CRONICA - ALEXIS KORNER’S BLUES INCORPORATED | At The Cavern (1964)

 

O lançamento em novembro de 1962 de R&B From The Marquee pela Blues Incorporated liderado pelo guitarrista Alexis Korner foi apenas em edição limitada. Mas ele lançou o que mais tarde seria chamado de banda britânica de blues. Chegando na esteira de John Mayall, mas acima de tudo os Rolling Stones iriam alcançar o sucesso.

Alexis Korner, fundador deste movimento, rapidamente se encontraria na sombra destes ícones do blues rock inglês. Especialmente porque após o lançamento de R&B From The Marquee , a Alexis Korner's Blues Incorporated se desfez. O saxofonista Dick Heckstall-Smith juntou-se à Graham Bond Organization antes de criar o Coliseu. O cantor Long John Baldry inicia carreira solo. Quanto ao gaitista/cantor Cyril Davies, ele fundou o All-Stars, onde conheceu um certo Jimmy Page ao longo do caminho, antes de morrer em janeiro de 1964, aos 31 anos.

Alexis Korner, que trocou seu violão por um elétrico de seis cordas, foi então forçado a recrutar outros músicos para continuar a aventura da Blues Incorporated. Ele se cerca do contrabaixista Vernon Bown, do baterista Mike Scott, do organista Malcolm Saul e do saxofonista Dave Castle. A nova formação sai em turnê por clubes ingleses tendo como convidado o cantor afro-americano Herbie Goins (cargo que divide com Alexis Korner). Tour que passa no dia 23 de fevereiro de 1964 pelo Cavern em Liverpool, famoso por ter tocado os Beatles no início dos anos 60. Capturado, esse show servirá de material para o Lp At The Cavern da Oriole, que chegará às lojas logo em seguida.

Gravado com os meios à mão, o som é bom e rapidamente nos coloca no ambiente das pequenas salas de concerto da época. O show começa com “  Overdrive” para um ritmo e blues ardente com Alexis Korner nos vocais onde é verdade que sua voz rap, áspera e áspera chama. O mesmo acontece com “Whoa Baby” com um estilo mais revigorante mas com uma guitarra que traz alguns toques folk nos solos. Depois de aquecer o Cavern, Alexis Korner apresenta sua estrela americana, Herbie Goins, com um estilo mais crooner na jazzística “Every Day I Have The Blues” de BB King. Com a multidão lotada, ele passa a palavra para o guitarrista/líder na contundente “Hoochie Coochie Man”. Obviamente a voz de Alexis Korner traz um clima sombrio e tenebroso a esse padrão popularizado por Muddy Waters. Vem o instrumental de 7 minutos "Herbie's Tune", um ritmo e blues desenfreado e hipnótico onde o sax inevitavelmente se inclina para o jazz enquanto o órgão fornece um bom groove com um contrabaixo cheio de hélio à vista e obviamente no meio uma bateria Refrão.

Acalmamos os ânimos com o mid-tempo “Little Bitty Gal Blues” de Big Joe Turner onde o seis cordas desenvolve um solo próximo do acid rock embora este ainda não tenha sido inventado. Retorno do cantor na oscilante “Well All Right, OK, You Win” antes de terminar com “Kansas City”. Galloping blues de Big Bill Broonzy onde encontramos os dois cantores, Herbie Goins na liderança e Alexis Korner no refrão.

Ideal para mergulhar nos climas esfumaçados dos clubes ingleses da época.

Títulos:
1. Overdrive  
2. Whoa Baby
3. Every Day I Have The Blues        
4. Hoochie Coochie Man      
5. Herbie’s Tune        
6. Little Bitty Gal Blues       
7. Well All Right, O.K., You Win    
8. Kansas City

Músicos:
Alexis Korner: guitarra, voz
Dave Castle: saxofone
Vernon Bown: contrabaixo
Mike Scott: bateria
Malcolm Saul: órgão
Herbie Goins: voz

Produzido por: Alexis Korner

CRONICA - REO SPEEDWAGON | Live: You Get What You Play For (1977)

 

