uma alusão à década de 80, utilizando-se bastante da estética da época. Uma curiosidade é a presença dos seis pássaros, que também apareceram na capa de ‘The Mountain’.
Os ingleses também redesenharam o site da banda, lembrando um velho sistema operacional.

A ideia é essa. A primeira música tem o nome de um arquivo executável, “Affinity.exe”, e é bem curta. Apenas ruídos, vozes distorcidas ao fundo, e bipes. Ela é o arquivo capaz de executar o sistema.

‘Affinity’ engloba temas como a evolução da computação e sua relação com a humanidade, e as demais consequências dessa interação.
Apesar do tema bem definido, não dá pra dizer que temos um álbum conceitual. O próprio conjunto refutou essa ideia e o descreveu mais como uma trilha de temas parecidos.

LONGE DO TÉDIO

O metal misturado com o prog oitentista gerou uma combinação interessante. Mais interessante ainda porque ela expande os horizontes para pequenos toques de música eletrônica e djent.

Muitas faixas se destacam, e o mais importante: Cada uma à sua maneira. Se tiver uma crítica que não pode jamais ser feita ao ‘Affinity’, é a de ele ser repetitivo ou monótono.
A banda ousa e experimenta em praticamente todas as faixas. Seja na timbragem de “Lapse”, no ar pop de “Earthrise” ou na bateria vintage de “1985″.

“The Architect” conta com a participação especial de Einar Solberg, da banda Leprous. Ele dá um suporte nos vocais mais guturais. Apesar de muitos terem idolatrado essa música, eu não consegui me encantar. Achei longa demais.
Por coincidência (ou não), muitas críticas disseram que a sonoridade do Haken se assemelhou muito com a do Leprous em algumas músicas.

Haken e Leprous juntos em turnê. Natural que as bandas troquem influências.

Ross Jennings, perguntado sobre eventuais semelhanças com o Leprous, respondeu de forma bem humorada: Nada pode ser 100% original hoje em dia, a não ser que você arrote uma melodia cromática em 13/9 com sete gatos miando aleatoriamente em um didjeridu* enquanto uma gaita de foles faz o som de fundo.
Fica então a ideia para o próximo álbum do Dream Theater.

O SILÊNCIO DIZ MUITO

O Haken fez um álbum tão interessante, e só no final da resenha me lembrei de que não havia comentado sobre a saída de Thomas MacLean e a entrada de Conner Green no baixo.
Esse meu esquecimento já diz muito. Conner deu conta do recado.

E, antes que eu me esqueça novamente, ‘Affinity’tem seus pontos baixos. “Red Giant” e “Bound By Gravity”. Não é o suficiente para comprometer.

Pode-se dizer que meu quase silêncio sobre esses dois temas já diz muita coisa. Se fossem pontos realmente relevantes, os teria discutido mais profundamente.
E se você ainda acha que o prog morreu nos anos 80, quem sou eu para discordar? Mas saiba que esse prog renasceu em 2016, com ‘Affinity’.

“Conceived by desire; or compelled by certainty? Did I decide; or did the road choose me?”

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FICHA TÉCNICA:
Artista: Haken
Ano: 2016
Álbum: Affinity
Gênero: Metal Progressivo
País: Inglaterra
Integrantes: Charles Griffiths (guitarra), Conner Green (baixo), Diego Tejeida (teclado), Raymond Hearne (bateria), Richard Henshall (guitarra), Ross Jennings (vocal).

MÚSICAS:
1 – Affinity.exe
2 – Initiate
3 – 1985
4 – Lapse
5 – The Architect
6 – Earthrise
7 – Red Giant
8 – The Endless Knot
9 – Bound by Gravity

BIOGRAFIA DOS Cochise

 

Banda inglesa, que fazia um Hard sem muito peso, numa mistura também com o Country & Southern Rock americano, formada em 1970.

Hoje, muito mais reconhecida pelos integrantes que a integraram. Gente que iria trabalhar muito no rock dos anos 70 em diante.

