Black Country, New Road - Live at Bush Hall (2023)

 

Live at Bush Hall (2023)

Black Country, New Road

Quando Black Country, New Road anunciou a saída do vocalista Isaac Wood, eles também alegaram que não tocariam mais as faixas que fizeram com ele. Live at Bush Hall mostra não apenas que a banda está mantendo esse novo começo, mas está prosperando com isso. O início de uma nova era assustador para qualquer banda pode ser, Black Country, New Road, de alguma forma, manteve o que os ouvintes amam neles, enquanto mapeiam novas experiências. Os delicados floreios de abertura no Up Song conduzido pelo saxofone fazem exatamente isso, populismo otimista com batidas instrumentais articuladas e inovadoras. Live at Bush Hall não deveria ser uma surpresa para aqueles que estão mais familiarizados com a qualidade que essa banda costuma trazer, mas ainda é. Amigos para sempre e emocionantes como sempre. 

A partida está nos lábios de Live at Bush Hall, as asas abertas de The Boy são uma interpretação articulada da necessidade de seguir em frente. Concentrando-se em suas lágrimas sinceras e novo som corajoso, Live at Bush Hall mostra a natureza folclórica cintilante de The Boy e The Wrong Trousers, inspirado em Wallace e Gromit. Está rachando, como diria o próprio homem. Além da potencial novidade de uma faixa brutal, está o realismo consistente presente em Black Country, New Road, apesar de sua ascensão ao surreal às vezes. I Won't Always Love You é uma peça crua e crua que se baseia em cordas subjacentes e acompanhamentos de metais que realmente se prestam ao cenário ao vivo. Tosses quase inaudíveis da galeria, aplausos quebrando o final de uma faixa, tudo tem uma sensação muito operística, 

As articulações twee deram a Black Country, New Road uma lufada de ar fresco, mas semelhante. Perda e reflexão estrondosa carregam Laughing Song como uma faixa com tudo menos alegria. Instrumentais constantes que poderiam se manter por conta própria sustentam esta lista de nove faixas e trazem algumas das melhores faixas que a banda já lançou. May Kershaw em particular, seu avanço como vocalista principal, é uma mudança impressionante. Materiais inéditos provam ser suas melhores peças. Aqui estão eles, no entanto. Lançado. É uma jogada particularmente ousada criar um conjunto completo de novas faixas ao vivo, mas também era necessário para a banda fazer isso. Vale a pena, em última análise, com uma coleção comovente de faixas gravadas por Bush Hall.  

Black Country, New Road não se baseia no mérito de uma pessoa e a mudança de tom, o envolvimento com aquele padrão alto e semelhante de qualidade, não é nenhuma surpresa. Live at Bush Hall é um exemplo brilhante e maravilhoso de onde a banda está indo. Trabalho admirável por todos, de um coletivo que nota a necessidade de compartilhar a experiência dos deveres vocais e de incorporar isso em seu trabalho. O Waeve tocou nisso em um cenário de dupla com sua estreia autointitulada. Black Country, New Road também, e atuam no processo de luto e cura inevitável de ter um membro da banda seguindo em frente. Três novos vocalistas, com Tyler Hyde e Lewis Evans também se destacando, dão a Black Country, New Road um novo potencial. Dividam o fardo, amigos para sempre.  

Jessie Ware - That! Feels Good! (2023)

 

That! Feels Good! (2023)

Jessie Ware

Três anos atrás, Jessie Ware dominou o mundo do dance-pop com sua obra-prima What's Your Pleasure?, uma bola de discoteca embebida em personalidade e brilhando com um magnetismo animal insubstituível. Agora, depois do que parece apenas um piscar de olhos, esta magnum opus tem uma irmã para competir e desfrutar por toda a eternidade.