REO Speedwagon é mais conhecido por seus mega-sucessos "Keep On Loving You" e "Can't Fight This Feeling" do início dos anos 80. Quase esquecemos que o grupo atuava desde o início dos anos 70 e estava pouco consolidado. pouca reputação sólida até a bilheteria de  Você pode afinar um piano, mas não pode atum,  que realmente os fez explodir. Mas o presente lançamento ao vivo saiu pouco antes desse momento de glória, na época em que o cantor Kevin Cronin, que já havia feito diversas viagens de ida e volta, finalmente decidiu ficar definitivamente. Com isso, os títulos presentes estão longe de ser os mais conhecidos do grupo (o que aos poucos os retirará de seu repertório para dar espaço aos seus sucessos). Portanto, é a maneira perfeita para quem não gosta dos grandes sucessos do REO Speedwagon dar outra chance ao grupo. Principalmente porque naquela época era uma verdadeira máquina de guerra ao vivo, oferecendo Hard Rock melódico muito animado.

REO Speedwagon na época, eram os fundadores do grupo Neal Doughty (o tecladista, único integrante que participou de toda a carreira do grupo) e Alan Gratzer (o baterista), mas acima de tudo eram o guitarrista Gary Richrath (principal compositor da época e solista extravagante como veremos) e o cantor e guitarrista Kevin Cronin. Observe que o baixista Gregg Philbin faz sua última aparição aqui. “Like You Do” que abre o álbum nos mostra que o grupo estava tingindo seu Arena Rock com sutis influências do Southern Rock da época (ainda as encontraremos ao longo do álbum, notadamente na instrumental “Flying Turkey Trot”). Estamos na década de 70 e os grupos muitas vezes têm prazer em oferecer faixas musicais adicionais. Assim, sem cair nas peças extensas que alguns criticarão Led Zeppelin, Deep Purple e outros Emersonn, Lake & Palmer, Richrath e Doughty oferecem-se o prazer de intervenções a solo. Neste joguinho, o guitarrista é particularmente brilhante, oferecendo-nos riffs estrondosos e múltiplos solos melódicos e virtuosos. Inegavelmente, o homem está entre os grandes heróis da guitarra dos anos 70. Muitas vezes são seus solos que despertam o interesse de títulos às vezes um tanto enfadonhos (como “Lay Me Down”) que sem isso provavelmente não teriam se destacado na multidão do que estava acontecendo na época.

Entre os destaques deste show, vamos relembrar a lânguida “Being Kind (Can Hurt Someone Some)” e seus redemoinhos de guitarras, “(Only A) Summer Love” e sua longa faixa instrumental, a alegre “Son Of A Poor Man", o bem Rock n Roll "157 Riverside Avenue" propício a múltiplos solos, um "Golden Country" cheio de wah-wah estendido para nosso maior prazer e principalmente o enorme "Ridin' The Storm Out" que faz jus ao seu nome e onde Richrath brilha intensamente. Por questões de espaço, duas faixas foram retiradas da versão em CD, um solo de Gary Richrath e um cover de Chuck Berry ("Little Queenie"). Desde então, uma versão japonesa corrigiu esta pequena falta de gosto, mas seria bom se o resto do mundo não fosse esquecido. Talvez uma gravadora do tipo Rock Candy pudesse fazer isso?  Live: You Get What You Play For  nunca é citado entre os grandes shows ao vivo dos anos 70, mas não se destaca entre seus colegas e dá outra imagem de um grupo muitas vezes considerado muito suave e sábio.

Tracklist:
1. Like You Do
2. Lay Me Down
3. Any Kind of Love
4. Being Kind (Can Hurt Someone Sometimes)
5. Keep Pushin’
6. (Only A) Summer Love
7. Son of a Poor Man
8. (I Believe) Our Time Is Gonna Come
9. Flying Turkey Trot
10. Gary’s Guitar Solo
11. 157 Riverside Avenue
12. Ridin’ the Storm Out
13. Music Man
14. Little Queenie
15. Golden Country

Músicos:
Kevin Cronin: Vocais, guitarra
Gary Richrath: Guitarra
Neal Doughty: Teclados
Gregg Philbin: Baixo
Alan Gratzer: Bateria

CRONICA - 13th FLOOR ELEVATORS | Live (1968)

 

Cuidado com fraude!!!

São releituras de músicas dos Elevadores do 13º Andar sem público! Foi a gravadora International Artists que se apressou em somar os gritos e aplausos dos espectadores.