Começando com o líder da banda, Stewart Brown, que cresceu junto a Elton John e mais tarde fundaram a primeira banda de Elton, o Bluesology.

B.J. Cole, além de uma carreira solo, tornou-se músico de estúdio de centenas de artistas, do calibre de Roger Waters, Alan Parsons, Roger Daltrey, Dave Edmunds, Procol Harum, Uriah Heep, Humble Pie, entre muitos outros.

Mick Grabham depois se juntaria ao Procol Harum.

Rick Wills viria a passar pela banda do Peter Frampton, Roxy Music, The Small Faces, David Gilmour, Foreigner e Bad Company!

John "Willie" Wilson gravaria o primeiro álbum solo de David Gilmour e teriam uma parceria de longa data. Ainda gravaria com Al Stewart, depois vindo a formar a Sutherland Brothers & Quiver. 

Integrantes.

Stewart Brown (Vocais, Guitarra)
B.J. Cole (Steel Guitar)
Mick Grabham (Guitarra, Teclados, Vocais)
Rick Wills (Baixo, Vocais)
John 'Willie' Wilson (Bateria)
Roy O'Temro (Bateria)
John Gilbert (Vocais)

Velvet Mountain: An Anthology 1970-1972 (Coletânea 2013)

MUSICA&SOM - senha muro

CD 1.

Cochise (1970).
01. Velvet Mountain (3:25)
02. China (3:52)
03. Trafalgar Day (5:08)
04. Moment And The End (5:53)
05. Watch This Space (3:54)
06. 59th Street Bridge Song (3:38)
07. Past Loves (3:38)
08. Painted Lady (7:01)
09. Black Is The Color (Traditional) (0:57)
A-Side Of Single.
10. Love's Made A Fool Of You (2:50)
Swallow Tales (1971).
11. Jed Collder (3:18)
12. Down Country Girls (1:48)
13. Home Again (3:40)
14. Lost Hearts (3:25)
15. Strange Images (02:01)
16. Why I Sing The Blues (4:07)

CD 2.

Swallow Tales (1971).
01. Another Day (5:13)
02. Axiom Of Maria (6:59)
03. Can I Break Your Heart (4:59)
04. O Come All Ye Faithful (Traditional) (1:15)
B-Side Of Single.
05. Words Of A Dying Man (4:21)
So Far (1972).
06. Cajun Girl (3:27)
07. Blind Love (4:39)
08. Dance, Dance, Dance (3:57)
09. So Many Times (3:15)
10. Diamonds (3:23)
11. Thunder In The Crib (3:56)
12. Up And Down (5:39)
13. Wishing Well (3:01)
14. Midnight Moonshine (6:12)

TOM JANS - CHAMPION (1982)

 

TOM JANS
''CHAMPION''
1982
39:57     MUSICA&SOM
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01 - When The Rebel Comes Home 3:07
Backing Vocals - Jeff Osborne, Kate Markowitz, Richard Kerr
Bass Guitar - Leland Sklar
Drums - Carlos Vega
Guitar - Fred Tackett, Lee Ritenour
Keyboards - Don Grusin
Percussion - Steve Forman

02 - There's A Champion On My Side 4:54 (Tom Jans, K. Oda, D. Grusin)
Bass Guitar - Ken Wild
Drums - Carlos Vega
Guitar - Fred Tackett, Lee Ritenour
Keyboards - Don Grusin
Saxophone - Ernie Watts

03 - I Miss Your Harmony 3:32 (Tom Jans, Richard Kerr)
Acoustic Guitar - Fred Tackett
Backing Vocals - Jeff Osborne, Kate Markowitz
Bass Guitar - Bob Glaub
Drums - Carlos Vega
Percussion - Steve Forman
Piano - Richard Kerr
Synthesizer - Don Grusin

04 - Chambers Of The Heart 3:39
Acoustic Guitar - Fred Tackett, Tom Jans
Backing Vocals - Valerie Carter
Bass Guitar - David Hungate
Concertmaster - Sidney Sharp
Drums - Jeff Porcaro
Electric Guitar - Paul Barrere
Keyboards - Bill Payne
Percussion - Jeff Porcaro
Strings - Steve Porcaro

