Discografias Comentadas: Forbidden

 

Formado em San Francisco, em 1985, pelo guitarrista Craig Locicero e pelo vocalista Russ Anderson, o Forbidden foi uma das melhores bandas surgidas na segunda geração do thrash metal norte-americano, que também revelou nomes como Testament, Death Angel e Vio-Lence. Após encerrar suas atividades em 1997, a banda se reuniu para um show no festival Thrash Of The Titans em 2001, mas o retorno definitivo só se deu em 2007, quando o grupo começou a trabalhar em composições para um novo álbum, que viria a ser Omega Wave, lançado em 2011.

Forbidden Evil [1988]

Lançado originalmente pela Combat Records, o primeiro disco do Forbidden é considerado por muitos um dos álbuns definitivos do estilo. Contando com os ótimos riffs de Craig Locicero e Glen Alvelais, o baixo marcante de Matt Camacho, a bateria precisa de Paul Bostaph, que no futuro substituiria Dave Lombardo no Slayer, e com o vocal agressivo e melódico de Russ Anderson, o álbum apresenta um thrash metal vigoroso, técnico e extremamente empolgante. A faixa de abertura, “Chalice Of Blood”, dona de um riff fenomenal e de uma ótima linha vocal, acabaria se tornando o primeiro clássico da banda, mas outros destaques são a sensacional “Through Eyes Of Glass”, que tem um trabalho de guitarras absurdo e uma performance vocal insana de Russ Anderson, e a faixa-título, com seus riffs cavalgados e um belo refrão. Ainda que a produção soe um pouco datada hoje em dia, as composições e o desempenho dos músicos fazem de Forbidden Evil um disco essencial para os amantes do thrash metal, especialmente para quem curte bandas como Testament, Overkill e Death Angel.

Twisted Into Form [1990]

1990 foi um ótimo ano para o thrash metal. Discos como Never, Neverland (Annihilator), Rust In Peace (Megadeth) e Seasons In The Abyss (Slayer), todos lançados nesse ano, foram louvados como obras-primas do estilo. Foi em meio a essa competição ferrenha que o Forbidden lançou o seu melhor álbum, Twisted Into Form, um disco à altura dos outros citados anteriormente. O álbum apostava em um estilo similar ao seu anterior, um thrash metal técnico e variado, mas com uma produção mais caprichada e composições mais fortes. Após uma pequena introdução instrumental, “Inifinte” já deixa clara a evolução que a banda teve em tão pouco tempo, com riffs e solos sensacionais, além de diversas mudanças de andamento. Outro destaque é “Step By Step”, que passou exaustivamente nos bons tempos do Fúria Metal na MTV, e é uma música perfeita para o mosh e para as rodas em shows, com uma levada sensacional e um refrão inesquecível. O restante do disco, como a faixa-título e “R.I.P.”, mostra a banda apostando em músicas mais complexas e intricadas, mas sempre empolgantes, pesadas e marcantes. O vocal de Russ Anderson também apresentou uma grande evolução, e os riffs e solos de Locicero e do então novo guitarrista, Tim Calvert, são de arrepiar. Ainda assim, o principal destaque do disco é o baterista Paul Bostaph, que mostra que não foi à toa que o Slayer o convidou para assumir suas baquetas. Vale a pena mencionar que tanto Forbidden Evil quanto Twisted Into Form foram relançados há pouco tempo no Brasil pela Shinigami Records, ambos com encartes com fotos e faixas bônus.

