Crítica do disco de Univers Zéro - 'Lueur' (2023)

 Univers Zéro - 'Lueur' (2023)

(22 de novembro de 2023, Sub Rosa Label)

Felicidade para milhares, até milhões, dentro da tradição progressista de ontem e de hoje!! O veterano colectivo belga UNIVERS ZÉRO , referência inevitável e fundamental do que se tem chamado rock-in-opposition no âmbito europeu continental, regressa aos ringues com um novo álbum. Este novo trabalho, décimo primeiro estúdio da sua longa carreira (e sexto desde a sua reforma no final dos anos 90) intitula-se “Lueur” e foi publicado muito recentemente, no dia 3 de novembro, pela editora nacional Sub Rosa. vinil (preto e transparente). A formação que criou e gravou “Lueur” é composta por Daniel Denis [bateria, percussão e teclados], Nicolas Dechêne [guitarras], Kurt Budé [clarinete e clarinete baixo] e Nicolas Denis [baixo, percussão e canto], que tiveram já lançaram “Phosphorescent Dreams” (o último álbum do UNIVERS ZÉRO até agora, que data de fevereiro de 2012). Na verdade, este novo álbum continua o caminho marcado por este outro; Parece até que o título (que significa brilhar em espanhol) aponta para essa ideia. “Lueur” é o resultado de dois anos de trabalho de inspiração criativa e de reflexão sobre os objectivos estéticos que o grupo (formado em 1974 e que só conseguiu fazer a sua estreia fonográfica com o álbum homónimo de 1977) pretendia estabelecer. nesses tempos.

'Migration Vers Le Bas' abre o álbum com alguns ares industriais que se expandem em cadências imponentes e sombrias; As batidas da percussão, comandando a atmosfera obscurantista que se reforça a cada segundo que passa, parecem anunciar a aproximação constante de algo ameaçador e misterioso. A partir daqui irrompe 'Sfumato (Part 1)', que é a música mais longa do repertório com quase 9 minutos e meio de duração. Os acordes iniciais do órgão têm uma cerimônia acinzentada que também tem algo etéreo, e quando a música começa a esculpir, uma aura de feitiço surrealista penetra na estrutura sonora. Logo após o terceiro minuto, todo o conjunto é enquadrado num langor pesado e feroz, enquanto o tripé de guitarra, baixo e clarinete cria uma fanfarra noturna enquanto o piano instala alguns floreios ligeiros e ligeiramente luminosos. Passado esse momento de tensão apurada, a peça retorna à parcimônia anterior, adotando um lirismo um pouco mais pronunciado. É aqui que percebemos que o que nos parecia sombrio era, na realidade, nebuloso, e o que parecia perturbador era, no fundo, solipsista. Assim que o canto retorna, o teor da atmosfera geral parece um pouco mais relaxado. 'Cloportes' orienta-se radicalmente para o extrovertido com um clima muito mais animado que, notoriamente, alimenta os grooves jazz-rock nas bases da engenharia instrumental em andamento. Há certa semelhança familiar com MASAL e ARANIS no que aqui se constrói. Depois desta demonstração de desenvoltura colorida vem a mestria de 'Rolling Eyes', outra peça portadora de uma vivacidade inconfundível, mas desta vez focada numa altivez que obriga os arranjos instrumentais a limitarem-se a um esquema rítmico ligeiramente mais austero. Cuidado, só um pouco, ainda há uma boa dose de exuberância na forma como os dois Denis apoiam a engenharia sonora global. O momento em que o fantástico solo de guitarra brilha estabelece uma sustentação momentânea de vibrações tensas. Foi uma sucessão de duas peças tremendamente belas. A sequência dessas duas músicas constitui o apogeu absoluto do álbum. 'Axe 117' é uma manifestação do minimalismo mecanizado que aponta para a dimensão mais abstrata da ideologia estética do UNIVERS ZÉRO. É o fim da agitação e a entrada para um novo lugar através de uma passagem de cimento frio que parece esconder alguns espíritos infames do outro lado.

