quarta-feira, 1 de maio de 2024

Discografias Comentadas: Dark Angel

 



Formado em 1983, na Califórnia, o Dark Angel foi, junto com o Slayer,  uma das bandas norte-americanas que levou o thrash metal aos seus momentos mais extremos, beirando o death metal, sendo assim uma enorme influência para as bandas surgidas dentro deste estilo na década seguinte, principalmente na Flórida. Nos seus nove anos de existência, o grupo gravou quatro álbums, que serão dissecados nesta edição da seção Discografias Comentadas.
We Have Arrived [1984]
Após lançar algumas demos no ano anterior, a formação inicial do Dark Angel, que contava com o vocalista Don Doty, os guitarristas Jim Durkin e Eric Meyer, o baixista Rob Yahn e o baterista Jack Schwartz, entrou em estúdio em 1984 com o produtor Bill Metoyer para registrar seu disco de estreia, modestamente entitulado We Have Arrived. Com uma sonoridade totalmente calcada no Slayer da fase Show No Mercy, o disco apresenta um speed/thrash metal direto, simples e eficiente, ainda que distante do extremismo e da complexidade técnica que a banda apresentaria no futuro. Ainda assim, entusiastas do estilo certamente não terão do que reclamar de músicas como “Welcome to the Slaughterhouse”, incluída na coletânea Metal Massacre VI (1985); “No Tomorrow”, que tem aquela veia NWOBHM que as bandas thrash apresentavam em seus primeiros discos; e “Vendetta”, com seu riff cavalgado e empolgante. Em resumo, We Have Arrived é um bom disco de estreia, que deixou claras as influências das banda, mas que ainda carecia de mais identidade própria.
Darkness Descends [1986]
Após o lançamento de We Have Arrived, o Dark Angel passou por uma mudança de formação que afetaria diretamente a sua sonoridade: a saída do baterista Jack Schwartz e a entrada de Gene Hoglan, muito mais técnico que seu antecessor, e um mestre no uso de dois bumbos. Com essa mudança, o grupo gravou um dos mais extremos álbuns de metal até então, o clássico Darkness Descends. Lançado em 1986, o disco se situava no limite entre o thrash e o death metal, assim como os não menos clássicos Reign in Blood, do Slayer, e Pleasure to Kill, do Kreator, lançados no mesmo ano. Já na abertura, com a faixa-título, é notável o andamento mais acelerado e a maior complexidade e intensidade dos riffs, além da performance vocal insana de Don Doty. A mesma pegada é mantida na música seguinte, “The Burning of Sodom”, e na sensacional “Death Is Certain (Life Is Not)”, na qual o trabalho de bateria de Gene Hoglan é primoroso. Há ainda uma regravação para uma música do disco anterior, “Merciless Death”, em uma versão mais rápida e agressiva. O disco se encerra com duas faixas excelentes, “Black Prophecies”, a única canção do disco com um andamento mais cadenciado, mas dona de riffs sensacionais; e “Perish in Flames”, que não deixa pedra sobre pedra e é uma aula de violência e agressividade. No geral, assim como Reign in BloodPleasure to Kill e até mesmo Bonded by Blood (Exodus), Darkness Descends é um item obrigatório para quem aprecia as vertentes mais extremas do thrash metal, e foi um disco importantíssimo para a consolidação de estilos ainda mais pesados e intensos.
Leave Scars [1989]
Se Darkness Descends ficou marcado pela agressividade e extremismo, o lançamento seguinte do Dark Angel, Leave Scars, é mais conhecido por ser um disco de transição, que mescla a pegada mais direta e extrema do disco anterior a riffs complexos e variações de andamento, que se tornariam ainda mais presentes no álbum seguinte, Time Does Not Heal, de 1991. Contudo, em nenhum momento essa mistura representa uma queda de qualidade, e para muitos fãs, Leave Scars é tão bom ou até melhor que seu antecessor e seu sucessor. Apresentando o novo vocalista Ron Rineheart e o baixista Mike Gonzalez, o disco revela faixas estupendas como “The Death of Innocence”, que tem riffs e solos espetaculares; “No One Answers”, que tem uma clássica paradinha thrash metal em sua introdução; e “The Promise of Agony”, mais cadenciada e na linha do que o Slayer fez em South Of Heaven. Mais uma vez, é impossível não elogiar o trabalho de bateria de Gene Hoglan, variado, técnico e irrepreensível. Leave Scars foi relançado recentemente no Brasil pela Shinigami Records, e uma resenha mais detalhada do disco pode ser encontrada aqui.
Time Does Not Heal [1991]
Nove músicas, 67 minutos, 246 riffs! Foi dessa forma que Time Does Not  Heal foi promovido pela Combat Records na época de seu lançamento, em 1991. Acho que ninguém parou para contar e conferir se o número estava certo, mas é impossível negar que este disco seja uma avalanche de riffs thrash metal. O álbum também marcou o único registro em estúdio com o guitarrista Brett Eriksen, que substituiu Jim Durkin em 1990. Com um andamento menos extremo que em seus dois álbuns anteriores, o Dark Angel compôs músicas mais complexas, repletas de mudanças de tempo e variações rítmicas. Tudo isso já fica aparente na primeira faixa, “Time Does Not Heal”, que conta com diversos riffs e um trabalho de bateria fenomenal, além de ótimos solos de guitarra. O vocal de Ron Rineheart também está mais grave e contido, o que casa bem com o instrumental da banda. “Pain’s Invention, Madness” é outro destaque do disco, e tem um ótimo refrão. Vale ressaltar que apesar de todas as músicas terem mais de seis minutos, em nenhum momento a audição do álbum se torna cansativa, visto que músicas como “The New Priesthood”, apesar de longas, prendem o ouvinte o tempo todo. Algumas faixas, como “Sensory Deprivation”, mostram o porquê de Gene ter sido escolhido para entrar no Death, já que combinam totalmente com o estilo adotado pela banda em Individual Thought Patterns, de 1993. O disco se encerra com “A Subtle Induction”, a música mais direta do álbum, que remete ao seu antecessor, Leave Scars. Em resumo, um disco bem diferente do mais conhecido da banda, Darkness Descends, e recomendável mesmo para quem não curte o lado mais extremo do thrash metal.