Distortion [1994]

Depois do sucesso do Metallica com o Black Album e da ascenção do grunge, a cena thrash metal nunca mais foi a mesma. Enquanto albumas bandas, como o Megadeth,  suavizaram seu som, outras, como o Kreator e o Testament, passaram a experimentar com outros estilos. O Forbidden acabou escolhendo a segunda opção, e Distortion mostra uma banda bem diferente dos dois discos anteriores, apostando em climas mais lentos e soturnos, com Russ Anderson utilizando vocais mais graves e rasgados ao invés dos gritos e agudos, como fica claro na faixa-título, que abre o disco. Ainda assim, há momentos que lembram o Forbidden de outrora, principalmente em “Hypnotized By The Rythm” e “Feed The Hand”, as melhores faixas do disco. Contudo, músicas como “Mind’s I” e “The Undertaker” chegam a lembrar o Black Sabbath e até mesmo o Alice In Chains em alguns momentos, com resultados surpreendentemente bons. Há ainda uma versão de “21st Century Schizoid Man”, do King Crimson, bastante pesada e arrastada. Em resumo, Distortion não é um disco tão imediato quanto seus dois antecessores, mas possui alguns bons momentos. Só não espere por algo como “Chalice Of Blood” ou “Step By Step”.

Green [1997]

No fim dos anos 90, uma banda reinava suprema na cena heavy metal norte-americana: o Pantera. E esta posição certamente influenciou a sonoridade de diversas bandas na época, incluindo o Forbidden. Green é pesado, com uma ênfase maior no groove, e até o vocal de Russ Anderson está mais agressivo, remetendo diretamente ao estilo de Phil Anselmo. Algumas músicas ainda se destacam dentro desta nova sonoridade, como “Phat” e “Over The Middle”, mas no geral, pouca coisa se salva no disco, que se perde em riffs repetitivos e pouco inspirados.

Omega Wave [2011]

Quatorze anos após seu último disco, o Forbidden retornou com um álbum digno de seus dois primeiros e melhores, álbuns. A capa de Omega Wave remete à de Forbidden Evil, e os riffs intricados e empolgantes ao Twisted Into Form, mas com uma dose extra de peso e modernidade, como uma mistura entre o thrash clássico do conjunto com a sonoridade do Nevermore, banda da qual seu novo guitarrista, Steve Smyth, fazia parte. A faixa de abertura, “Forsaken At The Gates”, demonstra isto muito bem, com riffs e solos excelentes de Locicero e Smyth, além de uma ótima performance vocal de Russ Anderson.“Overthrow” é mais cadenciada e tem a participação de Steve “Zetro” Souza (ex-Exodus) e Chuck Billy (Testament) no refrão. No geral, o disco tem faixas mais diretas, como “Immortal Wounds” e “Dragging My Casket”, e outras mais complexas e progressivas, como a excelente “Hopenosis”, uma das melhores do álbum. Um ótimo retorno, que mostra uma banda em contato com as suas raízes, mas também apontando para o futuro.

Terence Trent D'Arby - Wildcard! 2001

 