É preciso dizer que os negócios da gravadora não vão muito bem. As vendas dos álbuns do 13th Floor Elevators não são bem-sucedidas. A culpa é a falta de divulgação dos discos. Mas há algo ainda mais sério! Os primeiros efeitos negativos do consumo regular de LSD são sentidos (tensões no grupo, comportamento cada vez mais imprevisível de Roky Erickson, dificuldade em conseguir concertos, etc.). Roky Erickson e Stacy Sutherland foram presos por posse de cannabis. Sutherland será condenado a vários meses de prisão. Erickson, alegando insanidade para evitar a prisão, é internado em um hospital psiquiátrico. Ele escapa rapidamente! Preso novamente (em posse de drogas), foi diagnosticado como esquizofrênico. Após um breve julgamento, ele foi internado em um hospital para criminosos insanos, onde foi submetido a uma série de eletrochoques. Este confinamento dura três anos. Obviamente parece o fim do grupo americano! Pela primeira vez, a gravadora texana tentou um jogo de pôquer ao publicar esta falsa apresentação ao vivo em 1968. Lá encontramos clássicos do grupo como "You're Gonna Miss Me", "Roller Coaster", "Tried To Hide"... mas também um cover de "Everybody Needs Somebody To Love" de Solomon Burke.

No entanto, este disco não deixa de ter interesse. Na verdade, por muito tempo foi o único vinil disponível para ouvir o 13th Floor Elevators. Os dois álbuns anteriores tornaram-se inalcançáveis, até o lançamento em CD e reedições tardias em discos de 33 rpm em várias gravadoras.

Falso início para este mês especial de live. É normal, é 1º de abril ^, Dia da Mentira.

Títulos:
1. Before You Accuse Me
2. She Lives In A Time Of Her Own
3. Tried To Hide
4. You Gotta Take That Girl
5. I’m Gonna Love You Too
6. Everybody Needs Somebody To Love
7. I’ve Got Levitation
8. You Can’t Hurt Me Anymore
9. Roller Coaster
10. You’re Gonna Miss Me

Músicos:
Roky Erickson: Vocais, Guitarra, Gaita
Stacy Sutherland: Guitarra
Tommy Hall: Jarro Elétrico
Benny Thurman: Baixo
Ronnie Leatherman: Baixo
John Ike Walton: Bateria

Produzido por: Lelan Rogers

CRONICA - TASTE | On The Boards (1970)

 

Em abril de 1969, Taste lançou um disco homônimo gravado no ano anterior. Mas em 1968 não foi um, mas dois álbuns que o trio irlandês gravou. Isto segue um acordo com a gravadora Polydor para que Taste possa fazer turnê sem pressão de estúdio. Turnê incessante que passa pelos EUA como banda de abertura do Blind Faith. Oportunidade para o guitarrista/vocalista Rory Gallagher onde sua forma de tocar impressiona por atrair a luz enquanto o baterista John Wilson e o baixista Richard McCracken, embora formidáveis, estão nas sombras.

Foi, portanto, em janeiro de 1970 que On The Boards foi lançado. Fato notável que Rory Gallagher pretende se expor na capa com seus dois acólitos, ao contrário do primeiro LP. Outra novidade, este disco é composto apenas por composições, obviamente todas assinadas pelo guitar hero.

Começa de forma arrasadora com “What's Going On”, o arquétipo de uma canção bem típica do hard rock dos anos 70. Tudo está lá, o riff destrutivo, o solo sangrento, o ritmo imparável, a voz um pouco rouca, o poder, a emoção de chorar, o blues. Abertura curta que alterna entre o heavy metal e uma passagem mais terna que a Polydor se apressa em publicar nos anos 45, causando estragos nas paradas. Bom começo, não devendo nada a ninguém. Na verdade, o primeiro LP estava muito ligado ao Cream (mas ninguém vai reclamar disso). Aqui o power trio se esforça para traçar seu próprio caminho.

E ele faz isso de forma notável ao oferecer outras peças de hard rock atravessadas por calmarias como o revigorante boogie “Morning Sun”, a galopante “Eat My Words” com boas partes destrutivas de gargalos e o ritmo estratosférico & blues “I’ll Remember” para concluir.

