Discos que deve ouvir

 

Deadringer - Electrocution Of The Heart 1989 (USA, Hard Rock/AOR) Artista: Deadringer De: EUA Álbum: Electrocution Of The Heart Ano de lançamento: 1989 Gênero: Hard Rock/AOR Duração: 38:45 Одноальбомники из Нью-Йорка. Ну как одноальбомники? Если не считать Alice Cooper, Blue Öyster Cult, Ted Nugent, Victory, Arc Angel и ещё десятка групп с участием этих музыкантов. Tracks: 01. Everybody Rock (Neal Smith, Joe Bouchard, Dennis Dunaway) - 3:51 02. When You're In You're In (Albert Bouchard, Debra Frost) - 3:56 03. Love Is A Killer (Neal Smith, Joe Bouchard, Dennis Dunaway) - 4:25 04. Secret Eyes    (Joe Bouchard/Neal Smith) - 3:54 05. Balls Out (Jay "Jesse" Johnson) - 3:33 06. Summa Cum Loud (Buck Dharma) - 3:34 07. Double Talk    (Neal Smith, Joe Bouchard, Dennis Dunaway, Jay "Jesse" Johnson) - 3:31 08. Dangerous Love (Charlie Huhn) - 4:24 09. Bring On The Night (Jay "Jesse" Johnson) - 3:37 10. Unsung Heroes (Jay "Jesse" Johnson) - 4:00 Personnel: - Charlie Huhn - lead & backing vocals - Jay "Jesse" Johnson - guitars, backing vocals - Joe Bouchard - keyboards, backing vocals - Dennis Dunaway - bass, backing vocals - Neil Smith - drums, percussion, backing vocals + - John Stronach - producer - Jeff Batter - keyboards - Summa Cum Singers - backing vocals

Mr. Bison - We'll Be Brief (Great Retro-Hardrock Italy 2012)

 

Algumas obras de arte incluídas Mr Bison é uma banda de rock formada em 2009 em Cecina (Toscana, Itália) composta por Matteo (guitarra/vocal), Federico (guitarra/vocal) e Gabriele (bateria) (não tenho sobrenomes). Eles tocam rock de alta octanagem, despretensioso e divertido de ouvir em volume alto. 

Seu álbum mais recente, intitulado We'll Be Brief, tem 10 músicas de alta energia que muitas vezes me lembram Rage Against The Machine. Deixe-me esclarecer que a música soa como Rage enquanto o trabalho vocal não poderia soar mais longe disso. O álbum abre com um rock que derruba o house chamado “Today” (Não, não é um cover do Smashing Pumpkins). Eles atingiram a paleta tonal certa, já que a distorção é perfeita para a música que estão tocando e a caixa soa como uma metralhadora. 

O que pode ser a melhor parte da música é o último minuto em que o drone metal se torna completo e envolve a música com um ruído branco sinistro do qual Sunn O))) ficaria orgulhoso. Se você não ouviu a influência do Rage Against The Machine na primeira música, é difícil passar despercebido nos primeiros segundos de “Just One Time”. No entanto, isso parece muito menos aparente à medida que os vocais são introduzidos. A música bate forte e tem alguns tons de guitarra brutais que atormentam os sentidos.

“Mercearia” foi um dos destaques. Eu não pude deixar de rir um pouco quando o refrão chega e ele canta sobre um supermercado. A dicotomia de uma música de hard rock que é cantada de forma um tanto agressiva e os vocais me fazendo pensar que eu precisava pegar presunto mais tarde hoje foi certamente apreciada. Bison traz bacon para casa novamente em “Wake Up”, que é outra batida que me dá vontade de tomar uma dose de uísque e assistir Sons of Anarchy. Ao longo deste álbum, Mr Bison nunca desacelera. Não há intervalos onde o cantor solta seu acústico e canta com voz suave. Este é um álbum de hard rock sem calmarias. Se você está pronto para arrasar, ouça We'll Be Brief.