Heliocentrics & Melvin Van Peebles - The Last Transmission 2014


“Alto alcance” é sem dúvida a melhor maneira de descrever o coletivo supertalentoso The Heliocentrics, um ato incrivelmente exigente de caracterizar. Em sua página no Facebook, eles proclamam seu estilo como “psicodelicamente quebrado jazzsoulfunk” – bastante justo. Deixando as gravadoras de lado, colaborando com o cineasta multi-talentoso, artista musical e certificado Baadasssss Melvin Van Peebles, The Heliocentrics entregam algo próprio gesamtkunstwerk. Claro, não há nenhum componente visual – como o conceito wagneriano implicaria – mas a ambiciosa narrativa cósmica The Last Transmission é como poucos outros álbuns dos tempos modernos.

“Chapter 1: Prologue” estabelece o tom do álbum, oferecendo o primeiro gostinho dos vocais poéticos de Van Peebles. Na abertura, os Heliocêntricos fornecem uma espécie de trilha sonora para o discurso de Van Peebles. Os próprios heliocêntricos assumem um papel mais de acompanhamento e complemento, cedendo os holofotes à história espacial de Van Peebles.

“Capítulo 2: Big Bang Transmission” apresenta mais os instrumentistas do que o prólogo, à medida que os sons se tornam mais cacofônicos por natureza. As tendências do jazz ainda estão em vigor, ancoradas no groove, mas há transcendência além do básico. Van Peebles não aparece até o final, fornecendo uma deixa lírica para o “Capítulo 2” seguir para o breve “Capítulo 3: Procurando Sinais”. Barulhento e perturbador, “Capítulo 3” exemplifica o som único dos Heliocentrics.
Mais uma vez, Van Peebles conduz a narrativa para “Capítulo 4: Névoa Azul”, outro número de som breve, mas distinto. A estrutura rítmica, aliada à intensidade do som e à cor geral, fazem com que este corte particular se destaque. Exclusivamente, Van Peebles expande o assunto (“névoa azul”) e tenta fornecer alguma clareza. Dito isto, The Last Transmission é tão motivado por seu tema astronômico que até mesmo a clareza da eloqüente narrativa de Van Peebles não é sinônimo de acessibilidade. “Capítulo 5: The Cavern” faz um excelente trabalho ao realmente focar em ser um poema musical, sem dúvida mais do que as versões anteriores. Os sons montados definitivamente fazem o ouvinte imaginar “a caverna”, mesmo que ela seja tão nebulosa quanto os enigmas do próprio universo. “Capítulo 6: Transformação (Pt. 1)” e “Capítulo 7: Transformação (Pt. 2)” continuam, firmemente investidos na formação da experiência de audição extraterrestre.
“Desmaiei de novo”, afirma Van Peebles no início do “Capítulo 8: Rotina Telepática”. “Quando voltei, tudo havia mudado… eu também me transformei em uma nuvem, assim como todo mundo.” Ainda bastante elevado para a compreensão total, com a ajuda da telepatia sendo definida como psíquica e algumas palavras-chave de Van Peebles, as peças estão aí. Musicalmente, o piano desempenha um papel fundamental, com uma abordagem proeminente e ritmicamente assertiva.
“Chapter 9: The Dance” tem um groove dançante, embora os instrumentos que ficam no topo sejam contraditórios, tendo pouco lugar na pista de dança. A segunda parte de “A Dança” torna-se enigmática, nada rebuscada dada a obsessão pela cosmologia. A letra titular “trust the cosmos”, abre o altíssimo “Capítulo 10: Trust The Cosmos (Believe in the Universe)”, que é repleto de funk espacial. A bateria toca forte, com o baixo fornecendo uma base robusta. “Capítulo 11: Lista Infinita (TossThe Dice)” parece falar sobre a imprevisibilidade do universo, ou alguma mensagem semelhante, dependendo de como se interpreta a poesia de Van Peebles, bem como a música áspera e estridente do coletivo. “Capítulo 12: Epílogo” conclui A Última Transmissão, ainda deixando o ouvinte questionando exatamente o que seus ouvidos ouviram. Como algumas das faixas mais gentis e gentis, “Epilogue” se beneficia de um groove comovente nativo do soul e da fusão dos anos 70. Que maneira mais adequada de encerrar o esforço de 36 minutos do que um sintetizador espaçoso?

Em última análise, The Last Transmission é um álbum que deixará alguns compreendendo completamente seu fluxo e narrativa, enquanto outros ficarão oprimidos, confusos ou completamente confusos por ele. Independentemente da interpretação que o ouvinte faça em última análise, o que é inegável é o elevado nível de criatividade e musicalidade dedicado a este álbum. Não é isento de falhas, mas The Last Transmission é definitivamente especial.




Barbara Manning - In New Zealand 1998

 

Fiel à sua forma colaborativa, este esforço "solo" de  Barbara Manning  é mais como um supergrupo transpacífico de indie rock sem o apelido bobo - não que qualquer um dos artistas muito respeitados, mas comercialmente negligenciados, da Nova Zelândia ( The Clean ,  os 3-D's ,  os Verlaines ) e os States ( Calexico ) poderiam adicionar pedaços de prestígio ao disco através de uma associação mais forte com sua gênese criativa. Para todos, exceto alguns geeks da música, esses artistas falam línguas musicais obscuras, portanto,  a verdade na embalagem da In New Zealand pouco importa. Basta chamá-lo de  esforço solo de Manning  para simplificar e ser grato pelo esforço. Os interessados ​​encontrarão muitos momentos ternos e às vezes sombrios e amargos neste lançamento da Comunhão de 1999. A carne metafórica de "Your Pies" (escrita por  Manning  e pelo roqueiro alfa neozelandês  Chris Knox ) ​​é talvez a mais difícil do conjunto, enquanto cortes agridoces como "Whatever I Do Is Right/Wrong" e "Everything Happens By Itself " compõem o prato principal contundente e poético desta festa minimalista. Quando os fãs de  Manning  começarem a digerir a simples veracidade de  Na Nova Zelândia , o resultado será um sentimento familiar e saciado, e o nome listado acima do título parecerá apropriado




Gary Burton Quartet - A Genuine Tong Funeral 1967

 