05 - Working Hot 4:10
Backing Vocals - Jeff Osborne, Kate Markowitz, Richard Kerr
Bass Guitar - Leland Sklar
Drums - Carlos Vega
Guitar - Fred Tackett
Keyboards - Don Grusin
Lead Guitar - Lee Ritenour

06 - Cool 4:08 (Tom Jans, D. Grusin)
Backing Vocals - Jeff Osborne, Kate Markowitz, Richard Kerr
Bass Guitar - Ken Wild
Drums - Carlos Vega
Guitar - Fred Tackett
Keyboards - Don Grusin
Saxophone - Ernie Watts

07 - Southern Belle 3:42 (Tom Jans, Bill Wray, Valerie Carter)
Acoustic Guitar - Fred Tackett, Tom Jans
Backing Vocals - Crickets, Kate Markowitz, Mourning Dove, The Ten Boys, Tom Jans, Whippe will
Bass Guitar - Leland Sklar
Drums - Carlos Vega
Keyboards - Don Grusin
Percussion - Steve Forman
Slide Guitar - Fred Tackett

08 - Lost In Your Eyes 4:16 (Tom Jans, Scott Shelly)
Acoustic Guitar - Fred Tackett
Backing Vocals - Tom Jans
Bass Guitar - Ken Wild
Drums - Carlos Vega
Synthesizer - Don Grusin

09 - Visions 3:31
Acoustic Guitar - Fred Tackett, Tom Jans
Backing Vocals - Jeff Osborne, Kate Markowitz, Richard Kerr
Bass Guitar - David Hungate
Drums - Jeff Porcaro
Electric Guitar - Paul Barrere, Steve Lukather
Keyboards - Bill Payne
Percussion - Victor Feldman
Synthesizer - Steve Porcaro

10 - Mother's Eyes 4:33
Acoustic Guitar - Lee Ritenour
Backing Vocals - Kate Markowitz
Concertmaster - Jerry Vinci
Keyboards - Don Grusin

Tom Jans (1948 - 1984) foi um músico folk de San Luis Obispo, Califórnia. Ele é talvez mais conhecido por sua música Loving Arms, que foi tocada e gravada por dezenas de artistas e bandas, incluindo Elvis Presley, Dixie Chicks, Kris Kristofferson, Olivia Newton-John, Rita Coolidge, Livingston Taylor, Etta James e The Beautiful. Sul.
Jans fez extensas turnês com Mimi Fariña - irmã de Joan Baez - e lançou um excelente álbum em dupla com Farina em 1971, intitulado "Take Heart". Depois de se separar de Farina em 1972, Jans gravou três discos como artista solo, o melhor dos quais foi um lançamento autointitulado para a A&M em 1973, que incluía sua versão de "Loving Arms". Seus outros álbuns foram "The Eyes of An Only Child" e "Dark Blonde", ambos gravados para a Columbia em meados dos anos setenta, o que levou sua música a uma direção mais voltada para o rock. Quando os lançamentos da Columbia falharam em encontrar público, sua carreira perdeu impulso e, embora Jans continuasse a se apresentar, ele não lançou nenhuma gravação até "Champion" de 1982, um álbum que poucos ouviram e permanece tão obscuro que permanece difícil confirmar que foi lançado.
Jans sofreu ferimentos graves em um acidente de motocicleta em 1983; ironicamente, Richard Farina, marido e parceiro de canto de Mimi, morreu em um acidente de motocicleta em 1966. Jans morreu de overdose de drogas em 1984. Infelizmente, ele foi amplamente esquecido como compositor e intérprete. A maioria de suas gravações não foi relançada em CD nos Estados Unidos e, portanto, é difícil de encontrar, exceto em seus lançamentos em LP originais.
Tom Waits dedicou uma música a Tom Jans chamada "Whistle Down The Wind (For Tom Jans)" apresentada em "Bone Machine".

