CRONICA - TASTE | On The Boards (1970)

 

Em abril de 1969, Taste lançou um disco homônimo gravado no ano anterior. Mas em 1968 não foi um, mas dois álbuns que o trio irlandês gravou. Isto segue um acordo com a gravadora Polydor para que Taste possa fazer turnê sem pressão de estúdio. Turnê incessante que passa pelos EUA como banda de abertura do Blind Faith. Oportunidade para o guitarrista/vocalista Rory Gallagher onde sua forma de tocar impressiona por atrair a luz enquanto o baterista John Wilson e o baixista Richard McCracken, embora formidáveis, estão nas sombras.

Foi, portanto, em janeiro de 1970 que On The Boards foi lançado. Fato notável que Rory Gallagher pretende se expor na capa com seus dois acólitos, ao contrário do primeiro LP. Outra novidade, este disco é composto apenas por composições, obviamente todas assinadas pelo guitar hero.

Começa de forma arrasadora com “What's Going On”, o arquétipo de uma canção bem típica do hard rock dos anos 70. Tudo está lá, o riff destrutivo, o solo sangrento, o ritmo imparável, a voz um pouco rouca, o poder, a emoção de chorar, o blues. Abertura curta que alterna entre o heavy metal e uma passagem mais terna que a Polydor se apressa em publicar nos anos 45, causando estragos nas paradas. Bom começo, não devendo nada a ninguém. Na verdade, o primeiro LP estava muito ligado ao Cream (mas ninguém vai reclamar disso). Aqui o power trio se esforça para traçar seu próprio caminho.

E ele faz isso de forma notável ao oferecer outras peças de hard rock atravessadas por calmarias como o revigorante boogie “Morning Sun”, a galopante “Eat My Words” com boas partes destrutivas de gargalos e o ritmo estratosférico & blues “I’ll Remember” para concluir.

Mas Rory Gallagher, que está em busca de si mesmo, gosta de explorar. Como prova, estas surpreendentes incursões jazzísticas onde se destaca no saxofone em duas faixas superiores a 6 minutos. “Já aconteceu antes, vai acontecer de novo” oscila um pouco, apesar de algumas passagens estranhas e árabes, enquanto o título homônimo é mais vaporoso, mais misterioso.

Irlandesa, a banda não pode deixar de incorporar música celta na comovente “If the Day Was Any Longer”, onde Rory Gallagher toca gaita com tom nostálgico. Também encontramos hard blues com country drifts em "Railway and Gun", um blues rústico e pesado "If I Don't Sing I'll Cry" com refrões eufóricos e folk desencantado com "See Here" onde Rory está sozinho com seu delicado violão.

Após seu lançamento, On The Boards recebeu boas críticas, algumas das quais o descreveram como um LP de blues rock progressivo. O grupo terá a oportunidade de se apresentar no festival da Ilha de Wight com Jimi Hendrix, the Who, Miles Davis, the Doors…

No entanto, isto não pode mascarar um desacordo crescente entre os músicos. John Wilson e Richard McCracken gostariam de dar a sua opinião. Podemos entender isso. Mas Rory Gallagher, guitarrista/cantor/tocador de gaita completo, onipotente e imensamente talentoso, não tem conselhos para receber de ninguém. É óbvio que este último deve se comprometer com uma carreira solo.

O combo fez seu último show na véspera de Ano Novo de 1970/1971 em Belfast. John Wilson e Richard McCracken formarão o Stud. Quanto a Rory Gallagher, ele está abrindo caminho em seu nome com o sucesso que conhecemos. Ele morreu em junho de 1995.

Resta um grupo irlandês que se tornou um lendário precursor do hard rock, do qual ainda se falará. Por iniciativa dos dois sobreviventes e com um novo guitarrista, em 2009 o Taste ressurgiu.