Uma das gravações mais intrigantes do vibrafonista Gary Burton, A Genuine Tong Funeral ( a suíte de Carla Bley  que retrata musicalmente atitudes em relação à morte) foi chamada por seu compositor de "Ópera Negra Sem Palavras". O clássico Quarteto de Burton (que também inclui o guitarrista  Larry Coryell , o baixista  Steve Swallow  e o baterista  Bob Moses ) é complementado por seis estrelas notáveis: o saxofonista soprano  Steve Lacy , o trompetista  Mike Mantler ,  Gato Barbieri  no tenor, o trombonista  Jimmy Knepper ,  Howard Johnson  na tuba e barítono e  a própria Bley  no piano e órgão. A música é dramática, ocasionalmente um pouco humorística e uma excelente vitrine para as vibrações de Gary Burton.














Eddie Mottau - No Moulding 1976


O guitarrista Eddie Mottau, nascido em Boston, desfrutou de uma carreira de cinco décadas que o levou através de uma dúzia ou mais de manias, ondas e outras tendências na música. A partir de um interesse de infância pela música folk, ele formou uma equipe com seu amigo  Joe Hutchinson  como Two Guys from Boston, que conseguiu gravar um single pela Scepter Records com  Paul Stookey , de  Peter, Paul & Mary , como produtor. A dupla acabou se tornando a banda de folk-rock psicodélico  Bo Grumpus , que se mudou para Nova York para ser gravada por  Felix Pappalardi . Esse grupo - que por um tempo assumiu o nome de  Jolliver Arkansaw  - durou até 1970.  Mottau retornou à  órbita de Paul Stookey tocando guitarra e atuando como co-produtor do primeiro  álbum solo  pós -Peter Paul & Mary deste último Paulo E. Esse projeto o levou a se cruzar com  John Lennon , o que resultou em seu trabalho com  a banda ao vivo de  Lennon , e em um show com o rebelde musical do Lower East Side , David Peel . Mottau gravou e lançou seu primeiro álbum solo,  No Turning Around  (MCA) - produzido por  Stookey  - em 1973. E voltou a trabalhar com  Lennon  no ano seguinte, em  Walls and Bridges , e novamente em 1975 em  Rock 'n ' Rolar . Outro álbum solo,  No Molding , foi lançado em 1977. Mottau continua a tocar e gravar, mas fora de New Hampshire - onde mora desde a década de 1980 - e não da cidade de Nova York. 

 



BIOGRAFIA DE Edson e Hudson

 

Edson & Hudson

Edson & Hudson[1] é uma dupla brasileira de música sertaneja formada pelos irmãos Huelinton Cadorini Silva, o Edson e Udson Cadorini Silva, o Hudson.

Carreira

Nascidos e criados em família circense, os irmãos tiveram grande apoio do pai, o palhaço e acrobata Gerônimo Silva, conhecido como Beijinho, que percebeu o carisma e o talento dos filhos ainda quando crianças. Incentivados pela família, começaram a cantar em dupla desde muito novos. Inicialmente, utilizavam os pseudônimos de Pep e Pupi e apresentavam-se em praças públicas, bares, rodeios, bailes e em circos. Acostumados desde cedo aos espetáculos e à estrada, logo adquiriram a experiência necessária para mostrar o potencial que tinham para a música.[carece de fontes]

Em 1991, já como Edson & Hudson, passaram pelo show de calouros de Raul Gil, onde tiveram a grande oportunidade de serem vistos e ouvidos pelo grande público. A voz poderosa e afinada de Edson unida aos riffs de rock da guitarra de Hudson (a época nada usuais na música sertaneja), chamaram logo a atenção do público e dos formadores de opinião. Essa mistura acabou se tornando o grande diferencial da dupla e marcou um estilo que revolucionou o mercado sertanejo, atraindo e influenciando uma nova geração de seguidores e artistas. Persistindo no sonho de fazer sucesso a dupla gravou o primeiro disco no ano de 1995.[2] Outro fato importante que ajudou a alavancar ainda mais a popularidade da dupla foi a explosão do mega hit "Azul" nas principais rádios do Brasil, no ano de 2002.[3]

Entre 1995 e 2009, a dupla passou por quatro gravadoras: RGESony MusicDeckdisc e EMI, lançando dezessete álbuns, entre CDs e DVDs de carreira e compilações, contabilizando a venda de mais de 1 milhão de discos. Também neste período, Edson & Hudson passou a figurar como atração principal dos maiores eventos de música sertaneja e rodeios, como: BarretosJaguariúnaAmericanaOsasco, entre outros, batendo consecutivamente o recorde de público de cada festa. Edson & Hudson formaram a primeira dupla a oferecer ao público um estilo de música diferente que revolucionou o mercado sertanejo, atraindo uma nova geração para o segmento. Atualmente, a dupla está na gravadora Onda Musical, integrante do Grupo Live.

