Cinco anos em produção, o segundo esforço de Angelica Rockne , The Rose Society , vale a pena esperar. Sua estreia, Queen of San Antonio, consolidou Rockne como um baluarte do país cósmico. A mudança de Rockne para Los Angeles fazia sentido, e The Rose Society narra o romance e a desilusão de Rockne com a cena. Enquanto The Rose Society mantém os arranjos expansivos de Rockne e as letras míticas, o álbum segue as pistas de Laurel Canyon mais do que qualquer outra coisa. A mudança destaca a voz cativante de Rockne: ressonante, clara, com uma qualidade que sugere sabedoria muito além de sua idade. Rockne tece histórias de novos começos e separação: um comentário sobre o essencialmente impermanente…
…natureza da vida e a coragem necessária para que as pessoas lutem contra ela — ou fluam com ela, conforme necessário.
“White Cadillac”, uma balada dirigida por piano, explora de forma pungente esse tema enquanto dois amantes aprendem a crescer juntos enquanto dão espaço um ao outro. “Age of the Voyeur” também explora o tema de saber quando desistir, embora com um final diferente. Apoiada por uma elegante seção de cordas, a música fala sobre a paixão inicial de Rockne pela vida na cidade antes que ela entendesse o quão alienada ela se sentia lá. No final da música, Rockne encontra o que sua relação com a cidade precisa ser: um desacoplamento consciente.
O álbum muda de tom dramaticamente no meio do álbum. “Proteção, Orações e Vigilância” marca a mudança. Começando com a escolha delicada de Jason Cirimele, a música se transforma em um turbilhão sombrio e panorâmico semelhante às enormes paisagens sonoras de HC McEntire. Aqui, Rockne dá vazão às frustrações de isolamento, viagens e resistência mesmo quando as coisas ficam difíceis.
Rockne se supera em “Ripe to Ruin”, que transcende o gênero em uma espécie de música artística. A eternidade da voz de Rockne se presta à sua meditação sobre a mortalidade. Aqui, os temas centrais de morte e renascimento da The Rose Society culminam em um crescendo que demonstra o poder de permanência de Rockne como artista, não importa onde ela more ou com que sons ela escolha tocar em sua exploração de tudo o que a vida tem a oferecer.
Quando se trata de seu segundo álbum, Phil Hooley acredita muito em que menos é mais. As dez faixas do mais novo lançamento do cantor e compositor de Yorkshire foram inicialmente gravadas com mais sinos e assobios, apenas para Hooley e o produtor Justin Johnson, percebendo que o som não fazia justiça às músicas, para tomar a decisão de despojá-los até seus ossos nus. As canções receberam espaço adequado para respirar; faixas de bateria foram removidas, mas violino, violoncelo, piano e violão permaneceram. “Ela entra na sala com um ar confiante / Com aquele swing e aquela coisa que pode fazer um homem olhar,” vem a voz de Hooley com uma qualidade terna e sussurrante, uma dualidade interessante para uma música como 'Casualty' que fala da máscara confiante que algumas pessoas usam para tentar esconder sua…
…vulnerabilidade. Na gaita e no violino 'The Key' (expert tocando violino vindo de Jim Van Cleve), Hooley anseia por aventura ("Vou comprar um barco para mim, vou velejar ao redor do mundo / Vou ver todos os lugares que me disseram ”) sabendo que seu coração sempre o chamará para casa (“Quanto mais alto você voa, mais longe você cai / Quanto mais você dirige, mais as cordas do coração chamam”).