Que! É bom! atrai seus ouvintes com um espetáculo que só pode ser descrito como deslumbrante. A faixa-título de abertura envolve as lendas do disco Kylie Minogue e Róisín Murphy em uma espiral de arco-íris de cordas, batidas e vocais de grupo tão fortes que a quarta parede é absolutamente quebrada para deixar a magia da música deslizar. Como a própria Jessie logo mostra seu público encantado, essa alta está longe de terminar. Free Yourself desliza para algo um pouco mais confortável, enviando ecolocalizações do house mainstream da velha escola para a atmosfera, e Pearls o encanta com o clássico groove aveludado de Jessie Ware. Hello Love bate tão forte em sua pequena bolha de boogie e soul que se torna um hino por si só, concretizando o escopo de sons e cores que o LP usa com uma forma tão impecável e cativante.

Begin Again é a peça central perfeita para esta cena pitoresca, estabelecendo camadas de samba, funk e jazz em um redemoinho constante de belo hipnotismo. O otimismo inegavelmente cativante de Beautiful People é outro motor de alta energia na interminável turnê mundial de Jessie, mas os flertes eletrônicos enérgicos de Freak Me Now levam este veículo direto para o céu para uma viagem ao redor do igualmente pôr do sol. As vibrações noturnas são ativadas nos cantos e sussurros de Shake the Bottle, cujos versos falados extravagantes são quase uma reminiscência de certos singles de Lady Gaga. Lightning se estende para o território do R&B antes de These Lips dar ao álbum uma despedida apropriada.

Que! É bom! voa elegantemente sobre todas as expectativas para encontrar seu antecessor nos mais altos céus da discoteca e do pop. Com o que é facilmente um dos melhores discos de 2023, é seguro dizer que Jessie Ware fez isso mais uma vez.

Álbuns e músicas progressivas de Páscoa

A Semana Santa na Andaluzia, León, Valladolid e Zamora, regiões da Espanha Ibérica, é vivida com extrema paixão. 

Todos os anos é comemorado durante 7 dias, milhares de pasos (Cristo representado em cortejo jubiloso) saem às ruas em meio a aplausos e atos de veneração, uma festa verdadeiramente surpreendente que demonstra o fervor de uma missa inquieta.

Independentemente da sua crença, a Semana Santa andaluza não o deixará indiferente, seja você religioso ou devoto, este ato de comemoração é tão impressionante que surpreende quem está fora do território, verdadeiramente incrível.

Como é normal, este evento longe do seu carácter, é já uma cultura patrimonial e de interesse turístico mundial, dando assim múltiplos registos, onde em quase todos os actos artísticos em Espanha este trecho de festividade de aspecto pomposo e singular já apareceu em alguma ocasião .

Neste artigo citaremos os discos e canções que, pela nossa experiência, refletem o referido, e que na sua temática e filosofia centram o destaque no septenário da Paixão.

Fusioon - Minorisa (1975)

A obra-prima "Minorisa" de 1975, álbum catalogado "pelos sábios apreciadores, em grandes cifras inatingíveis, transformando-o como o LP consagrado para os voos altos das gravadoras e bazares, envolvendo sua enorme sensação permissiva entre elementos "da ortodoxia e da paixão" . .. correntes, arrastando as alpargatas de costaleros, sinos e lamentos... atrás do suporte redobrado do tambor, cão de guarda da ordem harmônica... o cheiro de incenso e passos da Santa Santa Andaluza se aproxima no final da faixa homônima do álbum, regendo a conquista rumo ao tratamento de sintetizadores em um fato notável, podendo isolar vozes tonais de pouco preconceito,Moog hipnotizante e demais contratempos na obra de Santi após uma servidão simpática a uma requinta estridente impulsionada por um baixo em cadência pretensiosa... pactos de feras desvalorizadas em terras nativas.

Banco del Mutuo Soccorso - Come in un'ultima cena (1976)

Sexta obra em estudo pelo marinesis "Banco del Mutuo Soccorso", repleta de fervente conceito antes da execução do messias.