Títulos:
1. What’s Going On   
2. Railway And Gun 
3. It’s Happened Before, It’ll Happen Again
4. If The Day Was Any Longer        
5. Morning Sun         
6. Eat My Words       
7. On The Boards      
8. If I Don’t Sing I’ll Cry       
9. See Here    
10. I’ll Remember

Músicos:
Rory Gallagher: guitarra, voz, gaita, saxofone
Richard McCracken: baixo
John Wilson: bateria

Production : Tony Colton

CRONICA - TRAFFIC | Shoot Out at the Fantasy Factory (1972)

 

Após a publicação de The Low Spark of High Heeled Boys em 1971, a formação do Traffic passou por mudanças com as saídas do baixista Ric Grech e do baterista Jim Gordon. Para substituí-los, o organista/vocalista/guitarrista Steve Winwood, o percussionista/vocalista Jim Capaldi, o saxofonista/flautista Chis Wood e o tocador de conga Rebop Kwaku Baah recrutam Roger Hawkins na bateria e David Hood no baixo, ambos membros da Muscle Shoals Rhythm Section. Embarcando para a Jamaica, a nova fórmula da Traffic criou o Shoot Out at the Fantasy Factory no ano seguinte em nome da Island.

Composto por 5 peças, este LP é uma boa continuação do disco anterior. No entanto, o sexteto abandona todas as referências à música folclórica medieval para se concentrar no rock progressivo com influência do soul jazz. E para marcar a ocasião, começa em um estilo Santana arrasador com o título homônimo feito de um riff de hard rock esmagador, atravessado por uma percussão ardente, um gibão rítmico com um groove poderoso, uma flauta perturbadora e uma música funky. Excelente início, pé no chão que cheira a noites quentes e suor. Porém, o resto será uma série de passeios com um ambiente descontraído provavelmente influenciado pela tranquilidade do Caribe.

Então venham os 13 minutos com o cheiro das ilhas de “Roll Right Stones”, uma peça longa, comovente e dolorida em alguns pontos. A mistura de piano e órgão é maravilhosa, a flauta é sonhadora, como sempre o sax inclina-se para o jazz e Steve Winwood ainda tem a sua voz desesperada de soul crooner muito reconhecível.

O lado B começa com “Evening Blue” com um registro folk e exótico, com climas melancólicos e irreais. Continuamos na música cool com a sensual “Evening Blue”, instrumental que conta com os teclados de Barry Beckett e o clavinete de Jimmy Johnson (ambos também integrantes da Muscle Shoals Rhythm Section). Continuamos no mesmo caminho com o blues desencantado e nostálgico “(Sometimes I Feel So) Uninspired”.

Menos espetacular do que a obra anterior, Shoot Out at the Fantasy Factory continua cativante.

Títulos:
1. Shoot Out At The Fantasy Factory          
2. Roll Right Stones  
3. Evening Blue        
4. Tragic Magic         
5. (Sometimes I Feel So) Uninspired

Músicos:
Steve Winwood: Piano, Ogue, Guitarra, Vocais
David Hood: Baixo, Violino
Chris Wood: Saxofone, Flauta
Roger Hawkins: Bateria
Jim Capaldi: Percussão, Vocais, Backing Vocals
Reebop Kwaku Baah: Percussão
+
Barry Beckett: Teclados
Jimmy Johnson: Clavinete

Produzido por: Steve Winwood

Pienza Ethnorkestra – Indiens D'Europe (2005, CD, France)

Tracklist:

1. Ali Lennti (7:14)
2. Smeceno Horo (7:33)
3. Comme des oiseaux (9:42)
4. Gengis Khan/La steppe (14:47)
5. Eraglubeidolem (11:03)
6. Geamparalele Lui Haidim (9:07)

Musicians:
Drums – Daniel Jeand'heur
Electric Bass – James Mac Gaw
Hurdy Gurdy [Vielle A Roue] – Thierry Bruneau