'Some Say' é profundamente pessoal para Hooley, o assunto é um amigo que ele perdeu em sua batalha contra o alcoolismo alguns anos atrás. “Alguns dizem que ele era um homem bêbado, alguns dizem que ele era um tolo / Alguns dizem que foi uma coisa egoísta para um homem assim fazer”, lamenta. “Mas a imagem de que me lembro nas risadas e lágrimas / Era aquele velho e doce violão tocando e sua voz que ainda ouço.” 'If Only' atinge um tom mais alegre com seu violino, mas o conteúdo lírico é na verdade enganosamente profundo, Hooley enfatizando como ele gostaria que a vida fosse mais fácil e os problemas mais solucionáveis ("Se corações partidos fossem feitos de porcelana ou argila / Nós teríamos juntar os pedaços e guardá-los em segurança / Então, em um dia chuvoso, quando não tivéssemos nada melhor para fazer / Retirávamos todos aqueles fragmentos e os consertávamos, como novos”).
Um sabor decididamente jazz e blues percorre 'Matter of the Heart', com seu piano preguiçoso (cortesia de Mark Gordon) que se sentiria em casa em um bar enfumaçado, enquanto Hooley luta para deixar um relacionamento no passado. 'Magdalena' é tão pura e doce quanto uma música pode ser: “Agora eu não acredito em anjos, mas talvez ela seja um / Porque não importa o clima, ela sempre traz o sol”, Hooley elogia um possível anjo em forma humana. 'Words' mostra um uso mais magistral do violino por Van Cleve, o instrumento se entrelaçando perfeitamente com as letras enquanto Hooley relata um arrependimento sem fim por palavras não ditas em um relacionamento fracassado. Em 'The Veteran's Song', Scott Poley mostra um trabalho de guitarra sutilmente habilidoso, permitindo que as letras de Hooley de um veterano do exército desgastado sejam ainda mais eficazes.
“Às vezes, no processo de gravação, você pode se deixar levar pela instrumentação e pelo lado tecnológico das coisas e perder de vista o significado das músicas”, Hooley refletiu sobre 'Provenance' e como seu título surgiu. “Dessa vez tive certeza do que queria que acontecesse com as músicas. Tive confiança para fazer as mudanças necessárias para reorientar as letras. Acho que valeu muito a pena. As letras são tudo sobre a minha composição.” E, francamente, quando a voz tranquila e confiante de Hooley recebe espaço para chamar a atenção contra instrumentais despojados, simplesmente não há como contestar isso.
Qualquer álbum que junte dois cantores/compositores veteranos Dave Hause e Will Hoge certamente será uma entrada auspiciosa. Não é de surpreender que Drive It Like It's Stolen possua uma música tão memorável, graças às canções e configurações notáveis de Hause e ao fato de que Hoge está sentado atrás das pranchas. Então, novamente, Hause sempre encontrou inspiração em sua própria introspecção, seja no divórcio de sua primeira esposa, um tópico que informou seu álbum , Devour , em 2013, preocupações com o estado do mundo, a América e suas próprias emoções frágeis. como compartilhado com Kick (2019), ou sua alegria por poder passar um tempo com seus gêmeos, um tema principal para a oferta mais recente, Blood Harmony . Sua ansiedade novamente toma o centro das atenções desta vez...
…ao redor, com uma série de canções que mostram Hause lutando com sua sobriedade, as responsabilidades da paternidade e os desafios cotidianos que surgem ao tentar encontrar o caminho no mundo. O próprio Hause se refere ao esforço atual como “americana pós-apocalíptica” e, como tal, está repleto de aberturas sinistras, sentimento sóbrio e uma perspectiva abrangente que garante imersão total no esforço geral. Isso fica imediatamente aparente em canções como “Chainsaweyes”, “Cheap Seats” e “Pedal Down”, todas reflexões memoráveis e comoventes sobre o que é preciso para compreender a humanidade. Não que o álbum inteiro seja temperado por um brilho baixo - “Hazard Lights”, “The Vulture” e “Damn Personal” surgem com uma onda de hino que pode encontrar um ajuste bem-vindo em um setlist de Springsteen ou Mellencamp.