A separação

Em 2009, eles fizeram questão de visitar cada cidade que fez com que o sonho deles se tornasse realidade e aproveitaram essa ocasião de reconhecimento nacional e sucesso por todo o Brasil para anunciar de forma respeitosa aos fãs e à imprensa, que chegou a hora de ambos seguirem seus caminhos, colocando em prática as ideias individuais em carreira solo.

No mesmo ano, os irmãos resolveram que era hora de se separarem para alçar novos voos e novos projetos (solo), entristecendo legiões de fãs em todo Brasil. Contudo, pouco antes da separação, deixaram registrado o álbum CD e DVD Despedida.

A volta da dupla

Após dois anos de dedicação aos seus projetos pessoais, Edson e Hudson concluíram que de fato um completa o outro, seja nos palcos, nas composições, nas parcerias e, principalmente, na vida. Para a alegria geral de todos os fãs da música sertaneja, os irmãos Cadorini decidiram então que era o momento certo para voltarem a cantar juntos. E assim foi feito: o primeiro show de retorno da dupla aconteceu no dia 22 de outubro de 2011, em São Paulo, no Credicard Hall, e os ingressos esgotaram com mais de uma semana de antecedência.

Essa bela trajetória que teve início há mais de 30 anos sob a lona de um circo, naturalmente fez com que a dupla decidisse marcar para o picadeiro a gravação do histórico DVD Faço Um Circo Pra Você – Ao Vivo (Radar Records), lançado em janeiro de 2013 e que agora levam para a estrada e para as rádios toda a magia de suas músicas.

Depois de um bom tempo afastado dos shows (9 meses), em virtude de problemas que renderam muito em blogs de fofocas e programas de TV de nível duvidoso, Hudson voltou aos palcos, ao lado de Edson, para o lançamento da turnê Conectados. A primeira apresentação da dupla, que contabilizava 35 anos de carreira, aconteceu no dia 4 de novembro, na capital paulista, no Villa Country. O repertório troxe as canções do álbum De Edson para Hudson, como "Coração Sangrado", "Pra Conquistar Uma Mulher", "Viver a Vida" e "Amor Gemidinho", além dos sucessos "Azul", "Foi Deus", "Porta Retrato", dentre outros.[4]

Desde que anunciaram a produção de um novo álbum para 2015, Edson e Hudson apresentaram dois singles, "Guarda-Roupa Vazio" e "Escândalo De Amor", que leva o nome do disco. Além das músicas mencionadas, os irmãos trouxeram "Contagem Regressiva", que conta com a participação especial de Bruno & Marrone, e "Vai Ser Gostoso" (já gravada por Zé Felipe). Produzido pela Universal MusicEscândalo de Amor, o vigésimo álbum de Edson e Hudson, foi lançado nacionalmente no dia 9 de outubro de 2015. Em 2017, os irmãos lançaram o CD e DVD Eu e Você de Novo - Ao Vivo, gravado ao vivo no Jaó Music Hall, em Goiânia (GO), nos dias 10 e 11 de maio de 2017,[5] trazendo grandes sucessos da dupla, músicas inéditas e participações especiais de Luan SantanaJorge & Mateus e Lauana Prado.