A música foi gravada ao vivo durante o verão de 2005 e é muito pesada, o realejo elétrico sendo tratado como uma guitarra com muita potência e distorções. Folk é apenas uma base para esta poderosa jam entre 3 músicos excepcionais, cada um ultrapassando os limites de seu instrumento de maneiras muito incomuns: realejo elétrico distorcido, bateria explosiva e um ENORME baixo Zeuhl que toca o refrão quase a cada minuto. Difícil de nomear… explosivo-zeuhl-folk

Jlin - Akoma (2024)

 

Akoma (2024)

Jlin

Finalmente conseguimos. Jlin manipula o footwork há mais de uma década, pegando um gênero construído para a dança coletiva e transformando-o em novas formas. Até agora, ela concentrou seus esforços em diferentes épocas: a era Dark Energy, que levou o footwork a um extremo violento com graves monolíticos estridentes e samples raivosos, mostrando aos ouvintes que ela não era alguém com quem se mexer. A era do Origami Negro que destacou o caráter tribal do footwork, destacando a percussão e suas raízes culturais nos ritmos mundiais feitos para a dança. E então a era Autobiography, onde Jlin tem se acotovelado com acadêmicos e mudado seu som para ser mais focado nas cordas, suas composições intrincadas e complexas raspando as arestas e tecendo influências daqueles que aparecem aqui como características. Ela deixou de ser uma siderúrgica de Indiana ouvindo RP Boo para ser levada muito a sério como compositora e essa trajetória reflete isso. Seu trabalho vem chamando a atenção há anos, desde trabalhar com DJ Rashad , até Aphex Twin usar seu trabalho extensivamente em seu retorno Day For Night set em 2016 e depois influenciar seu próprio som no Collapse EP , e colaborar com grandes nomes. não apenas na música eletrônica, mas na música em geral.

Akoma parece a fusão de todas essas eras de Jlin finalmente trabalhando juntas. O baixo esmagadoramente massivo, as pausas no intervalo, o ataque tribal da bateria e os elementos clássicos modernos, todos se unem com a batida pulsante do IDM para formar a imagem completa de Jlin como artista. Ela lutou para ser levada a sério e depois se concentrou mais nos elementos intrincados e não conflituosos de sua música para um contexto mais acadêmico, mas este é um abraço em grande escala da jovem Jlin, que abriu caminho para a frente com seu talento inegável. . Este álbum é emocionante do início ao fim e super consistente, com ritmos variáveis ​​e transbordando de ideias a qualquer momento. Akoma é tão ousada, tão complexa, tão descolada e dançante, ao mesmo tempo que mostra sua visão única que realmente soa como ela e mais ninguém. O futuro de Jlin é brilhante e mal posso esperar para ver o que está reservado para ela (e para nós) a seguir.

Julia Holter - Something in the Room She Moves (2024)

 

Something in the Room She Moves (2024)

Julia Holter

Cinco anos e meio se passaram sem uma palavra de Julia Holter e, à medida que os anos avançavam e o mundo se transformava implacavelmente, fiquei cada vez mais ansioso para ouvi-la. Aviary foi um ponto alto não apenas na carreira de Holter, mas na música do século 21, um mundo sonoro incrivelmente generoso onde a linguagem e a tonalidade pareciam invertidas e brilhantes. Eu suspeitava que ela revisitaria as estruturas das músicas pop de alguma forma. Eu estava errado.

Corajosamente, Something in the Room She Moves é ainda mais desvinculado da estrutura e da convenção. Mas enquanto Aviary era um alargamento máximo da tela, SRSM (abreviatura que escolhi) volta-se acentuadamente para dentro. Porém, não para dentro de suas emoções, pensamentos e sentimentos como eles aparecem para ela. Este álbum é criptografado, uma submersão nas profundezas infinitas do inconsciente. Há emoções grandes, coloridas e dolorosas sendo expressas aqui, mas não em formas reconhecíveis, não com linguagem normal, não com estruturas clássicas. O desespero e o desejo em jogo aqui são radicalmente reconstituídos de maneiras novas e emocionantes.