'Sfumato (Parte 2)' retorna totalmente à tensão emocional derramada na Parte 1, mas desta vez passa por uma cirurgia radical de fogos dançantes e luzes absorventes que fazem tudo parecer mais esmagadoramente majestoso. Do jeito que está, a banda planeja uma espécie de retorno à fase 1981-87. Depois surge a sua breve e lânguida coda 'Wavering', uma peça marcada por um clima fúnebre e envolta numa névoa espectral, suficientemente ténue para não afundar numa sombra inescrutável. 'La Tête À L'envers' é uma peça curta (não dura dois minutos) que consegue expandir-se num agradável swing jazz-progressivo relativamente próximo do padrão FORGAS BAND PHENOMENA, embora com uma distinção furtiva que fica sentida através do sulco dominante. 'Mister Chung' é exatamente o oposto: sem swing, uma exibição direta de atmosferas cinematográficas perturbadoras, onde sutilezas exóticas criadas para a ocasião se transformam para dar lugar a uma severidade sombria. A dupla ‘Dartafalk’ e ‘Coda’ se encarrega de dar o toque final ao repertório. A primeira das canções mencionadas começa por assumir a liderança de 'Mister Chung' para mergulhar no sombrio, mas pouco depois o esquema instrumental é reativado a partir de configurações folclóricas saltitantes que, aos poucos, se deixam levar por um arrogância graciosa e progressiva. A brilhante criatividade aqui expressada faz com que esta música incorpore o último apogeu do repertório. Já a peça apropriadamente intitulada 'Coda' consiste num ritual de celebração aristocrática da pulsão de viver. Na relação entre o aperto das guitarras e a agitação incendiária da percussão, opera um pathos de delírio assertivo de onde irradia um otimismo sem precedentes, algo que funciona como o encerramento perfeito de “Lueur”. Concluindo, é uma maravilha do momento atual da música progressiva que uma entidade tão veterana como a UNIVERS ZÉRO não só permaneça em vigor, mas também continue a ser capaz de criar obras musicais de tão grande qualidade. Um brinde a este novo brilho do esplendor incombustível do UNIVERS ZÉRO!!

- Amostras de 'Lueur':

Concerto do 90º aniversário de Willie Nelson Star-Studded: análise de CD/Blu-ray

 

Willie Nelson teve um ano e tanto em 2023. Ele ganhou dois Grammys, somando-se aos 10 que já havia ganhado; publicou um livro chamado Energy Follows Thought: The Stories Behind My Songs ; lançou dois álbuns de estúdio, Bluegrass e I Don't Know a Thing About Love ; foi incluído no Hall da Fama do Rock and Roll; viajou constantemente; e comemorou seu 90º aniversário com um concerto gigante de duas noites no Hollywood Bowl nos dias 29 e 30 de abril. Tudo isso resultaria em uma impressionante agitação de atividades para um artista jovem ou de meia-idade, mas o aniversário que Nelson estava comemorando era o número 90.

Willie Nelson e Keith Richards no segundo concerto de aniversário de 90 anos no Hollywood Bowl em 30 de abril de 2023 (Foto: Randall Michelson; usado com permissão)

E que celebração foi aquela, completa com o tipo de lista de convidados de todos e seus irmãos que você associaria a um evento como Woodstock ou a Última Valsa da Banda. Além do próprio Nelson , os shows contaram com Beck, Dwight Yoakam, Emmylou Harris, Keith Richards, Lyle Lovett, Neil Young, Norah Jones, Bob Weir, Sheryl Crow, Stephen Stills e Tom Jones, para citar apenas alguns dos aproximadamente quatro dúzias artistas em destaque. Suas apresentações abrangeram muitas das composições clássicas de Nelson, como “Pretty Paper”, “Hello Walls” e “On the Road Again”, bem como outros números que estão associados a ele, entre eles “Always on My Mind” e “ Olhos Azuis Chorando na Chuva.”

