Nascida e criada no Porto, Vitoria Vermelho é uma das vozes mais interessantes a afirmar-se na cena independente da cidade. Influenciada pelas grandes mulheres do jazz e do indie, desde Esperanza Spalding a Big Thief.
As letras românticas de Vitoria Vermelho casam bem com o tom fresco e jovial com que a artista as enuncia, prometendo um concerto íntimo que vai encantar qualquer ouvinte.
Vitoria Vermelho tem estado em gravações durante o ultimo ano e o seu primeiro single “Always” estreia em todas as plataformas esta sexta feira, 12 de Maio.
António Zambujo prepara-se para editar um novo álbum de originais. Vai chamar-se “Cidade” e todos os temas são de autoria de Miguel Araújo. “Dancemos um Slow” é o primeiro single a ser revelado esta sexta feira, 12 de Maio.
A edição de “Cidade” está prevista para o último trimestre deste ano.
“Pandemia, guerra, inflação, más notícias, um futuro que parece um muro de pedra. Eu não danço, nunca dancei, carrego em mim o trauma de nunca ter dançado um Slow na idade em que as minhas amigas e os meus amigos partilhavam agarrados as canções do Phil Collins nas festas. Eu estava na cozinha a beber cerveja pela garrafa com outros, poucos, da minha espécie, a dizer disparates e a colar o rótulo da garrafa de cerveja na testa, longe de imaginar que o mundo acaba amanhã sem ter a fineza de me conceder três minutos e meio para dançar pelo menos um último Slow.”
O tema “Canção das Maias” é o single de estreia do primeiro álbum de originais de Riça, “Diabos m’ Elevem“, a ser editado no último trimestre do ano pela Biruta Records.
Inspirado na imagética, nos símbolos e na música tradicional portuguesa (com os quais o artista cresceu), Riça começa a desvendar o conceito do álbum: nesta música foca-se em questões de saúde mental e conflitos internos, através de metáforas com a figura do Careto de Podence, a tradição das Maias, bruxaria e a atividade da caça. Recorre também a ferramentas musicais deste universo, desde o registo rítmico, uso de trava-línguas até à polifonia de vozes. Nota ainda para as participações de Zé Poças (vozes adicionais) e Pedro “Chuaga” Oliveira (guitarra eléctrica).
O resultado deste tema denso, carregado de simbolismo, em que o rap e a música tradicional se juntam, pode ser ouvido e também visualizado num vídeo criado pelo estúdio artístico Mestria.
Por muitos considerado um dos melhores álbuns da banda finlandesa, “Wishmaster” é um álbum que achei um tanto decepcionante em relação às expectativas que havia formado sobre o Nightwish após ouvir seus dois primeiros álbuns. Não me interpretem mal, “Wishmaster” é um álbum mais seguro e maduro do que qualquer um dos dois discos anteriores e há sinais claros de progresso nas habilidades de composição e arranjo da banda. Mas essas melhorias parecem mais passos de bebê do que saltos gigantescos em direção ao estrelato, resultando em um álbum que parece um primo próximo de seu antecessor, “Oceanborn“, com todos os prós e contras do caso.Sonoramente, o álbum é baseado em coordenadas semelhantes às de “Oceanborn“. Em seu terceiro álbum, o Nightwish aparentemente encontrou um nicho próprio com sua mistura especial de power metal sinfônico com vocais operísticos que os separou do resto da cena do power metal da época. Como um todo, “Wishmaster” é talvez um pouco menos “veloz” e agressivo em comparação com “Oceanborn“. Há mais mid-tempos e as influências do power metal são parcialmente diluídas por influências do metal mais tradicional, sugerindo a transição para o metal sinfônico que a banda completará alguns anos depois.
Em relação ao “Oceanborn“, Wishmaster apresenta melhorias claras no departamento de composição. Tuomas Holopainen parece ter refinado seu ouvido para fortes linhas melódicas que surgem de forma mais consistente ao longo de todas as faixas do álbum. Este foi um dos principais problemas do álbum anterior, onde momentos de brilho melódico foram fortemente justapostos a episódios mais brandos e anônimos. Há mais ganchos melódicos em “Wishmaster“, com a maioria das músicas dotadas de refrões decentes e memoráveis que garantem um lançamento climático adequado.