Na verdade, não há uma única faixa aqui que não soe com uma certa resiliência ou determinação. A faixa-título resume melhor o sentimento: Tumbling down off the trave / Hide at home or make a scene / Trying to put the “I” inseam / Same old ryming schemas / Try as I could I can't get off the equilíbrio certo…
Memorável, comovente e repleto de percepção e emoção, Drive It Like It's Stolen é o tipo de álbum que não apenas causa uma impressão instantânea, mas também permanece muito tempo depois que as notas finais desaparecem. Seu sentimento é expresso melhor na música “Tarnish” em particular. Quando você encontrar manchas nas relíquias de vidas passadas, espero que isso não tire o brilho de seus olhos…
Apesar de todo esse pressentimento, o vislumbre - e mais - permanece. Obrigado a Hause por nos ajudar a perceber que há esperança no horizonte... se ao menos estivermos dispostos a procurá-la.
Cozy Powell (Cirencester, Gloucestershire, 29 de dezembro de 1947 - Bristol, 5 de Abril de 1998) foi um renomado e aclamado baterista britânico. Ficou em 31° lugar na lista dos "50 melhores bateristas de hard rock e metal de todos os tempos" do site Loudwire.
Muito solicitado em gravações de pop e rock, Cozy Powell foi quase uma lenda no estilo pesado de tocar bateria, tocando ao lado de nomes como Rainbow, Whitesnake, Mickie Most, Black Sabbath, Keith Emerson, Greg Lake (Emerson, Lake & Powell), Michael Schenker Group, ou mesmo no seu trabalho solo, como o single "Dance with the Devil", que foi seu maior hit no Reino Unido, em 1974.
Powell começou sua carreira profissional em 1965 com o The Sorcerers, eventualmente tocando com Jeff Beck, depois que este deixou o Yardbirds. Em 1971, formou a Bedlam, chegando a lançar um álbum, mas abandonou este projeto para produzir singles, como o "Dance with the Devil", faixa instrumental que chegou à 3ª posição no Reino Unido em 1974. Mais tarde ele formou o Cozy Powell's Hammer, que rompeu-se em 1975. Em 1975 se juntou ao Rainbow, do guitarrista Ritchie Blackmore, ficando até 1980. Sempre muito requisitado, ele alternava seus trabalhos entre seções de estúdio e concertos ao vivo com uma grande variedade de bandas como o Michael Schenker Group, Whitesnake e Black Sabbath, nunca permanecendo em nenhuma banda por muito tempo. Em 1996, ele trabalhou numa longa turnê com o Fleetwood Mac.
Em abril de 1998, Cozy Powell havia abandonado uma turnê com Yngwie Malmsteen por ter machucado o pé. Pouco tempo depois, em 5 de Abril, Cozy morreu num acidente de automóvel enquanto dirigia seu carro, um Saab 9000, a cerca de 170 km/h sob chuva, na rodovia M4 próximo à cidade de Bristol, na Inglaterra. De acordo com uma reportagem da BBC, no momento do acidente o índice alcoólico de Cozy estava acima do limite permitido. Ele não usava cinto de segurança e conversava com sua atual namorada, Sharon Reeve, no telefone celular. Ela ouviu o barulho da batida
Na virada dos anos 1960 para os anos 1970, a canadense Joni Mitchell gozava de grande prestígio no cenário musical internacional graças à boa receptividade dos seus três primeiros álbuns, Song To A Seagull (1968), Clouds (1969) e Ladies Of The Canyon (1970). Miitchel Foi contemplada com um Grammy de “Melhor Performance Folk” pelo álbum Clouds. No entanto, o sucesso e a exposição proporcionados por esses álbuns incomodavam Mitchell. A jovem cantora, então como pouco mais de 26 anos de idade, parecia não se sentir à vontade com a fama.
Foi então que no começo de 1970, decidiu suspender as turnês naquele ano para dedicar-se mais a escrever e pintar. No máximo, fez uma ou outra apresentação a vivo, como um show no Festival de Ilha de Wight, em agosto de 1970, e algumas aparições esporádicas em programas de TV, e só. Nem mesmo o disco de ouro conquistado com o álbum Ladies Of The Canyon, lançado em abril (mais de 500 mil cópias vendidas), motivou a cantora para uma turnê. Estava decida a dedicar um tempo a si mesma.