Até a banda de apoio era luminosa, com artistas como Don Was no baixo e Benmont Tench dos Heartbreakers nos teclados. O mesmo aconteceu com os apresentadores, que incluíam os atores Ethan Hawke, Helen Mirren e Woody Harrelson.

Os destaques dos shows acabam de ser lançados em um pacote que inclui dois CDs e um Blu-ray widescreen com som surround. O conjunto se chama Long Story Short: Willie Nelson 90 , mas não há nada de especial: os CDs duram duas horas e meia e o vídeo é ainda um pouco mais longo. (E se isso não for suficiente para você, você pode optar por uma edição digital que adiciona 13 faixas bônus.)

Inevitavelmente, talvez, dada a vasta gama de artistas, nem todas as 39 performances apresentadas sejam memoráveis, mas muitas delas são. Dave Matthews derrama seu coração e alma em uma versão acústica de “Funny How Time Slips Away” de Nelson, por exemplo, enquanto o filho de Willie, Lukas, faz uma versão de parar o show de “Angel Flying Too Close to the Ground” de seu pai, na qual ele soa quase exatamente como seu pai.

Outro belo momento vem com a leitura de Rosanne Cash de “Loving Her Was Easier (Than Anything I'll Ever Do Again)”, que termina em um dueto emocionante com Kris Kristofferson, de 86 anos, o compositor da música.

Assista a dupla se apresentar no show do 90º aniversário de Willie Nelson em 28 de abril

O próprio Nelson também tem muitos papéis excelentes, incluindo duetos com George Strait em “Pancho and Lefty” de Townes Van Zandt e com o frequente parceiro de composição Buddy Cannon na comovente “Something You Get Through”.

Bem antes do show terminar – com a apresentação de Nelson de sua música característica, “On the Road Again”, seguida por uma cantoria de “Happy Birthday” – você vai desejar ter estado lá. Você provavelmente também desejará que, quando chegar aos 90, ainda possa estar pelo menos metade da vida de Nelson. Ele teve uma carreira e tanto e, para citar o título de uma música de Rodney Crowell apresentada neste show, “It Ain't Over Yet”.

Nº1The World Is a Ghetto – War, Fevereiro 17, 1973

 Track listing: The Cisco Kid / Where Was You At / City, Country, City / Four Cornered Room / The World Is a Ghetto / Beetles in the Bog

17 de fevereiro de 1973
2 semanas

War estava no mapa como banda de apoio do ex-vocalista do Animals, Eric Burdon. Embora Burdon tenha feito inicialmente parte da invasão britânica, a guerra era exclusivamente americana e um produto definitivo do sul da Califórnia. Depois de dois álbuns com Burdon, o cantor saiu, mas o War, com sete membros, continuou.

No início, as coisas estavam instáveis. War , lançado em 1971, mal atingiu a parada de álbuns, chegando ao número 190. Mas o álbum seguinte, All Day Music, de 1972 , se saiu significativamente melhor, alcançando o número 16, provando que War poderia realmente se sustentar por conta própria e preparar o cenário. para O mundo é um gueto.

A capacidade do War de encontrar aceitação comercial sem Burdon deu ao grupo uma nova confiança e liberdade, diz o produtor Jerry Goldstein, que primeiro teve sucesso como co-produtor do hit número um dos Angels de 1963, “My Boyfriend's Back”, e mais tarde como membro do os Strangeloves.

Sentindo que a banda estava em alta criativa, Goldstein reservou o Crystal Studios em Los Angeles por 30 dias consecutivos, para que o ímpeto de War não fosse interrompido. Embora parte do material tenha sido ensaiado antes de entrar em estúdio, a maior parte foi criada na hora com grooves espontâneos, diz ele.