O nível de introspecção deste álbum é de tirar o fôlego. Depois da faixa de abertura enganosamente movimentada, Sun Girl, que é efervescente e elevada, somos brindados com uma série de escavações de uma mente que se desenrolam lentamente; parece uma forma pretensiosa de dizer 'balada', mas não são baladas, porque não expressam nada de determinado e as estruturas são totalmente abertas. Soliloquy pode ser um termo melhor para uma faixa como Materia, uma peça solo impressionante onde a voz de Holter salta irregularmente e cai suspirando sobre acordes de teclado selvagens e gelados. É um dos muitos momentos do álbum que parecem uma crise interior, ou uma noite escura da alma, mas que não pode ser expressa em inglês simples ou em tonalidade ortodoxa. É dramático nessa faixa, mas em outros lugares essa dinâmica está envolta nos timbres sensuais do jazz, até mesmo em algumas notas de blues nas linhas vocais de Holter. É uma escolha de sequenciamento um pouco curiosa do Holter; Acho certo colocar esses solilóquios na primeira metade do álbum, antes que os ouvidos e a atenção se cansem, mas acho que o álbum é um pouco desequilibrado, perdendo algum impulso construído pela faixa de abertura. Quando Spinning rola, com seu groove eletromecânico de jazz, parece uma dose de café expresso depois das escavações nubladas que o precederam, e talvez pudesse ter chegado antes.

A forma como esse álbum é gravado e mixado é marcante. Muitas vezes é uma coisa técnica e nerd comentar sobre escolhas de mixagem – elas geralmente não importam muito – mas aqui a organização dos sons é contra-intuitiva e irreal. Os baixos são profundos, altos e comprimidos, os toques líricos de Devin Hoff ressoam nas faixas, muitas vezes em homofonia com os acordes de Julia. As reverberações são proeminentes e incoerentes, algumas harmonias vocais embebidas em ecos cavernosos de catedral, mas alguns vocais e instrumentos principais ressoam em pequenas salas claustrofóbicas. Ouvimos esse efeito de mixagem desorientador em Sun Girl – ouça a faixa; em que espaço deveríamos estar agora? A voz de Julia soa tão próxima, as cordas docemente dissonantes (vou usar muito essa frase) soam tão distantes e nebulosas. Parece muito com uma pista construída em gravidade zero, artificial, mas não programada por computador.

Tonalidade e harmonia oscilam e deslizam ao longo do álbum, baixos, sintetizadores e vozes brilhando em uma mistura de som, dissonante, mas de alguma forma principalmente doce. Às vezes soa como o frescor sensual do jazz, mas às vezes as coisas brilham e gemem de uma forma que me lembra mais a música recente da amiga de Holter, Laurel Halo, com nuvens de tonalidade pendentes sem solução. Certos acordes apontam para tristeza e melancolia – como eu disse, há uma sensação generalizada de crise interna à espreita nesta música. Mas também há uma justaposição impressionante entre melancolia e diversão. Como em Aviary, a diversão permeia esta música. Meyou é uma exploração das possibilidades da voz; desacompanhadas durante 5 minutos, as vozes vibram, ululam, gritam, harmonizam-se e deslizam, evocando o canto da baleia, o choro, o ritual febril do grupo. Mais prosaicamente, a faixa-título continua se abrindo para esses espaços abertos da pradaria, trazendo à mente o pop clássico dos anos 70, o rádio AM, como um Laurel Canyon do inconsciente meio lembrado. Isso é divertido – é divertido brincar com gênero e pastiche como este, até porque Holter nunca corre o risco de realmente fazer pastiche de gênero sincero. Esta é uma música implacavelmente autônoma, e eu realmente não consigo pensar em nenhum paralelo sonoro com ela, como não consegui com Aviary.