Em 2019, a dupla lança o projeto Amor + Buteco. Com produção musical de Ricardo Gama, o registro audiovisual do show Amor + Boteco está foi gravado no dia 27 de julho em apresentação da dupla na casa Credicard Hall, na cidade de São Paulo (SP).[6]

Turnês

  • 2005-2006: Turnê Galera Coração
  • 2006-2007: Turnê Duas Vidas, Dois Amores
  • 2008-2009: Turnê Despedida
  • 2011-2012: Turnê Deu Saudade
  • 2012-2013: Turnê Faço Um Circo Pra Você
  • 2014-2016: Turnê Conectados
  • 2015-2017: Turnê Estrelas (com Rionegro & Solimões)
  • 2017-2018: Turnê Eu e Você de Novo
  • 2019-atualmente: Amor + Buteco

Discografia

Ver artigo principal: Discografia de Edson & Hudson

ALBUM DE HARD ROCK/ROCK PSICODÉLICO

Miguel Abuelo & Nada - Miguel Abuelo & Nada (1973)

Muito antes de agitar a primavera alfonsinista da democracia recém-chegada com a segunda encarnação de Los Abuelos de la Nada, nos anos 80, a primeira versão deste grupo nasceu em França, dando origem também a um álbum amaldiçoado do qual pouco se sabia. lançados por esses lugares, e até a primeira edição para o mercado argentino deste álbum saiu há pouco tempo. Um álbum particular, onde há hard rock, psicodelia, experimentação, e também uma história muito rica onde acabam aparecendo muitas das maiores referências do rock argentino, e onde Miguel Abuelo, aquele garoto de rua que se tornou um poeta iluminado pela psicodelia e pelo Noroeste o folclore é o protagonista quase principal. Acabamos de apresentá-lo e agora revivemos este álbum tão particular. Um álbum cult que não pode ficar de fora 

Artista: Miguel Abuelo & Nada
Álbum: Miguel Abuelo & Nada
Ano: 1973
Gênero: Hard Rock / Rock Psicodélico
Duração: 60h10
Nacionalidade: Argentina


Aqui vamos nós com um álbum estranho, estranho. Um álbum cult que o músico gravou na França durante 1973 e é considerado um dos melhores trabalhos do artista.
Em primeiro lugar, vamos ao comentário que Bob nos traz e depois acrescentarei alguns outros comentários que encontrei na web. A primeira delas corresponde ao momento em que lançaram este álbum pela primeira vez na Argentina, já que Miguel Abuelo o gravou em França.
“Miguel Abuelo & Nada”, o álbum de culto que o recordado músico gravou em 1973 em França com um grupo também liderado pelo ex-Vírus Daniel Sbarra, e considerado um dos melhores trabalhos da carreira do líder dos Los Abuelos de la Nothing, foi publicado pela primeira vez no país em formato físico e digital.
Este é o único registo feito por Miguel Abuelo no seu longo exílio europeu, entre o início dos anos 70 e início dos anos 80, produzido pelo francês Moshe Naim, uma espécie de mecenas moderno, falecido há poucos anos, que financiou obras de Rafael Alberti, Pablo Neruda e Salvador Dalí, entre outros, e nesses anos ficou maravilhado com a arte do músico argentino.
O álbum chega pela primeira vez ao público local graças a uma edição feita pela RGS Music, empresa que lança artistas como Vox Dei, Willy Crook, La Cofradía del Flor Solar, Diego Frenkel e Generación Cero, entre muitos, e que tem uma loja de discos na Avenida Corrientes, no bairro portenho de Villa Crespo.