A contracapa é uma recriação na tela de Leonardo DaVinci sob o apelido que dá nome ao álbum, nela, Francesco Di Giacomo aparece no papel de Simon, ao lado dele Rodolfo Maltese, Vittorio Nocenzi como San Bartolomeo, Gianni Nocenzi sob San Juan, Pierluigi Calderoni de San Mateo, Renato D'Angelo em San Tomás e Judas interpretou com uma corda no pescoço ao lado de uma arma de fogo.

Cal - Cal (1980)

Monumentales da antiga Ibéria, única e homónima banda de Sevilha Cal, rock andaluz com travo a "Caitano", na mesma linha do Minorisa, mas mais acentuado no flamenco e pasadble copla do sul de Espanha.

O grupo era liderado por Alberto Toribio que foi o fundador da banda GOMA. Álbum gravado nos estúdios Gema entre a Semana Santa e a feira de Sevilha e Cádis de 1979.

Latte E Miele ‎– Passio Secundum Mattheum (1972)

Trio fundado em 1971, em Gênova, cidade portuária da Ligúria, com uma discografia composta por 9 álbuns de estúdio,

Sua estreia é baseada no Evangelho segundo São Mateus, que é o primeiro livro do Novo Testamento e um dos três evangelhos sinóticos, reforçando a perspectiva do frenesi.

Para encerrar, existem muitas bandas ligadas ao cristianismo em que suas letras, nomes de projetos e covers estão ligados ao catolicismo: Eela Craig (Misa Universalis de 1978), Vox Deix (A Bíblia de 1971), Il Mucchio (homônimo de 1970 ), JET (Fede Speranza Carità de 1972), etc.

Mas o objetivo desta publicação é nos transferir inteiramente para a hebdômada referida de forma secular, através de sons e ilustrações sonoras no momento in situ, uma viagem precisa e verdadeira ancorada nos valores sociais preferencialmente espanhóis, italianos e latino-americanos.

Box Set: Judas Priest – Metalogy (Deluxe Edition) [2004]

 

Formado em 1969, na cidade industrial de Birmingham (Inglaterra), o Judas Priest logo angariou uma grande legião de fãs, influenciando, através dos anos, centenas de bandas dos mais diversos estilos do rock. Contando com seu núcleo formado por Rob Halford (um dos maiores vocalistas do metal), Glenn Tipton e K.K. Downing (o ataque de guitarras gêmeas mais poderoso do gênero) e Ian Hill (o competentíssimo, mas injustamente subestimado baixista), além de e diversos bateristas (até se firmar com o ótimo Scott Travis), o grupo atravessou mais de três décadas entregando material de qualidade indiscutível, e, mesmo com a saída de Halford, e a posterior entrada do então desconhecido mas espetacular, Tim “Ripper” Owens em seu lugar, em meados dos anos 90 (Halford voltaria dez anos depois), o grupo se manteve – e ainda se mantém – como um ícone do heavy metal mundial.

Metalogy, box set lançado em maio de 2004 pelos ingleses, dá uma bela geral na carreira dos caras, cobrindo de 1974, ano de lançamento de Rocka Rolla, primeiro disco da banda, até 2001, quando o segundo e último álbum de estúdio com “Ripper” Owens foi lançado. São quatro discos, totalizando 65 faixas, além de um DVD com 17 músicas.

Judas Priest nos anos 80.

Nos CDs, clássicos de todas as fases da banda, pérolas obscuras e versões ao vivo que anteriormente só podiam ser achadas em singles e compactos em vinil. Além dessas, há “Heart of a Lion” – canção que chegou a ser regravada pelo próprio Halford em carreira solo, em seu Live Insurrection de 2001, mas que aqui aparece em sua versão demo, de 1986, sobra de estúdio do polêmico Turbo (1986) – e algumas faixas ao vivo em versões nunca antes lançadas.