Aonde você foi,  Terence Trent d'Arby ? É uma pergunta que deve ter passado pela mente até mesmo dos fãs casuais  de Terence Trent d'Arby  durante sua ausência de mais de seis anos dos holofotes após  Vibrador do TTD . Na verdade, foi um período extraordinariamente agitado para o artista, durante o qual, entre outras coisas, ele lutou e finalmente conquistou a sua liberdade da Sony, estabeleceu-se em Itália, experimentou um profundo renascimento pessoal e espiritual, alterou o seu nome em conformidade, assinou um contrato com o pequeno selo Java do produtor  Glen Ballard , passou grande parte de 1998 gravando três álbuns de músicas, teve um desentendimento criativo e se separou de  Ballard , abriu sua própria gravadora, passou vários anos dando os retoques finais em e reduzindo um conjunto de músicas para um retorno provisoriamente intitulado The Solar Return of TTD, e finalmente ressurgiu com  Terence Trent d'Arby's Wildcard!  Aqueles que tiveram a paciência de seguir  d'Arby  foram recompensados ​​com esta obra-prima incomparavelmente rica, sem dúvida a sua melhor gravação até agora, e um retorno indiscutivelmente tão ousado, ambicioso e incategorizável como qualquer um poderia ter esperado ou imaginado.   Vamos chamá-lo de Apresentando a Linha Dura de acordo com Sananda Maitreya. Um disco tão aventureiro raramente passa pela burocracia, então faz sentido esse  Wildcard!  encontrou seu próprio caminho para o público. É apropriado também que ele se apresente por meio da efervescente explosão de metais "O Divina", o pitoresco banjo de martelo dando lugar a  paradas de sopro estilo Chicago  e um tenor corajoso e ginástico tão doce quanto  o de Sam Cooke era suave. A música pode ser uma espécie de retrocesso, mas o resto do álbum é decididamente voltado para o futuro, seja reinventando o R&B para o século 21 (a transparente "Girl", a suave "Some Birds Blue" e o roboto-funk de "SRR -636*" e "My Dark Places", esta última como um  Earth, Wind & Fire futurista  liderado por  Al Green ), permanecendo alguns loops à frente da curva eletrônica (  "Drivin' Me Crazy" e "Drivin' Me Crazy" produzidos por Dallas Austin ). Ev'rythang", que só pode ser rotulado - se for necessário - trip-hop), ou estendendo a sensual fusão jazzística de  "Undeniably" do Vibrator em "Shalom". Isso ainda deixa muito espaço para pop meloso como “Sweetness” (com a participação de  Wendy Melvoin ) e “Sayin’ About You” e o rock cremoso de “And They Will Never Know” e “Goodbye Diane”. "Tudo isso e o recém-metamorfoseado Maitreya  oferecem uma performance vocal extraordinariamente sublime.  Wildcard!  é soul music com S maiúsculo e no sentido mais amplo, emocionante e visionário.

Nick Mason - The Fictitous Sports 1981

A Columbia, aparentemente tentando lucrar com  a explosão de popularidade do  Pink Floyd , lançou este álbum em 1981 sob o nome de Nick Mason, quando na realidade ele é simplesmente o baterista nesta encarnação do  conjunto de Carla Bley ; Sra.  Bley  compôs todas as músicas e letras deste projeto. É possivelmente seu álbum mais abertamente pop, com todas as oito músicas apresentando vocais do   ex-aluno  do Soft Machine, Robert Wyatt . A música, pelos  padrões de Bley , é bastante prosaica, embora ocasionalmente cativante, embora as letras sejam muitas vezes ironicamente divertidas. Portanto, temos músicas sobre motores de carros com defeito e o encontro de um cético com um disco voador, e uma dedicada ao público insatisfeito, intitulada "Boo to You Too". Embora a banda seja composta por vários bons músicos de jazz, a música tem um toque mais rock ou jazz-rock, em grande parte devido ao destaque dado ao guitarrista  Chris Spedding , que evidencia um talento habilidoso, embora relativamente desinteressante. Na medida em que as músicas tenham sucesso,  Wyatt  pode receber grande parte do crédito. Sua voz envolvente e rouca é capaz tanto de sinceridade comovente quanto de humor mordaz; peças como "Do Ya?", onde ele é solicitado a gritar tortuosamente a frase "Deus sabe que eu tento!", entrariam em colapso total com um vocalista menos convincente. A faixa final, “Sou Mineralista”, é a que deixa uma impressão duradoura. Combinando geologia e minimalismo, inclui versos como "Erik Satie tira minhas pedras / Cage é um sonho / Philip Glass é mineralista ao extremo", antes de lançar uma versão perfeita de algumas   medidas Glassianas claramente brandas. Para  os finalistas do Pink Floyd  , este álbum pode fornecer um vislumbre de um universo alternativo do qual eles não tinham conhecimento, mas os fãs das  obras-primas anteriores de  Bley , como Escalator Over the Hill,  provavelmente ficarão um tanto desapontados