O mundo é um gueto ocorreu em um momento decisivo na carreira de War. “A guerra foi realmente uma acumulação do passado”, diz Goldstein. “Em All Day Music , eles começaram a criar coisas, mas em The World Is a Ghetto eles foram forçados a ser espontâneos. Eles precisavam fazer um álbum e precisavam ser criativos.”

A faixa de abertura, “The Cisco Kid”, foi inspirada no programa de TV de mesmo nome do final dos anos 50. O guitarrista Howard Scott criou o conceito na escadaria de seu apartamento em Compton. “Na verdade, foi baseado no fato de que ele era o único herói não-anglo no final dos anos 50 e 60 com quem eles poderiam se identificar”, diz Goldstein. “Todos os outros super-heróis eram brancos.”

O público não se identificou apenas com os sentimentos de “The Cisco Kid”, mas também com seu contagiante ritmo latino, já que o single se tornou o maior sucesso de War, alcançando o segundo lugar. Posteriormente, a banda presenteou Duncan Renaldo, o homem que interpretou o Cisco Kid na TV, com um disco de ouro.

Embora seis dos sete membros do War fossem afro-americanos e o sétimo dinamarquês, o grupo se especializou em ritmos latinos e mais tarde faria sucesso com “Low Rider”, música que se tornaria um hino para a cultura automobilística latina.

A guerra também era conhecida por seus comentários sociais em cortes como “The Worid Is a Ghetto” e “Four Cornered Room”. No entanto, para muitos, a música era tão importante quanto a mensagem. Goldstein ainda se lembra de ter gravado a faixa-título. Uma versão editada da música de 10 minutos foi lançada como single e alcançou a sétima posição. Diz Goldstein: “Quando Charles Miller tocou aquele solo de sax, eu chorei. Eu nunca tinha ouvido ninguém com esse tipo de sentimento e alma. Sentei-me no estúdio no final da noite e ouvi-o repetidamente até de manhã.”

OS CINCO MELHORES
Semana de 17 de fevereiro de 1973

1. The World Is a Ghetto, War
2. No Secrets, Carly Simon
3. Talking Book, Stevie Wonder
A. Rhymes & Reasons, Carole King
5. Hot August, Night Neil Diamond

Nº1 Thick as a Brick — Jethro Tull, Junho 3, 1972

 Producer: Jethro Tull

Track listing: Thick as a Brick / Thick as a Brick

3 de junho de 1972
2 semanas

Os álbuns consecutivos número um de Jethro Tull, Thick as a Brick de 1972 e A Passion Play de 1973 são dois dos álbuns menos comerciais e intransigentes de todos os tempos no topo da parada de álbuns da Billboard.

Nomeada em homenagem ao inventor da semeadora do século 18, a Jethro Tull foi fundada em 1968 em Blackpool, Inglaterra. Após seu sucesso inicial no Reino Unido, o grupo começou a conquistar seguidores na América com seu terceiro álbum, Benefit , de 1970 , que subiu para o 11º lugar e ganhou disco de ouro. O álbum seguinte, Aqualung , de 1971 , trazia diversas faixas, como “Locomotive Breath”, que se tornou padrão no florescente formato de álbum de rock nas rádios. O álbum vendeu mais de dois milhões de cópias na América, preparando o cenário para Thick as a Brick .

“Foi a primeira vez que Jethro Tull realmente fez um álbum conceitual”, diz o cantor/flautista Ian Anderson. “Fomos injustamente acusados ​​de termos feito um álbum conceitual com o Aqualung . Para mim era apenas uma coleção de músicas. No entanto, recebemos esse tipo de tag como sendo um grupo de álbum conceitual. Minha reação a isso foi criar o material para o álbum seguinte, Thick as a Brick , quase como uma paródia do que um álbum conceitual poderia ser.”

