terça-feira, 6 de fevereiro de 2024

Tapir! - The Pilgrim, Their God and the King of My Decrepit Mountain (2024)

Um pouco de doçura neste mundo brutal.
Este coletivo de seis músicos londrinos tomou forma durante a última pandemia e você entenderá que tudo faz sentido. Depois de semanas, anos, de pensar, criar e gravar, nasce o primeiro projeto de Tapir, um conceito chamado "O Peregrino, o Deus deles e o Rei da Minha Montanha Decrépita", uma fantasia em forma de fábula sobre um peregrino explorando um mundo que pode se assemelhar Nárnia É impossível não traçar paralelos com os conceitos imaginados durante a pandemia, buscando fugir da dura realidade, da ansiedade e dos constrangimentos. Não há nada como um mundo imaginário e majestoso para escapar. Este álbum está dividido em 3 atos, sendo que os dois primeiros foram lançados oficialmente em 2023 como EPs, após assinarem com a Heavenly Recordings, mas outras fontes parecem indicar lançamentos já em 2022, nomeadamente o single "My God". A música do Tapir gira em torno de uma mistura de Indie Folk, Folktronica e Chamber Pop. Há Black Country New Road na instrumentação e aspecto grandiloquente, Thom Yorke nos vocais e melodias, mas também nos efeitos Glitch/IDM, além de inspirações Pagan.

Nada revolucionário, mas a experiência é verdadeiramente sublime. Cada ato começa com um interlúdio que se aproxima do aspecto cinematográfico, mas honestamente serve apenas ao conceito, já que são claramente esquecíveis. Além disso, todo o projeto é construído em torno de baladas lindas, muitas vezes comoventes e convincentes. No topo da lista está "On a Grassy Knoll, We'll Bow Together", uma das peças centrais, uma vinheta envolvente ao ritmo das batidas do coração quando estamos apaixonados. A instrumentação é tão quente quanto viva e particularmente meticulosa. As melodias assombrosas do cantor Ike Grey encontram toda a graça que precisam, apoiadas por backing vocals suaves. Os chifres de “Andorinha” tentarão confortá-lo com a história de um pássaro que se machuca, metáfora que pode ser interpretada como o fato de agora ser prisioneiro de toda liberdade. Com uma melodia de Bossa Nova, "The Nether" prova as habilidades de contar histórias da banda e sua capacidade de imergir o ouvinte em seu mundo, notadamente por meio de mudanças no andamento e múltiplos detalhes instrumentais. Depois é a vez da dupla “Broken Ark” e “Gymnopédie” ressoar nos nossos ouvidos como verdadeiros antídotos. A primeira é uma balada folk comovente, movida por cordas e uma sensação de rock barulhento. "Gymnopédie" é mais clarividente, mas partilha o mesmo brilho do seu antecessor. Tapir sabe dar vida à sua música, e as diferentes variações e emoções aqui oferecidas tomam forma descaradamente em torno de elementos que deveriam ser complementares.

Tenha cuidado para não subestimar “Untitled”, uma vinheta cativante de dupla voz que funciona por sua simplicidade e pureza. Mais uma paleta para agregar ao coletivo e a esse álbum. Por fim, o álbum chega a um encerramento culminante, começando com "My God", uma beleza marcada por seu teclado e melodias angelicais, depois claro, o destaque do show com "Mountain Song". Ao longo de 7 minutos, Tapir usa a estética Lo-Fi para definir o cenário, antes que a magia da folk-tronica assuma o controle. A música gradualmente atinge um crescendo e um clímax. É claro que este álbum não será um ponto de viragem para a música do Tapir. Existem limites, como a composição, o que faz com que Tapir não consiga necessariamente compensar a falta de originalidade na sua fórmula, mas tudo funciona muito bem, é agradável e suficientemente eficaz. E se a banda começou a divulgar esse projeto há muito tempo, eu não ficaria surpreso se outro surgisse ainda este ano.