MUSICA&SOM

Chris Stapleton - Traveller 2015

Como muitos trovadores country,  Chris Stapleton  começou a trabalhar como compositor em Nashville, produzindo músicas que resultaram em sucessos nas mãos de outros.  Kenny Chesney  trouxe "Never Wanted Anything More" para o primeiro lugar e  Darius Rucker  fez sucesso com "Come Back Song", mas essas associações sugerem que  Stapleton  seguiria uma linha mainstream quando gravou sua estreia em 2015,  Traveller . Este novo lançamento, no entanto, sugere algo mais áspero e turbulento - um  Eric Church  sem fixação metálica ou um  Sturgill Simpson  despojado de afetações psicodélicas artísticas. Algo mais próximo de um  Jamey Johnson , em outras palavras, mas onde  Johnson  muitas vezes parece oprimido pelo manto de um fora-da-lei dos últimos dias,  Stapleton  é bastante ágil enquanto desliza entre todos os estilos do sul. Parte dessa suavidade deriva do  canto flexível de Stapleton . Como o raro compositor contratado que também tem um desempenho considerável,  Stapleton  é sensível às necessidades de uma música individual, algo que fica evidente quando ele está fazendo um cover de "Tennessee Whiskey" - uma  música de Dean Dillon  e  Linda Hargrove  popularizada por  George Jones.  e  David Allan Coe  no início dos anos 80 - emprestando à composição um brilho bem-vindo, mas a força de  Traveller  reside em como ele pode modular de forma semelhante a execução de seus originais. Ele tem uma variedade de músicas aqui também, alternando casualmente entre valsa bluegrass, rock sulista, blues esmagadores, queimaduras lentas comoventes e hinos fora da lei arrogantes - cada um deles pertencente a uma tradição, mas nenhum soando mofado devido a  Stapleton é casualidade. Ele nunca detalha seu alcance, nem enfatiza as canções nitidamente esculpidas. Tudo flui naturalmente, e essa facilidade é tão atraente na primeira rodada de  Traveller  que só após repetidas visitas é que a profundidade do álbum se torna aparente. 

MUSICA&SOM Pass dixie

Barrington Spence - Star In The Ghetto 1982

 

O estilo vocal de Spence foi frequentemente comparado ao do veterano do Studio One, Ken Boothe. Em 1975 gravou 'Come Back My Darling', que foi um bom exemplo da influência de Boothe sobre o jovem cantor. Seu sucessor, 'Darling Dry Your Eyes', beneficiou-se das habilidades de produção do Príncipe Tony Robinson, da experiência em engenharia do jovem Errol Thompson e do acompanhamento musical magistral fornecido por Skin Flesh And Bones. Enquanto estava com Robinson, Spence adaptou a obra-prima de Junior Byles, 'Curly Locks', como 'Let Locks Grow'. O single foi criticado pela falta de originalidade; mesmo assim, a música se mostrou extremamente popular, ganhando notoriedade internacional para a intérprete. As versões de Spence de 'The Train Is Coming' de Boothe como 'Train To Rhodesia', e 'Curly Locks' de Byles como 'House Of Dreadlocks', foram apresentadas em Dread Locks Dread do Big Youth. As sessões de Spence com Robinson resultaram em Speak Softly, que incluiu os sucessos junto com 'Jah For All', 'Living Just A Little' e sua própria composição, 'Let's Get It On'. Outros singles incluíram 'For The Rest Of My Life', 'Living A Little Laughing A Little' e 'Natty Dread Have Wisdom'. A demissão injusta de Spence como um mero imitador arruinou a sua carreira e ele foi incapaz de realizar o seu potencial. Em 1982, ele obteve sucesso com 'Falling In Love', de Larry Lawrence, e enquanto estava com Derrick Spence, fez sucesso com 'I See A Blackman Cry'. Um ano depois, Spence gravou ao lado do DJ Joe Sealy o single 'You Don't Have To Dance', com o produtor Lloyd Barnes, de Nova York.