We don't like love songs EP 2011
01. Thin line 03:27
02. Wake up 02:47
03. Mr Bison 03:09
04. Dirty bitch 02:57

We'll be brief Album 2012
05. Today 03:40
06. Just one time 02:26
07. Grocery store 03:02
08. Wait 02:10
09. Thin line 03:35
10. Wake up 02:42
11. R&R cobra 02:41
12. Sweet music 03:09
13. Milady 03:12
14. Beat you down 03:13

The Insect Trust - Selftitled (American Hippie-Rock US 1968)

 

The Insect Trust foi uma banda de rock americana formada em Nova York em 1967. Os membros da banda eram Nancy Jeffries nos vocais, Bill Barth nos guitarra, Luke Faust, ex- Holy Modal Rounders , na guitarra, banjo, violino e gaita, Trevor Koehler no saxofone e Robert Palmer (1945–1997) no clarinete e saxofone alto. 

Elvin Jones e Bernard Purdie tocaram bateria com o grupo às vezes. Bill Falwell no baixo e trompete e Warren Gardner no trompete e clarinete faziam parte da banda na época em que gravaram seu segundo álbum. De acordo com o The New York Times, o nome da banda vem do romance Naked Lunch de William S. Burroughs, detalhando uma raça de insetos gigantes empenhados em dominar o mundo. Porém, segundo Bill Barth, o nome veio do jornal de poesia Insect Trust Gazette, publicado por William Levy. Levy tirou o nome de Burroughs, Warren Gardner deu-o à banda.

Uma das bandas one-shot mais interessantes do rock & roll, o membro mais famoso do Insect Trust foi o escritor/crítico/etnomusicólogo Robert Palmer, que tocava sax alto e clarinete. Menos famoso, mas ainda um membro notável, foi o guitarrista/compositor Luke Faust, que acrescentou contribuições criativas para a série de discos maravilhosos do início e meados dos anos 70 do Holy Modal Rounders. The Insect Trust lançou dois álbuns, sua estreia autointitulada em 1968 na Capitol, e seu segundo e último LP, Hoboken Saturday Night. Junto com a música solta, Hoboken Saturday Night apresenta contribuições musicais de pesos pesados ​​(sem trocadilhos), como os bateristas Elvin Jones e Bernard "Pretty" Purdie, o guitarrista Hugh McCracken e o romancista Thomas Pynchon. 

A música varia do folk-rock surreal (à la Holy Modal Rounders and Fugs), ao pop-soul estilo Booker T. e ao free jazz. Décadas após seu lançamento, Hoboken Saturday Night parece um pouco datado, mas seu charme é irresistível, especialmente quando Nancy Jefferies canta e a banda aumenta seu ataque estridente de palhetas e percussão. Nunca pretendendo ser uma banda pop tradicional, o Insect Trust deve ser mais lembrado por ampliar os limites do rock e levar o gênero a um nível muito mais moderno, sem recorrer a muitas técnicas banais. Boa sorte em localizar seus registros. Nos anos 60 a maioria dos fãs de blues brancos que tentavam tocar a música tentavam lutar para soar o mais sério e autêntico possível e uma grande parte do charme do álbum de estreia do Insect Trust é que por acidente ou intencionalmente eles seguiram uma direção totalmente diferente. 