Thick as a Brick foi concebido e gravado como uma peça musical de quase 44 minutos de duração, dividida em duas partes para acomodar os dois lados de um álbum. A capa apresentava um jornal fictício chamado St. Cleve Chronicle com histórias relacionadas ao álbum, incluindo um artigo principal sobre Gerald (Little Milton) Bostock, um menino fictício de oito anos que compartilhava os créditos de escrita com Anderson.

“Foi definitivamente uma peça musical e letra conceituada, mas foi feita com um senso de diversão”, explica Anderson. “Liricamente, muitas das ideias e sentimentos expressos são minhas próprias visões e emoções um tanto contraditórias que tive quando criança ou adolescente. Para mim, meio que aumentou o humor fingir que esses eram os sentimentos de uma criança bastante precoce de oito anos.

O álbum foi escrito, composto e arranjado durante um período cansativo de um mês, com uma formação que incluía Anderson assumindo tarefas de violino, sax e trompete, bem como seus habituais vocais, flauta e violão; Martin Barre na guitarra elétrica e alaúde; John Evan no órgão, piano e cravo; Jeffrey Hammond-Hammond no baixo; e Barriemore Barlow na percussão. “Todos os dias eu escrevia uma nova música”, lembra Anderson. “Eu encontrava os caras na sala de ensaio e construímos a música do dia anterior. Sempre terminávamos o ensaio na hora do chá e eu tinha a noite e algumas horas na manhã seguinte para trabalhar na próxima peça musical.”

No entanto, o processo de gravação real foi bastante rápido. Diz Anderson: “Depois de organizar toda a peça, fomos e gravamos, o que levou apenas cerca de duas semanas. Na verdade, demorou mais para fazer a capa do álbum do que para gravá-lo.”

OS CINCO MELHORES
Semana de 3 de junho de 1972

1. Thick as a Brick, Jethro Tull
2. First Take, Robert Flack
3. Harvest, Neil Young
4. Crosby & Nash, Crosby & Nash
5. Manassas, Stephen Stills

Freedom: quando Neil Young voltou a ser Neil Young

 

Neil Young atravessou a década de 1980 de forma estranha, pra dizer o mínimo. Após escrever o seu nome na história do rock durante os anos 1970 com álbuns antológicos como Harvest (1972), Zuma (1975) e Rust Never Sleeps (1979), o músico canadense adentrou a nova década apostando em trabalhos mais experimentais e com novas abordagens sonoras. Teve eletrônica em Trans (1982), rockabilly em Everybody’s Rockin’ (1983) e discos fraquíssimos como Landing on Water (1986), o que motivou a gravadora Geffen, casa de Young na época, a abrir um processo contra Neil por ele estar fazendo música “que não representava a si mesmo”.

O vocalista e guitarrista retornou então para Reprise e colocou This Note’s For You nas lojas em 1988, que traz instrumentos de sopro como saxofone, trombone e trompete nos arranjos, o que deu um ar jazzístico para o trabalho. Ainda que um tanto inusitado, o álbum rendeu o primeiro hit de Neil Young na década, justamente a música que batiza o disco.

As coisas só retornaram de vez para os trilhos com o álbum seguinte, Freedom, lançado em outubro de 1989. Com uma estrutura que remete à dobradinha Rust Never Sleeps e Live Rust, ambos lançados dez anos antes, o disco teve como carro-chefe um dos grandes clássicos da carreira de Neil Young, a imortal “Rockin’ in the Free World”, presente em duas versões: a acústica, que abre o trabalho, e uma releitura elétrica ao vivo, fechando o play – apesar de semelhantes, as letras dessas duas versões apresentam algumas diferenças. Entre as duas, faixas que equilibram o lado rocker do canadense e a sonoridade folk e mais calma de sua personalidade artística. Acompanhado de chapas das antigas como Frank Sampedro (guitarrista da Crazy Horse) e feras como Rick Rosas (lendário baixista que tocou com nomes como Joe Walsh, Etta James e Jerry Lee Lewis, e que integrou a banda de apoio do supergrupo Crosby, Stills, Nash & Young) e de Chad Cromwell (que tocou em álbuns e turnês de músicos como Mark Knopfler, Joss Stone e Bonnie Raitt, e outro que veio da banda que acompanhava o CSNY), Neil Young voltou a soar como Neil Young em Freedom.