“Fico muito feliz por ter algo tão procurado, tão emblemático, no catálogo. É um álbum que aparece em todos os rankings como um dos melhores do rock argentino, mas não foi encontrado em lugar nenhum. Foi como um grande mito”, disse Andrés Galante, dono do selo.
Segundo a sua história, a possibilidade de publicar esta obra surgiu quando uma gravadora espanhola o contactou para comprar a licença que permitiria a publicação naquele país do álbum “Jeremías pies de lead” da Vox Dei.
“Quando comecei a investigar na Internet a quem vendia esta licença, descobri que tinham lançado em vinil esta cobiçada obra de Miguel Abuelo. Então me deram os dados de quem tinha os direitos, que era alguém próximo de Moshe Naim, entrei em contato com ele e em muito pouco tempo chegamos a um acordo”, explicou Galante.
A edição local de “Miguel Abuelo & Nada” respeita a foto original da capa, na qual se vê o líder dos Abuelos de la Nada com o filho Gato Azul ao colo; No seu interior contém a letra em espanhol e francês, como na versão inicial; e inclui a foto de todo o grupo, que inicialmente pretendia ilustrar o álbum.
Nele você pode ver os integrantes da banda, formada por Abuelo, nos vocais; Sbarra, nas guitarras e coros; Pinfo Garriga, no baixo e backing vocals; Diego Rodríguez, na bateria; e Carlos Bayris, no violoncelo e backing vocals, compactados em uma espécie de mala e um balão de ar quente com o nome do grupo.
“A qualidade do áudio me chamou a atenção. Não existe nenhum disco com essa qualidade no rock argentino daquela época”, observou Galante, referindo-se ao disco que combina o estilo particular de Abuelo com peças folk e rock pesado, marca com contribuição de Sbarra.
“É um álbum que adoro muito, por isso estou encantado com esta edição. Pareceu-me tremendo que nunca tivesse sido lançado aqui”, disse o próprio Sbarra a esta agência, que afirmou ter feito várias tentativas fracassadas de publicá-lo no país, e definiu o álbum como “um elo perdido” no rock argentino.
O ex-Vírus lembrou que o líder do Los Abuelos de la Nada o convocou para realizar alguns solos de guitarra no disco que estava gravando a pedido de Naim, porém a química musical entre os dois provocou uma mudança de planos.
“O Miguel ficou tão entusiasmado com o que estávamos a fazer que, no mesmo estúdio, disse ao Naim que todo aquele material ia para o lixo e que ia fazer um disco com um grupo liderado pelos dois. Foi assim que nasceu este trabalho de grupo, que é erroneamente considerado um trabalho a solo”, explicou Sbarra.
Acontece que passou mais de um ano entre a gravação do álbum e o seu lançamento, em que o grupo se dissolveu por divergências musicais, e como Naim pretendia continuar a trabalhar com Miguel Abuelo, lançou-o nas ruas com o título “Miguel Abuelo & Nada”.
No mesmo sentido, o produtor escolheu para a capa uma foto que mostrava apenas o líder de Los Abuelos de la Nada, ao invés de todo o grupo.
“A banda se chamava Nada porque adorei o nome Los Abuelos de la Nada, que foi o que Miguel usou no grupo com o qual gravou seus primeiros discos na Argentina, mas como queria deixar aquela fase para trás, optamos para este nome. Na verdade, primeiro éramos Filhos do Nada e depois reduzimos isso”, lembrou Sbarra.
Conclusão