Embora o Insect Trust fosse clara e afetuosamente influenciado pelo blues clássico e pelo folk, eles também estavam ansiosos para brincar com isso, e as trompas e instrumentos de sopro de Robert Palmer e Trevor Koehler muitas vezes lançam essa música em uma direção loopy, atonal e com infusão de ácido, enquanto o som solto e ligeiramente instável das guitarras e banjos de Bill Barth e Luke Faust homenageia os estilos encontrados nos anos 78 vintage, assim como suas costeletas orientadas para o rock evitam que os resultados soem como se eles passassem muito tempo realmente aprendendo os riffs originais. Dado o funk solto, mas insistente desta música - talvez mantido pelos músicos convidados Bernard Purdie, Hugh McCracken e Chuck Rainey - o tom doce dos vocais de Nancy Jeffries parece um pouco deslocado, mas ela nunca parece menos do que comprometido, e ela dá a "Canção da Primeira Guerra Mundial" e "Declaração de Independência" uma leitura encorpada que se ajusta ao seu significado, se não soarem especialmente "blues". E as duas faixas finais, “Mountain Song” e “Going Home”, decolam para uma terra do nunca de capricho pastoral de vanguarda que existe em um mundo próprio. O Insect Trust refinou sua visão de mundo em seu segundo, último e melhor álbum, Hoboken Saturday Night, de 1970, mas sua estreia tem mais do que seu quinhão de momentos encantadores e é um exemplo envolvente de fãs de música de raiz deixando sua bandeira esquisita voar com alegria justa. . 

The Band:
• Bill Barth - Electric Guitar, Acoustic Guitar, Knife Guitar, Bottleneck Guitar,       Swiss Warbler, Percussion.
• Bob Palmer - Alto Sac, Alto & Soprano Recorders, Clarinet, Percussion.
• Trevor Koehler - Baritone Sax, Piccolo, Sewer Drum, Thumb Piano, Upright       Bass.
• Nancy Jeffries - Vocal Percussion.
• Luke Faust - Banjo, Banjo Guitar, Vocals, Percussion.
• (Special Thanks: "Steve Dubuff - Conga Drums, other Percussion, & Electric         Nail Biting." Electric Bass is also present)

01. The Skin Game   04:07
02. Miss Fun City   05:04
03. World War I Song   03:18
04. Special Rider Blues   07:45
05. Foggy River Bridge Fly   01:07
06. Been Here and Gone so Soon   03:29
07. Declaration of Independence   02:30
08. Walking on Nails   03:12
09. Brighter Than Day   02:31
10. Mountain Song   02:49
11. Going Home   05:10

Predmestje "Brez Naslova" (1977)

 

"A Belgrade Broadcasting Company tem o orgulho de apresentar: o conjunto vocal e instrumental " Prigorod " . Diretor artístico - Andrei Pompe ." Claro, no início ninguém os levou a sério. Estudantes em jeans largos, típicos hippies peludos. Em geral, uma subcultura. No entanto, foi precisamente a equipa Predmestje que estava destinada a tornar-se a legisladora do jazz-rock jugoslavo. Pelos padrões ocidentais, os caras chegaram muito atrasados: não valia a pena nem tentar surpreender o esclarecido amante da música europeia da segunda metade da década de 1970 com tal música. Mas “Suburb” era dirigido ao público nativo esloveno. Em pouco mais de um ano, jovens talentos conseguiram provar o seu valor aos outros. E agora as fitas demo estão sendo escritas no estúdio da rádio estatal. A popularidade da banda está crescendo. Então, como num passe de mágica: a televisão abre a porta para cinco caras. Diante dos espectadores cativados, o quinteto demonstra o que sabe fazer. E no console de engenharia de som, Miro Bevch , educador e entusiasta, dono de seu próprio estúdio Akademik, escuta e observa atentamente os estreantes. E com o incentivo deste último, os integrantes do Predmestje , em um tempo recorde (22 horas), conseguem não só gravar na fita master, mas também mixar o material do primeiro disco, sucintamente intitulado "Brez Naslova" (" Sem palavras”).