Ty Segall . Three Bells (2024)

Three Bells (2024)
O milionésimo álbum de Ty é surpreendentemente ótimo! Se você cruzasse a atonalidade e a quietude moderada de Hello, Hi com a grandiosidade e o glam rock maluco de Manipulator, o lovechild seria basicamente esse álbum. A influência de Fripp é mais óbvia aqui do que em qualquer outro período recorde de Ty. Há uma abordagem de rock preguiçoso, nebuloso e preguiçoso neste disco que me lembra um pouco de como seria o som de All Them Witches fazendo um cover de T-Rex (eu imagino). No final das contas, realmente parece um Manipulador Pt. II, mas com a nova influência sendo o amálgama de todos os seus álbuns entre Manipulator e agora. Apesar da força individual dessas faixas, elas são um pouco desgastadas e desfocadas. Assim como KG, Ty pode se safar porque ele fez isso durante toda a sua carreira... é difícil dar uma nota 4,5 ou 5 a um álbum tão versátil.

Ótimo álbum, no entanto. Melhor trabalho de Ty desde First Taste, talvez Freedom's Goblin. Ele continua sendo o rei daquele nexo indie-stoner rock, e provavelmente um dos últimos de uma raça em extinção do que os veteranos chamariam de "roqueiros de verdade".


Green Day - Dookie (1994)

Dookie (1994)
Green Day, junto com outros como Red Hot Chili Peppers e Foo Fighters, é uma banda a quem devo agradecer por meu amor pelo rock. Eles estavam entre os primeiros artistas que conheci e eram aqueles pelos quais eu tinha um amor intenso. Algo no estilo deles me atraiu, e acredito que isso se deva em grande parte ao fato de grande parte de seu material ser simplesmente pop punk. Com o passar do tempo, eu cresci e mudei para outras coisas, me interessando e me interessando por vários gêneros e artistas diferentes desde então. Praticamente nunca mais os ouço agora, principalmente porque meus gostos evoluíram e mudaram ao longo dos anos, mas eu estava com vontade de fazer outra visita, que provavelmente já deveria ter acontecido há muito tempo. Dookie é frequentemente aclamado como o melhor álbum da banda por alguns quilômetros, com todos os outros lançamentos deles aparentemente empalidecendo em comparação, e depois de sentar e ouvi-lo, posso entender por quê.

Esta é provavelmente uma das melhores músicas lançadas no mundo do pop punk. Muitas das músicas aqui não passam de bangers. Isso, é claro, se aplica a muitos dos clássicos, como “Longview”, “Welcome to Paradise”, “Basket Case” e “When I Come Around”. No entanto, mesmo algumas das faixas menos conhecidas deste álbum conseguem ser muito legais também, de uma forma ou de outra: "Chump" tem alguns riffs legais e barulhentos junto com uma ponte legal que apresenta uma linha de baixo descolada, bateria forte , alguns toques de feedback e guitarras que, mais tarde, desabam. "Pulling Teeth" tem um certo ritmo que eu gosto bastante junto com alguns solos melódicos. 'In the End' é muito mais rápido do que qualquer outra coisa aqui, tendo mais daquela vibração meio skate punk, além de ter bastante silenciamento de palma na ponte junto com baixo frontal e bateria mais alta. Todas essas músicas são ótimas e é uma pena que não sejam mais populares.

Caso eu ainda não tenha deixado claro, a instrumentação dessa coisa é ótima. Há muitos riffs de punk excelentes com um tom que parece cru e barulhento. A bateria e o baixo também ganham destaque, sejam os muitos, muitos preenchimentos em músicas como "Burnout" ou as linhas de baixo muito audíveis que podem ser ouvidas em "Welcome to Paradise", a já mencionada "Longview" ( claro) e praticamente todas as músicas aqui. A voz de Billie Joe Armstrong também é muito boa e eu honestamente não me importo com o quão nasal pode soar para alguns: eu, por exemplo, gosto bastante da voz dele, e em muitos pontos do disco, acho que soa muito bem e melódico Acho que a única reclamação real que tenho com esse disco é que ele parece um pouco desatualizado para mim. Suponho que um pouco disso pode ser ouvido na produção e no som em geral, mas quero dizer isso principalmente no sentido de que meu gosto mudou muito desde a última vez que estive nessa banda, e simplesmente não sou tão louco quanto costumava para ser sobre isso. Algumas das faixas no final também soam um pouco semelhantes e estereotipadas entre si, mas não acho que sejam questões grandes que prejudiquem muito o álbum.