Se isso já é o suficiente para dar água na boca de qualquer fã do quinteto, além de ser uma excelente e obrigatória coletânea para os que pouco conhecem o conjunto, o material que completa o box o torna essencial e imperdível: trata-se do espetacular Live Vengeance ’82, DVD gravado em Memphis, no estado do Tennessee (EUA), na mais popular e mais clássica fase da banda, durante a turnê para o álbum Screaming For Vengeance, lançado naquele ano. Com uma performance irrepreensível, energética e agressiva, a banda despeja, no auge de sua forma e criatividade, clássicos do quilate de “The Hellion/Electric Eye”, “Riding on the Wind”, “Metal Gods”, “Sinner”, “Victim of Changes”, “The Ripper”, “Hell Bent For Leather”, “Breaking the Law”, “Living After Midnight” e outras oito maravilhosas pedradas! Um documento histórico que representa o Judas Priest em seu auge… Imperdível e obrigatório.

A versão deluxe, com quatro CDs e um DVD.

Como se não bastasse tudo isso, Metalogy vem envolto em uma caixa de 20x20x4cm, forrada de couro (sintético) com um acabamento em “spikes” – na edição Deluxe, já que a edição comum, apesar do mesmo conteúdo, tem uma apresentação bem mais simples –, que ainda acondiciona um livreto colorido, em papel nobre, com 60 páginas, bem completo, contando a história da banda, repleto de imagens inéditas, discografia e linha de tempo. Uma ótima pedida tanto para os iniciados no Priest quanto para aqueles que pretendem – e devem – conhecer o excelente trabalho da banda, Metalogy faz juz ao legado do Judas Priest e sua influência no mundo da música. Essencial!

A versão simples.

Tracklist:

Disco 1:

1. Never Satisfied
2. Deceiver
3. Tyrant
4. Victim of Changes (Live)
5. Diamonds and Rust (Live)
6. Starbreaker (Live)
7. Sinner
8. Let Us Prey/Call for the Priest
9. Dissident Aggressor
10. Exciter
11. Beyond the Realms of Death
12. Better By You, Better Than Me
13. Invader
14. Stained Class
15. The Green Manalishi (With the Two Pronged Crown) (Live)

Disco 2:

1. Killing Machine
2. Evening Star
3. Take on the World
4. Delivering the Goods
5. Evil Fantasies
6. Hell Bent for Leather
7. Breaking the Law (Live)
8. Living After Midnight
9. Rapid Fire
10. Metal Gods
11. Grinder (Live)
12. The Rage
13. Heading Out to the Highway
14. Hot Rockin’ (Live)
15. Troubleshooter
16. Solar Angels
17. Desert Plains
18. The Hellion/Electric Eye (Live)
19. Screaming For Vengeance

Disco 3:

1. Riding on the Wind
2. Bloodstone
3. You’ve Got Another Thing Comin’
4. Devil’s Child
5. Freewheel Burning
6. Jawbreaker
7. The Sentinel
8. Love Bites (Live)
9. Eat Me Alive
10. Some Heads Are Gonna Roll
11. Rock Hard Ride Free
12. Night Comes Down
13. Turbo Lover
14. Private Property
15. Parental Guidance
16. Out in the Cold
17. Heart of a Lion

Disco 4:

1. Ram It Down
2. Heavy Metal
3. Come and Get it
4. Blood Red Skies
5. Painkiller
6. Between the Hammer and the Anvil
7. A Touch of Evil
8. Metal Meltdown
9. Night Crawler
10. All Guns Blazing
11. Jugulator
12. Blood Stained
13. Machine Man
14. Feed on Me

Disco 5 (Live Vengeance ’82 DVD):

1. The Hellion/Electric Eye
2. Riding on the Wind
3. Heading Out to the Highway
4. Metal Gods
5. Bloodstone
6. Breaking the Law
7. Sinner
8. Desert Plains
9. The Ripper
10. Diamonds and Rust
11. Devil’s Child
12. Screaming For Vengeance
13. You’ve Got Another Thing Comin’
14. Victim of Changes
15. Living After Midnight
16. The Green Manalishi (With the Two Pronged Crown)
17. Hell Bent for Leather

N.W.A. – Straight Outta Compton (1988)

 

Straight Outta Compton é o Never Mind the Bollocks do hip-hop: niilista, escandaloso e efervescente.