Na arte da capa você pode ver os integrantes da banda, formada por Abuelo, nos vocais; Sbarra, nas guitarras e coros; Pinfo Garriga, no baixo e backing vocals; Diego Rodríguez, na bateria; e Carlos Bayris, no violoncelo e coros, embalados numa espécie de mala e num balão de ar quente com o nome do grupo. E há tanta coisa escrita sobre esta obra que a única coisa que me ocorre é trazer alguns dos muitos comentários que foram escritos aqui e ali, mas se você pesquisar encontrará mais, muito mais...

Et Nada (Nothing) é um álbum interessante e uma daquelas obras perdidas no tempo que conseguem surpreender pela sua performance, portanto um álbum a considerar e a ter em conta visto que possui elementos progressivos que conseguem adquirir um gosto musical especial. Abuelo, portanto encontramos um álbum bastante camaleônico; uma espécie de Hard Prog com elementos psicodélicos e breves incursões Folk que de uma forma ou de outra se torna uma espécie de pastiche sonoro muito eclético, realmente um trabalho interessante e muito original que assume uma postura ART-ROCK já que é composto por arranjos refinados, elegantes passagens, mudanças de tempo, incursões sinfônicas, elementos psicodélicos, letras poéticas, cenários pastorais e atmosferas ecléticas. Sem dúvida um trabalho verdadeiramente sublime e delicado.
Minidados:
*Em 1973 Miguel formou uma banda com músicos argentinos e uruguaios exilados como ele e formou Miguel Abuelo Et Nada. O álbum foi gravado com esse nome, mas só seria lançado em 1975, quando o grupo deixou de existir devido a desentendimentos entre seus integrantes. Foi assim que foi publicado como Et Nada. O álbum nunca foi lançado na Argentina ou na América do Sul.
O homem-mariposa