A faixa de abertura "Dež" tem um toque de ingenuidade. Tendo como pano de fundo um ritmo enérgico e monótono, o guitarrista Peter Gruden nem sequer canta, mas recita ingenuamente o texto esloveno. Praticamente não há delícias de arranjo. Drive moderado com polimento solo muito condicional. Para a geração “onda”, tal situação pode ser maravilhosa, mas onde está a fusão prometida? Paciência, meus amigos. Afinal, o número “Sprehod” do baixista Gabriel Lach está chegando . E aqui você entende claramente: “Subúrbio” não é nada simples. Esses jovens intelectualmente desenvolvidos tinham imaginação suficiente para combinar as técnicas de tocar piano elétrico de Ray Manzarek ( The Doors ) com os motivos proto-arte de Camel de 1973. Ficou orgânico, fofo, nutritivo e saudável. No brilho quente do sol do estudo "Razmišljanje" podem-se captar frases instrumentais familiares dos discos de Gabor Szabo . Embora seja um livro didático, é agradável. A peça "Oaza" é considerada engraçada. Uma espécie de tentativa de invadir o mundo das areias movediças da Arábia em um cavalinho corcunda eslavo ao som áspero do saxofone de Alexander Malakhovsky . No quadro do panorama de 7 minutos "Brez Besed" a complexidade, multiplicada pelo tecnicismo, mais o melodicismo de um tipo especial coexistem perfeitamente. Brilhante, progressivo e com humor. O mural “Svit” parece inspirador, no qual o grupo sintetiza a arte pop mainstream com uma forma de fusão esteticamente madura. O épico termina com a hipno-passagem oriental, levemente psicodélica e bastante colorida “Sled Sonca” (acho que não é necessária tradução).

Resumindo: um excelente programa de jazz-rock dos irmãos “democráticos”, digno de atenção também dos fãs do retro-prog. Eu não recomendo ignorá-lo.   

MUSICA&SOM

The New Tango Orquesta "The New Tango Orquesta" (1998)

 

A frase “banda cult” é sobre eles. Ao longo dos vinte anos de existência, o conjunto sueco aumentou em número (de quinteto para sexteto), remodelou a sua imagem (académica a preto e branco para clube desgrenhado) e letreiro ( New Tide Orquesta ), e também reforçou a componentes dinâmicos e minimalistas de sua própria música. Não sei como as experiências dos originais nórdicos são percebidas hoje. Mas antigamente, os cinco de Gotemburgo deram o tom no campo experimental, conquistando facilmente vários patamares culturais e geográficos. O líder permanente e impulsionador do grupo, o compositor Per Störby (acordeão, bandoneon), iniciou o projeto por motivos puramente aventureiros. Foi difícil prever a reação do público à mistura explosiva de estados de espírito e estilos. Porém, o álbum de estreia confirmou o rumo. Para ser ainda mais convincente, os membros do NTO visitaram o berço do tango, fizeram diversas apresentações no Uruguai e na Argentina e receberam uma tempestade de aplausos no Centro Astor Piazzolla em Buenos Aires (e isso, você vê, vale muito). Depois seguiram-se a Rússia, a Alemanha, a Turquia, a China, a Ucrânia... O mundo, apesar da sua diversidade, sentiu gosto pela sonoridade da Nova Orquestra de Tango . No entanto, é natural. Afinal, paixão, tristeza e alegria genuínas são sempre valiosas.

O primogênito NTO abre com o número "1919". Os cantos sombrios das cordas ( Christian Kullberg - contrabaixo, Livet Nord - violino) sob os acordes alarmantes do piano ( Tomas Gustafsson ) não são um bom presságio para diversão. A parte prolongada do acordeão intensifica a sensação de desesperança sombria. Mas uma manobra sutil move uma bandeira na escala emocional. Aparece uma passagem lírica e melódica da série 'nostalgie'. E com isso minha alma aquece imediatamente. Durante a faixa, o comportamento dos instrumentistas mudará mais de uma vez. A melancolia será tingida de esperança, uma névoa suicida se transformará em um duelo de amor ardente e a ação terminará com o efêmero abaixamento da cortina e o início da escuridão. Acordes de vanguarda estrondosos, técnicas comuns de tango, solos de violino incomumente penetrantes, intercalados com um espaçoso dueto de baixo e piano - tudo isso é "Invierno del '96", uma intriga híbrida magistral do cabeçudo maestro Sturby. Nas luzes bruxuleantes do distante porto meridional, a escala de "Tango Triste" é delineada por acordes arredondados de uma guitarra elétrica ( Peter Gran ), cujo reflexivo monólogo jazzístico dá lugar gradualmente às lamentações puramente acústicas da menina Livet e diretora artística Por. A peça “Cyclo” distingue-se pelo seu brilho, riqueza de cores e profundidade de experiência anti-escandinava, enfatizando a propensão dos membros do NTO para histórias dramáticas. Em escala, os afrescos de “Pesadamente” são unidos por um casamento alquímico da condição ‘tango nuevo’ com elementos de improvisação livre do sentido vanguardista; uma aliança incrível, um tanto estranha e incrivelmente interessante. O final de "Tango för trasig docka" também é contraditório - uma construção complexa de um armazém indefinido, cujo lado mais atraente é a virtuosa arte das cordas de Livet Nord .