O hip-hop nasceu no Bronx no final dos anos 70, depressa transbordando para os outros bairros nova-iorquinos. Na sua primeira década, todos os grandes nomes do hip-hop (Run-D.M.C., LL Cool J, Public Enemy, Eric B & Rakim, Beastie Boys) provinham da cidade-mãe. Até que em ’88 os N.W.A. (Niggaz Wit Attitudes) deslocam o centro de gravidade do hip-hop para Los Angeles, com o sucesso comercial – e terramoto mediático! – de Straight Outta Compton. “Fuck the Police” censurado nas rádios, FBI à perna, os miúdos brancos comprando o disco às escondidas dos pais, Nancy Reagan à beira de um AVC… Está inaugurado oficialmente o gangsta rap.

Claro que a bazófia agressiva de macho alfa sempre esteve implícita no hip-hop desde o seu primeiro dia (que o digam Schooly D e Ice T) mas o gangsta como programa estético total e fenómeno de massas, vendendo milhões e escandalizando muitos mais, foi – para o bem e para o mal – uma criação dos N.W.A..

Ice Cube é o ideólogo da coisa, arrastando os outros MCs da banda para a sua visão: descrever a realidade dura da rua, usando o calão da rua, a partir do ponto de vista amoral da rua (um sobrevivente não se pode dar ao luxo de ser bonzinho). O sentimento de injustiça é difuso, pós-ideológico, um grito de raiva contra tudo e contra todos (polícia à cabeça), sem qualquer apelo ao activismo ou à solidariedade de classe.

Quando criticam a violência e misoginia das suas rimas, Cube argumenta que não inventa nada, apenas escreve sobre o que está à sua volta. E o que vê não é bonito: viciados em crack arrastando-se como zombies; gangues chacinando-se por meio metro de território; polícias racistas entrando com tanques de guerra pela sala de jantar, pintando a spray nos escombros: “LAPD rules!”.

Todos os N.W.A. cresceram nestes bairros tramados (Compton, South Central), cumprindo assim a grande lei não escrita do gangsta: falar do que se conhece em primeira mão. Easy-E ganha um bónus adicional de credibilidade por ter sido dealer, vendendo erva nas ruas de Compton (mesmo assim, era um menino: nunca matou ninguém, nunca vendeu crack). Com o dinheiro dos seus proveitos ilegais, financiou o projecto dos N.W.A.. Não era um rapper de raiz mas com a ajuda dos seus companheiros depressa aprendeu os ossos do ofício. A sua voz esganiçada, imediatamente reconhecível, transborda de humor e carisma.

Dr. Dre também rima quando é preciso mas é na produção que se destaca (com o apoio de DJ Yellow no scratching). Uns anos depois inventaria o G-Funk (um corte radical com a estética da Costa Este) mas em Straight Outta Compton ainda é notória a influência dos nova-iorquinos Bomb Squad (os magos que produziam os Public Enemy). Falamos não só da agressividade hardcore da produção mas também das batidas densas, tipo massa folhada. Veja-se o caso do tema-título, em que por cima de um breakbeat clássico se vão sobrepondo camadas em cima de camadas (baixos reforçados com uma caixa de ritmos, linha nervosa de pratos de choque, uma só nota de saxofone tensa como uma sirene de um navio, guitarra funky acrescentando inquietude). Todas estas matrioskas sonoras cumprem um objectivo: acumular tensão. Como quem estuga o passo numa rua escura de Compton.

Com o big-bang deste disco, o hip-hop democratiza-se: outros guetos noutras cidades correm a partilhar as suas histórias locais (espelho mágico, espelho meu, haverá bairro mais lixado do que o meu?).