Mas Rory Gallagher, que está em busca de si mesmo, gosta de explorar. Como prova, estas surpreendentes incursões jazzísticas onde se destaca no saxofone em duas faixas superiores a 6 minutos. “Já aconteceu antes, vai acontecer de novo” oscila um pouco, apesar de algumas passagens estranhas e árabes, enquanto o título homônimo é mais vaporoso, mais misterioso.

Irlandesa, a banda não pode deixar de incorporar música celta na comovente “If the Day Was Any Longer”, onde Rory Gallagher toca gaita com tom nostálgico. Também encontramos hard blues com country drifts em "Railway and Gun", um blues rústico e pesado "If I Don't Sing I'll Cry" com refrões eufóricos e folk desencantado com "See Here" onde Rory está sozinho com seu delicado violão.

Após seu lançamento, On The Boards recebeu boas críticas, algumas das quais o descreveram como um LP de blues rock progressivo. O grupo terá a oportunidade de se apresentar no festival da Ilha de Wight com Jimi Hendrix, the Who, Miles Davis, the Doors…

No entanto, isto não pode mascarar um desacordo crescente entre os músicos. John Wilson e Richard McCracken gostariam de dar a sua opinião. Podemos entender isso. Mas Rory Gallagher, guitarrista/cantor/tocador de gaita completo, onipotente e imensamente talentoso, não tem conselhos para receber de ninguém. É óbvio que este último deve se comprometer com uma carreira solo.

O combo fez seu último show na véspera de Ano Novo de 1970/1971 em Belfast. John Wilson e Richard McCracken formarão o Stud. Quanto a Rory Gallagher, ele está abrindo caminho em seu nome com o sucesso que conhecemos. Ele morreu em junho de 1995.

Resta um grupo irlandês que se tornou um lendário precursor do hard rock, do qual ainda se falará. Por iniciativa dos dois sobreviventes e com um novo guitarrista, em 2009 o Taste ressurgiu.

Títulos:
1. What’s Going On   
2. Railway And Gun 
3. It’s Happened Before, It’ll Happen Again
4. If The Day Was Any Longer        
5. Morning Sun         
6. Eat My Words       
7. On The Boards      
8. If I Don’t Sing I’ll Cry       
9. See Here    
10. I’ll Remember

Músicos:
Rory Gallagher: guitarra, voz, gaita, saxofone
Richard McCracken: baixo
John Wilson: bateria

Production : Tony Colton

CRONICA - TRAFFIC | Shoot Out at the Fantasy Factory (1972)

 

Após a publicação de The Low Spark of High Heeled Boys em 1971, a formação do Traffic passou por mudanças com as saídas do baixista Ric Grech e do baterista Jim Gordon. Para substituí-los, o organista/vocalista/guitarrista Steve Winwood, o percussionista/vocalista Jim Capaldi, o saxofonista/flautista Chis Wood e o tocador de conga Rebop Kwaku Baah recrutam Roger Hawkins na bateria e David Hood no baixo, ambos membros da Muscle Shoals Rhythm Section. Embarcando para a Jamaica, a nova fórmula da Traffic criou o Shoot Out at the Fantasy Factory no ano seguinte em nome da Island.

Composto por 5 peças, este LP é uma boa continuação do disco anterior. No entanto, o sexteto abandona todas as referências à música folclórica medieval para se concentrar no rock progressivo com influência do soul jazz. E para marcar a ocasião, começa em um estilo Santana arrasador com o título homônimo feito de um riff de hard rock esmagador, atravessado por uma percussão ardente, um gibão rítmico com um groove poderoso, uma flauta perturbadora e uma música funky. Excelente início, pé no chão que cheira a noites quentes e suor. Porém, o resto será uma série de passeios com um ambiente descontraído provavelmente influenciado pela tranquilidade do Caribe.

Então venham os 13 minutos com o cheiro das ilhas de “Roll Right Stones”, uma peça longa, comovente e dolorida em alguns pontos. A mistura de piano e órgão é maravilhosa, a flauta é sonhadora, como sempre o sax inclina-se para o jazz e Steve Winwood ainda tem a sua voz desesperada de soul crooner muito reconhecível.