Dookie é provavelmente o melhor disco que o Green Day já lançou em toda a sua carreira. É repleto de bangers pop punk do início ao fim, com guitarras ruidosas e cruas, ótima instrumentação punk e boas performances vocais, embora soe um pouco desatualizado e algumas músicas soem um pouco iguais. Isso me lembra por que me apaixonei por essa banda, e depois de tentar novamente, posso senti-la rejuvenescendo e começando a inchar dentro de mim mais uma vez. Um grande esforço desta lenda dos anos 90.

[Akini Jing] - 反派角色 (Villain) (2024)


É inegavelmente um início de ano promissor para qualquer coisa do 88 Rising. O último álbum do artista chinês Yur Hanxuan combina perfeitamente os elementos brilhantes e cintilantes da música pop chinesa (mandopop) com a energia dinâmica e a experimentação encontradas em géneros como o baixo britânico e o hard drum. Além disso, ela incorpora habilmente outros estilos de música chinesa, como Zhongguo feng, evidente em faixas como 'Hurt You'. Este álbum é definitivamente imperdível se você estiver com disposição para uma breve, mas vibrante explosão de música pop.



yungatita - Shoelace & a Knot (2024)

É difícil não ver o EP de estreia de yungatita ser jogado no esquecimento com sua paleta pop de quarto que grita uma atmosfera indie mansamente liquidada que é combinada com qualidades suaves em geral. No entanto, essa suavidade foi ignorada pelos algoritmos do TikTok, onde ' 7 semanas e 3 dias ' agora é usado como pano de fundo em certos vídeos do TikTok apoiados em instruções misteriosas e horríveis de creepypasta, essencialmente ofuscando o próprio EP. No entanto, apesar de tudo isso, Yungatita decide desviar essa parte de seu alcance sonoro, buscando algo um pouco mais irregular e rápido, uma combinação que os beneficia ainda mais.

Afastando-se do pop suave com o qual começaram, yungatita relaxa seu estilo em ' Shoelace & A Knot ', perfurando cada faixa com mais groove e brilho nas guitarras e na bateria. Ele pode manter as tapeçarias habituais de pop e indie rock de 2010 devido às texturas instrumentais - especialmente com os sintetizadores de verão e riffs de guitarra brilhantes - mas funciona melhor agora devido às melodias se tornarem mais contundentes e às proezas vocais de Valentina Zapata mostrando muito mais ajustando a expressividade a esse estilo de power pop que explode em faixas como ' Armchair ', ' Descenda ' e ' Pick At Your Face ', colocando muito toque corajoso em seus gritos altíssimos e vocalizações calmantes. A produção saturada é um estilo testado e comprovado, mas é uma fórmula que funciona a favor de yungatita, especialmente quando cortes como ' Crack Of Your Jaw ' com seu feedback de guitarra barulhento, ' Whiplash ' com fluxos de explosões de percussão e riffs de guitarra barulhentos , e ' Reckless ' com seus golpes de guitarra afiados ganham muito volume que permite que suas texturas se desfiem e suas melodias resplandeçam.

E pelo que vale a pena, a letra capta um ponto de vista um pouco mais expandido das capacidades de composição de yungatita, pintando um desvio imprudente que adquire uma certa coragem em direção ao tom melancólico do relacionamento. No entanto, essa atitude em si leva os yungatita a se desviarem e bagunçarem o relacionamento fraturado com o qual estão lidando, uma máscara que eles podem colocar para se fortalecerem como um meio de sair dessa situação, mas percebem que isso apenas os faz tropeçar. um resultado e não podem deixar de precisar do seu parceiro, pois eventualmente encontram um sentimento de arrependimento com a atitude que é mais usada para mascarar as suas vulnerabilidades. Apesar dos detalhes corajosos serem mostrados um pouco timidamente devido à apresentação um tanto doce, ainda cria uma textura agradável para o relacionamento em exibição, onde aquela atitude agitada é uma faca de dois gumes que pode fornecer força a eles, mas também os enfraquece quando é tudo se desfaz.