Naquele momento, o seu relacionamento com o cantor Graham Nash, do grupo Crosby, Stills, Nash & Young, estava se deteriorando. Foi então que ele partiu sozinha para a Europa para refazer as ideias, repensar a sua vida sob todos os aspectos. Passou pela Espanha, França, Grécia e a ilha de Creta. Durante a sua passagem pela Europa, Mitchell terminou seu romance com Nash por meio de um telegrama.
Joni Mitchell e o cantor Graham Nash em 1969: algumas canções que Mitchell escreveu para Blue foram inspiradas no seu relacionamento com Nash.
Na ilha de Creta, Mitchell chegou a morar um período curto numa comunidade hippie em Mátala, na época, uma vila de pescadores ao sul da ilha. A comunidade hippie morava em grutas, e Mitchell morou numa delas com Cary Raditz, um americano que trabalhava como cozinheiro num restaurante em Mátala, e com o qual ela teve um breve romance.
Foi nessa temporada europeia, sobretudo em Creta, que ela compôs algumas canções para o seu próximo álbum, Blue.
De volta a Los Angeles, na Califórnia, em meados de 1970, Mitchell iniciou um romance com o cantor James Taylor, que na época estava em franca ascensão. No início de 1971, Joni Mitchell participa das gravações do álbum Mud Slide Slim And Blue Horizon, terceiro álbum de estúdio de Taylor, fazendo vocais de apoio. Taylor por sua vez, retribui participando das gravações de Blue, o quarto álbum de estúdio de Mitchell, tocando violão em algumas faixas. A produção de Blue teve a própria Joni Mitchell à frente. Outro convidado ilustre foi Stephen Stills, do grupo Crosby, Stills, Nash & Young, tocando baixo e violão na faixa “Carey”.
Um outro fato interessante, é que nessa mesma época em que Joni Mitchell e James Taylor estavam gravando seus respectivos álbuns, os dois participaram das gravações do álbum de uma amiga em comum, Carole King, e o álbum em questão era Tapestry.
Taylor, Mitchell, o engenheiro de som Hank Cicalo e Carole King nas sessões do álbum Tapestryde King, de 1971.
O álbum Blue ficou pronto em março de 1971, mas a data de lançamento teve que ser adiada. De última hora Joni Mitchell decidiu trocar duas músicas que fariam parte do álbum. Saíram “Hunter” e “Urge For Going”, e foram substituídas por “All I Want” e “The Last Time I Saw Richard”.
Lançado em 22 de junho de 1971, Blue é um álbum essencialmente confessional, um trabalho que revela um pouco sobre o que Joni Mitchell estava vivenciando. Nele, Mitchell faz referência ao seu relacionamento com Graham Nash, à paixão conflituosa com James Taylor e até mesmo a um detalhe que passou imperceptível durante décadas e só foi revelado quase trinta anos depois que o álbum foi lançado: a filha que ela deu à luz e decidiu entregar par adoção.
Blue é um álbum musicalmente simples, e melancólico em alguns momentos. É menos melódico que o seu antecessor, Ladies Of The Canyon, talvez por este ter uma presença maior do piano, mas guarda uma beleza na sua simplicidade. Ainda assim, o piano se faz presente em algumas faixas, porém os violões e o dulcimer apalache, exercem grande protagonismo. O dulcimer apalache é um instrumento musical típico da região dos Apalaches, nordeste dos Estados Unidos, e que teve em Joni Mitchell, uma das artistas que ajudaram a dar visibilidade a esse instrumento na música pop mundial.
O álbum traz em suas dez faixas, uma Joni Mitchell expressando suas dores, alegrias, tristezas, confissões e frustrações através de versos dotados de uma grande sensibilidade poética.
Joni Mitchell toca um dulcimer apalache ao lado de uma criança.