Isso garante que o “Wishmaster” pareça mais equilibrado do que seu antecessor. Aqui, porém, reside o maior limite do álbum, talvez. Tudo parece um pouco igual, sem muitos momentos realmente espetaculares de brilho como “Swanheart” e “Walking in the Air” em Oceanborn. Claro, existem faixas fortes aqui também. A abertura do álbum “She Is My Sin“, a bombástica faixa-título, a balada suave “Two for Tragedy” são todas composições excelentes, embora talvez não atinjam o nível das faixas mencionadas de “Oceanborn“. Outras faixas são menos impactantes, como “Come Cover Me“, “Bare Grace Misery” e “Crownless“, continuando a infeliz tradição do Nightwish de diluir a qualidade das listas de faixas de seus álbuns com enchimentos bastante anônimos. As faixas mais longas são igualmente decepcionantes, mostrando que a banda ainda não encontrou a fórmula para escrever “mini-épicos” que sejam envolventes por completo. O resultado final é que, no meio do disco, começa-se a ter aquela sensação incômoda de déjà-vu, pois as mesmas ideias são repetidas sem parar, sem muita variação.
Ainda assim, “Wishmaster” é um disco forte, confirmando o potencial da banda finlandesa como uma das principais forças da cena metal europeia. Também está claro, no entanto, que o Nightwish ainda está “em andamento”, pois ainda não encontrou a fórmula certa para um álbum perfeito, capaz de fluir perfeitamente do início ao fim sem entediar ou cansar o ouvinte.
Becky Hill entra num novo e desafiante capítulo da sua carreira com “Side Effects”, o seu primeiro single de 2023.
“Side Effects” é uma declaração de intenções para este ano. A voz poderosa e emocionante de Becky é apresentada com melodias de pop viciantes e com música de dança eletrónica. A letra da canção adiciona uma camada de identificação pois capta os “efeitos colaterais” de se ser retido pelos fantasmas de um antigo relacionamento quando tudo o que se quer fazer é seguir em frente.
Becky escreveu e lança “Side Effects” com o amigo e principal colaborador, Lewis Thompson, com quem tem uma prolífica parceria criativa (a dupla anteriormente coescreveu os grandes sucessos de Becky com David Guetta, “Remember”, e “Crazy What Love Can Do”, também com David Guetta e Ella Henderson), para além do produtor Jon Shave e colaboradores de longa data, Karen Poole e MNEK, que contribuem como coro.
“Side Effects” é acompanhado por um vídeo realizado por KC Locke (Stormzy, Ed Sheeran, David Guetta). O vídeo mostra-nos Becky a embarcar numa jornada épica de fuga dos efeitos colaterais persistentes de um relacionamento tóxico.
É o regresso de Murta às edições em nome próprio, cerca de um ano depois do lançamento de “Palavra”. Pelo meio editou em parceria com Blacci, Dengaz, Harold e Ary Rafeiro e fechou-se em estúdio para trabalhar naquele que será o seu segundo álbum: “Luv is a Legacy”.
“Depois da minha estreia em 2019 decidi afastar-me um pouco, focar-me em mim e perceber o que queria oferecer às pessoas porque sempre quis algo diferente, algo que acrescentasse valor a mim e ao que me rodeia. Alguns anos depois estou de volta com o Escuta e com uma sonoridade mais próxima do que eu sinto, muito por culpa das pessoas por quem me rodeei. Esta música é uma reflexão pessoal daquilo que sinto mas pretendo que o seja também para todas as pessoas que ainda estão a tentar ligar a quem amam e não conseguem por medo ou insegurança. Estou de volta e não me vou embora tão cedo.”
É Murta quem define assim esta primeira amostra do seu novo trabalho e a sonoridade que marca o recomeço e que já pode ser ouvida, a partir desta sexta feira, 12 de maio, em todas as plataformas digitais.
No final de 1968, os Beatles estavam se aproximando de um impasse. Depois que gravar para o “The White Album” levou a várias discussões, o Fab Four achou melhor dar um passo atrás e fazer algo que tocasse em suas raízes como uma banda de bar desconexa que poderia tocar por horas a fio no The Cavern Club. Embora o projeto fosse posteriormente arquivado para trabalhar em “Abbey Road“, o lançamento posterior de “Let It Be” oferece aos fãs uma visão decente de como a abordagem de volta ao básico dos Beatles poderia ter soado.
Abrindo com um pouco de humor atrevido de John Lennon, ‘Two of Us‘ prepara tudo para um álbum de raízes, com Paul McCartney no violão e George Harrison tocando “baixo” nas cordas mais graves de sua guitarra elétrica. Considerando que Lennon e McCartney estavam se tornando um grande tour de composição por conta própria, esta é uma boa visão do tipo de música “olho no olho” em que eles eram melhores, cada um cantando em um microfone.