O projeto de estreia de yungatita apresenta o aprimoramento de suas habilidades como compositor e intérprete que pode manter o que começou há quatro anos, mas a inclusão de power pop saturado e grooves de indie rock permite que a paleta pop de quarto traga um toque um pouco mais firme. O título do álbum por si só pode ser o descritor adequado para o projeto. A implementação de um toque energético mais solto e uma composição mais compacta eventualmente se manifesta em uma vitrine familiar, porém melhorada, do potencial futuro de yungatata.


Tarzana - Alien Wildlife Estate (2015)

 

Este álbum é quente, verde e cheio de vida. Gosto de pensar em Alien Wildlife Estate como música folclórica fictícia, capturada aqui como uma gravação de campo, primitiva e selvagem.

Fico cada vez mais impressionado quanto mais ouço falar de Spencer Clark, especialmente de seus projetos solo Fourth World Magazine e Monopoly Child Star Searchers. Este projeto, no entanto, é uma colaboração com o eletrónico finlandês Jan Anderzén, também conhecido como Tomutonttu, cujo disco de 2017, Kevätjuhla, também é excelente. Acho que esses dois, embora venham de mundos um tanto diferentes, procuram inspirar emoções e imagens semelhantes nos ouvintes.

Este é um daqueles discos que me impactou tanto que chegou a influenciar meu trabalho de maneiras sutis: tentando recriar sua cor vibrante e aprender técnicas para tornar meus sons igualmente selvagens. E como uma prova da força deste estilo há alguns discos com qualidade mais ou menos semelhante espalhados pelos últimos 15 anos desde as próprias New Age Tapes de Clark e Pacific City Sound Visions bem como artistas como James Ferraro e Jon Hassell progenitor do estilo de ambiente do "quarto mundo" do qual Clark tirou o nome de seu outro projeto solo. No entanto, Alien Wildlife Estate tem uma vantagem composicional na maioria deles. Ele se afasta saudavelmente dos drones, optando por camadas profundas de percussão, vocalizações alienígenas transformadas e ragas brilhantes e sintetizadas.


CRONICA - MC5 | High Time (1971)

 

Após o fracasso comercial de Back Int The USA , publicado em 1970, o produtor Jon Landau jogou a toalha. Abandonando o MC5, ele fez fortuna com um certo Bruce Springsteen. O vocalista Rob Tyner, o baterista Dennis Thompson, o baixista Michael Davis, bem como os guitarristas Fred Sonic Smith e Wayne Kramer são deixados à própria sorte. Ninguém para lhes dizer o que cantar, para lhes dizer o que tocar. É neste contexto que High Time , o terceiro LP do combo de Detroit (o segundo em estúdio) foi lançado em julho de 1971 pela Atlantic.

Composto por 8 peças, MC5 tenta se reconectar com a selvageria de Kick Out The Jams , o lendário LP impresso ao vivo em fevereiro de 69 para Elektra, o primeiro álbum do quinteto. Mas ele mantém uma certa disciplina herdada de Back Int The USA para não se dispersar mesmo que as sessões de estúdio sejam caóticas. Deve-se notar que o grupo é atormentado por drogas pesadas, com algumas passagens pela prisão para alguns membros. No final, isso resulta em um disco arrasador de hard rock incendiário com aromas blues e psicodélicos que cheiram a urgência com alguns pequenos momentos de pausa só para respirar um pouco.  

Abre com todas as paradas, vistas como redundantes por “Sister Anne” por 7 minutos de riffs abrasivos e redundantes de ritmo e blues apoiados por um tenaz piano boogie. Título atravessado não por uma, mas por duas gaitas infernais que se chocam e cantam gospel. E surpresa, a voz de Rob Tyner é mais sem fôlego, beirando o soul, enquanto os dois pistoleiros do seis cordas elétrico desenvolvem sangrentos duelos solo. O delírio termina com uma fanfarra que lembra os experimentos com ácido de Syd Barrett. Se os músicos evitam ir em todas as direções, não desejam permanecer na complacência da obra anterior. Obviamente eles tiveram o cuidado de tornar suas composições mais complexas.