Blue abre ao som do ritmo frenético de um dulcimer fazendo a introdução de “All I Want”. A canção que mostra uma Joni Mitchell em busca de viver a felicidade de um grande amor, mas ao mesmo tempo, desfrutar da liberdade. A balada a voz e piano, “My Old Man”, foi composta por Mitchell quando ainda tinha um relacionamento com Graham Nash, revela uma cantora que embora apaixonada, não achava necessário um papel assinado para vivenciar uma união conjugal sincera.
Embora linda, “Little Green” é uma canção triste, confessional, escrita por Joni Mitchell após entregar sua filha para adoção, em 1965. Foi talvez o momento mais difícil de sua vida. Mitchell foi mãe solteira aos 22 anos, não tinha condições de sustentar a filha. Aborto estava fora de cogitação, preferiu entregar a criança para adoção. “Little Green” é um misto de tristeza e otimismo. Comovente, a canção é uma mensagem de uma mãe que expressa através de versos, a esperança de um futuro feliz para aquela criança, ainda que com uma outra família. O segredo por traz da mensagem de “Little Green” só foi revelado para o público em meados dos anos 1990, numa entrevista de Joni Mitchell para o jornal Los Angeles Times. Em 1997, trinta e dois anos depois, Joni Mitchell reencontrou sua filha, Kilauren Gibb, nome dado pelos pais adotivos.
“Carey” é uma folk music alegre e simpática, escrita por Joni Mitchell em Creta e inspirada em Cary Raditz, o americano que ela conheceu em Mátala e com o qual manteve um breve romance. Mitchell expõe a sua satisfação em ter vivido aquele momento antes de voltar para Califórnia. Além de cantar, Mitchell toca dulcimer, acompanhada de Stephen Stills no baixo e de Russ Kunkel na percussão.
Em 1997, Joni Mitchell reencontra a filha que ela entregou para adoção em 1965.
Na introspectiva e melancólica “Blue”, faixa que dá nome ao álbum, Joni Mitchell canta acompanhada do seu piano. Há várias especulações a quem seria endereça esta canção. James Taylor seria uma dessas pessoas, já que naquele período em o cantor e Mitchell estiveram juntos, ele travava uma batalha contra o seu vício em heroína, e a canção toca justamente nesse assunto referente a drogas. Uma outra especulação é que “Blue” parece refletir sobre o desencanto da contracultura, o fim do sonho hippie naquele início dos anos 1970.
Composta por Joni Mitchell durante a sua estadia na França antes de retornar para os Estados Unidos, “California” é uma canção folk em que a cantora expressa toda a sua saudade da Califórnia e o seu desejo de voltar para casa. A letra é quase que um diário, em que Mitchell cita alguns dos lugares que ela passou durante o seu exílio voluntário, e até faz uma menção, ainda que indiretamente, de Cary Raditz, o americano com quem ela namorou em Creta.
A balada folk “This Flight Tonight” é sobre alguém que parte de avião rumo a uma nova vida, mas guarda um sentimento corrosivo de arrependimento por ter deixado para trás um grande amor. Durante todo o voo, essa pessoa sente um desejo incontrolável para que em algum momento o avião faça o retorno. Sneaky Pete Kleinow faz uma inserção curta tocando um pedal steel guitar. Em 1973, a banda escocesa Nazareth fez uma incrível versão hard rock de “This Flight Tonight” que se tornou um grande sucesso.
“River” começa curiosamente com um piano fazendo os acordes da canção natalina “Jingle Bells”. Embora a letra tenha como pano de fundo o clima natalino, a canção se refere sobre o fim de um romance, provavelmente o término do relacionamento de Joni Mitchell com Graham Nash. A letra toca também no sentimento de frustração, dor e culpa que a cantora vivenciava na época em que escreveu a canção. Ao dizer na letra que gostaria de ter um rio para patinar (logicamente um rio congelado, já que é inverno no hemisfério norte no Natal), Mitchell parece querer expressar o desejo de liberdade, de se livrar da dor de um amor que acabou.