CROWN LANDS - FEARLESS (2023)

 

Do grande país do norte o Canadá, a banda de rock progressivo Crown Lands está aqui para compartilhar não apenas seu novo álbum, “Fearless”, mas para comunicar a história do roubo de terras indígenas das Primeiras Nações durante o processo de colonização. Historicamente, a expressão terra da Coroa foi usada como justificativa para a violência colonial contra os povos indígenas. Por meio de sua música, Crown Lands quer aumentar a consciencialização sobre os efeitos de longo prazo dessa colonização e dar voz à sua comunidade de povos indígenas.
A dupla de Kevin Comeau (baixo, guitarra, teclas/sintetizadores) e Cody Bowles (baterista e cantor), juntou forças com um dos maiores produtores do rock, David Bottrill, para gravar este álbum. A discografia de David Bottrill é bastante extensa – bandas como Tool, Muse, Rush… só para citar algumas. Através da combinação da paixão e escrita de Crown Lands com a imensa produção de David Bottrill, somos presenteados com um disco de rock progressivo monstruoso.
O álbum começa com “Starlifter: Fearless Pt. II”, uma ópera espacial de 18 minutos que conta uma história tão antiga quanto o tempo – a batalha entre o bem e o mal. Quando a mística sequência de sintetizadores começa a música, ela rapidamente pula direto para uma explosão de sucessos colossais; uma carta de amor para 2112 do Rush. A força motriz dessa música é um groove rítmico que cria uma parede gigante de paisagens sonoras. Quando os vocais começam, tu agora estás totalmente envolvido nesta história de ficção científica de um fantástico conceito de futurismo indígena. Segue a história do personagem principal, Fearless, que vê seu planeta sendo colonizado e destruído pelo sindicato interestelar, aproveitando o poder do sol para destruir seu planeta por lucro e ganância. À medida que Fearless sobe, a música segue junto com ele com acordes e vocais poderosos e exuberantes que sobem por várias oitavas. A meio da música há um riff de sintetizador harpejado, que tem a banda sonora de Brad Fiedel para o clássico de ficção científica/terror de 1984, The Terminator. A música termina com batidas robustas de bateria de Cody Bowles, junto com sucessos em uníssono, num grande final de um belo acorde que toca até o fim.
Após a obra-prima de abertura do álbum de 18 minutos, vem “Dreamer of the Dawn”, uma canção de rock de 4 minutos que tem o sangue dos Rush correndo nas suas veias. Com música animada e um refrão para cantar junto, essa música realmente mostra que Cody e Kevin sabem como escrever e entregar para nós uma música de rock direto com pequenas partes de prog tocadas ali. Na marca de 2:30, Kevin entra com um solo de guitarra gritante, com belas partes harmonizadas que fazem te pensar nas linhas melódicas extremamente cativantes e coesas de Brian May que são, sem dúvida, cantáveis. Não faz sentido nesta música que tu pares de bater o pé, balançar a cabeça ou cantar as melodias extremamente cativantes de Bowles.
Há uma série de rockers de destaque, incluindo "Right Way Back" e "Context:Fearless Pt.1", inspirada nos Rush. Porém, a surpreendente sétima faixa do disco é uma bela instrumental chamada “Penny”; uma música totalmente acústica, de uma pessoa. Kevin escolhe seu caminho através de uma impressionante progressão de acordes que mantém sua mente à vontade o tempo todo. Enquanto toca guitarra sozinho e aberto, Kevin está disposto a confiar em nós o suficiente para nos guiar por sua jornada de encantadora vulnerabilidade. Embora essa música possa não ter vários compassos, solos de guitarra loucos ou preenchimentos de bateria massivos, ela se destaca como um limpador de paladar superlativo. A última música do álbum é a poderosa balada de piano, "Citadel". Cody realmente mostra aquelas cordas vocais poderosas que soam como se Geddy Lee, Robert Plant e Paul Stanley tivessem sido combinados num enorme gigante vocal. A paixão nesta música é verdadeiramente palpável e se destaca do resto do álbum. Este é um final perfeito para uma jornada épica, poderosa e informativa através da fantasia, ficção científica e história.Essa dupla dinâmica realmente nos mostrou que não precisa ser “acessível” ou “amigável ao rádio”; em vez disso, eles se esforçam para criar músicas esclarecedoras e divertidas que alcancem o público não apenas por meio de sua música, mas também por sua missão. Como uma continuação do álbum de estreia auto intitulado, ele realmente mostra que a evolução da banda é inegável e ilimitada.