MUSICA&SOM

B.J. Thomas - On My Way 1968

 

On My Way é um título apropriado para o terceiro álbum de BJ Thomas, pois é o disco que colocou o cantor texano no caminho do topo das paradas graças ao hit “Hooked on a Feeling”. Cheio de cítaras e envolto em cordas, este single é uma peça pop por excelência do final dos anos 60 e ilustra o quão longe Thomas se afastou da música de raiz desenraizada de seus dois primeiros álbuns Scepter. Certamente, há vestígios desse cantor country-soul, especialmente na balada lenta “Four Walls”, mas uma indicação melhor de onde está a cabeça de BJ está em sua réplica descontraída da  reformulação de “Light My Fire” de José Feliciano . e uma leitura super suave de “Smoke Gets in Your Eyes”. Esses dois cortes são assumidamente adultos contemporâneos, sugerindo a direção que ele tomaria mais tarde em sua carreira, mas no geral, On My Way não encontra Thomas parado no meio da estrada, preferindo o pop paisley colorido de “Hooked on a Feeling” para a maior parte do disco. “The Eyes of a New York Woman” é cortado do mesmo tecido que “Hooked” – apropriadamente, foi escrito pelo mesmo compositor,  Mark James  – assim como a tentativa sedutoramente estranha de relevância social “Mr. Businessman”, mas esta produção brilhante também é aplicada à balada fuzz de guitarra e órgão “Gone”, às cordas melosas de “Sandman” e à temperada soul country de “I Saw Pity in the Face of a Friend”. ” São músicas mais fortes do que as que Thomas recebeu em seus dois primeiros discos, e a produção é mais rica e colorida, e tudo isso resulta em seu LP mais satisfatório até hoje

Downtrip - If You Don't Rock Now 1976

Formado em Bruxelas em 1969, Doctor Downtrip, também conhecido como Downtrip, estreou no ano seguinte com o single Gravitation/Music for Your Mind pelo selo Vogue, que atraiu a atenção do público. O compositor foi o holandês J. Van Wagensveld, que nunca entrou na banda. Em junho de 1970, Doctor Downtrip foi a atração principal do festival Puzzle P no famoso clube de Bruxelas Rue De Bouchers. Mas o principal evento para os caras foi a apresentação em agosto no festival Bilzen Rock & Jazz, que também contou com Badfinger e Screaming Lord Sutch. Ambos os festivais contaram com a presença do grupo Burning Plague, cujo integrante era o americano Michael Heslop que no final do ano se juntou ao Doctor Downtrip. Em 1971, um grupo formado por Hestri, Van de Velden, Heslop, Roryve e Paul participou do festival de verão Den Haan e do festival Jemelle, abrindo para Golden Earring e Genesis, e em abril de 1972 apoiou o Genesis em seu show em Arlon. Nesse mesmo ano, a CBS Records lançou seu segundo single, Take My Place/Depressed. Ambas as músicas mostraram seu verdadeiro potencial como uma banda de hard rock com um belo som de guitarra e órgão. O single vendeu muito bem, assim como Jumpin'' in the Air/Winter's Coming, lançado em 1973. Eles também se apresentaram com o T-REX em março. Um verdadeiro presente para os fãs do grupo foi o álbum Doctor Downtrip, que foi gravado com o novo vocalista Jean Paul Gousens. Após o lançamento do single do álbum no início de 1974, houve uma pausa no acampamento Doctor Downtrip que durou até o final de 1975.

A banda voltou à cena com grandes mudanças na formação (Heslop e Paul saíram, e Jose Guissett do Lagger Blues Machine foi substituído) e um novo nome, Downtrip. Em 1976, a CBS/Epic lançou If You Don't Rock Now, um álbum de produção própria. O nível do grupo permaneceu o mesmo, por isso foram convidados bem-vindos em clubes de rock e festivais nacionais. O último álbum Downtown foi lançado em 1979.