O lado B começa com “Evening Blue” com um registro folk e exótico, com climas melancólicos e irreais. Continuamos na música cool com a sensual “Evening Blue”, instrumental que conta com os teclados de Barry Beckett e o clavinete de Jimmy Johnson (ambos também integrantes da Muscle Shoals Rhythm Section). Continuamos no mesmo caminho com o blues desencantado e nostálgico “(Sometimes I Feel So) Uninspired”.

Menos espetacular do que a obra anterior, Shoot Out at the Fantasy Factory continua cativante.

Títulos:
1. Shoot Out At The Fantasy Factory          
2. Roll Right Stones  
3. Evening Blue        
4. Tragic Magic         
5. (Sometimes I Feel So) Uninspired

Músicos:
Steve Winwood: Piano, Ogue, Guitarra, Vocais
David Hood: Baixo, Violino
Chris Wood: Saxofone, Flauta
Roger Hawkins: Bateria
Jim Capaldi: Percussão, Vocais, Backing Vocals
Reebop Kwaku Baah: Percussão
+
Barry Beckett: Teclados
Jimmy Johnson: Clavinete

Produzido por: Steve Winwood

Pienza Ethnorkestra – Indiens D'Europe (2005, CD, France)

Tracklist:

1. Ali Lennti (7:14)
2. Smeceno Horo (7:33)
3. Comme des oiseaux (9:42)
4. Gengis Khan/La steppe (14:47)
5. Eraglubeidolem (11:03)
6. Geamparalele Lui Haidim (9:07)

Musicians:
Drums – Daniel Jeand'heur
Electric Bass – James Mac Gaw
Hurdy Gurdy [Vielle A Roue] – Thierry Bruneau

A música foi gravada ao vivo durante o verão de 2005 e é muito pesada, o realejo elétrico sendo tratado como uma guitarra com muita potência e distorções. Folk é apenas uma base para esta poderosa jam entre 3 músicos excepcionais, cada um ultrapassando os limites de seu instrumento de maneiras muito incomuns: realejo elétrico distorcido, bateria explosiva e um ENORME baixo Zeuhl que toca o refrão quase a cada minuto. Difícil de nomear… explosivo-zeuhl-folk

Jlin - Akoma (2024)

 

Akoma (2024)

Jlin

Finalmente conseguimos. Jlin manipula o footwork há mais de uma década, pegando um gênero construído para a dança coletiva e transformando-o em novas formas. Até agora, ela concentrou seus esforços em diferentes épocas: a era Dark Energy, que levou o footwork a um extremo violento com graves monolíticos estridentes e samples raivosos, mostrando aos ouvintes que ela não era alguém com quem se mexer. A era do Origami Negro que destacou o caráter tribal do footwork, destacando a percussão e suas raízes culturais nos ritmos mundiais feitos para a dança. E então a era Autobiography, onde Jlin tem se acotovelado com acadêmicos e mudado seu som para ser mais focado nas cordas, suas composições intrincadas e complexas raspando as arestas e tecendo influências daqueles que aparecem aqui como características. Ela deixou de ser uma siderúrgica de Indiana ouvindo RP Boo para ser levada muito a sério como compositora e essa trajetória reflete isso. Seu trabalho vem chamando a atenção há anos, desde trabalhar com DJ Rashad , até Aphex Twin usar seu trabalho extensivamente em seu retorno Day For Night set em 2016 e depois influenciar seu próprio som no Collapse EP , e colaborar com grandes nomes. não apenas na música eletrônica, mas na música em geral.

Akoma parece a fusão de todas essas eras de Jlin finalmente trabalhando juntas. O baixo esmagadoramente massivo, as pausas no intervalo, o ataque tribal da bateria e os elementos clássicos modernos, todos se unem com a batida pulsante do IDM para formar a imagem completa de Jlin como artista. Ela lutou para ser levada a sério e depois se concentrou mais nos elementos intrincados e não conflituosos de sua música para um contexto mais acadêmico, mas este é um abraço em grande escala da jovem Jlin, que abriu caminho para a frente com seu talento inegável. . Este álbum é emocionante do início ao fim e super consistente, com ritmos variáveis ​​e transbordando de ideias a qualquer momento. Akoma é tão ousada, tão complexa, tão descolada e dançante, ao mesmo tempo que mostra sua visão única que realmente soa como ela e mais ninguém. O futuro de Jlin é brilhante e mal posso esperar para ver o que está reservado para ela (e para nós) a seguir.