Mantemos a pressão com o devastador “Baby Won't Ya” que se transforma em histeria. O mesmo vale para “Gotta Keep Movin'” para ritmo e blues furiosos. No meio, aparentemente mais calma, está a furiosa “Senhorita É acompanhado por um órgão profundo e quase celestial fornecido por Skip Knapé (da dupla folk Teegarden & Van Winkle). Porque é importante destacar que High Time conta com a participação de um bom número de músicos adicionais incluindo Scott Morgan (bateria), ex Rationals mas principalmente Bob Seger (também percussão).  

O lado B começa com “Future/Now” em duas partes. O primeiro que treme é revigorante enquanto no segundo o MC5 entra em andanças vaporosas e desencantadas. Talvez venha o auge desse disco, “Poison” de Wayne Kramer. Provavelmente a música mais linda que o MC5 tocou. Uma rocha bruta politizada que denuncia o sistema repressivo americano, carregado de emoção, em lugares tensos num cenário de ritmos hispânicos que cheiram a raiva. Mas uma raiva negra fez as pessoas chorarem quando explodiu. E também há alguma emoção angustiante em “Over and Over” que se segue, uma terrível explosão de heavy metal com mudanças de ritmo. Aqui, Rob Tyner, furioso, clama por uma nova revolução. Aquele que se continha em Back In The USA , aqui não tem mais limites, fantasticamente apoiado pelas guitarras incendiárias de Wayne Kramer e Fred Sonic Smith, bem como pelo indomável dubleto rítmico. O caso termina com a aterrorizante “Skunk (Sonicly Speaking)”, mais tribal com sua armada de percussionistas, seus bombardeios de metais e também seus refrões de sax e trompete com toques de free jazz.

Se High Time se mostrar mais atraente que Back In The USA , está longe de ser um sucesso comercial. O público tendo lembrado do icônico Kick Out The Jams . As drogas tomando conta do MC5 se desintegram à medida que os shows avançam. Após várias substituições, Wayne Kramer e Fred Sonic Smith ficaram sozinhos a bordo. Após o concerto dado durante a noite de 31 de janeiro de 1972 no Grande Ballroom em Detroit (mesmo local onde foi gravado Kick Out The Jams ), eles interromperam os custos.

Todos irão para vários projetos sem futuro, voltando para a prisão para alguns. Desse período de sangue e metal ardente, apenas Dennis Thompson, então com 75 anos, sobrevive até hoje. Em 18 de setembro de 1991, aos 46 anos, Rob Tyner sofreu um ataque cardíaco em seu veículo. Ele morreu no Berkley Hospital no mesmo dia. Marido da cantora Patti Smith, Fred Sonic Smith morreu aos 46 anos em 4 de novembro de 1994, de insuficiência cardíaca em Detroit. Aos 68 anos, Michael Davis morreu em 17 de fevereiro de 2012 de insuficiência hepática em Chico, Califórnia. Carregando o legado do MC5 à distância, Wayne Kramer se junta a seus companheiros de viagem, provavelmente após o câncer, em 2 de fevereiro de 2024 em Los Angeles. Ele tinha 75 anos. O que resta é um grupo de culto cuja influência ainda ressoa.

Títulos:
1. Sister Anne
2. Baby Won’t Ya
3. Miss X
4. Gotta Keep Movin’
5. Future / Now         
6. Poison        
7. Over And Over      
8. Skunk (Sonicly Speaking)

Musiciens :
Michael Davis : Basse, Voix
Wayne Kramer : Guitare, Piano, Voix
Fred « Sonic » Smith – Guitare, Orgue, Harmonica, Voix
Dennis Thompson : Batterie, Voix
Rob Tyner : Chant, Harmonica, Percussions
+
Pete Kelly : Piano
Dan Bullock : Trombone
Ellis Dee : Percussions
Merlene Driscoll : Chœurs
Rick Ferretti : Trompette
Dave Heller : Percussions
Leon Henderson : Saxophone
Joanne Hill : Chœurs
Larry Horton : Trombone
Skip « Van Winkle » Knapé : Orgue
Brenda Knight : Chœurs
Kinki Le Pew : Percussions
Charles Moore : Bugle, Trompette, Arrangements
Dr. Dave Morgan : Percussions
Scott Morgan : Percussions
Butch O’Brien : Grosse Caisse
David Oversteak : Tuba
Bob Seger : Percussions

Production : MC5




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