Resumindo: um panorama artístico nada trivial, único no conceito e excelente na execução. Eu o recomendo a todos que não estão confinados a fronteiras específicas de gênero.

MUSICA&SOM

Sandrose "Sandrose" (1972)

 

A continuidade é uma propriedade valiosa. Principalmente se falamos de um grupo que não teve tempo de se manchar com criações medíocres. Já falamos sobre os protoprogressores Eden Rose (veja aqui ). Chegou a hora de dar uma olhada parcial no legado compacto de seus sucessores diretos – a equipe francesa Sandrose . Há um conjunto familiar de músicos ( Jean-Pierre Alarsen - guitarra, Henri Garella - mellotron, órgão, Christian Clerfon - baixo, Michel Julien - bateria, percussão) + a cantora Roz Podvoine  , que se juntou à galera . Uma senhora espetacular com lindos olhos ciganos foi encontrada pelo onipresente Alarsen. Ele se comprometeu a construir o repertório (o organista Garella ajudou em alguns lugares, mas Jean-Pierre fez o trabalho principal). A ideia básica era uma combinação de estilos: rock aliado a um arranjo sinfônico. Daí a ênfase em um som fundido de guitarra e Mellotron. Além disso, as letras foram utilizadas em inglês (graças aos autores americanos Cameron Watson e Barry  Christopher ). Mas não por uma questão de competição, mas apenas com o propósito de ampliar o público. Assim, uma semana de sessões no estúdio de Davout foi suficiente para criar um disco que entrou nos anais do rock progressivo europeu.

A combinação de nitidez e aroma de alma mate distingue a peça de abertura “Vision”. Considera-se que a alimentação acelerada contradiz a natureza orgânica de Mademoiselle Podvoine. Seu elemento nativo é o jazz. E portanto, no contexto da faixa de abertura, onde o andamento muda repetidamente e a aspereza da textura é exposta, a garota Roz literalmente pisa na garganta de sua própria música. Erro de cálculo de Alarsen? Talvez. Seja como for, temos: a) angústia lacrimosa em fragmentos energéticos; b) uma parte timbre sólida contra o pano de fundo de uma orquestração cuidadosa. E entre eles, infelizmente, existe uma lacuna semântica decente. A situação se equilibra na balada "Never Good at Sayin' Good-Bye". A voz da vocalista, claro, é poderosa, mas falta sinceridade. Portanto, as analogias feitas por alguns críticos com Linda Hoyle ( Affinity ) ou Jurnee Kagman ( Earth & Fire ) são claramente exageradas. A esse respeito, a excursão progressiva de fusão de 11 minutos “Underground Session” parece uma dose muito necessária de bálsamo para o coração. Aqui está, o principal hobby de Sandrose ; um ambiente sonoro harmonioso, familiar ao conjunto desde os tempos “Édénicos”. Sem letras adicionadas, apenas instrumentais puros. A proporção áurea, que deve ser respeitada no futuro. Mas - canos; cavalheiros-artistas querem derramar lágrimas. A atraente sinfônica lenta “Old Dom is Dead” é colocada em circulação, demonstrando eloquentemente o seguinte: a diva simplesmente não entende a tarefa que lhe foi atribuída. E em vez da ternura exigida do ponto de vista melódico, o ouvinte é obrigado a contentar-se com rolinhos elaborados. Não há reclamações sobre a peça “To Take Him Away”; as revelações do conjunto Alarsen/Christopher são destacadas no ângulo certo, sem erros por parte do vocalista. E o esquete “Summer is Yonder”, cheio de mistério, dificilmente incomoda com seus excessos emocionais. O esboço de "Metakara" de Garell com guitarra técnica de hard jazz e arpejos de órgão arredondados é uma pequena obra-prima da programação de jogos. A ação termina com a miniatura de circo "Fraulein Kommen Sie Schlaffen Mit Mir", uma bagatela inofensiva de 30 segundos, estilizada como retrô.