Presente no álbum Blue, a canção "This Flight Tonight", de Joni Mitchell, ganhou uma versão hard rock com a banda Nazareth (foto) em 1973.
“A Case Of You” é outra canção presente em Blue sobre o fim do relacionamento de Joni Mitchell com Graham Nash. Os verso trazem uma mulher que mesmo após o fim de um relacionamento, ainda guarda em si um sentimento forte pelo seu antigo amor, algo quase que religioso, sagrado: “Oh, você está em meu sangue como vinho sagrado / Seu gosto é tão doce e tão amargo”. Em “A Case Of You”, Mitchell canta e toca dulcimer, acompanhada por James Taylor ao violão e Russ Kunkel na percussão.
O álbum termina com “The Last Time I Saw Richard”, uma canção que seria a respeito de Chuck Mitchell, ex-marido de Joni Mitchell, e do qual ela se divorciou em 1968. O Richard citado na letra seria o próprio Chuck, um homem que diante da narradora (no caso, Joni Mitchell), ridiculariza o romantismo, o amor. A narradora por sua vez responde a ele: “Richard, você não mudou mesmo, eu disse / Só que agora você está romantizando uma dor que existe na sua cabeça”. A narrativa da canção parece o reencontro metafórico do antigo casal, e que Mitchell, parece ter chegado à conclusão não teria perdido nada com o divórcio.
Na época de seu lançamento, Blue teve uma recepção positiva por parte da imprensa musical, apesar de algumas críticas ao fato da cantora ter exposto a sua vida íntima em algumas canções do álbum. Blue alcançou o 15º lugar da parada da Billboard, nos Estados Unidos, onde vendeu mais 1 milhão de cópias e conquistou o disco de platina. No Reino Unido, Blue vendeu mais de 600 mil cópias e ficou em 3º lugar na parada de álbuns. Enquanto isso, no Canadá, país natal de Joni Mitchell, Blue chegou ao 9º lugar da parada de álbuns.
Blue é considerado a grande obra-prima de Joni Mitchell, e um dos mais representativos álbuns femininos em todos os tempos. Em 2012, a revista Rolling Stone elegeu Blue o 2º melhor disco feminino de todos os tempos, atrás apenas de I Never Loved A ManThe Way I Love You (1967), de Aretha Franklin. Através de Blue, Joni Mitchell contribuiu para a valorização da cantora/compositora, incentivando as cantoras a comporem as suas canções, a exporem os seus próprios sentimentos e visões de mundo. O surgimento de cantoras/compositoras como Patti Smith, Tracy Chapman, Fiona Apple, Taylor Swift, PJ Harvey, KT Tunstall e tantas outras artistas, deve muito a Joni Mitchell e ao seu Blue.
Ao lado de James Brown (1933-2006) e de Sly Stone, o cantor, compositor, músico, produtor e arranjador, George Clinton, foi uma das figuras responsáveis pela configuração e pela difusão do funk no início dos anos 1970. À frente do que ficou conhecido como Parliament-Funkadelic, Clinton formatou um estilo próprio de funk que trazia no seu “DNA musical” o virtuosismo psicodélico de Jimi Hendrix (1942), o ritmo contagiante de Sly & Family Stone, e o experimentalismo e as loucuras de Frank Zappa (1940-1993), que somados a doses cavalares de ácido na mente, resultaram num som único, diferenciado e influente. Não foram poucos os artistas do rap que samplearam as músicas de Clinton e seus companheiros, provando que a relevância artística deles não é nada pequena.
Embora nascido em 22 julho de 1941, em Kannapolis, no estado da Carolina do Norte, nos Estados Unidos, George Clinton começou a carreira musical na pequena cidade de Plainfield, estado de Nova Jérsei, aos 15 anos de idade, quando montou o grupo vocal de doo-wop The Parliaments. Durante dez anos, os Parliaments gravaram alguns singles sem grande repercussão. Em meados dos anos 1960, Clinton chegou a conciliar a carreira cantando nos Parliaments com o trabalho como compositor na gravadora Motown, em Detroit. Fazia viagens semanais entre Detroit e Plainfield. Para acompanhar os Parliaments em shows e gravações, George Clinton montou por volta de 1964 uma banda de apoio formada por cinco músicos.