A faixa final, Who Brings Me, abre com a letra 'as I fall sleep'. Isso é um pouco divertido, porque ouvir este álbum é como estar imerso na parte mais profunda de um sonho, onde você se depara com rostos do passado ao lado de quimeras surreais de sabe-se lá onde, onde fragmentos triviais de memória e eventos parecem carregados com intenso significado, e você acorda com o pior ou melhor humor de sua vida, incapaz de sequer lembrar o que sonhou segundos depois de retornar ao controle consciente do ego. Os sonhos quase nunca são tão bonitos. Se o álbum parece pós-moderno e experimental, é verdade, mas acho que Julia Holter é incapaz de fazer música que não seja bonita. Ela é simplesmente talentosa o suficiente para fazer músicas lindas de uma forma que nenhuma outra música é bonita. No final de Talking to the Whisper, uma flauta e teclas (gaita de foles elétrica?) perseguem-se no registro agudo, como pequenas carriças esvoaçando em torno dos galhos de uma árvore, fazendo isso por si mesmas, parte do vasto e intrincado tecido da vida . O delírio é abundante, apesar de tudo.

Tyla - TYLA (2024)

 

TYLA (2024)

Tyla

A direção que o som Afrobeats tomará na década de 2020 tem sido um exame fascinante, especialmente com o gênero Amapiano borbulhando no cenário musical sul-africano em 2018. Notavelmente, há o desenvolvimento atual do gênero Afropiano que aparece ainda mais desde sua criação. pontos de origem no início de 2010, polinizando tanto Afrobeats quanto Amapiano, misturando suas características que eventualmente resultam em um som que esculpe suas raízes dançantes com as batidas vibrantes do primeiro e os ritmos house cintilantes do último. Embora tenha várias maneiras de se ramificar enquanto ainda está em seu estágio de desenvolvimento, agora está começando a ser adotado nos círculos mainstream, mais importante ainda, com o avanço de Tyla na cena, mais tarde catapultando-se através de seu single inovador 'Water' e aproveitando esta vantagem para dedicar tempo à criação do seu projeto do oriente, 'TYLA'.

Na estreia autointitulada de Tyla, ela imediatamente se mostra autoconfiante com sua presença como intérprete e compositora, capaz de acompanhar essas batidas afropiano texturizadas e bem produzidas com uma variedade de percussões embaralhadas, sintetizadores e até mesmo acústica sobressalente que carragea melodia suficiente para deixar os lindos toques You call me from Pop to R&B from Tyla. Singles como 'Água' e 'Truth or Dare' acariciam as melodias a todo vapor, cortesia de ganchos excelentes, combinados com as melodias vocais de Tyla criando um tom delicioso em todo o disco, uma qualidade que continua ainda mais no cenário arenoso e mais leve de 'On and On ', os movimentos melódicos glaciais com a instrumentação nebulosa em 'Breathe Me', bem como as hipnóticas passagens de guitarra de 'Butterflies' e 'Priorities' que acentuam os elementos quentes dessas músicas. Embora haja casos em que as melodias se tornam uma nota e rígidas, as composições das músicas tornam-se um pouco breves - incluindo as músicas que possuem características que proporcionam uma performance sólida, mais especialmente Tems que funciona incrivelmente bem no breve, mas impressionante 'No.1', e o ímpeto acaba vacilando na segunda metade, o projeto consegue cultivar pelo menos uma paleta sonora consistente e uma produção que se adapta bem ao carisma convidativo de Tyla.

E essa presença convidativa permite que a narrativa se mova diante do palco. A princípio, pode ser apenas um arco de Tyla procurando novos amantes neste projeto com a confiança que ela carrega, mas se aprofunda em algumas camadas à medida que ela acaba em relacionamentos vacilantes, uma situação frustrante para Tyla desde quando ela dá seu amor, ela dá de todo o coração. Mesmo assim, isso a deixa exausta, onde dar tanto de si mesma aos seus parceiros só a leva a não economizar tempo e presença suficientes para si mesma, um sentimento complexo que é quebrado ainda mais na última música, onde Tyla relembra aquele desgosto como ela termina o arco geral magoada e vulnerável, com aquela sensação de confiança sendo despojada após o resultado. Um arco bastante sólido, mas fica manchado pela forma como a metade posterior do álbum se apoia em flertes e flexões simplistas que não aprofundam a narrativa em si, onde poderia ter adicionado um senso de introspecção ou quaisquer detalhes que expandissem a turbulência pessoal. isso dará à construção da escrita mais ressonância emocional.