Los Abuelos de la Nada em sua primeira formação lançaram apenas um single com as músicas "Diana Divaga" e "Tema en Flu sobre el Planeta". Também aparecem em "La Estación" da coletânea "Mandioca Underground". Abuelo (Miguel Angel Peralta) como solista também publica dois singles: "Oye Niño"/"Você já olhou para você de frente?" e “Hoje seremos camponeses” / “Borboletas de madeira”. Sem ter gravado um disco, Miguel Abuelo emigrou para a Europa, e foi em França, durante 1974, que com um grupo denominado Hijos de Nada gravou o seu primeiro LP. Participam Daniel Sbarra na guitarra, Carlos Beyris no violoncelo, Pinfo Garriga no baixo, Diego Rodríguez na bateria, Gustavo Kerestachi no sintetizador e Juan Dalera na flauta e quena. As primeiras quatro composições pertencem a Miguel Abuelo. “Atirando pedras no rio” combina a energia rock da guitarra e o delicado classicismo do violoncelo, (co-instrumentos principais do álbum), que complementam a excelente voz de Miguel que vai da sua potência máxima a vários exemplos de subtileza. Como em outras músicas, não faltam abordagens ao Led Zeppelin. “The long day of living”, mais uma linda música imersa em um clima hippie. O violão se une ao violoncelo e à flauta, oferecendo um enquadramento encantador para a voz do Abuelo. “Estou aqui de pé, sentado e deitado” um clássico, com seu clima onírico, aqui são as percussões que se entrelaçam com o violoncelo e o violão no início da música, que desenvolve uma intensidade crescente. "The Dock", contendo fragmentos de poesia de Rumi, um poeta do século XIII, continua o devaneio, e agora acompanhado por sons de cravo, uma passagem de pesadelo precede o final dramático. As três últimas músicas pertencem ao guitarrista Sbarra. "Señor Carnicero" é uma canção de hard rock ornamentada com um arranjo viciante de violoncelo. "Recala Sabido Forastero" é uma música tranquila com toques barrocos e acompanhamento de Moog. Por fim “Octavo Sendero” mais um exemplo de rock ornamentado com excelente acoplamento, novamente, entre o violão e o violoncelo com um agradável arranjo de vozes. Álbum absolutamente recomendado. Entendo que existe uma edição em CD, embora não seja fácil de obter.

Progresiva anos 70

Em princípio, não tinha classificado este álbum como progressivo, mas lendo a referência da Musea Records vejo que o consideram um álbum progressivo... e quem sou eu para não aceitar o que a Musea Records diz, precisamente?:


Temas:
1. Tirando Piedras Al Rio 7.22
2. El Largo Dia De Vivir 4.25
3. Estoy Aqui Parado , Sentado Y Acostado 9.23
4. El Muelle 6.43
5. Secor Carnicero 4.41
6. Recala Sabido Forastero 4.09
7. Octavo Sendro 4.48
Bonus
8 Diana Divaga 3:20
9 Tema En Flu Sobre El Planeta 2:16
10 Pipo La Serpiente 2:32
11 Llovera 4:09
12 Oye Nino 3:40
13 Mariposas De Madera 2:55

Tópicos:
1. Atirando pedras no rio 7,22
2. O longo dia de vida 4,25
3. Estou parado aqui, sentado e deitado 9,23
4. A doca 6,43
5. Secor Carnicero 4,41
6. Terras estranhas conhecidas 4,09
7. Oitavo Caminho 4.48
Bônus
8 Diana Rambles 3:20
9 Tema de Flu sobre o planeta 2:16
10 Pipo, a cobra 2:32
11 Vai chover 4:09
12 Oye Nino 3:40
13 Borboletas de madeira 2:55

Formação:
- Miguel Abuelo / vocal principal e backing vocal, violão
- Daniel Sbarra / guitarra elétrica e backing vocal
- Pinfo Garriga / baixo e backing vocal
- Diego Rodríguez / bateria
Músicos convidados:
    Carlos Beyris - violoncelo e backing vocal
    Juan Dalera - quena en 2
    Luis Montero - bateria em 2
    Edgardo Canton - sintetizador em 1
    Gustavo Kerestesachi - sintetizador em 3

 Teca & Verónica - backing vocals em 2 e 3 

   


Destaque

Geronimo Black - Geronimo Black (1972)

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