Resumindo: apesar de certos excessos de gosto, é um panorama artístico forte e holístico, digno de atenção. Não perca.

MUSICA&SOM

HERÓIS DO MAR 1981-1989

 

Os Heróis do Mar, surgiram em 1981, e a banda pop-rock, era formada por:

Paulo Pedro Gonçalves - guitarra

Carlos Maria Trindade - teclas

Tozé Almeida - bateria

Pedro Ayres Magalhães - baixo

Rui Pregal da Cunha - voz

António José de Almeida abandona o grupo, em 1988, e já não participa na gravação do último disco chamado "Heróis do Mar IV".  

A bateria é substituída por uma caixa de ritmos, nas gravações, e António Garcia (ex-Mler Ife Dada) é convidado para novo baterista. No entanto, ele não chegará a aquecer o lugar porque o grupo dá por terminadas as suas actividades, devido a diferentes opções dos seus elementos e a diferentes projectos onde, cada um, estava envolvido. 

Em Outubro de 1989, os Heróis do Mar dão o último concerto, acabando a actividade da banda.

Numa época em que a memória do Estado Novo estava ainda muito fresca, o visual adoptado pela banda, caracterizado por uma estética nacionalista e algo neo-militarista onde figurava a cruz de Cristo, e letras de canções que reflectiam a glorificação de um Portugal passado, não agradou a muita gente tendo-se instalado a polémica em torno do grupo, acusado dum nacionalismo exacerbado, e inclusivamente fascista e neonazi.

Discografia

1981 - Gravam o LP com o nome do grupo Heróis do Mar

Em Agosto de 1981, é lançado o primeiro single que continha os temas «Saudade» e «Brava dança dos heróis». Os dois temas aparecem no LP de estreia, Heróis do Mar, lançado em Outubro do mesmo ano.

1983 - O grupo lança o álbum Mãe, bem recebido pela crítica, mas não tão bem recebido pelo público. Entretanto, a canção também lançada em 1983, «Paixão», torna-se um sucesso de rádio, levando a revista musical inglesa The Face a considerar a banda como o melhor grupo de rock da Europa continental.

O visual neo-militarista deu lugar a um visual mais ousado, menos polémico, mas mesmo assim ainda demasiado arrojado para a época, com muito cabedal e calças de ganga rasgadas.

1984 - O mini-LP intitulado O Rapto, continha o tema «Só gosto de ti» que conseguiu ter algum êxito.

1985 - A Lenda dos Heróis do Mar - Compilação de músicas desde 1981 - 1984.

1986 - É lançado o álbum Macau, recebido com elogios por parte da crítica, que renovou o fôlego e o vigor do grupo.

1988 - Heróis do Mar IV, é o último álbum gravado pelos Heróis do Mar, já sem o baterista Tozé Almeida.

2007 - O Melhor dos Heróis do Mar já em formato CD, agrupando todos os êxitos da banda.

Para recordar estes Heróis do Mar, vamos ouvir um  dos seus grandes êxitos dos anos 80 intitulado "Paixão".