Um projeto de estreia sólido que incorpora a tapeçaria sonora afropiana em encruzilhadas interessantes, Tyla com a sua presença impressionante como intérprete é mais um canal para o som progredir ainda mais profundamente no futuro, capaz de levar adiante o som sempre crescente com o seu carisma envolvente que combina com as batidas texturizadas e a produção encantadora com eficiência. Não é exatamente um destaque, entretanto, já que certas falhas na composição e na escrita fazem com que este álbum forneça seus graves mais fracos, incapazes de ficar um pouco mais nítidos e pegajosos. Apesar de toda a dor que sente, Tyla não desiste. Afinal, ela agora tem um futuro à sua frente, algo que a manterá sempre em frente.

CRONICA - THE BLUES PROJECT | Blues Project (1972)

 

Após a publicação de Lazarus em 1971, o guitarrista Danny Kalb, o baterista Roy Blumenfeld e o baixista Don Kretmar aumentaram as fileiras do Blues Project ao trazer o tecladista David Cohen (ex-Country Joe & The Fish) e o guitarrista Bill Lussenden. Mas acima de tudo a formação conta com o retorno do cantor Tommy Flanders, presente em parte na primeira obra, Live at the Cafe Au Go Go, de 1966.

Em 1972, o sexteto lançou um LP homônimo composto por 9 músicas pela Capitol. Don Kretmar deixando de lado o saxofone, o grupo abandona qualquer referência ao soul e ao jazz que caracterizava Lazarus com exceção do boogie “Easy Lady”. Aqui o combo vai direto ao ponto ao oferecer um rock inspirado no blues pesado, sem frescuras, para um resultado que está longe de ser ruim.

Ele abre com um rufar de tambores em um cover de Willie Dixon, “Back Door Man” popularizado pelos Doors. Aqui, Blues Project oferece uma versão hard rock e tribal com vocais um tanto nervosos, riffs de acid rock, ritmos no estilo Diddley, solos de blues, bateria e baixo selvagens. Bom começo que deixa o country rock de Tim Harding “Danville Dame” vir com uma atmosfera rastejante próxima de Steppenwolf (na verdade a voz de Tommy Flanders em alguns lugares lembra a de John Kay). Junto vem a balada dolorosa e comovente “Railroad Boy”. Uma música tradicional que Joan Baez cantou uma vez. “Rainbow” é um folk blues exótico que também nos lembra Steppenwolf. É preciso dizer que o produtor é Gabriel Meckler que produziu a discografia Steppes Wolf de 1968 a 1970. Encontramos essa influência na balada nostálgica e sensível “Plain And Fancy” com pesados ​​aromas folk.

De resto encontramos blues lentos, “Little Rain” de Jimmy Reed onde o cantor se transforma em crooner e rock melódico “Crazy Girl” que brinca com as emoções. Assim como na abertura, o disco fecha com um cover de Willie Dixon, “I'm Ready” em um registro de blues pesado evocando Cream.

Em suma, no final temos um bom registo, senão excelente. Infelizmente este Lp será criticado pela crítica (assim como Lazarus ) causando mais uma vez a separação do Blues Project. Mas ele não disse sua última palavra.

Títulos:
1. Back Door Man
2. Danville Dame
3. Railroad Boy
4. Rainbow
5. Easy Lady
6. Plain And Fancy
7. Little Rain
8. Crazy Girl
9. I’m Ready

Músicos:
Danny Kalb: Guitarra
Roy Blumenfeld: Bateria
Don Kretmar: Baixo, Saxofone
David Cohen: Teclados
Bill Lussenden Guitarrista
Tommy Flanders: Vocais

Produção: Gabriel Meckler