O álbum traz doze músicas, e abre de forma arrepiante com uma versão acústica de “Rockin’ in the Free World”, que reconstrói automaticamente a atmosfera da mais do que clássica “My My, Hey Hey (Out of the Blue)”, primeira faixa de Rust Never Sleeps. O encerramento, com o canadense retornando com uma selvagem releitura elétrica de “Rockin’ in the Free World”, repete a sensação de familiaridade remetendo à atmosfera de “Hey Hey, My My (Into the Black)”, que encerra Rust Never Sleeps.

“Crime in the City (Sixty to Zero Part I)” é uma das melhores gravações da vida de Young, uma canção acústica cuja letra tem várias citações ao modo de vida e à hipocrisia do cidadão médio dos Estados Unidos. A interpretação de Neil varia entre o cinismo e a energia, enfatizando palavras-chave da letra. “Don’t Cry” é uma espécie de balada meio country, com as explosões de guitarra típicas de Young, que tornam a canção extremamente pesada em diversos momentos. O lirismo dá o tom de “Hangin’ on a Limb”, que conversa com a sonoridade acústica tanto de Harvest quanto de Comes a Time (1978), o mesmo acontecendo com “The Ways of Love”.

Um momento de emoção em Freedom acontece em “Eldorado”, composição espetacular com um sutil tempero western e que é outra que, desde o lançamento, entrou para a lista de grandes canções da carreira do canadense. A guitarra dessa faixa é uma das mais neilyounglescas que Neil Young já gravou, e mostra o quanto, além de vocalista incrível e letrista espetacular, ele também é um instrumentista bastante fora da curva. “On Broadway” vai na mesma linha, com a guitarra conduzindo os demais instrumentos em outro dos grandes momentos do álbum.

Pessoalmente, me incomoda o excesso de glicose presente em duas canções, “Someday” e “Wrecking Ball”, que não agregam nada ao trabalho e poderiam ter ficado de fora tanto por estarem abaixo das demais quanto por trazerem uma sonoridade que não conversa com o restante do álbum.

“No More” é um rock clássico que arrepia desde os primeiros acordes, uma música excelente que traz Neil Young derramando linhas vocais cheia de melodia e um tanto melancólicas sobre uma base instrumental simples, porém eficientíssima. A country “Too Far Gone” é outra que remete à sonoridade setentista, com elementos de álbuns como o já citado Comes a Time.

Freedom fez com que Neil Young retomasse o status de lenda do rock e deixasse para trás os conturbados anos 1980. Além disso, foi o início de uma das melhores, mais aclamadas e mais produtivas fases do músico canadense, que lançou na sequência outro grande álbum, Ragged Glory (1990), e deu ao mundo durante a década de 1990 trabalhos espetaculares como Harvest Moon (1992), Sleeps with Angels (1994), Mirror Ball (1995, tendo o Pearl Jam como banda de apoio) e Broken Arrow (1996), além dos ao vivos Weld (1991) e Year of the Horse (1997) e do Unplugged, gravado para a MTV em 1993.

A discografia de Neil Young é gigantesca e conta, até o momento, com 45 álbuns de estúdio e 12 discos ao vivo, além de dezenas de compilações, singles, trilhas sonoras e boxes. Freedom é, sem dúvida alguma, um dos pontos altos de toda a produção do compositor canadense, e um álbum obrigatório para todo fã de sua obra.