The Parliament em 1966 em sua fase doo-wop. Da esquerda para a direita: Raymond Davis, Calvin Simon, Clarence Haskins, Grady Thomas e Georgfe Clinton.
Os Parliaments emplacaram o maior sucesso deles em 1967, o single “(I Wanna) Testify”, lançado por Revilot Records, uma pequena gravadora de Detroit. Apesar do sucesso do single, Clinton entrou numa batalha judicial com a Revilot Records. Clinton perdeu para a gravadora o direito de uso da marca The Parliaments. Por sugestão do guitarrista da banda de apoio dos Parliaments, Billy Nelson, George Clinton adotou um novo nome para o grupo, Funkadelic. O nome era bem sugestivo, já que naquele momento, o conjunto já havia abandonado o doo-wop, apostado por uma musicalidade mais experimental ao fundir soul muisc, funk e psicodelia. Além de adotar o novo nome, Clinton decidiu efetivar os cinco músicos da banda de apoio e juntá-los aos cinco vocalistas do antigo grupo, formando assim uma banda com dez componentes, incluindo o próprio Clinton.
Em 1970, George Clinton recuperou o direito de uso da marca The Parliaments. Com a marca recuperada Clinton decidiu que a banda atuaria com dois nomes, Funkadelic e Parliament (no singular). Dois nomes, uma mesma banda com os mesmos músicos, mas com orientações musicais diferentes. Enquanto o Funkadelic seguia uma linha musical mais experimental, voltada em fundir funk e rock psicodélico, o Parliament se orientaria na soul music e no funk, dando ênfase ao emprego dos vocais e do naipe de metais. Como Funkadelic, a banda assinou contrato com a gravadora Westbound Records, e como Parliament, foi contratada pela Invictus Records, ambas as gravadoras sediadas em Detroit.
Parliament-Funkadelic em 1969. George Clinton é o terceiro de pé, da esquerda para direita.
Os dois primeiros álbuns da Funkadelic foram lançados em 1970, Funkadelic em fevereiro, e Free Your Mind ... and Your Ass Will Follow em julho. Mas o terceiro e consagrador álbum, Maggot Brain, só viria um ano depois, em 12 de julho de 1971. O álbum resume muito o estilo da Funkadelic: funks doidões, cheios de muito balanço, aliados a solos “viajantes” de guitarra inspirados em Jimi Hendrix, e muito experimentalismo.
A capa do álbum é uma atração à parte. Mostra a cabeça de uma mulher, a modelo Barbara Cheeseborough (1946-2013), brotando da terra com a boca escancarada, como se estivesse gritando desesperadamente. A imagem é baseada no título do álbum, Maggot Brain (“cérebro de minhoca”), e que também nomeia uma das músicas do disco. O título teria surgido depois de George Clinton ter encontrado num apartamento, em Chicago, o corpo de seu irmão em estado de decomposição e com o crânio arrebentado.
O álbum abre com a faixa-título que começa com um monólogo de George Clinton sobre os “vermes na mente do universo”. Com cerca de dez minutos de duração, “Maggot Brain” tem como o grande destaque um longo, melancólico e extraordinário solo de guitarra de Eddie Hazel (1950-1992). Reza a lenda que George Clinton teria trancado Hazel no estúdio e dito a ele: “toque como se sua mãe tivesse acabado de morrer”. E parece que Hazel seguiu à risca a sugestão de Clinton.
“Can You Get To That” surpreende na abertura com um violão na introdução dando a impressão de se tratar de uma canção folk. Mas, pouco mais adiante, a música se revela um misto de blues e gospel, com uma interessante alternância de vocais. Em “Hit It And Quit It” o balanço funk/soul é marcado pelo baixo e bateria, mas o protagonismo fica para o órgão Hammond tocado por Bernie Worrell (1944-2016) e pelos solos de guitarra cheios de efeitos de pedal wah-wah de Eddie Hazel que fazem o ouvinte “viajar” pela estratosfera. Fechando o lado 1 da versão LP do álbum, “You and Your Folks, Me and My Folks”, música na qual a Funkadelic aborda igualdade racial e social.