A música também é bastante atual, com McCartney cantando sobre ter memórias mais longas do que a estrada que se estende à frente, como se ele soubesse que esses bons tempos não foram feitos para durar. Ao longo do resto do álbum, os Liverpudlians também brincam com sons diferentes no rock de raiz, pegando emprestado de artistas como The Band e Bob Dylan em canções como ‘Dig a Pony‘, que tem Lennon em seu estado mais resistido e bem-humorado.
Por mais que eles possam ser uma potência juntos, alguns dos melhores momentos do álbum são quando Lennon e McCartney trabalham separados. Sendo um defensor das letras, ‘Across the Universe‘ pode ser uma das melhores peças de prosa que Lennon já escreveu, falando sobre palavras caindo como chuva e observando essas palavras saírem de sua mente e entrarem no mundo. Embora este álbum não tenha uma agenda espiritual, Lennon parece ter alcançado a paz interior com esta música, enquanto canta o mantra ‘Jai Guru Deva‘ nos refrões.
Do outro lado da moeda criativa está McCartney, que se destacou como compositor de baladas na faixa-título. Partindo de um sonho que teve quando foi visitado por sua mãe, o apelo de McCartney pela tolerância humana é tão universal quanto um hino de igreja, procurando encontrar alguma luz na hora coletiva de escuridão de todos. E embora ‘The Long and Winding Road‘ possa ter um pouco de schmaltz demais graças à produção de Phil Spector, a música principal no centro ainda é de tirar o fôlego, enquanto McCartney fala sobre a estrada que leva de volta para casa, para aquela que ele ama.
Concedido, há mais do que apenas Lennon e McCartney nesta equipe. Como George Harrison se tornou um compositor, ‘I Me Mine‘ é um pequeno trecho do que ele estava fazendo no futuro, falando sobre as peças de filosofia onde ele expõe a ideia de que o único que vale a pena agradar é ele mesmo.
Definida como uma valsa, a música começa como um pedaço lânguido de melancolia antes de dar lugar a um refrão de rock and roll com Harrison tocando algumas das melhores guitarras solo do álbum. Fora de suas canções, Harrison também encontra tempo para tecer pedaços de mágica nas composições de seus colegas Beatles, criando uma obra-prima melódica em ‘Let It Be‘ e os menores toques em ‘Dig a Pony‘.
Como este álbum estava inacabado, há alguns sinais de desgaste entre as músicas, como os fragmentos da música ‘Dig It‘ e ‘Maggie Mae‘, cada um durando alguns segundos antes de desaparecer. Apesar de acrescentar pouco ou nada em termos musicais, eles servem ao propósito de colocar o ouvinte na mentalidade da banda no estúdio, sendo uma mosca virtual na parede enquanto eles tocam.
Existem mais pontos positivos do que apenas as baladas simples também. Vasculhando a metade de trás do projeto, algumas das canções mais charmosas do grupo surgem quando eles tocam seus antigos roqueiros como ‘One After 909‘. Escrita quando Lennon e McCartney ainda eram adolescentes, essa música parece a banda em seu habitat natural, Carvern, tocando para quem quiser ouvir.
A glorificada música tema de McCartney para o álbum ‘Get Back‘ também é um grande destaque. Ele apresenta uma certa arrogância faltando no resto do projeto e Lennon fazendo uma aparição na guitarra solo, com curvas tão saborosas que a maioria se perguntaria por que ele não tocou em outro punhado de faixas dos Beatles.
Embora exista um punhado de grandes ideias neste projeto, o álbum se sustenta como uma declaração definitiva? Bem… sim e não. Embora seja fácil ver as partes cortadas que os Beatles pretendiam deixar na prateleira, ouvi-los tentando montar algo durante a fase final de sua carreira também rendeu algumas das últimas obras-primas de seu tempo juntos.
Para as pontas desgastadas por trás deste projeto, a música que diz tudo para o álbum é ‘I’ve Got a Feeling‘. Tiradas de fragmentos de um original de Lennon e McCartney, ambas as músicas são reunidas sem rima ou razão e depois transformadas em algo mágico. Sem pensar muito, isso é os Beatles em poucas palavras. Mesmo quando eles estavam em seu nível mais baixo de criatividade, é fácil ouvir esses irmãos criativos de Liverpool transformando as ideias mais opostas em algo que ninguém poderia imaginar separado.
“Abbey Road” pode ter sido a verdadeira obra-prima que deveria enviar os Beatles de maneira adequada. No entanto, “Let It Be” ainda é uma peça fundamental de seu catálogo que merece ser ouvida tanto quanto “Revolver” ou “Rubber Soul“.
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