Forever Young: a duradoura influência do Alphaville na música pop

O título da coletânea da banda alemã Alphaville faz menção à “primeira colheita” de singles do grupo, um dos mais populares da cena synthpop dos anos 1980. First Harvest 1984-92 abre com “Big in Japan” e fecha com “Forever Young”, dois dos maiores hits do grupo e dois clássicos do pop oitentista. Entre ambas, outras pérolas da receita certeira do quarteto, composta por ingredientes como elementos eletrônicos, sintetizadores melódicos e letras filosóficas.

Formado em 1982 na cidade Münster, o Alphaville possui uma carreira longa e que segue gerando frutos. A banda entrou em um hiato após o seu quinto álbum, Salvation (1997), mas retornou em 2010 com Catching Rays on Giant e, desde então, lançou mais dois trabalhos, Strange Attractor (2017) e Eternally Yours (2022). Da formação clássica, apenas o vocalista Marian Gold permanece.

First Harvest, na verdade, foi a terceira compilação de canções do quarteto. Ela foi antecedida por Alphaville Amiga Compilation, lançada apenas na então Alemanha Oriental em 1988, e por Alphaville: The Singles Collection, que foi lançada somente nos Estados Unidos no mesmo ano. First Harvest chegou às lojas em março de 1992 e foi a primeira coletânea reunindo o material da banda a ser disponibilizada mundialmente, além de possuir um tracklist muito mais amplo que as duas anteriores, com quinze faixas vindas dos álbuns Forever Young (1984), Afternoons in Utopia (1986) e The Breathtaking Blue (1989). “Big in Japan” aparece em duas versões: a gravação original e uma versão mix de 1992, com mais de seis minutos de duração.

A música do Alphaville se caracteriza por uma mixagem pesada para os padrões do pop, característica recorrente na cena synthpop da década de 1980. As melodias vocais sempre cativantes de Marion Gold estão entre os principais pontos altos da banda, e se repetem tanto em canções dançantes como nas mais reflexivas, os grandes exemplos sendo justamente os dois maiores hits do grupo, “Big in Japan” e “Forever Young”. O trabalho de sintetizadores é excelente, cheio de sutilezas e detalhes que remetem a uma espécie de Kraftwerk menos robótico e mais pop. O bom gosto instrumental é uma constante, e isso fica evidente em canções como “For a Million”, que chega a ter até um tempero latino. Já a ótima “A Victory of Love”, com seu clima sombrio e Marion cantando em tons mais graves, pode até ser confundida com algo do Depeche Mode pelos desavisados. O trio Bernhard Lloyd, Frank Mertens e Ricky Echolette, todos tecladistas, entrelaçam seus instrumentos em texturas e arranjos muito bem feitos.

O Alphaville foi muito popular no Brasil, com “Forever Young” fazendo parte da trilha da novela De Quina pra Lua, transmitida entre 1985 e 1986. “Big in Japan” e “Dance With Me” foram incluídas em dezenas de compilações ao longo dos anos, ao lado de sucessos de outros artistas.

A influência do Alphaville na música pop é notável, tendo deixado uma marca significativa no synthpop dos anos 1980, gênero no qual a banda desempenhou um papel fundamental na definição de seu som característico com uma abordagem pioneira no uso de sintetizadores e programações. O Alphaville destacou-se ao empregar tecnologia de forma criativa e adotar uma produção cuidadosa, o que se tornou uma influência para outros artistas que desejavam criar músicas eletrônicas envolventes e atmosféricas. Além disso, suas letras poéticas e filosóficas transcendem a superficialidade muitas vezes associada ao pop, conferindo uma profundidade singular ao gênero e inspirando outros artistas a seguirem um caminho semelhante.

First Harvest 1984-92 mostra que o legado do Alphaville vai muito além de “Big in Japan” e “Forever Young”, como demonstram pérolas como “Sounds Like a Melody”, “The Mysteries of Love”, “Jerusalem”, “Dance With Me”, “The Jet Set” e “Red Rose”, o que faz dessa compilação um título obrigatório para quem ama o pop dos anos 1980.