01. Starlifter: Fearless Pt. II
02. Dreamer Of The Dawn
03. The Shadow
04. Right Way Back
05. Context: Fearless Pt. I
06. Reflections
07. Penny
08. Lady Of The Lake
09. Citadel

Kevin Comeau - Guitars/Keys
Cody Bowles - Vocals/Drums

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WISHING WELL - SIN AND SHAME (2023)

 

Banda de metal finlandesas de Helsinque, Wishing Well lançam seu quarto álbum, intitulado “sin and Shame”
O álbum de 11 faixas está repleto de bangers tradicionais e power metal, certamente para atingir o interesse dos fãs, como Fury, Nightwish, Screamer e Seven Sisters.Tudo escrito no formato icónico de narrativa e power ballad, com riffs sofisticados entrelaçados, solos, baixo trovejante e seções rítmicas triplas, apoiados por sintetizadores lúdicos tradicionais e vocais operísticos impressionantes.
Estes experientes veteranos, seguramente trazem um novo sabor ao mercado do metal, Gravado e produzido em vários estúdios, mantém ainda uma escuta impecável e contínua.
A primeira faixa, “In the Line of Fire” abre com um guincho de feedback e trovão imediato de baixo e guitarra seguido pela quebra de pratos. O ritmo acelerado faz seu sangue bombear num instante, uma canção de batalha definitiva. Enquanto isso, “Soul Rider” dá um passo para trás em muitas águas melódicas, com riffs fluidos e suporte de sintetizador comovente, o ritmo geral se arrasta no estilo blues, com distorção crescente e solos de guitarra comoventes, é o hino ideal para um motociclista.
“Space Invaders” assume um tom de guitarra mais escuro e invasivo com sintetizador alienado e vocais cativantes. Eu sinto que esta é a mais pirosa de todas as faixas, fácil de ouvir. Bastante cinematográfico com diferentes paisagens sonoras e narrativas.
Liderando a faixa-título, “Sin and Shame” tem uma abordagem bíblica, com pouquíssimos versos vocais nos quais os instrumentais se sentem em casa assumindo a liderança com diferentes texturas e camadas. Eu gosto na seção de ponte as melodias caem antes de voltar para a incrível seção de batidas e solo que parece maior do que a causa.
Para terminar o álbum, com impressionantes sete minutos e vinte e dois segundos, a mais lenta das faixas desliza suavemente com sinos de sintetizador quentes, mas logo é reunida pelo solo de guitarra iónico em “Flying Finn”, optando por apresentar suas melhores habilidades técnicas. através da performance sem o auxílio de nenhum vocal.
Em suma, este álbum é um sonho tradicional dos metaleiros. Vai atrair os fãs mais velhos e os mais novos. Certamente me intrigou com a escrita detalhada e habilidades técnicas impressionantes. Devo também comentar, finalmente, sobre a capa do álbum, um design tão simples, mas refletindo o conteúdo do álbum, uma ideia bastante original neste género.

01. In the Line of Fire (03:45)
02. Soul Rider (04:56)
03. Space Invaders (05:54)
04. Mistress of the Night (06:50)
05. Lonely Road (05:03)
06. Dogs Bark but the Caravan Rolls On (04:34)
07. Sin and Shame (04:52)
08. Heavenly Body (02:23)
09. Dancing Across the Stars (06:15)
10. The Golden Rule (06:01)
11. Flying Finn (07:23)

Pepe Tamminen (Distance) - Vocals, tambourine
Anssi Korkiakoski - Guitar
Juha Kivikanto (Grave Siesta, Rite) - Drums
Arto Teppo - Hammond Organ, piano
Matti Kotkavuori (Mangled Hands) - Bass

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