Os boçais supremacistas brancos esfregam as mãos de contentes: “vêem, tínhamos razão, os niggers são todos depravados, bandidos e assassinos”. Intelectuais progressistas como Spike Lee também franzem o sobrolho: “na geração anterior, um miúdo negro que falasse um inglês articulado, e fosse bom na escola, era elogiado por todos. Agora, é ridicularizado como um white boy“. Tudo por aqui tem uma moralidade invertida, onde a crueldade é uma virtude e a compaixão uma fraqueza. Straight Outta Compton é mais capitalista do que o capitalismo: enriquecer depressa, esmagando os mais fracos, é a sua mensagem. As mulheres são tratadas como bitches, pouco mais do que gado sexual. Não se trata apenas da forma politicamente incorrecta, é o próprio conteúdo que é moralmente repugnante.

E depois? Nunca devemos cair na armadilha de julgar objectos estéticos através de critérios morais. Só a forma interessa: a criatividade, a energia, o prazer. Ora Straight Outta Compton transborda de vitalidade e humor. É cinematográfico, parece mesmo que estamos lá, no meio das balas e sirenes. É irreverente, falando com a boca cheia, pondo o cotovelo na mesa. É tudo aquilo que MC Hammer não é. A história do hip-hop a acontecer…

“S.A.D REMIXES”… NOVO ÁLBUM DE REMISTURAS DE PALMERS

Depois de lançarem o seu primeiro álbum em Outubro de 2022, Palmers lançam agora um álbum de remixes das músicas que fazem parte de “Seasonal Affective Disorder”.

Este álbum de remixes apresenta uma seleção de algumas das faixas já lançadas, imaginadas por artistas como Império Pacifico, Moss Kissing e Senior Silicone, que trazem as suas perspectivas únicas. De batidas fragmentadas e sintetizadores sonhadores a texturas ambientais e vocais assombrosos, este álbum preenche-nos de batidas pulsantes que não nos deixam indiferentes.

“Estamos muito entusiasmadas por partilhar esta nova colecção de remixes com o nosso público. Quisemos convidar alguns artistas que admiramos para interpretar a nossa música da sua própria maneira e ficámos muito surpreendidas com os resultados. É interessante interligar vários géneros de música electrónica como o Chill Wave ou o IDM com o nosso som, que está num espectro mais Rock.”

BEATRIZ ROSÁRIO LANÇA “MARIA” O PRIMEIRO SINGLE DE UMA NOVA ETAPA

 

Que “Maria” é esta a encher o peito de Beatriz Rosário? O novo single de uma das maiores promessas da música portuguesa é um manifesto assinado em nome de uma mulher auto-suficiente, apaixonada no amor e lutadora na guerra.

Esta “Maria” não se esconde nas fragilidades, mas faz delas forças. A matéria que corre na artéria de quem celebra a feminilidade, consciente das dificuldades ainda hoje enfrentadas pelas mulheres, quando a sociedade lhes oferece a dupla responsabilidade de trabalhadora e mãe, para devolver em troca um papel secundário.

A resposta de Beatriz Rosário vem em forma de tons vivos. Um fado quente e desempoeirado de alma pop, vindo directamente das ruas onde a vida se vive. No ringue onde o vídeo foi rodado, a única competição é pela superação. De “Maria” e das Marias que todos os dias se transcendem para triunfar e transformar a sociedade.

A leitura singular que Beatriz Rosário faz do fado é-lhe natural. O avô mostrou-lhe o fado, mas foi a avó a insistir para cantar. Porém, no MP3 ouvia pop, hip-hop e r&b. E todas essas referências da linguagem urbana definem-na. Sem desrespeitar o fado e os seus costumes, como aliás Maria deixa bem claro.

O fado de Beatriz Rosário é comum ao de “Maria”. A procura e encontro de uma identidade própria, feita de herança e modernidade. Todos recebemos dos nossos ancestrais e deixamos aos nossos descendentes. O processo de construção é, antes de mais, de reconhecimento da memória, enquanto organismo vivo e activo.

Para chegar a um desfecho musical e visual tão marcante, contou com a produção da dupla Ariel e Migz, da tinta da caneta de XTINTO e das melodias desenhadas por TYOZ.

Até ao final do ano, deverá chegar o muito aguardado álbum de estreia de Beatriz Rosário, sucessor de um EP inaugural do ano passado. A expectativa tem factos a comprová-la.