George Clinton, nos anos 1970: idealizador do conceito Parliament-Funkadelic.
Abrindo o lado 2, “Super Stupid”, uma faixa que é uma combinação bombástica de rock psicodélico com funk em seu estado bruto. A bateria, percussão e o baixo fazem uma base sonora compacta e forte, o órgão Hammond faz o “pano de fundo” para a guitarra psicodélica de Hazel brilhar em solos sensacionais. “Back in Our Minds Again” tem um ritmo lento, “preguiçoso”, e um som percussivo e agudo a todo momento percorrendo de um canal a outro. Maggot Brain termina com “Wars Of Armageddon”, uma canção tosca de protesto reivindicando liberdade e poder para o povo, e que contém colagens sonoras absurdas que traz desde sons de explosões e vozes de manifestantes em protesto até mugidos, sinos badalando e sons de flatulência.
Apesar da boa recepção de Maggot Brain por parte da crítica, as coisas não iam muito bem dentro da Funkadelic. O baixista Billy Nelson, o guitarrista Eddie Hazel e o baterista Tiki Fulwood (1944-1979), deixaram a banda no final de 1971 por divergências financeiras com George Clinton. Tawl Ross, o guitarrista rítmico da banda, deixou a Funkadelic no mesmo ano por causa do vício em LSD que teria lhe causado danos cerebrais. A partir de então a Funkadelic passou por sucessivas mudanças de integrantes, por idas e voltas de músicos ao longo de sua existência.
Com Maggot Brain e os álbuns posteriores, George Clinton e o seu conglomerado em foram de banda, Parliament-Funkadelic (como é comumente chamada a banda), formataram um tipo de funk diferente, único e inovador batizado de p-funk, cujo nome pode ser a abreviação de Parliament-Funkadelic, como também pode ser de psychedelic funk, Plainfield funk (uma alusão à cidade onde Clinton iniciou a sua carreira, Plainfield) ou a pure funk. O estilo marcado pelo experimentalismo, fusão de funk e psicodelia, e abordagem de temas que vão desde ficção-científica, quadrinhos e liberação da mente a pacifismo e igualdade racial, exerceu influencia significativa no rock e na música pop. Artistas como Prince, Red Hot Chili Peppers, Faith No More e Living Colour sofreram influência de George Clinton e o seu Parliament-Funkadelic.
Faixas
Lado 1
"Maggot Brain" (Edward Hazel - George Clinton)
"Can You Get to That" (Clinton - Ernest Harris)
"Hit It and Quit It" (Clinton - William Nelson)
"You and Your Folks, Me and My Folks" (Clinton - Clarence Haskins – Nelson Bernard Worrell - Judie Jones)
Lado 2
"Super Stupid" (Hazel - Lucious Ross – Nelson – Clinton)
"Back in Our Minds" (Haskin)
"Wars of Armageddon" (Ramon Fulwood – Ross – Clinton Worrell)
Funkadelic
George Clinton, Raymond Davis , Fuzzy Haskins , Calvin Simon , Grady Thomas , Garry Shider : vocais
Eddie Hazel : guitarra solo e vocal de apoio
Tawl Ross: guitarra base e vocal de apoio
Bernie Worrell: teclados e vocal de apoio
Billy Nelson: baixo e vocal de apoio
Tiki Fulwood: bateria
Hot Buttered Soul (Pat Lewis , Diane Lewis e Rose Williams) – vocais de apoio
Cinco anos em produção, o segundo esforço de Angelica Rockne , The Rose Society , vale a pena esperar. Sua estreia, Queen of San Antonio, consolidou Rockne como um baluarte do país cósmico.
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